sábado, 25 de diciembre de 2010

La Batalla de Argel

Comentario de LA BATALLA DE ARGEL

Durante las décadas de los 60 y 70 surgió con fuerza en Occidente un género de películas que acabó conociéndose como cine político, debido a las temáticas que trataba y su fuerte carga de denuncia social. Hija de su tiempo, esta cinematografía no era sino el reflejo de las duras batallas ideológicas que se libraban en Europa y el resto del mundo, siendo el griego Costa-Gavras y el italiano Gillo Pontecorvo dos de los más reconocidos directores de este género. A pesar de que algunas de sus obras hayan quedado hoy en día obsoletas a causa de su parcialidad hacia ciertos movimientos políticos (generalmente de extrema izquierda) o incluso terroristas, lo cierto es que un puñado de sus largometrajes resisten el paso del tiempo gracias a su enorme calidad cinematográfica y a un discurso narrativo plenamente coherente. Tal es el caso de "Desaparecido" y "Z", de Costa-Gavras. La primera relata la dramática búsqueda de un joven norteamericano apresado durante los primeros días del golpe militar chileno de 1973 perpetrado por Augusto Pinochet, mientras que la segunda muestra la persecución a la que se ve sometida la oposición política en una titubeante democracia europea.

En cuanto a Pontecorvo, "La Batalla de Argel" representa sin duda su obra magna, con una impecable dirección realista adelantada a su época. Este largometraje nos sitúa en la Argelia colonial a finales de los años 50, donde se libra una feroz lucha soterrada entre el gobierno francés y los independentistas argelinos. Francia está por estas fechas sumida en el caos, viendo cómo se derrumba su imperio colonial tras la pérdida de Indochina y con sucesivos intentos de golpe de estado a la IV República nacida tras la II Guerra Mundial. Los regímenes coloniales europeos representan ya un anacronismo insostenible, lo que provoca graves conflictos sociales y políticos. Ante esta situación, el legendario presidente francés Charles de Gaulle refunda el Estado proclamando la V República y decidiendo utilizar todos los recursos necesarios para mantener a Argelia bajo dominio francés. Así, la tropa de élite de los paracaidistas del ejército es enviada a Argel dando comienzo a una encarnizada guerra urbana sembrada de actos terroristas indiscriminados. La Casbah, el barrio viejo de la capital y feudo de las milicias argelinas, se convierte con su intrincado laberinto de callejuelas en el escenario de una batalla sin precedentes cuyos contendientes no están dispuestos a perder, cueste lo que cueste.

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Ficha técnica y artística

La Batalla de Argel (La Battaglia di Algeri). Italia, 1966, 121 min.

Dirección: Gillo Pontecorvo

Intérpretes: Jean Martin, Brahim Hadjadj, Ugo Paletti

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Crónica de El Maquinista

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sábado, 18 de diciembre de 2010

Pozos de Ambición

Comentario de POZOS DE AMBICIÓN

Tras debutar como director con "Sidney", Paul Thomas Anderson mostró todo su potencial cinematográfico con la estupenda "Boogie Nights", un relato sobre el lado oscuro de la industria de cine para adultos durante los años 70 y 80. Tras este reconocido trabajo, Anderson se embarcó en la coral y premiada "Magnolia", una densa red de historias personales entrelazadas que seguía el esquema narrativo ya utilizado en "Vidas Cruzadas" por Robert Altman. Después llegarían la personal "Punch-Drunk Love" y el largometraje que hoy nos ocupa, "Pozos de Ambición", un intenso viaje al fondo de la codicia y la destrucción. Al igual que en el resto de su filmografía, Anderson se ocupa aquí tanto de la labor de escritura del guión como de la dirección de la cinta, lo que le sitúa así dentro del pequeño grupo de cineastas actuales de renombre que dedican esfuerzos a ambas tareas (como Woody Allen, los Hermanos Coen o Terrence Malick). Sin embargo, "Pozos de Ambición" no sería lo que es sin la portentosa interpretación de Daniel Day-Lewis, un actor tremendamente selectivo con sus películas que lleva veinte años dando muestra de su talento ("En el Nombre del Padre", "The Boxer", "Gangs of New York").

El largometraje sigue los pasos del emprendedor Daniel Pleinview (Day-Lewis) en la industria del petróleo norteamericana a comienzos del siglo XX. Tras unos duros comienzos buscando y excavando yacimientos prácticamente en solitario, Pleinview se va consolidando como un exitoso empresario a la caza de pozos en el suroeste de EEUU. Sin embargo, la explotación de un prometedor yacimiento en una desolada región californiana le llevará a tomar el sendero de la autodestrucción personal. Enfrentado a un joven predicador local, su espíritu irá envenenándose de odio y rencor hasta convertirlo en un ser totalmente carcomido por la ambición, rebosante de dólares pero también de infinita amargura.

