sábado, 24 de diciembre de 2011

El Resplandor

Comentario de EL RESPLANDOR


Pocos directores de prestigio pueden presumir de tener una filmografía tan rica como la de Stanley Kubrick, quien durante casi medio siglo de carrera tocó una gran variedad de géneros distintos. Drama ("Lolita"), bélico ("Senderos de Gloria", "La Chaqueta Metálica"), épico ("Espartaco"), ciencia-ficción ("2001, Odisea del Espacio"), comedia negra ("Teléfono Rojo"), terror ("El Resplandor"), futuro distópico ("La Naranja Mecánica") o incluso cine histórico ("Barry Lyndon"). A pesar de abordar temáticas tan diferentes el realizador británico saldría airoso de todos estos proyectos independientemente de que el resultado final fuese mejor o peor en cada caso. Sus películas no son planas o anodinas, tienen personalidad y en general le gustan mucho a este cronista, salvo las más discretas "Barry Lyndon" y "Teléfono Rojo". Es probablemente a finales de los años 60 y principios de los 70 cuando Kubrick alcanza plenamente su estatus de director consagrado, tras haber sido capaz de poner en pie con éxito dos proyectos tan arriegados como "2001, Odisea del Espacio" (1968) y "La Naranja Mecánica" (1971). A partir de entonces sus trabajos van a ir espaciándose más en el tiempo y así es como en 1980 decide adaptar a la gran pantalla la novela de terror "El Resplandor", del escritor canadiense Stephen King. El rodaje, como era habitual con él, resultaría una experiencia agotadora para el equipo tras soportar el perfeccionismo extremo y las continuas exigencias del realizador. Kubrick podía ser un genio de cine, pero para los actores trabajar con él solía ser peor que un dolor de muelas.

La película narra la llegada del escritor Jack Torrance (Jack Nicholson) a un apartado hotel de las Montañas Rocosas que se prepara para cerrar la temporada de visitantes por el comienzo del invierno. Torrance ha sido contratado para vigilar el complejo mientras dura el cierre invernal, tiempo durante el cual estará completamente aislado por la nieve. Su idea es aprovechar la situación para concentrarse en escribir su próxima novela lejos de cualquier distracción, aunque finalmente se ha llevado con él a su mujer y a su pequeño hijo de siete años. Una vez se quedan solos en el hotel los días van pasando uno tras otro mientras se va creando una atmósfera irreal en torno a ellos y que poco a poco va inundándolo todo. Puede que sea fruto del aislamiento total al que están sometidos o debido a alguna influencia extraña que emana del lugar. El caso es que comienzan a suceder fenómenos sin explicación y Jack es arrastrado por ellos a una espiral de locura que lo trastorna por completo, a la vez que su hijo experimenta unas habilidades sobrenaturales pero innatas en él, conocidas como el resplandor.

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Ficha técnica y artística

El Resplandor (The Shining). EEUU, 1980, 146 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd

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Crónica de Atticus Finch




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sábado, 17 de diciembre de 2011

El Ocaso del Samurái

Comentario de EL OCASO DEL SAMURÁI


El género de cine histórico centrado en el mundo de los samuráis ha tenido un largo recorrido en la cinematografía japonesa desde la implantación del cine en ese país, debido sin duda a la gran influencia que ha ejercido durante siglos en todos los ámbitos de su cultura. No obstante el género samurái alcanzaría pleno reconocimiento artístico y difusión internacional en los años 50, cuando importantes directores abordaron la temática con un tratamiento más sólido en las historias. A la cabeza se encuentra Akira Kurosawa, quien durante varias décadas filmó un buen número de cintas famosas casi siempre acompañado por el actor Toshiro Mifune: "Rashomon", "Los Siete Samuráis", "Yojimbo" o "Ran" son buenos ejemplos que tratan diferentes perspectivas de este universo. El cine samurái puede ubicarse a lo largo de varios siglos, desde los albores del medievo hasta finales del siglo XIX, cuando la Restauración Meiji emprendida por el emperador barrería la era de los shogun y con ellos al sistema feudal, samuráis incluidos. Sus historias pueden hablar de temas tan interesantes como el camino del guerrero (el bushido), la reprimida sociedad japonesa, los samuráis errantes sin señor al que servir (los míticos ronin) o la traumática desaparición de su mundo, cuando les arrebataron las katanas definitivamente. Aunque su casta fuera abolida formalmenete, su filosofía de vida ha seguido impregnando a todas la generaciones japonesas, incluyendo a otros cineastas aparte de Kurosawa como Masaki Kobayashi ("Harakiri", "Samurai Rebellion") o incluso al contemporáneo Takeshi Kitano ("Zatoichi"). Uno de los más bellos acercamientos al género ha sido llevado a cabo recientemente por el director Yoji Yamada, quien lanza una mirada desmitificadora y profundamente humana en su trilogía dedicada al tema: "El Ocaso del Samurai" (2002), "La Espada Oculta" (2004) y "Love & Honor" (2006). En ellas sus personajes huyen de los tópicos y se muestran como samuráis cercanos, ajenos al mito de la espada y el sacrificio inútil, tan solo deseosos de vivir el día a día lo mejor posible.

La acción de "El Ocaso del Samurái" transcurre a mediados del siglo XIX poco antes de la Restauración Meiji, en una era en la que la mayoría de los samuráis hace ya tiempo que han abandonado la guerra para dedicarse a tareas administrativas, aunque sigan portando sus katanas como seña de identidad. Su protagonista es Seibei Iguchi, un samurái viudo de bajo rango que trabaja como funcionario en el almacén de provisiones de uno de los castillos de su señor. El salario que recibe le llega a duras penas para mantener a sus hijas pequeñas y a su anciana madre, ya medio senil, por lo que tiene que dedicarse también a otros trabajos complementarios. De naturaleza sencilla y tranquila, la máxima aspiración de Seibei es vivir en paz y ver crecer a sus hijas sanas e independientes. Sin embargo la llegada al pueblo de una antigua amiga de la infancia y una peligrosa misión encargada por el clan al que pertenece van a trastocar por completo su rutina diaria.

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Ficha técnica y artística

El Ocaso del Samurai (The Twilight Samurai). Japón, 2002, 129 min.

Dirección: Yoji Yamada

Intérpretes: Hiroyuki Sanada, Rie Miyazawa, Nenji Kobayashi

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Crónica de El Maquinista




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sábado, 10 de diciembre de 2011

Río Salvaje

Comentario de RÍO SALVAJE


El director norteamericano Elia Kazan comenzó la década de los 60 de forma sobresaliente con la película "Río Salvaje", un drama que se adentraba en las profundidades del Sur estadounidense para retratar las relaciones personales y el arraigo a la tierra. Para ello contaría con dos grandes intérpretes protagonistas, Montgomery Clift y Lee Remick, actores que no son tan recordados por el gran público como otras grandes estrellas de primera fila pero que cuentan con un buen puñado de importantes largometrajes en los que siempre llevaron a cabo trabajos excelentes. Clift es probablemente uno de los actores más atormentados que hayan pasado nunca por la gran pantalla y una persona que poco a poco fue sumergiéndose en una espiral autodestructiva que finalmente acabaría con su vida. Para la posteridad quedan sus papeles en obras como "De Aquí a la Eternidad", "Yo confieso", "De Repente, el Último Verano" o "Vidas Rebeldes". Por su parte, la imagen de Lee Remick no puede ser más diferente, ya que sus personajes transmiten veracidad y ternura, ya sea en películas tan diferentes como "Días de Vino y Rosas", "Anatomía de un Asesinato" o la propia "Río Salvaje".

