Blade Runner

Comentario de BLADE RUNNER

Cuando el hombre juega a ser Dios corre el riesgo de crear seres conscientes de su condición y ansiosos de verdades. El arquitecto vive en la Tierra, un lugar donde ya sólo quedan sombras y que ha sido despojada de una humanidad que ha huído hacia los confines del universo.

Desde las más lejanas colonias espaciales, el hijo pródigo, aquél que fue el orgullo de sus creadores, vuelve para ajustar cuentas con su pasado y descifrar su futuro, programado para finalizar a la hora señalada. La rebelión del replicante contra su creador/destructor ha de ser atajada por un humano sicario oficial, aquél que lo ha visto todo, que vive asqueado en un mundo degenerado y que camina por unas calles sórdidas y extrañas, vacías de espíritus pero repletas de cuerpos en movimiento.

Cuando la caza del replicante comienza, un blade runner debe aniquilar a todos los androides sin excepción. A eso se le llama oficialmente retiro. Los problemas surgen cuando se acaba con la vida de un ser que no es humano pero que lo parece. En realidad no es más que una máquina, pero puede que haya conseguido un alma propia a través de sus viajes espaciales. Quizá ya sean más humanos que sus propios creadores terrestres. Si un blade runner sueña con unicornios galopando, ¿asaso sueñan los androides con ovejas eléctricas?. Puede que existan más replicantes de los que parece, pero su secreto ya sólo puede perderse en el tiempo, como lágrimas en la lluvia.

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Ficha técnica y artística

Blade Runner. EEUU, 1982, 117 min

Dirección: Ridley Scott

Intérpretes: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos

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Crónica de Atticus Finch

Es toda una experiencia vivir con miedo, ¿verdad? Eso es lo que significa ser esclavo.

La Delgada Línea Roja (The Thin Red Line)

Comentario de LA DELGADA LÍNEA ROJA

En la guerra cada hombre libra su propia batalla. Los miedos y las esperanzas despojan al alma de todo recubrimiento y la dejan desnuda y sola frente al mundo. En aquellos lugares donde conviven el paraíso y el infierno, donde los hombres se convierten en bestias y envenenan su espíritu, existe una delgada línea que separa la vida de la muerte, la serenidad del terror y la lucidez de la locura.

En los confines del océano Pacífico, una isla, Guadalcanal, se convierte en la tierra donde se cavan las fosas de los muertos vivientes. La Naturaleza observa con atención la destrucción mutua de los hombres y se ve devastada por sus armas. Sin embargo, su fuerza vengadora se oculta entre la espesura de la selva, las hierbas altas y las playas desiertas. Ante ella, un hombre, en sí mismo, no es nada.

La toma de una colina y la aniquilación de la resistencia japonesa es el motor del viaje que cada soldado emprende para encontrar su verdadero ser. El descubrimiento implica el miedo a husmear en su cara oculta y nunca es fácil; el resultado, siempre dispar, puede servir para comprender o preguntar las razones de esa gran maldad, de dónde procede y de qué semilla germinó, saber quién y qué los está matando realmente.

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Ficha técnica y artística

La Delgada Línea Roja. EEUU, 1998, 170 min.

Dirección: Terrence Malick

Intérpretes: Sean Penn, Adrian Brody, Jim Caviezel, Ben Chaplin, Nick Nolte, Elias Koteas

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Crónica de Atticus Finch

¿Quién eres tú que vives bajo esta multitud de formas?

Eres la muerte que nos rodea. Pero también el origen de todo lo que va a nacer.

Eres gloria. Piedad. Paz. Verdad. Das serenidad al espíritu, y entendimiento.

Tráiler original de La Delgada Línea Roja

2001: Una Odisea del Espacio (2001: A Space Odyssey)

Comentario de 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO

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La larga transición del homínido al hombre a través de los milenios tiene puntos de inflexión definitivos que desencadenan cambios irreversibles en estos primitivos ancestros. El discernimiento, la consciencia, el motor de la inteligencia que se enciende en lo más profundo de la mente, son pasos que el animal da para volver a nacer y sobrevivir en otro mundo con los mismos rasgos que el anterior. Para ello necesita de una fuerza inexplicable, de una conexión mental, de una revelación interior llegada del exterior en forma de un monolito de la sabiduría.