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Ficha técnica y artística

Pozos de Ambición (There Will Be Blood). EEUU, 2007, 158 min.

Dirección: Paul Thomas Anderson

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier

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Crónica de Atticus Finch

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domingo, 12 de diciembre de 2010

Muerte entre las Flores

Comentario de MUERTE ENTRE LAS FLORES

Tras iniciar con buen pie su andadura cinematográfica a mediados de los años 80, los hermanos Joel y Ethan Coen se consolidaron de forma importante con su tercer largometraje, "Muerte entre las Flores". La película supone un notable ejercicio de cine negro que contiene señales claras del particular estilo que los Coen desarrollarían en posteriores obras como "Fargo" o "No es País para Viejos". Así, este tándem creativo se ha convertido en referente del cine independiente norteamericano, con auténticas películas de culto como la magnífica "El Gran Lebowsky". Sin embargo, en ocasiones han realizado algún que otro trabajo más claramente comercial donde se echa de menos su sello de autor, el humor negro y sus personajes tan pintorescos como verídicos.

"Muerte entre las Flores" se centra en un grupo de personajes relacionados con el crimen organizado durante los años veinte del siglo pasado. Entre ellos se producen choques tanto por causas sentimentales como por la lucha de poder entre dos facciones mafiosas, una irlandesa y otra italiana. El reparto coral, encabezado por Albert Finney, Gabriel Byrne, John Polito y Marcia Gay Harden, forma un sólido conjunto interpretativo en un filme de impecable factura, donde la lealtad, las traiciones y los planes ocultos confluyen en la encrucijada donde todos ellos se encuentran.

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Ficha técnica y artística

Muerte entre las Flores (Miller's Crossing). EEUU, 1990, 115 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Albert Finney, Gabriel Byrne, Marcia Gay Harden

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Crónica de El Maquinista

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domingo, 5 de diciembre de 2010

La Naranja Mecánica

Comentario de LA NARANJA MECÁNICA

El año de 1968 marca probablemente un decisivo punto de inflexión en la carrera del director Stanley Kubrick, gracias al exitoso estreno de "2001, Una Odisea del Espacio". Con este largometraje Kubrick revolucionaba el género de ciencia-ficción tanto a nivel de efectos especiales como por la perspectiva adulta y compleja de su épico relato espacial. Su impacto fue tal que consagró definitivamente al realizador británico, el cual llevaba ya casi veinte años construyendo un sólida trayectoria cinematográfica con títulos tan importantes como "Senderos de Gloria" o "Espartaco". Aprovechando su nuevo estatus, Kubrick tendría la posibilidad de llevar a la gran pantalla historias tan perturbadoras y originales como la de su siguiente cinta, "La Naranja Mecánica" (1971), un trabajo que despertó grandes polémicas debido al tratamiento explícito de ciertas temáticas. A partir de este título la filmografía del director entraría en un periodo de producción más escasa, llegando a filmar sólo cinco películas más en las siguientes tres décadas: "Barry Lyndon" (1975), "El Resplandor" (1980), "La Chaqueta Metálica" (1986) y "Eyes Wide Shut" (1999).

"La Naranja Mecánica" sitúa al espectador en una Inglaterra distópica donde la sociedad ha entrado en un gran estado de decadencia moral. Alex es un joven que lidera una banda de drugos, un grupo de malas bestias cuyas diversiones consisten en practicar la llamada ultraviolencia con aquél que se cruce en su camino, asaltar viviendas y abusar sin descanso de las mujeres que encuentren en el lugar de sus fechorías. Un día, sin embargo, Alex es finalmente detenido por la policía y encarcelado. Ya en prisión es seleccionado como cobaya humana para un programa experimental del gobierno cuyo fin es acabar con los instintos violentos del ser humano a través de la Técnica Ludovico. Tras el brutal tratamiento basado en la sugestión y el condicionamiento de la propia personalidad, Alex es puesto en libertad para comprobar la eficacia del método, lo cual desencadenará una serie de acontecimientos extremos en la nueva vieja vida del muchacho.