La cinta hoy comentada narra la llegada de un funcionario de la Administración llamado Chuck Glover (Montgomery Clift) a las inmediaciones de un pequeño pueblo sureño a orillas del río Tennessee a comienzos de los años 30. La zona lleva años sufriendo frecuentes inundaciones por las crecidas del río y el gobierno federal ha decidido evacuar definitivamente todo el valle y llevar a cabo la construcción de una presa hidroeléctrica en las cercanías de la localidad. Todas las tierras ribereñas quedarán anegadas en pocas semanas una vez se ponga en marcha la presa, por lo que durante los meses anteriores se ha procedido a la expropiación de los terrenos en la región. Chuck ha sido enviado a supervisar los últimos trámites y a intentar convencer a la propietaria de la última parcela sin desalojar de vender su terreno y trasladarse a vivir a una nueva casa en el pueblo. La mujer es una obcecada anciana, Ella Garth (Jo Van Fllet), que se niega a abandonar su casa y la tierra de sus antepasados, mientras sigue con su vida junto a su familia y un reducido número de trabajadores negros que continúan realizando las labores de cosecha en la pequeña finca. Tras varios intentos infructuosos de convencerla, un día conoce a su nieta Carol (Lee Reemick), una joven viuda que no tiene muy claro si debe emprender su vida en otro lugar o permanecer en la casa familiar. Poco a poco comenzarán a aflorar sentimientos entre ambos mientras el tiempo antes de las inundaciones se acaba.

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Ficha técnica y artística

Río Salvaje (Wild River). EEUU, 1960, 109 min.

Dirección: Elia Kazan

Intérpretes: Montgomery Clift, Lee Remick, Jo Van Fleet

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Crónica de Atticus Finch

domingo, 4 de diciembre de 2011

El Hijo de la Novia

Comentario de EL HIJO DE LA NOVIA


A finales de los años 90 comenzaron a llegar a las pantallas españolas un creciente número de películas latinoamericanas que anunciaban una década de trabajos muy interesantes dentro de esta cinematografía. El estreno en poco tiempo de "Nueve Reinas" (Fabián Bielinsky, 2000) y "El Hijo de la Novia" (Juan Jósé Campanella, 2001) consolidarían al cine argentino como el puntal de lanza de esta nueva era de largometrajes sudamericanos y a Ricardo Darín como su rostro más conocido, sin contar a intérpretes ya consagrados en España como Héctor Alterio, Cecilia Roth o Federico Luppi. De esta manera han seguido llegando con los años cintas estupendas, sobre todo de Méjico, Argentina y Brasil, países que son los que exportan con mayor frecuencia sus largometrajes a Europa. Buenos ejemplos son autores argentinos como Marcelo Piñeyro ("Kamchatka"), Adolfo Aristaráin ("Lugares Comunes") o el propio Campanella ("El Mismo Amor, la Misma Lluvia"); el trío mejicano formado por Iñárritu, Del Toro y Cuarón, propensos también a trabajar en los EEUU, así como el emergente cine brasileño de Ricardo Meirelles ("Ciudad de Dios"), Walter Salles ("Diarios de Motocicleta") y José Padinha ("Tropa de Élite"), de una factura técnica envidiable. Todos juntos forman un grupo versátil capaz de firmar películas sobresalientes, uno de cuyos últimos y mejores exponentes es la obra maestra de Campanella, "El Secreto de sus Ojos", cinta que de haber sido anglosajona ya estaría subida a los altares cinematográficos de medio mundo. Por ello es necesario y de lógica aplastante fomentar el intercambio de películas entre los países de habla española y por extensión portuguesa, a fin de crear un sólido espacio cinematográfico en toda la comunidad iberoamericana, de Europa a Sudámerica.

"El Hijo de la Novia" es la radiografía vital de Rafael (Ricardo Darín), un estresado dueño de un restaurante bonaerense cuya obsesión por el trabajo le está carcomiendo la salud y haciéndole perder contacto con las cosas verdaderamente importantes. En medio de su ahogada existencia entra su padre (Héctor Alterio) para pedirle su apoyo en una idea que al hijo se le antoja disparatada, casarse de nuevo con su madre enferma de alzheimer (Norma Aleandro) pero esta vez por la Iglesia, una vieja ilusión que ella mantenía antes de caer presa de la enfermedad que le ha robado la mayor parte de sus recuerdos. La organización del plan le servirá a Rafael para darse una nueva oportunidad y devolver algo de ilusión a los que le rodean.

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Ficha técnica y artística

El Hijo de la Novia. Argentina-España, 2001, 124 min.

Dirección: Juan José Campanella

Intérpretes: Ricardo Darín, Héctor Alterio, Norma Aleandro

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Crónica de El Maquinista




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sábado, 26 de noviembre de 2011

Ciudadano Kane

Comentario de CIUDADANO KANE


Tras conseguir gran éxito en obras teatrales y sobre todo con su adaptación radiofónica de "La Guerra de los Mundos", a Orson Welles se le presentó la oportunidad de entrar en el mundo del cine cuando en 1939 la productora RKO le ofreció dirigir tres películas con total libertad, algo inaudito en esa época y bastante raro aún en nuestros días. Finalmente la colaboración se reduciría a tan solo un largometraje, "Ciudadano Kane" (1941), pero éste supondría un nuevo pilar de la cinematografía moderna gracias a todas sus innovaciones técnicas. Con un guión coescrito por él mismo y reservándose además el papel protagonista, Welles se basó libremente en la vida del magnate de la prensa William Randolph Hearst para crear una portentosa historia sobre la ambición, el poder y la soledad. Tras la cámara llevaría a cabo un trabajo impresionante con la puesta en escena, el uso de la fotografía, la profundidad de campo, los encuadres y un sin fin de recursos novedosos, aportando la mirada personal del realizador. Incluso la estructura narrativa sería manejada con nuevos códigos, fragmentando la historia y empezando la película por el final, recurriendo a flash-backs para tejer el relato. De esta manera Welles hizo una gran aportación al desarrollo del lenguaje cinematográfico tal como se entiende en la actualidad, en la senda de pioneros como Sergei Eisenstein ("El Acorazado Potemkin") o David Griffith ("El Nacimiento de una Nación"). Paradojas de la historia, Welles no lo tendría nada fácil para poner en pie la mayor parte de sus siguientes proyectos, dejando una filmografía bastante deslavazada pero con otros largometrajes reconocidos como "La Dama de Shanghai" (1947) o "Sed de Mal" (1958). Varios de sus trabajos quedarían inconclusos por falta de financiación, llegaría a abandonar los EEUU por Europa para luego volver y participaría regularmente como intérprete en varias cintas ("Moby Dick", "Un Hombre para la Eternidad") para costear sus rodajes. A pesar de todo, nadie puede discutirle su estatus como pieza clave del cine del siglo XX.

La cinta comienza con la muerte del magnate Charles Foster Kane (Orson Welles) en su mansión de Xanadú, una megalómana construcción llena de obras de arte y cientos de objetos de gran valor. Poco antes de expirar pronuncia una enigmática palabra, "Rosebud", mientras sostiene en su mano una bola de cristal con nieve en el interior. Tras el suceso un periodista empieza a investigar el significado de "Rosebud" entrevistando a viejos amigos y colaboradores de Kane, buceando poco a poco en la misteriosa vida del personaje. A través de los relatos de todas esas personas que le conocieron, el espectador es testigo de su vida: los recuerdos de infancia, la gran herencia recibida y sus primeros pasos llenos de idealismo en el mundo del periodismo. Pero con el tiempo asoma el lado oscuro de su personalidad, la ambición y el camino que emprende por conseguir poder a través de los negocios y su frustrada carrera política. Kane va perdiendo los valores que le inspiraron y a sus amistades más fieles hasta acabar rodeado de riquezas, pero sabedor de haberse traicionado a sí mismo.

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Ficha técnica y artística

Ciudadano Kane (Citizen Kane). EEUU, 1941, 119 min.