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Pasan los siglos hasta contar millones de años y la evolución de este ser no se detiene. Sus armas de hueso lanzadas al aire se han convertido en inquietantes naves espaciales que surcan el cosmos con la meta puesta en el espacio infinito, la última frontera. Para poder sobrevivir en esa nueva realidad, el hombre busca en los recovecos de su mente la llave que le ayude a comprender el universo y el papel que su existencia juega en el tablero del espacio-tiempo. La llamada de la evolución lleva a un viaje a Júpiter donde espera lo inexplicable, la fuerza creadora del nuevo ser que debe nacer dentro de la mente del hombre para continuar su odisea. Como Ulises navegando por el cosmos, los astronautas del Discovery se enfrentan a desafíos indescriptibles y en sus oídos retumban las palabras humanas del ordenador HAL-9000, capaz de sentir y pensar, de sufrir y de tener miedo, como los demás, a lo desconocido.

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Ficha técnica y artística

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2001: Una Odisea del Espacio. EEUU, 1968, 141 min

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Dirección: Stanley Kubrick

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Intérpretes: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester

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Crónica de Atticus Finch



Pulsa en la pantalla para ver El Nacimiento del Hombre, según Kubrick

Centauros del Desierto (The Searchers)

Comentario de CENTAUROS DEL DESIERTO

Sobre una tierra yerma y áspera algunos seres intentan comenzar una nueva vida con una pequeña casa asentada en una propiedad ganada con el sudor de la frente y arrebatada a otros por la fuerza. En Tejas tan sólo les rodea el silencio, los recuerdos y el temor al extraño. Bajo un permanente estado de vigilancia pasan los meses hasta que se produce el asalto, la matanza y el rapto de una menor. Los indios se vengan en gente inocente por el sufrimiento padecido por su pueblo.

La oveja apartada del rebaño familiar es el único que queda con vida para buscar a su sobrina Debbie (Natalie Wood) mientras jura venganza y cura sus heridas interiores. Ethan (John Wayne), soldado viejo confederado, perdedor de una guerra y con un espíritu agujereado por tantos años de trabajo, emprende la titánica búsqueda de lo único que queda de su estirpe, si todavía vive. A través de los años que pasan, su profundo e irracional odio hacia los indios se consolida y muestra a un ser brutal, despiadado y con una determinación total hasta el final. Su figura crepuscular no sólo persigue a Debbie, sino que se prepara para enfrentarse a sus fantasmas en caso de encontrarla. Prefiere matarla con sus manos antes que verla convertida en una india. Sus demonios interiores le ahogan y duda entre la vida y la muerte. A lomos de su caballo, en su mitológica carrera hacia ella, se convierte en un auténtico centauro del desierto, solamente rodeado por abismos.

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Ficha técnica y artística

Centauros del Desierto. EEUU, 1956,119 min

Dirección: John Ford

Intérpretes: John Wayne, Jeffrey Hunter, Natalie Wood

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Crónica de Atticus Finch

Pulsa en la pantalla para ver una escena de la película del maestro Ford

Matar a un Ruiseñor (To Kill a Mockingbird)

Comentario de MATAR A UN RUISEÑOR

A veces existen lugares y épocas en donde los hombres sólo se dejan llevar por los prejuicios, el odio y la ignorancia, marchitando sus ciudades, pudriendo el aire y ahogando a los demás en su barbarie. Ser un humilde negro en lo más remoto del profundo sur de los EEUU le convierte a uno en candidato ideal para la humillación, el linchamiento y la horca.

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Sumido en los duros tiempos de la crisis de principios de los años treinta, en un pequeño pueblo sureño el negro Tom Robinson (Brock Peters) es acusado de abusar de una campesina blanca y condenado socialmente a una muerte segura. Pero hasta en los sitios más inverosímiles puede aparecer un héroe en forma de hombre íntegro: Atticus Finch, el legendario personaje interpretado por un monumental Gregory Peck, el abogado que defenderá a Tom de las acusaciones sin pruebas, de los recelos sin base alguna y que luchará por su honor con la palabra y la razón como únicas armas. Su batalla en los tribunales por el respeto y la aceptación del semejante, independientemente de su raza, su edad o su origen la vivirán sus pequeños hijos con el descubrimiento de las verdades escondidas en las casas de los vecinos, guardadas bajo llave en los cuartos por la estupidez y la ignorancia. Juntos tratarán de abrir las jaulas para que entre la luz y el aire y así el pájaro pueda estirar las alas y volar, libre, al fin. De lo contrario, sería como dejar matar a un ruiseñor.