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Ficha técnica y artística

La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange). Reino Unido-EEUU, 1971, 136 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates

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Crónica de HAL-9000

sábado, 27 de noviembre de 2010

Forrest Gump

Comentario de FORREST GUMP

Durante la década de los 80 el director Robert Zemeckis se consolidó como un eficiente realizador de buenas películas de entretenimiento bajo el apadrinamiento de Steven Spielberg ("Regreso al Futuro", "¿Quién Engañó a Roger Rabbit?"). En 1994 se adentró con enorme éxito en un territorio más adulto y complejo al dirigir la premiada "Forrest Gump", un maravilloso relato encabezado por Tom Hanks, Robin Wright y Sally Field. Su metraje abarca cuatro décadas de la historia contemporánea de EEUU, incluyendo acontecimientos y personajes clave de ese país durante aquellos años. Zemeckis intentaría proseguir su carrera en los 90 con cintas de calidad ("Contact", "Naúfrago") hasta que decidió dedicarse por entero a proyectos de animación en 3D, en los que lleva invertidos casi una década.

"Forrest Gump" sigue las peripecias vitales de un joven con leve deficiencia mental (Hanks) que da nombre a la película. Desde su niñez en un pequeño pueblo de Alabama, Forrest va creciendo y pasando por distintos lugares (la universidad, el ejército, Vietnam) mientras conoce a diversos personajes y forma parte, muchas veces de forma involuntaria, de hechos clave de la memoria colectiva norteamericana. A través de los años mantiene una especial relación con su muy mejor amiga Jenny (Robin Wright) a pesar de que sus caminos transiten en su mayor parte por direcciones diferentes. La estupenda banda sonora original del largometraje (de Alan Silvestri) se ve complementada con una gran recopilación de temas pertenecientes a aquellos años, formando una auténtica música vital de un tiempo y un país: Elvis Presley, Bob Dylan, Buffalo Springfield o The Byrds.

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Ficha técnica y artística

Forrest Gump. EEUU, 1994, 142 min.

Dirección: Robert Zemeckis

Intérpretes: Tom Hanks, Robin Wright, Sally Field, Gary Sinise

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Crónica de Atticus Finch

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domingo, 21 de noviembre de 2010

La Dolce Vita

Comentario de LA DOLCE VITA

El director italiano Federico Fellini edificó durante más de tres décadas una sólida carrera como cineasta que le ha valido para ser recordado como uno de los realizadores europeos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su andadura cinematográfica comienza a finales de los años 40 en una Italia que intentaba recuperarse de las heridas causadas durante la II Guerra Mundial. Por aquél entonces surge con fuerza en este país un estilo de cine bautizado como Neorrealismo, con directores tan emblemáticos como Vittorio De Sica ("El Ladrón de Bicicletas") o Roberto Rosellini ("Roma, Ciudad Abierta"). Fellini se une a esta corriente y colabora con Rosellini en el título antes mencionado, probablemente el más significativo de este movimiento cinematográfico. A comienzos de la década de los 50 Fellini consigue dirigir ya sus propios largometrajes dentro de la órbita neorrealista, como "La Strada" o "Las Noches de Cabiria", ambas protagonizadas por la actriz Giulietta Masina. En esta época también conoce al compositor Nino Rota, con quien desarrollaría una extensa colaboración. En 1960 cambia de registro al rodar "La Dolce Vita", lo que le llevará a desarrollar un nuevo estilo mucho más personal que mantendrá en el resto de sus trabajos, como en "Fellini 8 y 1/2" (1963) o "Amarcord" (1973). Los años 60 están también marcados por los papeles que concede en sus obras al actor Marcello Mastroiani, quien ejerce en ocasiones como un alter ego del propio director.

"La Dolce Vita" sigue los pasos de Marcello (Mastroiani), un joven periodista con ínfulas de escritor que se sumerge en la vida nocturna romana en búsqueda de noticias. Siguiendo a diferentes personajes, desde estrellas de cine a ricos burgueses decadentes, Marcello se ve atrapado en una vacía existencia de divertimento fácil y pasajero mientras en su interior van tomando forma dudas y preguntas acerca de su futuro.

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Ficha técnica y artística

La Dolce Vita. Italia, 1960, 175 min.