Dirección: Orson Welles

Intérpretes: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane

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Crónica de Atticus Finch




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sábado, 19 de noviembre de 2011

Promesas del Este

Comentario de PROMESAS DEL ESTE


Desde finales de los años 70 hasta bien entrada la década de los 90 el director canadiense David Cronenberg se especializó en un tipo de cine bastante grotesco y de dudoso gusto muy dado a husmear en los asuntos más turbios del ser humano. Sus temáticas y el tratamiento de todas esas historias raras le hicieron entrar rápidamente en mi lista negra de realizadores proscritos, junto a otros señores como Michael Haneke. Hay bastantes directores que me resultan molestos, unos por ejemplo debido a su cargante pirotecnia visual (Michael Bay, Roland Emmerich), otros por el soporífero ritmo que imprimen a sus películas, lo que hace que su visionado resulte tan estimulante como ver secarse una capa de pintura (Rohmer, Kiarostami e iraníes varios). Pero el número de realizadores a los que realmente tenga aversión se puede reducir a un puñado escaso, normalmente por culpa de su afición a las historias malsanas. Cronenberg parece que finalmente vio la luz a comienzos del siglo XXI, ya que en 2005 se reinventó firmando la excelente cinta "Una Historia de Violencia", inicando así una colaboración muy fructífera con el actor Viggo Mortensen que seguiría en "Promesas del Este" (2007) y la cercana a estrenarse "Un Método Peligroso", donde Mortensen se mete en la piel del insigne doctor Freud. Aunque no pueda tachar a Cronenberg de mi lista negra por todo lo que perpetró durante veinticinco años al menos le tendré en cuenta su nueva etapa en venideros juicios a su filmografía.

"Promesas del Este" es un original acercamiento a los clanes mafiosos rusos que sigilosamente se han asentado en Europa occidental. Estas organizaciones criminales no han tenido mucha atención en la gran pantalla, donde normalmente se suelen ver a las más tradicionales mafias italianas e irlandesas, pero su pericia en la actividad delictiva no tiene nada que envidiar a estas últimas. La cinta narra básicamente el lío monumental en el que se ve envuelta una voluntariosa enfermera londinense llamada Anna (Naomi Watts), tras hacerse cargo del diario personal y el bebé recién nacido de una chica rusa que fallece en su hospital al dar a luz. En un intento por encontrar a algún familiar de la muchacha, Anna decide iniciar la traducción del diario donde ésta cuenta la tortuosa historia de cómo llegó a Londres desde su Rusia natal. La enfermera poco a poco va tirando del hilo hasta llamar sin saberlo a las puertas de un clan mafioso eslavo, el cual es dirigido desde un conocido restaurante de la capital que hace de tapadera. Esto le llevará a conocer al brutal hijo del capo (Vincent Cassel) y a su hombre de confianza (Viggo Mortensen), un misterioso hombre que lucha por escalar peldaños en la organización pero que a la vez trata de alejarla del peligro lo máximo posible.

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Ficha técnica y artísitca

Promesas del Este (Eastern Promises). Reino Unido, 2007, 99 min.

Dirección: David Cronenberg

Intérpretes: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel

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Crónica de El Maquinista




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sábado, 12 de noviembre de 2011

A Quemarropa

Comentario de A QUEMARROPA


El director británico John Boorman se inició en el mundo del largometraje en 1965 con una película documental a mayor gloria de la banda de pop The Dave Clark Five, en un ejercicio bastante de moda en aquellos tiempos que seguía el patrón marcado por Richard Lester para su conocida colaboración con los Beatles en "¡Qué Noche la de Aquél Día!". Para su primer trabajo serio de ficción Boorman cruzaría el charco dos años después para rodar en EEUU y tener al frente de las cámaras a un actor de la talla de Lee Marvin en la fascinante obra de cine negro que supone "A Quemarropa", de la que incomprensiblemente no se suele hablar demasiado. La carrera de Boorman ha continuado hasta nuestros días con otras largometrajes conocidos pero probablemente sus dos hitos más importantes lo forman "Deliverance" (1972) y "Excalibur" (1981). La primera supone el viaje al corazón de las tinieblas que emprenden cuatro amigos de Atlanta cuando deciden ir a pasar un fin de semana al río Cahulawassee en las montañas del estado de Georgia. La naturaleza salvaje y los aldeanos del lugar les llevarán a luchar por su propia supervivencia en una cinta cuyas imágenes icónicas son el descenso del río en canoa y a John Voight emupuñando su arco de tiro olímpico para defenderse mientras Burt Reynolds cree haberse convertido en el último guerrero americano vivo. Por su parte, "Excalibur" es probablemente la mejor película realizada sobre las leyendas del rey Arturo y sus caballeros. A pesar de que existen varias perspectivas diferentes desde las que abordar la historia, Boorman apostó en esta ocasión por la vertiente más legendaria y con abundancia de elementos sobrenaturales, consiguiendo una poderosa obra asociada ya para siempre a los coros del Carmina Burana de Carl Orff.

"A Quemarropa" supone un caso bastante insólito dentro del cine negro, ya que tiene la factura de película de autor europeo con un estilo narrativo absorbente lleno de elipsis, metáforas, recuerdos y estructura fragmentada. Walker (Lee Marvin) es un ladrón de grandes sumas de dinero que un día es traicionado por uno de sus mejores amigos en el transcurso de un golpe en la cárcel abandonada de Alcatraz. Tras sobrevivir a múltiples heridas y dado por muerto, años después se le presenta la ocasión de seguir su rastro para vengarse y recuperar parte de aquél botín. Walker es un hombre imperturbable que probablemente se dejó mucho más de lo que parece en esa fría isla, y su caza no parece motivada solo por el dinero o los sentimientos, sino por la inercia misma de toda su vida. Su antiguo compañero pertenece ahora a una opaca organización criminal en la cual Walker consigue internarse gracias a información privilegiada que le suministra un topo de la misma, pero en su misión va a arrasar con todo lo que se le ponga por delante llegando incluso a destruir los mismo pilares del grupo. Esto se resume en que lucha él solo contro todo y contra todos, sin importarle las consecuencias.

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Ficha técnica y artística

A Quemarropa (Point Blank). EEUU, 1967, 92 min.

Dirección: John Boorman

Intérpretes: Lee Marvin, Angie Dickinson, Keenan Wynn

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 30 de octubre de 2011

Fuga de Alcatraz

Comentario de FUGA DE ALCATRAZ


La carrera cinematográfica de Clint Eastwood es probablemente una de las más fascinantes de la época contemporánea, ya que ha evolucionado durante cinco décadas a través de un buen número de registros y estilos diferentes tanto en su vertiente de intérprete como de director. Personalmente me gusta dividirla en tres etapas distintas: la primera comprende los inicios del joven Eastwood en los años 60 con la trilogía western de Sergio Leone y otros trabajos que le brindarían su imagen icónica de hombre imperturbable tan ligada al cine del Oeste. La segunda etapa arranca a comienzos de los 70 cuando Eastwood por fin alcanza el estrellato en EEUU gracias a "Harry el Sucio" (1971), inaugurando quince años en los que explota su perfil de anti-héroe políticamente incorrecto y duro a lo largo de varias películas policiacas o de acción con un calidad irregular. Y finalmente la tercera nace a finales de la década de los 80 cuando Eastwood se revela definitivamente en su faceta de realizador ("El Jinete Pálido", "Bird") consiguiendo el pleno reconocimiento de la crítica con "Sin Perdón", punto de inflexión a partir del cual se convertirá en uno de los autores norteamericanos más relevantes de la actualidad. Sus largometrajes ganan en profundidad, las tramas son más complejas y abordan aspectos nada sencillos, en ocasiones con fuertes críticas a la sociedad estadounidense. Eastwood, en ocasiones menospreciado y tachado erroneamente de conservador reaccionario (como si eso por otra parte impidiese rodar buenas cintas) no es sino un hombre que sigue su propio camino, lo que en Norteamérica llamarían un outsider o maverick, alguien que no está adscrito a la ortodoxia de unas posiciones fijas y que va por libre manteniendo su coherencia y valores. Algo que muchos le agradecemos enormemente.

"Fuga de Alcatraz" supone la quinta y última colaboración de Clint Eastwood y el director Don Siegel, quien le había convertido en su actor fetiche tras protagonizar "Dos Mulas y Una Mujer" y "Harry el Sucio", entre otras. En esta ocasión la trama lleva al espectador a la antigua prisión de Alcatraz, auténtica fortaleza enclavada en un islote en la bahía de San Francisco. Hasta allí es enviado el convicto Frank Morris (Eastwood), un hombre de gran fortaleza pero con una larga condena por delante. Su llegada a la cárcel le sumerge en un universo hostil en el que su tendencia a no dejarse intimidar le llevará a enfrentarse con el despiadado alcaide de la prisión y a buena parte de los reclusos. Junto a un reducido número de compañeros decide finalmente trazar un plan de evasión considerado hasta hora imposible: atravesar los muros de la celda, internarse por los conductos de ventilación y salir a nado de la isla a través de sus heladas aguas. La cuenta atrás para el éxito o fracaso de la fuga acaba de empezar.