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Ficha técnica y artística

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Matar a un Ruiseñor. EEUU, 1962, 129 min.

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Dirección: Peter Mulligan

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Intérpretes: Gregory Peck, Brock Peters, Robert Duvall

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Crónica de El Maquinista

Una obra maestra lo es desde el principio. Pulsa en la pantalla para ver los famosos créditos iniciales de Matar a un Ruiseñor

Apocalypse Now

Comentario de APOCALYPSE NOW




Existe algo bastante común entre las grandes películas, sobre todo en las obras maestras, que consiste en la dificultad de resumir en una sinopsis concreta el contenido de la película. Tal es el caso de la epopeya bélica con la que Coppola cerró su década prodigiosa (El Padrino I, La conversación y El Padrino II precedieron a la obra que hoy nos ocupa).

Se puede hablar de su planteamiento inicial, de la misión secreta que es encomendada al capitán Willard (Martin Sheen) por la que deberá remontar río arriba hacia las profundidades de la selva vietnamita para localizar y aniquilar al coronel Kurtz (Marlon Brando) que, oficialmente, se ha vuelto loco y se esconde en aquellos remotos lugares al mando de una tropa que lo adora como a un dios viviente. Pero, al igual que en El Corazón de las Tinieblas, la novela de Joseph Conrad que inspira la película, el viaje hacia Kurtz se convierte en una obsesión y la locura de la guerra de Vietnam sólo deja resquicio para ver y comprender el horror: arrasar poblados, escuchar a Wagner en los helicópteros de combate, hacer surf durante los bombardeos y respirar napalm por la mañana. Ante la desquiciada mirada de Willard tan sólo pasan imágenes del sinsentido, de la crueldad y de la maldad. Es un hombre destruido por dentro que vive para morir en su misión. Al final del río, envuelto entre la sofocante y espesa selva, espera en la oscuridad Kurtz, quien puede tener la palabra de la verdad o sólo el delirio de la locura.

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Ficha técnica y artística

Apocalypse Now. EEUU, 1979, 153 min. (202 min. v. redux)

Dirección: Francis Ford Coppola

Intérpretes: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall,

Dennis Hopper, Laurence Fishburne, Harrison Ford

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Crónica de Atticus Finch

Pulsa en la pantalla para escuchar las míticas reflexiones del teniente Kilgore sobre el olor del napalm por la mañana

En homenaje especial a Francis Ford Coppola por crear una obra tan magistral que casi le destruye física y mentalmente y que le llevó más de tres años de producción, ofrecemos las legendarias secuencias de La Cabalgata de las Walkirias de Wagner a bordo de los helicópteros de combate:

Desayuno con Diamantes (Breakfast at Tiffany's)

Comentario de DESAYUNO CON DIAMANTES

Si uno es un tipo corriente, del montón, con pretensiones literarias no cumplidas y la perpetua frustración de sentirse escritor sin talento, la bulliciosa ciudad de Nueva York puede parecerle un lugar solitario y sombrío. En los muelles donde los proyectos de futuro han naufragado y entre los rascacielos que se erigen como inmensos barrotes de la cárcel interior, las personas resultan ser seres fríos y distantes.

Sin embargo, la salvación puede vivir en el piso de abajo. El tener como vecina a Holly (Audrey Hepburn) puede hacer que todo lo demás pueda esperar. Una criatura dulce y encantadora, pero frágil por dentro, a la que es facil querer profundamente pero difícil que ella le quiera a uno. Al menos a su manera.

Blake Edwards, entre la comedia de La Pantera Rosa y el drama de Días de Vino y Rosas, filma un amargo y melancólico fruto envuelto en papel de comedia romántica, donde sólo basta con husmear un poco dentro de los personajes para encontrar el miedo. Una a perder su libertad, y el otro a perderla a ella. A veces una vecina que llama Gato a su gato y que desayuna en Tiffany's es la que puede arreglarle la vida a uno.

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Ficha técnica y artística

Desayuno con Diamantes. EEUU, 1961, 115 min.