Dirección: Federico Fellini

Intérpretes: Marcello Mastroiani, Anita Ekberg, Anouk Aimée

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Crónica de El Maquinista

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domingo, 14 de noviembre de 2010

Hijos de los Hombres

Comentario de HIJOS DE LOS HOMBRES

Durante los últimos años ha surgido con fuerza un nutrido grupo de realizadores latinoamericanos que han conseguido importantes reconocimientos en el panorama cinematográfico mundial. Tal es el caso de los mejicanos Guillermo Arriaga, Alejandro Iñárritu, Guillermo del Toro o Alfonso Cuarón. Este último obtuvo un notable éxito en 2001 con "Y tu Mamá También", lo que le abriría las puertas de las grandes producciones norteamericanas. Así filmaría al poco tiempo la monumental película que es "Hijos de los Hombres", un apasionante relato de un futuro distópico rodado con gran virtuosismo por el director mejicano. Una de las mayores virtudes de este largometraje de ciencia-ficción es su ubicación temporal en un futuro tan cercano y verídico que parece acechar a la vuelta de la esquina. A esto se añade el indispensable componente de ficción que en este caso supone la persistente infertilidad de las mujeres, lo que ha ocasionado una catástrofe demográfica y la consecuente inexistencia de niños en el mundo. Tras veinte años sin nuevos nacimientos la raza humana se ve abocada inexorablemente a la extinción en un plazo de cinco o seis décadas, mientras los países se derrumban y el caos se apodera de la sociedad. Esta clase de largometrajes suelen basarse en relatos que recurren a algún tipo de factor desestabilizador para poder situar a la humanidad al borde del abismo: las epidemias en "Doce Monos", la superpoblación de "Cuando el Destino nos Alcance" o la prohibición de los libros en "Fahrenheit 451" son buenos ejemplos de ello.

"Hijos de los Hombres" ubica al espectador en una decadente Inglaterra en el año 2027 donde no existen personas menores de dieciocho años debido a una inexplicable infertilidad global de las mujeres. La sociedad se desmorona en un país estructurado como un estado semi policial donde surgen por doquier nuevos movimientos radicales, terroristas o mesianico-religiosos. Theo (Clive Owen) es un descreído funcionario londinense que asiste con resignación al progresivo colapso de la civilización. Uno de sus pocos placeres consiste en visitar a su amigo Jasper (Michael Caine), un antiguo caricaturista que vive apartado en una casa en medio del bosque. Sin mebargo, un día Theo es secuestrado por una organización insurgente comandada por su mujer (Julianne Moore), a la que hace veinte años que no veía. Esta le pide su ayuda para obtener un permiso de viaje para una joven muchacha inmigrante que guarda un enigmático secreto, con lo que Theo se verá involucrado en un proyecto que desencadenará unas consecuencias inimaginables.

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Ficha técnica y artística

Hijos de los Hombres (Children of Men). EEUU-Reino Unido, 2006, 109 min.

Dirección: Alfonso Cuarón

Intérpretes: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine

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Crónica de HAL-9000

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domingo, 7 de noviembre de 2010

Dos en la Carretera

Comentario de DOS EN LA CARRETERA

El director Stanley Donen inició su carrera cinematográfica a comienzos de la década de los 50 centrándose básicamente en el género musical, un tipo de películas que con la llegada del technicolor vivía una época dorada. Así, codirigió con gran éxito junto a Gene Kelly las famosas "Cantando Bajo la Lluvia" y "Un Día en Nueva York", para proseguir después en solitario con "Siete Novias para Siete Hermanos". En los siguientes años Donen comenzó a diversificar la temática de sus cintas e inició una fructífera colaboración profesional con Audrey Hepburn a lo largo de tres películas: "Una Cara con Ángel", "Charada" y la hoy comentada "Dos en la Carretera" (1967), una maravillosa obra de arte rebosante de ternura, veracidad y melancolía. Por aquél entonces Hepburn llevaba ya casi dos décadas en lo más alto de la cinematografía mundial. Tras iniciar brillantemente su carrera interpretativa en los 50 ("Vacaciones en Roma", "Sabrina", "Ariane"), los 60 supusieron una total consagración con largometrajes como "Desayuno con Diamantes", "La Calumnia" o "My Fair Lady". Sin embargo 1967 marca un punto y aparte en su trayectoria, ya que tras rodar ese año "Dos en la Carretera" y "Sola en la Oscuridad" Audrey se retiraría del cine por un largo periodo de nueve años, reapareciendo con una radiante madurez en 1976 en la crepuscular "Robin y Marian", junto a Sean Connery. Su dulce rostro, la calidad de sus interpretaciones y una innata elegancia la han consagrado como una de las actrices más importantes del siglo XX.

"Dos en la Carretera" relata la relación entre Joanna (Hepburn) y Mark (Albert Finney) a lo largo de doce años. Ambos se conocen de vacaciones en el norte de Francia. Mark es un estudiante de arquitectura que recorre mochila al hombro varias ciudades en busca de monumentos, mientras que Joanna viaja de excursión con un grupo de amigas de una agrupación coral. La cinta esta narrada de forma no lineal, por lo que los segmentos temporales se alternan sucesivamente a lo largo del metraje mostrando diferentes fases de su historia en común, del presente al pasado y viceversa. Todo ello relatado de manera hermosa y excepcional por un inspirado Stanley Donen detrás de la cámara.