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Ficha técnica y artística

Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz). EEUU, 1979, 112 min.

Dirección: Don Siegel

Intérpretes: Clint Eastwood, Patrick McGoohan, Fred Ward

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Crónica de Atticus Finch




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domingo, 23 de octubre de 2011

Tiempos de Gloria

Comentario de TIEMPOS DE GLORIA


En la filmografía del director Edward Zwick no abundan películas muy reseñables con la excepción de su debut "Tiempos de Gloria" (1989), "Leyendas de Pasión" (1994) o "El Último Samurai" (2003). Desde hace bastantes años se ha convertido en un eficaz realizador de productos comerciales con unos buenos niveles de calidad, pero es quizás en su vertiente como productor donde ha conseguido mayores éxitos ("Shakespeare in Love", "Traffic"). Sin embargo su ópera prima está a un nivel muy superior al del resto de sus trabajos gracias a un poderoso retrato de la guerra civil estadounidense (1861-1865), una contienda de gran trascendencia histórica que no ha contado con muchas adaptaciones a la gran pantalla, con notables excepciones como "Lo que el Viento se Llevó" o "El Nacimiento de una Nación". Este complejo conflicto tampoco ha sido abordado normalmente de forma seria, dejando que los temas más superficiales fueran los protagonistas. Las profundas diferencias sociales, económicas y políticas entre los estados del Norte y el Sur tendrían una importancia determinante en el desencadenamiento de la guerra, al igual que el choque entre dos modelos de crecimiento opuestos: el industrial y proteccionista del Norte frente al agrario y de libre comercio sureño.

"Tiempos de Gloria" es el relato de la formación del primer regimiento de soldados negros del ejército de la Unión. A pesar de que la esclavitud estaba abolida en los estados del Norte los hombres de raza negra seguían siendo considerados como ciudadanos de segunda clase. Así, tanto las tropas unionistas como confederadas estaban enteramente formadas por blancos, pero a mitad del conflicto el presidente Lincoln aprobaría un decreto para la incorporación efectiva de soldados afroamericanos al ejército norteño. La misión de seleccionar, adiestrar y dirigir en combate a estos nuevos reclutas es encomendada al teniente del regimiento 54 de Massachusetts Robert G. Shaw (Matthew Broderick), un joven oficial de gran eficacia y obediencia pero al que la guerra está destruyendo moralmente por dentro. Ante él se presenta un multitudinario grupo de voluntarios, desde antiguos esclavos (Morgan Freeman) como a huidos procedentes del Sur (Denzel Washington), todos ellos con un enorme deseo de luchar por su dignidad como hombres libres. Su involucración en los campos de batalla les mostrará la cara más oscura de su ya por sí difícil vida pero también el camino de la esperanza.

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Ficha técnica y artística

Tiempos de Gloria (Glory). EEUU, 1989, 122 min.

Dirección: Edward Zwick

Intérpretes: Matthew Broderick, Denzel Washington, Morgan Freeman

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Crónica de El Maquinista




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sábado, 15 de octubre de 2011

El Tren

Comentario de EL TREN


A lo largo de la historia del cine ha habido numerosos casos en los que la relación profesional entre un director y su actor fetiche ha alcanzado tal número de colaboraciones importantes que las carreras de ambos han quedado marcadas por ella. Buenos ejemplos son los proyectos que compartieron Akira Kurosawa y Toshiro Mifune, Woody Allen y Mia Farrow o Martin Scorsese y Robert De Niro. Otro caso menos intenso pero no por ello desestimable fue la fructífera asociación que el realizador John Frankenheimer estableció con Burt Lancaster a comienzos de los años 60 dando como resultado "Los Jóvenes Salvajes" (1961), "El Hombre de Alcatraz" (1962), "Siete Días de Mayo" y "El Tren", ambas en 1964. Bajo el nada original título de ésta última se esconde muy probablemente la obra maestra de Frankenheimer, un auténtico tesoro con brillante pulso narrativo marca de la casa y sensacional puesta en escena. Para ello el director norteamericano se apoyaría en dos actores enormes que libran su propia batalla personal a lo largo del metraje, Burt Lancaster y el genial pero no muy conocido Paul Scofield, quien es recordado sobre todo por su premiada interpretación de Tomás Moro en el clásico de Fred Zinnemann "Un Hombre para la Eternidad" (1966).

"El Tren" sitúa al espectador en la Francia ocupada de la II Guerra Mundial, la cual está siendo abandonada precipitadamente por los nazis debido a la ofensiva aliada tras el desembarco de Normandía. París será previsiblemente liberada en pocas semanas y hay que quemar documentos y saquear todo lo posible hasta entonces. El oficial alemán Von Waldheim (Paul Scofield) ha sido durante los últimos meses el director de uno de los museos de arte más importantes de la capital, el cual alberga obras maestras de Monet, Picasso, Van Gogh, Cézanne y otros grandes pintores. Tras serle comunicado que debe partir inmediatamente de vuelta a Alemania decide llevarse por todos los medios los cuadros de la galería tanto por su significado cultural, que aprecia sumamente, como por el valor incalculable que suponen. Tras complicadas gestiones finalmente consigue disponer de tropas para realizar el cometido y de un tren que llevará todo el material a Berlín. Paralelamente miembros de la resistencia clandestina en París han conocido sus intenciones y deciden activar un plan de sabotaje para que el tren nunca cruce la frontera y las obras de arte permanezcan en suelo francés. En la misión se ve involucrado contra su voluntad una destacada figura de la resistencia, el ferroviario Labiche (Burt Lancaster), quien no aprueba que se arriesguen tantas vidas por un cargamento de cuadros dada la complejidad logística y todos los riesgos que supone. Empujado por las circunstancias finalmente se convertirá en el cabecilla de un operativo contrarreloj que tendrá que detener al astuto Von Waldheim y a su tren.

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Ficha técnica y artística

El Tren (The Train). EEUU, 1964, 133 min.

Dirección: John Frankenheimer

Intérpretes: Burt Lancaster, Paul Scofield, Jeanne Moreau

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Crónica de Atticus Finch




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domingo, 9 de octubre de 2011

Valor de Ley

Comentario de VALOR DE LEY


En la heterogénea filmografía de los hermanos Joel y Ethan Coen aparece un variado abanico de géneros incluyendo dramas, cine negro, policiaco o comedia. Aunque bien es cierto que en la mayor parte de sus obras, sea de la temática que sea, los Coen suelen mantener unas claves estilísticas propias con las que han definido la forma de abordar sus historias. Con su último trabajo, "Valor de Ley", han decidido introducirse en el difícil mundo del western, un género que habitualmente duerme en segundo plano desde hace décadas pero que cada cierto tiempo reaparece con esplendor gracias a directores como Clint Eastwood ("El Jinete Pálido", "Sin Perdón") o Kevin Costner ("Bailando con Lobos", "Open Range"). Sin embargo el cine del Oeste no es algo completamente ajeno para los Coen, ya que al fin y al cabo unas cuantas películas suyas utilizan los mismos códigos y se pueden considerar como westerns contemporáneos , tal es el caso de "Fargo" (1996) y "No es País para Viejos" (2007). Para esta ocasión se basarían en una cinta ya existente dirigida por Henry Hathaway en 1967 y que estuvo protagonizada por John Wayne en uno de sus últimos papeles. Gracias a su interpretación del alguacil Cogburn, con parche en el ojo incluído, Wayne conseguiría un Oscar que probablemente suponía un reconocimiento más amplio a la trayectoria de este actor tan ligado al western.