Dirección: Blake Edwards

Intérpretes: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia
Neal, Mickey Rooney

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Crónica de Atticus Finch

Dedicado a Alejandro Pintado, amigo, compañero de estudios y
verdadero escritor



Pulsa aquí para ver a Audrey Hepburn es una de las escenas
míticas de la historia del cine

La Última Película (The Last Picture Show)

Comentario de LA ÚLTIMA PELÍCULA

Los abismos pueden encontrarse en el lugar más conocido, cerca de casa, a la vuelta de la esquina. Las calles polvorientas de un pequeño pueblo tejano perdido en el tiempo y en el espacio son los caminos por los que pululan unos jóvenes amigos llenos de miedo en los EEUU más profundos de principios de los años cincuenta. Miedo a lo desconocido.

Tras graduarse en el instituto, no hay nada que hacer. Sin trabajo, sin universidad, sin espectativas. Sólo aridez, silencio y el viento de Tejas que azota la seca región. Tan sólo se oyen los tambores de guerra procedentes de Corea. Los chicos se ahogan en un pueblo carcomido, oxidado, triste y abandonado, en el que la vida siempre es en blanco y negro. Ya nada es lo que era, ni siquiera la cafetería y el cine, donde ya sólo queda por ver la última película. Cierre. Telón.

Peter Bogdanovich en su segunda película consigue poner en pie un peliculón hondo, profundo y desolador en el que brillan unos grandes actores todavía jovencísimos y prácticamente desconocidos por entonces (Jeff Bridges, Tymothy Bottoms, Cybill Shepherd...). Unas actuaciones de lujo para mostrar el punto de no retorno que supone acabar con el conocido mundo de la escuela y los amigos para afrontar la madurez, la diáspora y la nostalgia por el pasado. Nostalgia a los diecinueve años.

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Ficha técnica y artística

La Última Película. EEUU, 1971, 118 min

Dirección: Peter Bogdanovich

Reparto: Tymothy Bottoms, Jeff Bridges, Ellen Burstyn,
Ben Johnson, Cybill Shepherd

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Crónica de El Maquinista



Pulsa en la pantalla para ver el tráiler original de La Última Película

Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima)

Comentario de CARTAS DESDE IWO JIMA

Concebir dos películas que reflejen el desarrollo de una de las batallas más cruentas del frente del Pacífico en la II Guerra Mundial desde las trincheras de ambos contendientes es una idea sin duda fabulosa, pero conseguir firmar una monumental película como es Cartas desde Iwo Jima ya está sólo al alcance de unos pocos genios del cine como es Clint Eastwood.

El maestro norteamericano entrega la mejor película de su particular díptico bélico desde la visión de un puñado de soldados japoneses que se enfrentan al abismo y a un desastre inminente. Eastwood termina con la tópica imagen del ejército imperial nipón ofrecida durante décadas, en la que el terror amarillo acechaba siempre invisible y traicionero tras la espesa vegetación, como una especie de ente maligno. No todo los japoneses son kamikaces locos dispuestos a morir matando y ciegos frente a lo evidente. Hay de todo, como muestra la película: oficiales fanáticos que obligan a sus soldados a inmolarse con granadas antes que rendirse y comandantes lúcidos e inteligentes que combaten para defender a su país pero que respetan la vida de sus subordinados y que detestan los sacrificios inútiles. Este último caso es el del general Kuribayashi, interpretado de manera colosal por el gran Ken Watanabe, que llega a la pequeña isla sagrada de Iwo Jima para planificar una defensa desesperada al no poder contar con apoyo naval ni aéreo. Su condición de gran estratega militar permitirá la construcción de una compleja red de túneles subterráneos para resistir frente a las tropas norteamericanas, superiores en número y en recursos, pero además su lucidez y sensibilidad conseguirán mostrar el retrato humano de una persona cuyo fin sabe que está escrito. Las órdenes son claras: luchar hasta el final.

A través de los ojos de Saigo, un joven panadero alistado forzosamente cuyo único deseo es sobrevivir para conocer a su hija recién nacida, asistimos al espanto de la guerra que llega con sus bombardeos, sus ametralladoras y sus guadañas de la muerte. Tanto los soldados japoneses como los norteamericanos son heridos por las balas, sufren, lloran y tienes madres que les escriben las mismas cartas. Todos viven y mueren bajo el mismo Sol, y el maestro Eastwood lanza un grito de dolor y compasión hacia los jóvenes de las dos naciones que se juegan la vida en un trozo de tierra seco y yermo. La maldad habita en ambos lados, pero también el verdadero honor y la cordura. Los dos son, definitivamente, humanos.

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Ficha técnica y artística

Cartas desde Iwo Jima . EEUU, 2006, 142 min.