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Ficha técnica y artística

Dos en la Carretera (Two for the Road). Reino Unido, 1967, 111 min.

Dirección: Stanley Donen

Intérpretes: Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleanor Bron

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Crónica de Atticus Finch

domingo, 31 de octubre de 2010

El Retorno del Jedi

Comentario de EL RETORNO DEL JEDI

En 1983 George Lucas pone punto y final a su trilogía galáctica con "El Retorno del Jedi", convirtiéndose globalmente en el sexto acto de la épica saga. Precedida por dos películas monumentales como son "La Guerra de las Galaxias" (1977) y "El Imperio Contraataca" (1980), esta última entrega en el sentido cronológico de la historia se queda en un nivel de calidad ostensiblemente inferior al de sus mencionadas antecesoras. La madurez y la profundidad del relato logrados en el Episodio V se ven dolorosamente diluidos en un proceso de infantilización preocupante que afecta a gran parte del metraje de la cinta. De hecho supone una antesala del estilo que los espectadores se encontrarían en el Episodio I dirigido por Lucas dieciséis años después, en 1999. Pero a pesar de esa pueril simplificación de la trama, de los irritantes ewoks y de la excesiva abundancia de muñecos-peluche, este largometraje conserva los cimientos que han hecho inolvidable a esta saga cinematográfica: la plenitud total del cine de aventuras, la identificación interna con los personajes y el viaje iniciático del héroe mitológico. De la juventud a la madurez, de aprendiz a maestro. Todo ello condensado en el personaje de Luke Skywalker (Mark Hamill), la última esperanza del renacer de la orden Jedi en la galaxia y pieza clave en el verdadero eje narrativo del largometraje: la redención.

Así pues nos encontramos en una galaxia muy lejana dos años depués de los acontecimientos narrados en el Episodio V. Luke Skywalker (Hamill) y la Princesa Leia (Carrie Fisher), tras rescatar a Han Solo (Harrison Ford), se preparan para jugarse el todo por el todo contra el Imperio en una batalla decisiva. Sobre Skywalker recae además la responsabilidad de hacer renacer de sus cenizas a los caballeros Jedi y enfrentarse a su padre, Darth Vader. Una sinopsis que escrita sobre el papel provoca extrañeza, pero que trasladada al celuloide cobra vida y sentido. Mitología contemporánea que sigue los ancestrales pasos ya marcados por "La Iliada", "La Eneida" o "La Odisea".

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Ficha técnica y artística

El Retorno del Jedi (Return of the Jedi). EEUU, 1983, 134 min.

Dirección: Richard Marquand

Intérpretes: Mark Hamill, Carrie Fisher, Harrison Ford

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Crónica de El Maquinista

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sábado, 23 de octubre de 2010

L.A. Confidential

Comentario de L.A. CONFIDENTIAL

La carrera cinematográfica del director Curtis Hanson ha seguido una trayectoria irregular ("La Mano que Mece la Cuna", "Jóvenes Prodigiosos") y muy probablemente será recordado en el futuro por el magnífico largometraje policiaco que representa "L.A. Confidential", una de las obras mayores de este género en el cine contemporáneo. Tomando como base la novela homónima de James Ellroy, Hanson recrea con maestría la sociedad y la atmósfera de la ciudad de Los Angeles a comienzos de los años 50. Un lugar en ebullición, próspero y lleno de oportunidades, pero también con un reverso oscuro y sórdido. El género de cine negro o policiaco por antonomasia pertenece a esa época (décadas de los 30, 40 y 50), donde reinaban los detectives de sombrero y gabardina, las mujeres fatales y los policías sin escrúpulos. El cine actual ha tratado de trasladar los códigos del género a un entorno moderno con resultados desiguales, pero rara vez se aventura a recrear la época originaria de este tipo de cine. Algunas excepciones sobresalientes a esto son "Chinatown", de Roman Polansky, "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" (el remake de Bob Rafelson) o la película hoy comentada.