"Valor de Ley" narra la venganza que emprende una valiente joven de catorce años (Hailee Steinfeld) para encontrar y capturar al asesino de su padre, un forajido llamado Tom Chaney. Para ello decide contratar los servicios de un veterano pistolero tuerto pero de excelentes habilidades, el alguacil Rooster Cogburn (Jeff Bridges). Este acepta a regañadientes la oferta para conseguir algo de dinero, aunque no puede evitar que la muchacha le acompañe en busca de Chaney. A ellos se les une un pomposo ranger de Tejas (Matt Damon) que lleva persiguiendo al forajido durante meses por delitos cometidos en otros territorios, pero que hasta ahora ha sido incapaz de atraparlo. Juntos iniciarán su periplo atravesando peligrosas tierras donde la naturaleza no tiene clemencia con los hombres y en las que solo cabe recurrir al fusil para sobrevivir. Su particular caza no ha hecho más que comenzar.

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Ficha técnica y artística

Valor de Ley (True Grit). EEUU, 2010, 110 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Jeff Bridges, Matt Damon, Hailee Steinfeld

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Crónica de Atticus Finch



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domingo, 2 de octubre de 2011

Network

Comentario de NETWORK


Para cualquier persona que debute en el cine con una obra excepcional del calibre de "Doce Hombres sin Piedad" (1957) el resto de su filmografía puede hacerse muy cuesta arriba. Afortunadamente no ha sido el caso de Sidney Lumet, quien en sus cinco décadas detrás de las cámaras consiguió dejar para la posteridad un buen puñado de títulos sobresalientes. Durante su etapa de mayor apogeo, los años 60 y 70, Lumet se convirtió en uno de los directores norteamericanos más combativos, abordando con frecuencia temas de hondo calado social, político y moral. Junto a otros compañeros de profesión como John Frankenheimer radiografió sin concesiones el lado oscuro de la sociedad, estrenando obras como "La Colina" (1965), "Serpico" (1973) o "Network" (1976). A pesar de que en los 80 comenzó su declive aún seguiría ofreciendo periódicamente estupendos largometrajes: "Veredicto Final" (1982), "La Noche cae sobre Manhattan" (1996) o su último trabajo "Antes que el Diablo sepa que has Muerto" (2007), portentoso thriller que Lumet dirigió siendo ya octogenario.

La historia de "Network" lleva al espectador a las alcantarillas del mundo televisivo, donde moran oscuros personajes que solo se rigen por los beneficios económicos y la cuota de pantalla. El veterano presentador de noticias Howard Beale (Peter Finch) sufre los efectos de esa política al serle comunicado que su programa será cancelado en una semana debido a su bajo índice de audiencia, a pesar de todos los esfuerzos realizados por el jefe de informativos Max Schumacher (William Holden) para contener a los directivos de la cadena. Incapaz de asumirlo, Beale anuncia durante su penúltimo programa que se despedirá en su último informativo volándose los sesos delante de las cámaras. Espantado al ver que su amigo está perdiendo la cabeza, Schumacher intenta convencerlo de que abandone ya y se tome un tiempo de descanso para recuperarse. Sin embargo los directivos del canal ven un filón en el presentador al comprobar el interés sensacionalista que sus declaraciones han causado entre el público. De este modo consiguen que no lleve a cabo su amenaza y le conceden más protagonismo con un espacio televisivo propio donde pronunciar sus incendiarias y alocadas reflexiones. Schumacher se niega a participar en la demencial estrategia y es sustituído por una jefa de contenidos sin escrúpulos (Faye Dunaway), cuya intención es exprimir al desequilibrado Beale hasta conseguir los mejores índices de audiencia de la historia de la cadena. Así, hundiéndose cada vez más en la inmundicia moral, acaban de encender la mecha de una bomba de relojería a punto de estallar.

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Ficha técnica y artística

Network. EEUU, 1976, 121 min.

Dirección: Sidney Lumet

Intérpretes: Peter Finch, William Holden, Faye Dunaway

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Crónica de El Maquinista


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sábado, 24 de septiembre de 2011

La Lista de Schindler

Comentario de LA LISTA DE SCHINDLER


Al comenzar la década de los ochenta Steven Spielberg culminaba siete años prodigiosos que le habían convertido en el nuevo rey Midas del entretenimiento de calidad: "Tiburón" (1975), "Encuentros en la Tercera Fase" (1977), "En Busca del Arca Perdida" (1981) y "E.T." (1982). Estos cuatro títulos marcan de forma clara la primera etapa del director norteamericano, quien a partir de entonces empezará a abordar temas más serios en películas como "El Color Púrpura" (1985) o "El Imperio del Sol" (1987), aunque su nivel no alcance el de las obras anteriormente mencionadas. Este proceso de maduración probablemente tiene su punto de inflexión en 1993, año en el que Spielberg consigue pleno reconocimiento académico con "La Lista de Schindler". Paralelamente no deja de lado su compromiso con las cintas de aventuras, llegando a estrenar ese mismo año "Parque Jurásico" o, poco antes, la tercera entrega de la saga de Indiana Jones, "La Última Cruzada". A partir de entonces esta dualidad temática seguirá presente en su filmografía hasta nuestros días, con grandes piezas dramáticas ("Munich", "Salvar al Soldado Ryan") y buenos largometrajes de entretenimiento ("Minority Report").

"La Lista de Schindler" sumerge al espectador en la persecución de los judíos por parte del nazismo durante la II Guerra Mundial, desde la reclusión en los guetos hasta las terribles consecuencias de la llamada solución final, los campos de exterminio. Allí las personas son aniquiladas en masa como en una cadena de producción industrial salida de las mentes más retorcidas. En medio de esta pesadilla se mueve un empresario ajeno a todo ese sufrimiento, Oskar Schindler (Liam Neeson), quien decide aprovecharse del conflicto bélico para conseguir dinero fácil con sus fábricas. Para ello los alemanes le proporcionan mano de obra judía procedente de los campos, lo que le llevará a conocer a su eficiente contable Itzhak Stern (Ben Kingsley) y a las decenas de personas que trabajarán para él. Quizás sea por el contacto directo con ellos, quizás por pasar de verlos como anónimas figuras a ponerles cara y nombre, el caso es que Schindler empieza a verlos con otros ojos. Cada vez le cuesta más asistir impasible a las brutalidades del jefe de campo (Ralph Fiennes), hasta que poco a poco le van haciendo mella y rompen su dura coraza. Oskar pasa entonces de proteger judíos en beneficio propio a una conversión gradual pero decidida, una carrera por contratar más trabajadores a quienes salvar de un final próximo. Junto a su contable Stern elabora listas llenas de nombres, personas a las que localizar y sacar de los campos, a la vez que inteta sortear las suspicacias de los oficales.

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Ficha técnica y artística

La Lista de Schindler (The Schindler´s List). EEUU, 1993, 195 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes

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Crónica de Atticus Finch




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sábado, 17 de septiembre de 2011

Terciopelo Azul

Comentario de TERCIOPELO AZUL


Corría el año de 1986 cuando el director David Lynch consiguió uno de los mayores éxitos de su carrera con "Terciopelo Azul", una hipnotizadora obra que iba a poner los cimientos del estilo que haría famoso a su autor en los años venideros. Lynch ya había recibido buenas críticas con uno de sus más tempranos trabajos, "El Hombre Elefante" (1980), aunque su siguiente película resultó ser la fallida "Dune" (1984), un difícil intento de llevar a la pantalla la excelente pero compleja novela de ciencia-ficción de Frank Herbert (que recomiendo encarecidamente). En esas estaba el realizador norteamericano cuando su trayectoria sufriría un punto de inflexión gracias a "Terciopelo Azul", cuyo tratamiento de la historia va a revelar las claves por las que es bien identificable hoy en día su autor: pasajes oníricos, narración hipnótica, personajes enigmáticos... En el cine de Lynch muchas veces importa más el cómo se cuentan las cosas en vez del por qué de ellas mismas. Un estilo propio con tantos admiradores como detractores y que personalmente me satura en ocasiones. Lynch lo ha seguido desarrollando durante los años tanto en el cine ("Mulholland Drive", "Carretera Perdida") como en la televisión ("Twin Peaks"), salvo ocasionales paréntesis estilísticos como el de la maravillosa "Una Historia Verdadera" (1999), de largo mi cinta preferida de este inclasificable director.