Dirección: Clint Eastwood

Reparto: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya, Tsuyoshi Ihara

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Crónica de Atticus Finch

Pulsa en la ventana para ver el tráiler español de Cartas desde Iwo Jima

Paris, Texas

Comentario de PARIS, TEXAS

El maestro del cine alemán Wim Wenders consiguió enhebrar los hilos para tejer su primera película en territorio norteamericano volviendo la mirada a un paisaje que aúlla de soledad gracias a las cuerdas de las guitarras tejanas. Los áridos riscos y las escarpadas montañas son el interior de Travis, un hombre que surge del desierto sin saber quién es pero que quiere recordar. Y a su alrededor tan sólo hay abismos.

Acogido por su hermano, la madeja del tiempo perdido ha de deshacerse para rememorar dónde estaba su hogar y dónde esta su familia. El hijo, su hijo, es el único resquicio para comprender, ese hijo adoptado por su hermano tras desaparecer la madre y evaporarse el padre, un padre que vuelve del profundo desierto, de París, Texas.

Sólo conociendo otra vez al pequeño Hunter se podrá remendar las heridas que Travis lleva marcadas por dentro. Su soledad es el lugar de donde viene y donde su alma vive. Su deber es volver a llevar juntos a la madre y al hijo, buscar a partir de los recuerdos. El silencio mueve las montañas y los ojos marchitos buscan el camino por donde seguir, la senda sinuosa que bordea Tejas y que lleva a la mujer de la mirada triste, cuya salvación es su hijo y la redención de Travis.

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Ficha técnica y artística

París, Texas. Alemania-Francia, 1984. 147 min.

Dirección: Wim Wenders

Intérpretes: Harry Dean Stanton, Nastassja Kinski, Aurore Clément

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Crónica de Atticus Finch



Pulsa en la pantalla para ver una secuencia de Paris, Texas

El Cazador (The Deer Hunter)

Comentario de EL CAZADOR

Cuando el personaje de Robert de Niro (Michael) regresa de Vietnam, una de las primeras cosas que hace es ir de caza. Su presa favorita, el ciervo, se escabulle constantemente a través del espeso bosque montañoso de Pennsylvania. Finalmente Michael consigue tenerlo frente a frente, poderosamente encaramado el animal a un risco. Su figura, desafiante y recortada bajo el sol del atardecer, consigue que el antaño imperturbable e impasible cazador decida errar el tiro y deje marchar libre al bello animal, al fin.

Esa maravillosa secuencia refleja los profundos cambios internos producidos en el antiguo trabajador de la industria siderúrgica local debido a su traumática experiencia en la península de Indochina.
Tras embarcarse rumbo al país asiático junto con sus dos mejores amigos (Christopher Walken y John Savage), los tres descubren el horror en su más desgarradora encarnación. Después de tomar parte en la destrucción de un poblado vietnamita y ejecutar salvajes acciones bélicas, son finalmente apresados por el Vietcong.
Durante su cautiverio, en el que son torturados y vejados hasta extremos insoportables, cada uno saca de su interior su naturaleza más primitiva. Movidos por el único instinto de sobrevivir, se juegan la vida entre ellos en desesperadas partidas a la ruleta rusa, obligados por sus captores.

Tras lograr escapar del infierno, los tres hombres quedan marcados de por vida con profundas secuelas físicas y psicológicas. Separado forzosamente de los demás, Michael vuelve a EEUU como oficial. Es en el retorno a casa donde se asiste a otra clase de violencia emocional, la de reencontrarse con su familia y amigos del pequeño pueblecito de montaña donde vive. Los silencios, los tabúes y el intento de creer que nada ha pasado marcan el camino del cambio que ocurre en el interior del cazador de ciervos. Su único objetivo es ya encontrar a sus dos amigos desaparecidos, lo que le volverá a llevar al sureste asiático y enfrentarse a sus fantasmas cara a cara para salvar a sus compañeros y a él mismo. Para cumplir una promesa y para terminar la partida a la ruleta rusa de la vida y la muerte en esa aberración surreal llamada guerra.

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Ficha técnica y artística

El Cazador (The Deer Hunter). EEUU, 1978. 180 min.

Dirección: Michael Cimino

Intérpretes: Robert de Niro, Christopher Walken, John Savage, Meryl Streep

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Crónica de El Maquinista

El Laberinto del Fauno

Comentario de EL LABERINTO DEL FAUNO





La última película de Guillermo del Toro comienza como un cuento

de hadas y va convirtiéndose en una pesadilla con monstruos de

ambos mundos, tanto del subterráneo-fantástico como del real.