Sin duda uno de los mayores atractivos del film reside en el magnífico retrato de los personajes centrales del relato, cada uno con múltiples facetas y lejos de estereotipos, lo que consigue construir personalidades sólidas y creíbles. Los tres policías al frente de la historia son un buen ejemplo: el veterano descreído y oportunista encarnado por Kevin Spacey, el eficiente y brutal agente al que da vida Russell Crowe (en su primer papel importante) y el idealista pero ambicioso recién llegado al cuerpo (Guy Pearce). Juntos se verán embarcados en un crimen que esconde mucho más de lo que parece y que se interna en las cloacas de Los Angeles: políticos corruptos, policías inoperantes, prostitución de lujo y prensa sensacionalista. Todo relatado sobre un absorbente guión filmado con un trepidante ritmo lleno de energía, y en el que también brillan con luz propia Kim Basinger, James Cromwell y Danny DeVito.

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Ficha técnica y artística

L.A. Confidential. EEUU, 1997, 138 min.

Dirección: Curtis Hanson

Intérpretes: Guy Pearce, Russell Crowe, Kevin Spacey, Kim Basinger

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Crónica de HAL-9000

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domingo, 17 de octubre de 2010

El Hombre que Mató a Liberty Valance

Comentario de EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE

En 1962 el maestro John Ford no tenía que demostrar nada a nadie. A lo largo de más de veinticinco años de carrera ya había rodado la mayoría de sus obras cumbres, como "La Diligencia", "El Hombre Tranquilo" o "Centauros del Desierto". Sin embargo el realizador estadounidense filmó ese año la película monumental que supone "El Hombre que Mató a Liberty Valance", un nuevo punto de inflexión en el maravilloso género del western. Ford decidió recurrir a su eterno actor fetiche, John Wayne, para que formara junto al bueno de James Stewart una pareja de hombres capaz de doblegar al Mal encarnado en el personaje de Liberty Valance. Debido al tratamiento que se realiza de la historia, este largometraje abre las puertas al llamado western crepuscular, ya que ofrece una mirada desmitificadora, áspera y nostálgica de ese mundo. Una corriente que se desarrollaría completamente a finales de la década de los 60 y hasta nuestros días, con Sam Peckinpah ("Grupo Salvaje", "Pat Garret y Billy the Kid") y el Clint Eastwood maduro ("Sin Perdón", "El Jinete Pálido") como grandes exponentes.

De este modo la película nos sitúa en un remoto lugar del salvaje Oeste americano, donde el joven abogado Ransom Stoddard (Stewart) ha llegado en busca de fortuna. Sin embargo, es atracado en un camino y recibe una brutal paliza por parte del sádico cuatrero local Liberty Valance (interpretado de forma magistral por Lee Marvin). Una vez recuperado, Stoddard decide luchar contra Valance, quien se pasea impune por el pueblo, mediante el uso de la Ley. Con el mismo propósito de acabar con Valance se encuentra Tom Doniphon (Wayne), solo que éste apuesta decididamente por el uso de las armas, único medio aparentemente útil en esas tierras. Los tres forman un triángulo de personalidades opuestas en un ambiente crepuscular, situado entre lo salvaje y lo civilizado y en constante búsqueda de mitos: "En el Oeste, cuando la leyenda se convierte en realidad, escribimos la leyenda".

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Ficha técnica y artística

El Hombre que Mató a Liberty Valance (The Man who Shot Liberty Valance). EEUU, 1962, 123 min.

Dirección: John Ford

Intérpretes: James Stewart, John Wayne, Lee Marvin, Vera Miles

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Crónica de Atticus Finch

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domingo, 10 de octubre de 2010

Una Historia de Violencia

Comentario de UNA HISTORIA DE VIOLENCIA

En el mundo del cine pululan algunos directores que, debido a su estilo o a la temática de sus largometrajes, le producen a este cronista una profunda aversión. Entre los más conocidos que pertenecen a este grupo se encuentran por ejemplo el austriaco Michael Haneke y el canadiense David Cronenberg. El primero es considerado como uno de los directores europeos más prominentes ("Funny Games", "Caché", "La Cinta Blanca"), pero al que esto suscribe le exaspera su mirada estoica y la fascinación que muestra por los relatos malsanos. Respecto a Cronenberg, su caso es digno de estudio, ya que su extravagante trayectoria como cineasta durante treinta años le ha granjeado un buen número de seguidores (hay gente para todo). Este director se ha movido tradicionalmente por un terreno plagado de freaks e historias raras: "Videodrome", "La Mosca" o "Inseparables" son buena muestra. Sin embargo, para satisfacción general, Cronenberg cambió de rumbo hace un lustro al filmar la gran obra que es "Una Historia de Violencia", lo cual se vería confirmado poco después con la no menos estupenda "Promesas del Este". Ambas están protagonizadas por Viggo Mortensen y parecen mostrar el camino por el que continuará este realizador durante los próximos años, definitivamente alejado de su anterior universo underground.