"Terciopelo Azul" arranca en una idílica comunidad residencial estadounidense, con casas unifamiliares y jardín, donde el joven universitario Jeffrey (Kyle MacLachlan) vuelve a casa a ver a su padre. La bucólica estampa del lugar se rompe el día que Jeffrey descubre por casualidad una oreja humana en mitad de un césped. El muchacho decide envolverla cuidadosamente en un pañuelo y llevarla a la oficina de la policía local, donde ponen cara de no saber muy bien qué hacer con ella. Finalmente una investigación se pone en marcha y Jeffrey no puede evitar sentirse profundamente atraído por el caso, sobre todo tras conocer a una vecina que resulta ser la hija del jefe policial (Laura Dern). Gracias a ella conocerá detalles sobre la trama y decidirá implicarse en el asunto por su cuenta y riesgo. Las pistas le llevarán a sumergirse en los bajos fondos de la ciudad y cruzarse en el camino con una enigmática cantante de un club nocturno (Isabella Rossellini), quien está siendo aparentemente chantajeada por un sádico criminal (Dennis Hopper).

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Ficha técnica y artística

Terciopelo Azul (Blue Velvet). EEUU, 1986, 120 min.

Dirección: David Lynch

Intérpretes: Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper

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Crónica de El Maquinista



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sábado, 10 de septiembre de 2011

Esplendor en la Hierba

Comentario de ESPLENDOR EN LA HIERBA


Al finalizar los años 50 el director Elia Kazan había completado una década llena de éxitos cinematográficos pero parcialmente ensombrecida por sus testificaciones en el Comité de Actividades Antiamericanas que sacudirían los cimientos de la industria. Desde un punto de vista estrictamente profesional Kazan se encontraba en la cima gracias a títulos como "Viva Zapata", "Un Tranvía llamado Deseo" (que personalmente me aburre bastante) y la estupenda "La Ley del Silencio". Había apadrinado a jóvenes talentos emergentes como Marlon Brando, James Dean o Montgomery Clift, actores no solamente carismáticos sino además excelentes intérpretes. Su labor como realizador la complementaba con su implicación en el Actors Studio y la literatura, convirtiéndolo en una personalidad artística de lo más completa. Los años 60 verían declinar su estrella a partir de 1968 pero hasta entonces aún firmaría títulos tan buenos como "Río Salvaje" o "Esplendor en la Hierba", un verdadero monumento protagonizado por Natalie Wood y un entonces debutante Warren Beatty. Resulta curioso observar en el cine de Kazan ciertas temáticas o acercamientos totalmente avanzados para su época en materia de discriminación racial o sobre los valores morales de la sociedad, una actitud que resulta contradictoria teniendo en cuenta su etapa más oscura durante la Caza de Brujas. Un personaje controvertido pero de talento indiscutible.

"Esplendor en la Hierba" es un relato sobre los sentimientos de las personas y su evolución a través del tiempo y las experiencias, debido a circunstancias mundanas tanto como a puras coincidencias. También es el de un amor convertido en obsesión, el que siente la joven Dennie (impecable Natalie Wood) por el apuesto Bud (Warren Beatty). La acción se sitúa en una pequeña localidad estadounidense a finales de los años 20, pocos meses antes del hundimiento de la bolsa de Nueva York. Las clases medias gozan de una creciente prosperidad y la dulce Dennie es feliz durante los ratos que pasa con Bud al salir del instituto, profesandose ambos un fuerte cariño mutuo. El muchacho sin embargo sufre una creciente frustración interior en parte debida a la aplastante figura de su padre, un empresario de éxito que no deja respirar a su hijo planificándole cada detalle de su vida. La relación entre ambos jóvenes sufre un resquebrajamiento tan abrupto como carente de sentido, lo que provocará sendas crisis para cada uno de ellos con destinos bien dispares. Nada volverá a ser lo mismo.

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Ficha técnica y artística

Esplendor en la Hierba (Splendor in the Grass). EEUU, 1961, 124 min.

Dirección: Elia Kazan

Intérpretes: Natalie Wood, Warren Beatty, Pat Hingle

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Crónica de Atticus Finch




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sábado, 3 de septiembre de 2011

Uno de los Nuestros

Comentario de UNO DE LOS NUESTROS


"Que yo recuerde, desde que tuve uso de razón siempre quise ser un gángster". Con esta sincera declaración de principios arranca la película de Martin Scorsese hoy comentada. El que la pronuncia no es otro que Henry Hill (Ray Liotta), el protagonista de este viaje a lo largo de tres décadas de la historia de la mafia. El sueño del joven Henry a mediados de los años 50 es como bien dice convertirse en gángster italoamericano, con la misma ilusión con la que otros muchachos de su edad desean ser profesor de literatura o bombero. De esta manera empezará su andadura como chico de los recados en el negocio mafioso que hay en la acera de enfrente de su casa, llegando a ganar sumas astronómicas de dinero con los primeros trabajos de vendetta, robo y extorsión. Junto a su mentor James Conway (Robert De Niro) y el brutal Tommy DeVito (Joe Pesci) formarán con el tiempo un triángulo criminal de gran éxito con sonados golpes y un estilo de vida al margen de todo sistema.

Con "Uno de los Nuestros" arrancó Scorsese de forma inmejorable la década de los 90, tras unos vacilantes años 80 donde ya era sin embargo una referencia cinematográfica gracias a "Taxi Driver" (1976) y "Toro Salvaje" (1980). Y es que el director norteamericano se ha convertido en todo un experto en retratar los ambientes mafiosos de varias épocas, como bien atestiguan otros títulos de su filmografía: "Casino", "Gangs of New York", "Infiltrados"..., aunque sigan siendo sus colaboraciones con Robert De Niro las que le han situado en el pedestal. "Uno de los Nuestros" no es la excepción, ya que Scorsese relata con gran virtuosismo esta fascinante historia que cuenta con un trío protagonista sencillamente magistral y un casting italoamericano tan creíble como deslumbrante. Imprescindible.

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Ficha técnica y artística

Uno de los Nuestros (Goodfellas). EEUU, 1990, 148 min.

Dirección: Martin Scorsese

Intérpretes: Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Lorraine Bracco

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Crónica de El Maquinista




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sábado, 27 de agosto de 2011

El Hombre de MacKintosh

Comentario de EL HOMBRE DE MACKINTOSH


Al comenzar los años 70 el director John Huston llevaba ya dos décadas afianzado entre los puestos más importantes del cine norteamericano, con una prolífica trayectoria llena de obras recordadas ("Vidas Rebeldes", "Moby Dick", "La Jungla de Asfalto"...). Pero lejos de acomodarse en su estatus, Huston va a seguir manteniendo un asombroso ritmo de trabajo que no abandonará hasta sus últimos días, llegando a dirigir "Dublineses" (1987), su última película, en silla de ruedas. El realizador comenzaría así los 70 con largometrajes como "Fat City", una descarnada mirada al lado más sombrío del boxeo, para pasar a continuación al género de suspense con "El Hombre de MacKintosh" (1973). Sólo tres años más tarde llegaría la obra maestra del cine de aventuras "El Hombre que Pudo Reinar", obra capital de su filmografía, y ya en los 80 "El Honor de los Prizzi". Toda una muestra del buen nivel que Huston mantuvo a lo largo de cuatro décadas en la cumbre.

"El Hombre de MacKintosh" es un soberbio thriller de espionaje protagonizado por Paul Newman en el papel del agente de la inteligencia británica Joseph Rearden, con la Guerra Fría como telón de fondo. Su superior es el enigmático MacKintosh, el cual le da órdenes en Londres para una nueva misión cuyo objetivo es descubrir una célula de espionaje soviético oculta en el país. Rearden deberá involucrarse así en un importante robo de diamantes y ser condenado a prisión como tapadera para entrar en contacto con potenciales miembros de la organización clandestina. Una vez desencadenada la misión todos los contendientes se encontrarán prácticamente solos librando una dura batalla al margen del sistema, con un resultado del todo incierto.

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Ficha técnica y artística

El Hombre de MacKintosh (The MacKintosh Man). EEUU-Reino Unido, 1973, 98 min.