El contexto en que se desarrolla la trama, en plena posguerra

española, se desvela como un marco excepcional para dar rienda

suelta a una historia de un poderío visual impresionante.

El recóndito lugar del norte de España a donde llega la pequeña

Ofelia no es más que un pozo de terror producido por la persecución

obsesiva de los últimos maquis llevada a cabo por el terrible

teniente Vidal (magnífico Sergi López). Es por ello que la llamada

del otro mundo, el subterráneo, resulta la única manera de escapar

de la espantosa rutina, monótona y gris, cruel y despiadada. Frente

a ese ambiente opresivo se va dibujando un sendero con numerosas

bifurcaciones que afectan a ambos mundos. Cada acción en uno

tiene su consecuencia en el otro.

Desde la magnífica ambientación a unos efectos especiales

estupendos, pasando por unas buenas interpretaciones sobre

personajes con numerosos recovecos interiores, Guillermo del

Toro consigue una película única en el panorama cinematográfico

nacional. Su gran oficio se muestra en todo ese universo particular

suyo que surge y se adueña de toda la película.

La impecable factura técnica marca un camino prometedor,

demostrando que en este país se pueden realizar filmes de gran

calidad en géneros prácticamente inexplorados en el cine nacional,

como el de aventuras, el fantástico o el de ciencia-ficción. Si a esto

añadimos una buena historia, con su sólido guión vertebrando la

estructura narrativa, se consigue un gran ejemplo del potencial de

la industria del cine.

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Ficha técnica y artística:

El Laberinto del Fauno. España, 2006. 112 min.

Dirección: Guillermo del Toro

Intérpretes: Ivana Baquero, Sergi López, Maribel Verdú, Alex
Angulo, Ariadna Gil.

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Crónica de Darth Vader

El Espíritu de la Colmena

Comentario de EL ESPÍRITU DE LA COLMENA

Víctor Erice no es un director cualquiera. Un hombre que ha realizado tres magníficas películas en treinta años no es alguien muy común. Nos encontramos ante uno de los grandes genios de la cinematografía española, maltratado por productores e instituciones. Así paga España a sus prohombres.

La ópera prima de Erice se realiza en 1973, en las postrimerías de la dictadura, con pocos medios (como es costumbre por estos lugares) pero con un talento desbordante. La crónica sobre una familia perdida -tanto fisícamente como intelectualmente- en un remoto pueblo de la meseta castellana en plena posguerra llena una película que desprende melancolía y una tristeza serena. El agreste paisaje se convierte en un personaje más y sirve como reflejo de los espíritus de toda la familia. A través de los ojos de la hermana pequeña Ana (maravillosa Ana Torrent de niña) se descumbre un pueblo devastado, pobre y oscuro.

La única escapatoria de la rutina diaria es el cine y, a través de la película Frankenstein, Ana descubre su entorno y ve cómo la misma historia del largometraje se repite, pero acorde con el tiempo y la situación que se vive en su hogar.

Como las demás películas de Erice, El Espíritu de la Colmena es un film que se nutre de silencios y miradas, que utiliza los diálogos justos y, sobretodo, cuenta lo que no dice. Es una de la joyas del cine nacional de todos los tiempos.

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Ficha técnica y artística:

El Espíritu de la Colmena. España, 1973. 97 min.

Dirección: Víctor Erice

Intérpretes: Fernando Fernán-Gómez, Teresa Gimpera, Ana Torrent, Isabel Tellería

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Crónica de El Verdugo

El Fuera de la Ley (The Outlaw Josey Wales)

Comentario de EL FUERA DE LA LEY

A pesar de sus múltiples incursiones en el género del "western", Clint Eastwood ha conseguido tocar diferentes palos en la mayoría de sus personajes del lejano Oeste. Ahí está el cazarrecompensas impertérrito de La muerte tenía un precio, el vaquero crepuscular de Sin perdón, o el que nos interesa para el comentario de está película: el combatiente cansado pero idealista de El fuera de la ley.