Así, "Una Historia de Violencia" deja meridianamente claro su argumento con un título directo y sin miramientos, tal y como el relato es filmado. Tom Stall (Mortensen) es un pacífico dueño de una cafetería en una tranquila localidad de Indiana, en Estados Unidos. Pero una noche la violencia más primitiva se hace presente en su local en forma de un brutal atraco. A partir de ese hecho Tom adquiere reconocimiento gracias a los informativos y recibe la inesperada visita de unas enigmáticas personas que afirman conocerle. Según ellos Tom no es quien dice ser, sino un hombre mucho más oscuro y con un pasado turbulento. Poco a poco la tensión comienza a corroer a Tom, su familia y a toda la comunidad, a la espera de que se desate la tormenta. Siguiendo la estela del maestro Sam Peckinpah en "Perros de Paja", Cronenberg muestra los resortes de la violencia innata del hombre y cómo se desencadenan los instintos más primarios cuando uno se encuentra acorralado.

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Ficha técnica y artística

Una Historia de Violencia (A History of Violence). EEUU, 2005, 97 min.

Dirección: David Cronenberg

Intérpretes: Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris

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Crónica de Atticus Finch

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domingo, 3 de octubre de 2010

El Padrino, parte II

Comentario de EL PADRINO, PARTE II

Durante la década de los años 70 el director Francis Ford Coppola parecía encaminado a dejar una profunda huella en la historia del cine. En un periodo de tiempo inferior a diez años realizó cuatro películas consideradas obras mayores de la cinematografía contemporánea: "El Padrino" (1972), "La Conversación" (1974), "El Padrino, parte II" (1974) y "Apocalypse Now" (1979). Sin embargo la calidad de sus largometrajes se fue diluyendo a lo largo de la siguiente década hasta su práctica inactividad actual. No se sabe si el enorme esfuerzo de esos años mágicos le han pasado factura o simplemente no ha vuelto a encontrar el toque que diferencia a los buenos realizadores de los maestros. Conviene eso sí recordar que tras la devacle financiera que para él supuso "Corazonada" (1982), se vio obligado a dirigir durante años varias películas de encargo de una calidad inferior. A pesar de ello su talento siguió brillando ocasionalmente en filmes como "La Ley de la Calle", "Drácula de Bram Stocker" o "El Padrino, parte III", y nadie podrá arrebatarle nunca su estatus de figura clave del cine contemporáneo.

"El Padrino II" es probablemente, junto con "El Imperio Contraataca", uno de los excepcionales casos donde la secuela es tan buena o más que la película original. La estructura narrativa se vuelve ahora mucho más compleja, ya que alterna dos líneas argumentales. Por un lado asistimos a la llegada del joven Vito Corleone a América, la lucha de éste por sobrevivir y su progresiva ascensión en el crimen organizado hasta alcanzar el puesto de Padrino. Por otra parte se retoma la historia donde acabó la primera entrega, con Michael Corleone tomando las riendas de la Familia y precipitándose a un abismo de autodestrucción moral y personal. Ambos relatos se complementan perfectamente al ritmo de la excepcional banda sonora de Nino Rota.

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Ficha técnica y artística

El Padrino, parte II (The Godfather, part II). EEUU, 1974, 200 min.

Dirección: Francis Ford Coppola

Intérpretes: Al Pacino, Robert de Niro, Diane Keaton, Robert Duvall

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Crónica de El Maquinista

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sábado, 25 de septiembre de 2010

La Última Cruzada

Comentario de LA ÚLTIMA CRUZADA

A finales de 1977 dos jóvenes cineastas se relajaban en una isla de Hawaii tras un año muy productivo para ambos. Uno era George Lucas, que acababa de asombrar al mundo con su aventura de épica espacial "La Guerra de las Galaxias". El otro, nada menos que un Steven Spielberg aclamado por la fantasiosa "Encuentros en la Tercera Fase". Los dos amigos iban a crear durante sus vacaciones hawaiianas un nuevo personaje que marcaría un hito en el cine de aventuras: Indiana Jones. Este héroe moderno, profesor universitario los días laborables e intrépido arqueólogo los fines de semana, supondría la consagración del tándem Spielberg-Lucas. El primero ejercería de director mientras el segundo se encargaba de las labores de producción, roles que se han mantenido durante las cuatro películas de Indiana: "En Busca del Arca Perdida" (1981), "El Templo Maldito" (1984), "La Última Cruzada" (1989) y "El Reino de la Calavera de Cristal" (2008). Son el primer y el tercer título los que suponen auténticas obras de arte cinematográficas y por las que será siempre recordado el personaje encarnado por un extraordinario Harrison Ford.