Dirección: John Huston

Intérpretes: Paul Newman, Dominique Sanda, James Mason

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Crónica de HAL-9000




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sábado, 20 de agosto de 2011

In the Mood for Love

Comentario de IN THE MOOD FOR LOVE


En el panorama cinematográfico chino de los últimos tiempos destacan tres importantes directores, aunque cada uno con un estilo y un entorno profesional muy diferente: Zhang Yimou, Ang Lee y Wong Kar-wai. El primero lleva dos décadas siendo el mascarón de proa del cine chino, bien con sus relatos históricos y rurales ("La Linterna Roja", "El Camino a Casa") o con sus incursiones en el género épico ("Hero"). Sin embargo su carrera la ha llevado a cabo en la China continental bajo la amenaza de la censura del régimen comunista, lo que le ha acarreado represalias e incluso la inhabilitación para dirigir durante dos años. Las circunstancias de Ang Lee son bastante distintas, ya que ha vivido y rodado en la isla de Taiwan, el único territorio chino que ha quedado libre de la dictadura de Pekín. Gracias a ello Lee ha podido contar con mayores ventajas a la hora de rodar sus historias, como "El Banquete de Boda", "Comer, Beber, Amar" o "Tigre y Dragón". Por último tenemos a Wong Kar-wai, que se ha movido en un lugar completamente diferente, la ciudad de Hong-Kong. Este pequeño rincón asiático, que ha pasado de ser colonia inglesa a territorio chino con administración especial, es una mezcla inclasificable de Oriente y Occidente en la que se apretujan millones de personas en un reducido espacio, creando un entorno social y cultural único. Esto ha permitido que allí floreciera el cine chino más rompedor y cosmopolita, de lo que es un buen exponente este director.

Wong Kar-wai inició su carrera a comienzos de los años 90 y pronto cosechó éxitos con "Chungking Express" (1994) y "Happy Together" (1997), aunque el reconocimiento definitivo llegaría en el cambio de siglo con "In the Mood for Love" (2000) y su fascinante continuación llamada "2046" (2004). Para la película hoy reseñada contaría con dos pesos pesados de la interpretación china en los papeles protagonistas, Tony Leung y Maggie Cheung. La cinta narra el bello romance, entre real y platónico, de un periodista y una secretaria que viven en la misma planta de un edificio en el Hong-Kong de los años 60. El ambiente y la paleta de colores se convierten en un sello inconfundible de Wong Kar-wai, el cual imprime al largometraje una estética hipnotizadora acompañada de unas piezas musicales de gran poder melancólico y evocador.

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Ficha técnica y artística

In the Mood for Love. Hong-Kong, 2000, 98 min.

Dirección: Wong Kar-wai

Intérpretes: Tony Leung, Maggie Cheung, Rebecca Pan

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Crónica de El Maquinista




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domingo, 14 de agosto de 2011

Los Profesionales

Comentario de LOS PROFESIONALES


Hoy le toca el turno al director Richard Brooks, autor cuyo nombre no se suele mencionar demasiado hoy en día pero que dejó para la posteridad un puñado de películas muy recordadas. Aunque su carrera había comenzado en los años 40 no fue hasta finales de la década siguiente cuando lograría sus mayores éxitos, como sus dos adaptaciones de obras de Tennessee Williams en "La Gata sobre el Tejado de Zinc" (1958) y "Dulce Pájaro de Juventud" (1962), ambas protagonizadas por Paul Newman. Entre medias también firmó una gran colaboración con Burt Lancaster en "El Fuego y la Palabra" (1960), con la que el actor alcanzaría el oscar al mejor intérprete con su papel de falso predicador evangélico. En 1966 Brooks decide internarse en los dominios del western para rodar un relato maduro y sin concesiones a la galería, "Los Profesionales", para el que reclutó a dos hombres perfectos para la historia, Lee Marvin y el propio Burt Lancaster. En este caso sería probablemente más acertado hablar de un post-western, ya que la acción se desarrolla a comienzos de los años 20, en los estertores de la Revolución Mejicana. Los caballos están siendo reemplazados por automóviles, los pastos de ganado por campos petrolíferos y el salvaje Oeste poco a poco se pacifica gracias a la llegada de colonos y la civilización. Los territorios sin ley se han ido trasladando a las zonas fronterizas con Méjico, sobre todo a raíz del caos provocado por la guerra civil que libran Zapata, Villa y otros insurgentes contra las tropas federales.

La cinta narra la peligrosa misión encomendada a cuatro profesionales por un poderoso terrateniente de Tejas. El objetivo es internarse en territorio mejicano con el fin de rescatar a su joven esposa, raptada por un antiguo combatiente revolucionario llamado Raza, que ahora se dedica al pillaje y que cuenta con un pequeño ejército particular. Su nombre no les resulta extraño a los líderes del grupo (Marvin y Lancaster), ya que ambos lucharon años atrás junto a él en la guerra mejicana, uno por idealismo y otro por dinero. Una vez crucen de nuevo la frontera a lomos de sus caballos, los recuerdos comenzarán a brotar mientras se dirigen a su destino.

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Ficha técnica y artística

Los Profesionales (The Professionals). EEUU, 1966, 117 min.

Dirección: Richard Brooks

Intérpretes: Lee Marvin, Burt Lancaster, Robert Ryan

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Crónica de Atticus Finch




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domingo, 7 de agosto de 2011

Gallipoli

Comentario de GALLIPOLI


Dentro de los géneros bélico y drámatico resulta curioso observar la relativa escasez de cintas de renombre enfocadas sobre la Primera Guerra Mundial, dadas las gigantescas proporciones del conflicto y las no menos importantes consecuencias políticas y sociales que desencadenaría. Una posible causa de su marginación es el papel secundario que desempeñaron los Estados Unidos en la contienda, ya que al fin y al cabo la mayor parte de la producción cinematográfica occidental proviene de este país. De este modo son lógicamente la II Guerra Mundial y la de Vietnam las que han copado la mayor atención, al ser probablemente los conflictos bélicos del siglo XX más relevantes para los norteamericanos. Aún así podemos encontrar aclamados largometrajes sobre la Gran Guerra en obras como "Senderos de Gloria" (Stanley Kubrick, 1957) o "La Gran Ilusión" (Jean Renoir, 1937). Un trabajo también muy notable es "Gallipoli", la cinta con la que el director australiano Peter Weir ("Único Testigo", "Master & Commander") se daría a conocer fuera de su país natal. En Europa la I Guerra Mundial es sinónimo de interminables combates de trincheras sobre los campos de batalla centroeuropeos. Sin embargo esta película proporciona una perspectiva diferente y muy interesante de la contienda, aunque las conclusiones terminen por ser irremediablemente las mismas.

En 1915 Archy (Mark Lee) es un prometedor joven de Australia Occidental cuya mayor afición es el incipiente atletismo y las carreras de cien metros. En una de estas pruebas deportivas conoce a Frank (Mel Gibson) y la amistad pronto nace entre ellos. Por distintos motivos ambos acabarán enrolándose en el ejécito para combatir en la Gran Guerra que lleva desencadenándose desde el año anterior por todo el mundo. A pesar de que Australia ha obtenido a comienzos de siglo la categoría de estado soberano, su pertenencia a la Commonwealth y los estrechos lazos que mantiene con la antigua metrópoli la llevan a ayudar decididamente al Reino Unido en el conflicto. De esta manera ambos muchachos parten desde la ciudad de Perth junto a miles de compatriotas rumbo al otro rincón de la tierra, el norte de África. En Egipto iniciarán un adiestramiento militar que desembocará en el enfrentamiento con las tropas turcas del Imperio Otomano en la remota península de Gallipoli, a orillas del Mar Egeo. Allí, entre la arena de las trincheras y las balas, con la muerte acechando detrás de cada piedra, comenzarán a pensar qué demonios hacen en ese maldito lugar perdido de la mano de Dios. Pero ya es demasiado tarde y, como si fueran animales salvajes, tan solo les queda luchar y correr como el viento para intentar sobrevivir.

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Ficha técnica y artística

Gallipoli. Australia, 1981, 110 min.