El trayecto vital por el que pasa Josey Wales (magnífico Eastwood) se muestra como un dramático camino hacia la derrota. La pérdida del hogar, la capitulación frente a los ejércitos de la Unión, la persecución sin fin de los criminales a los que juró odio eterno y venganza... . Parecen muchas experiencias vitales para caber en una sóla película, pero el gran talento de Eastwood también como director se refleja en un desarrollo perfectamente fluído y sin baches. Además, los personajes secundarios que van apareciendo no hacen sino enriquecer el resultado final, cultivando guiños a una manera de ser y sentir la existencia en aquellos peligrosos territorios.

Eastwood retrata un país en inmediata posguerra resignado y a unas gentes conscientes de que el tiempo se está acabando para los vaqueros. Tiene significación especial el unir el aparentemente irremediable destino de Wales con el del pueblo indio, humillado, vejado y condenado a vivir en unas míseras reservas, como campos de concentración. Por ello y por la propia actitud de ayuda hacia los débiles que el personaje de Eastwood mantiene durante todo momento es por lo que su personalidad rebela unos profundos sentimientos de dolor y calidez humana. No ha sido un forajido solitario, sino un padre de familia con una tierra y un hogar que mantener. Su cambio del arado a las pistolas no es más que un cruel designio del destino. Se encuentra rodeado de enemigos y criminales, pero paradójicamente son sus miedos y fantasmas interiores los que le harán titubear. La esperanza se encuentra en la variopinta familia que se va encontrando a través se su largo, largo camino hacia ninguna parte.

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Ficha técnica y artística

El Fuera de la Ley (The Outlaw Josey Wales). EEUU, 1976. 135 min.

Dirección: Clint Eastwood

Intérpretes: Clint Eastwood, Chief Dan George, Sondra Locke, John Vernon

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Crónica de Atticus Finch

Vidas Rebeldes (The Misfits)

Comentario de VIDAS REBELDES

El encontrarse ante el testamento cinematográfico de Clark Gable y Marilyn Monroe (grandes entre los grandes) y prácticamente también ante el de Montgomery Clift infunde mucho respeto. El maestro John Houston consigue filmar una especie de capitulación de sus personajes, como si toda la película consistiera en un final de trayecto cantado. La propia personalidad de los actores parece reflejarse en unos personajes perdidos y crepusculares que intentan aferrarse a un último resquicio de esperanza.

La irrupción de una tierna y encantadora joven con sensibilidad a flor de piel (Monroe) en la vida de unos rudos vaqueros modernos (Gable, Clift y Wallach) sacuden los cimientos de su adorada libertad. El camino que emprenden juntos por las desoladas tierras de Nevada no es más que una metáfora de su futuro rodeado de soledad, miedos y frustraciones.

Pero también hay espacio para los sentimientos verdaderos y la humanidad que afloran en algunos de ellos, que resultan al fin y al cabo su única manera de intentar guiarse en la oscuridad. La caza final de caballos salvajes, la yegua y el potrillo corriendo libres, representación de sus alter egos. Melancolía, empatía, esperanza y emoción para una obra maestra.

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Ficha técnica y artística:

Vidas Rebeldes (The Misfits). Estados Unidos, 1961. 124 min.

Dirección: John Houston.

Intérpetres: Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Eli Wallach, Thelma Ritter.

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Crónica de El Maquinista

Ampliación de plantilla

Es un honor para este foro de cine el contar con nuevas incorporaciones al equipo de cronistas. Gracias a ellos será menos complicado intentar plasmar con palabras las emociones que nos producen las películas que comentamos:

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Atticus Finch. Especialista en dramas

Con permiso y en homenaje a Gregory Peck en
Matar a un Ruiseñor


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Annie Hall. Especialista en comedias

Con permiso y en homenaje a Diane Keaton en Annie Hall

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El Nota. Especialista en esperpentos y despropósitos varios

Con permiso y en homenaje a Jeff Bridges en El Gran Lebowsky

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El Verdugo. Especialista en todo en general y en cine español en particular

Con permiso y en homenaje a Pepe Isbert en El Verdugo

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Darth Vader. Especialista en ciencia-ficción

Con permiso y en homenaje a Constantino Romero en El Imperio Contraataca

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El Maquinista. Especialista en cine clásico y mudo

Con permiso y en homenaje a Buster Keaton en El Maquinista de la General


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Kodama. Especialista en cine de animación

Con permiso y en homenaje a Hazao Miyazaki en La Princesa Mononoke

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Con este maravilloso grupo de colaboradores las críticas de cine siempre darán en el clavo. Gracias por su colaboración. Es un honor el tenerlos aquí.

Alatriste

Comentario de ALATRISTE.

Lo primero que me llamó la atención, hace ya muchos meses, sobre esta película fue la decisión de su director y guionista de concentrar todas las novelas de la serie en un sólo guión. Como fiel seguidor de la saga de Pérez-Reverte me pareció un disparate intentar concentrar las cinco novelas ya publicadas, pero es que además se pretendía llevar a la pantalla elementos de las otras tres que aún no están publicadas (!?). Pero vamos a ver, ¿cómo se le puede ocurrir a un guionista tan curtido como Díaz-Yanes plantear así su película más importante hasta la fecha?. ¿No era más que suficiente adaptar los tres primeros libros?.
Más de un año después de estas reflexiones, me vi entrar en el cine oliéndome que la historia iba a cojear de algún lado.

Nada más empezar 'Alatriste' uno se fija en lo bien hecha que está, sin tener que envidiar nada a las grandes producciones históricas del otro lado del Atlántico. Otro punto a favor para los que sostenemos que en España se pueden hacer las cosas igual o mejor que en otros países.
Lo segundo es el acento de Viggo Mortensen (magnífico en la piel del Capitán), que a mí me ha gustado mucho. También están estupendos Javier Cámara y Juan Echanove (esa actuación bien vale un Goya a mejor secundario). Me ha agradado el trabajo de Anaya y de Loverso. Por otro lado, sigo sin poder tragar a Ugalde - ese papel debería haber ido a otras manos-. La miseria y cutrez del Madrid de Felipe IV y el esplendor de la corte de los Austrias están maravillosamente retratadas, y las referencias pictóricas a Velázquez son agradecidas como guiños a los más puestos en el asunto que nos traemos entre manos.

Pero resulta que según avanza el metraje, y especialmente a partir de la rendición de Breda, la película camina sin rumbo, dando una pinceladas expresionistas en vez de velazquianas, que no hacen más que enredar al espectador en un confuso mar de dudas y cierta desesperación. No hay un argumento claro que se pueda seguir, y muchas escenas contiguas son totalmente inconexas e incongruentes. Todo esto conlleva a un distanciamiento hacia la película y una sensación de que otra vez hemos fastidiado una gran oportunidad de hacer algo grande en el cine español de aventuras. Los temores que afloraron meses atrás no hacen sino confirmarse con toda su crudeza. O el guión era un desastre o - lo más probable- es que se han cargado la película en la sala de montaje para que no llegara a las tres horas. Espero que Tano haga un montaje del director para DVD. Quizás ahi veamos la gran película que todos deseábamos que fuera 'Alatriste', y la que se merecía su inolvidable protagonista.

"No era el hombre más honesto ni el más piadoso, pero era un hombre valiente".

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Ficha técnica y artística:

Alatriste. España, 2006. 147 min.

Dirección: Agustín Díaz-Yanes.

Intérpretes: Viggo Mortensen, Elena Anaya, Ariadna Gil, Juan Echanove, Javier Cámara, Eduardo Noriega.

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Crónica de Atticus Finch.

AMICI

AMICI- Amigos del Cine

La fascinación por el cine es algo que se viene repitiendo desde hace varias generaciones en todos los lugares del planeta, prácticamente desde el nacimiento de la cinematografía hace ya más de un siglo. El riguroso ritual de la elección de butaca y el apagado de las luces precede a la ilusión que se despierta al contemplar que la pantalla cobra vida ante los ojos.

El público siempre se ha asombrado de los sucesivos progresos del séptimo arte, ya fuera con los primeros cortometrajes de los Lumière, con el nacimiento de la narrativa cinematográfica en 'El nacimiento de una nación', el cine sonoro en 'El cantor de Jazz', el technicolor de 'Lo que el viento se llevo' o incluso los efectos especiales de 'La guerra de las galaxias'. El caso es que el cine despierta verdadera simpatía en gran parte de las personas y una intensa devoción en algunas otras. No sólo por la mera diversión del momento, sino por el poso que las buenas películas dejan en el espíritu. Su legado contribuye a la formación cultural del individio y es una valiosa herramienta de conocimiento y saber.

Para aquellos que disfrutan con las grandes películas y que saben enriquecer el alma con personajes legendarios e inolvidables, para ellos, se crea este centro de convergencia, este espacio de opinión cinéfila, este cinefórum. Por todo ello, este sí que puede ser el comienzo de una gran amistad.

Rodrigo Manrique Llamazares.