Dirección: Peter Weir

Intérpretes: Mark Lee, Mel Gibson, Bill Kerr

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Crónica de Atticus Finch




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sábado, 30 de julio de 2011

Camino a la Perdición

Comentario de CAMINO A LA PERDICIÓN


Tras debutar en la dirección de forma inmejorable con "American Beauty" (1999), el británico Sam Mendes se enfrentó al desafío de preparar su segundo trabajo con las expectativas muy altas. Para ello decidió llevar a la pantalla una historia de cine negro de corte clásico basada en la novela gráfica "Road to Perdition", un relato cuyo motor principal es el sentimiento de venganza y protección. Mendes conseguiría reunir para la ocasión un elenco de primera categoría encabezado por Tom Hanks y Paul Newman (en su último papel cinematográfico) muy bien escoltados por Jude Law y Daniel Craig en los roles secundarios. El resultado supuso igualar e incluso superar a su ópera prima, ya que "Camino a la Perdición" (2002) se revela como un largometraje monumental que tras una línea argumental principal, la vendetta, esconde tres ejes de relaciones personales muy interesantes basadas en los lazos paterno-filiales. La más importante la conforma el profundo vínculo afectivo entre los personajes de Hanks y Newman, al que se unen los que ambos mantienen con sus respectivos hijos, lo que hace que la película gane muchos enteros en intensidad dramática.

La cinta sitúa al espectador en el interior de un clan mafioso irlandés del norte de los Estados Unidos en la época de la Gran Depresíón de los años 30. Michael Sullivan (Hanks) trabaja como sicario de élite de la organización y es uno de los hombres de confianza del poderoso jefe John Rooney (Newman), quien le aprecia como a un hijo. Gracias a Rooney, que le cuidó cuando era pequeño, Michael ha podido salir de la miseria y construir una familia, lo que le hace sentir un gran afecto y lealtad hacia su patrón. Sin embargo todo sufre un terrible giro cuando el hijo mayor de Michael, que desconoce el oficio de su padre, es testigo involuntario de un crimen perpetrado por el clan, lo que hará que la organización trate de aniquilar a toda la familia para no dejar testigos. Michael consigue escapar con su hijo y decide iniciar una venganza en solitario contra sus antiguos compañeros y garantizar la supervivencia de su primogénito. Perseguidos por un implacable asesino a sueldo (Law), ambos lucharán por esconderse y llevar a cabo la dolorosa vendetta recorriendo un camino que parece llevarles inexorablemente a las tinieblas.

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Ficha técnica y artística

Camino a la Perdición (Road to Perdition). EEUU, 2002, 117 min.

Dirección: Sam Mendes

Intérpretes: Tom Hanks, Paul Newman, Jude Law

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Crónica de El Maquinista



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sábado, 23 de julio de 2011

Patton

Comentario de PATTON


Hace dos semanas hablábamos de un miembro destacado del grupo de importantes directores poco recordados, el estupendo John Frankenheimer, autor de la comentada "Siete Días de Mayo". Hoy esta crónica gira entorno a otro realizador que perfectamente podría encajar en el mismo grupo, el estadounidense Franklin J. Schaffner. Tras foguearse en la televisión, Schaffner debutó en el cine a mediados de la década de los 60 y a los pocos años, en 1968, alcanzó gran éxito con la sobresaliente película de ciencia-ficción "El Planeta de los Simios", protagonizada por el gran Charlton Heston. La consagración académica del director llegaría en 1970 con su siguiente trabajo, la arrolladora incursión en el cine bélico de la mano de "Patton", galardonada con multitud de premios y reconocimientos. Posteriormente, durante los años 70, Schaffner aún llevaría a la pantalla obras notables como el drama carcelario "Papillon" (1973), en el que Steve McQueen y Dustin Hoffman luchan por sobrevivir en un penal de la Guayana francesa, o "Los Niños del Brasil" (1978), sobre la vida oculta del criminal nazi Joseph Mengele escondido en las profundidades de Sudamérica tras la caída de Hitler.

"Patton" es el apabullante retrato de una de las figuras más significativas del ejécito estadounidense de la II Guerra Mundial en el frente europeo, el controvertido general George Patton (interpretado de forma magistral por George C. Scott). En su persona convergen multitud de adjetivos: temerario, consumado estratega militar, impetuoso, políticamente incorrecto, genio y loco en una misma pieza. La cámara sigue sus pasos por los campos de batalla del norte de África en su feroz lucha contra las tropas alemanas y el posterior e implacable avance a través de Sicilia y la Italia peninsular. También su destierro militar a Inglaterra y la posterior reincorporación al frente de los carros de combate que cruzarán la frontera germana. Entre medias se asiste a su atronadora personalidad, la de un hombre de acero venido de otra época, capaz de buscar el emplazamiento de la legendaria batalla de Zama en Túnez para rendir honores, dos mil años después, al guerrero cartaginés Aníbal.

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Ficha técnica y artística

Patton. EEUU, 1970, 169 min.

Dirección: Franklin J. Schaffner

Intérpretes: George C. Scott, Karl Malden, Stephen Young

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Crónica de Atticus Finch



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sábado, 16 de julio de 2011

Brokeback Mountain

Comentario de BROKEBACK MOUNTAIN


Entre los realizadores asiáticos más renombrados del panorama actual nos encontramos con hombres como Zhang Yimou ("El Camino a Casa"), Takeshi Kitano ("Zatoichi") o Wong Kar-Wai ("In the Mood for Love"), autores que en su mayor o total parte han desarrollado su carrera cinematográfica en sus respectivos países de origen. Caso aparte merece Ang Lee, probablemente el cineasta más occidental del extremo Oriente, ya que su trayectoria se ha consolidado sobre todo en los Estados Unidos. Tras iniciar sus pasos a comienzos de los años 90 dirigiendo exitosas películas en su Taiwan natal, como "El Banquete de Bodas" y "Comer, Beber, Amar", Lee pronto atrajo la atención y terminó desembarcando en Norteamérica para dirigir el sobresaliente drama de época "Sentido y Sensibilidad" (1995) y la notable radiografía de la sociedad estadounidense de la década de los 70 en "La Tormenta de Hielo" (1997). Consolidado de forma importante, volvería a China en el 2000 para filmar uno de los mayores portentos del cine de aventuras contemporáneo, la extraordinaria "Tigre y Dragón", que supondría un punto de inflexión en su carrera gracias al enorme éxito académico y popular de la cinta. Así Hollywood le encargaría en 2003 un proyecto tremendamente arriesgado, la adaptación del personaje de comic Hulk, tarea que Lee superaría con nota al conseguir firmar uno de los largometrajes de superhéroes más interesantes que se han visto, con el mérito añadido de que justamente la profundidad dramática del musculoso hombre verde no es precisamente proporcional a su tamaño corporal. Desde entonces Lee sigue compaginando proyectos a caballo entre Asia y América, donde en 2005 rodaría uno de sus más bellos y complicados trabajos, el drama "Brokeback Mountain".

Esta película narra la difícil relación entre dos hombres, Ennis (Heath Ledger) y Jack (Jake Gyllenhaal), desde los años 60 hasta la década de los 80. Ambos se conocen durante una temporada de trabajo en 1963 en las montañas de Wyoming conduciendo rebaños de ovejas a través de los pastos. La amistad que nace entre ellos se va tornando algo más profundo cuando la homosexualidad escondida en su interior va saliendo poco a poco a flote hasta formar un lazo que los atará de por vida. Debido a los prejuicios sociales y el miedo ambos intentarán construir una existencia más convencional cada uno por su cuenta, casándose y teniendo hijos con mujeres a las que quieren (interpretadas respectivamente por Michelle Williams y Anne Hethaway) pero que no terminan de llenarles por completo. De este modo volverán a verse cada cierto tiempo aprovechando las excursiones al lugar donde se conocieron, Brokeback Mountain, lo cual terminará afectando finalmente a todo su entorno.

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Ficha técnica y artística

Brokeback Mountain. EEUU, 2005, 134 min.

Dirección: Ang Lee

Intérpretes: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams

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Crónica de El Maquinista




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