Así pues, "La Última Cruzada" nos sitúa junto al doctor Jones en una nueva aventura frente a los nazis. El objetivo esta vez será hacerse con el Santo Grial en tierras de Oriente Próximo antes de que caiga en manos de las huestes hitlerianas. Pero esta vez al héroe del sombrero fedora le acompañará su exquisito y flemático padre, un magnífico Sean Connery. Juntos recorrerán mil peligros de Venecia a Petra pasando por Berlín, en un viaje apoteósico y redentor para la complicada relación paterno-filial de los Jones. Cabe destacar que Indy pertenece a ese puñado de personajes cinematográficos que disfrutan de la total complicidad del espectador, por lo que es capaz de las más inverosímiles hazañas sin que se ponga en duda la veracidad de la escena, en un estatus parecido al de James Bond. Spielberg dirige con maestría este largometraje dejando bien claro que conoce todos los recovecos de la personalidad del protagonista, apoyándose eso sí en un maravilloso guión. La gran banda sonora de John Williams, interiorizada ya como parte esencial de la saga, hace vibrar de emoción en cada visionado. A mencionar también la gran química entre Ford y Connery, perfectos en sus papeles.

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Ficha técnica y artística

La Última Cruzada (The Last Crusade). EEUU, 1989, 127 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Harrison Ford, Sean Connery, Alison Doody

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Crónica de El Maquinista

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sábado, 18 de septiembre de 2010

Solo ante el Peligro

Comentario de SOLO ANTE EL PELIGRO

A mediados del siglo pasado el director austriaco Fred Zinnemann se consagró con una de las películas más legendarias del séptimo arte, "Solo ante el Peligro". Con el tiempo filmaría otras grandes obras, como "De Aquí a la Eternidad", "El Día del Chacal" o "Un Hombre para la Eternidad". En el largometraje de hoy, Zinnemann nos sitúa en un recóndito pueblo del Oeste americano a las diez y media de la mañana, donde el íntegro sheriff Will Kane (Gary Cooper) acaba de entregar la placa para retirarse a vivir a un rancho con su joven esposa (Grace Kelly). Pero llega un telegrama que va a desatar la alarma en el pueblo: el cuatrero Frank Miller, al que Kane arrestó recientemente, ha sido indultado por un juez y se acerca en el tren de las doce en busca de venganza. Su banda le aguarda en la estación y una vez reunidos piensan encontrar a Kane y matarlo. A pesar de que todo el mundo le apremia para que huya cuanto antes, Kane decide quedarse para hacer frente a Miller y defender las calles. A partir de este momento la película está narrada en tiempo real, mostrando la carrera contrarreloj del sheriff para reclutar voluntarios que le ayuden en el inminente combate. Sin embargo descubre con estupefacción la naturaleza más ruin de la condición humana al encontrarse con que la mayoría del pueblo le da la espalda, bien por indiferencia, miedo o cobardía. Kane está literalmente solo ante el peligro y a las doce del mediodía habrá de enfrentarse a la brutal banda de criminales en completa soledad.

La narración del relato crea una atmósfera de creciente tensión a través de un preciso montaje, obra de Elmo Williams, que muestra multitud de relojes indicando los minutos que faltan para la hora señalada. A su vez, la banda sonora de Dimitri Tiomkin acompaña de forma impecable la historia. El reparto está encabezado por un colosal Gary Cooper y una joven Grace Kelly que debutaba en el cine. Mención aparte merece el magnífico guión de Carl Foreman, ya que todo el relato es una parábola de la caza de brujas del infausto senador McCarthy y de la situación personal del propio Foreman cuando fue llamado a declarar al Comité de Actividades Antiamericanas. Debido a sus supuestas simpatías comunistas fue incluido en las listas negras de Hollywood y sumido en el ostracismo profesional, por lo que no pudo volver a trabajar en su país. Años después firmaría desde Inglaterra y bajo seudónimo el guión de la premiada "El Puente sobre el Río Kwai".

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Ficha técnica y artística

Solo ante el Peligro (High Noon). EEUU, 1952, 84 min.

Dirección: Fred Zinnemann

Intérpretes: Gary Cooper, Grace Kelly, Lon Chaney

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Crónica de Atticus Finch

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sábado, 11 de septiembre de 2010

El Lector

Comentario de EL LECTOR

El director británico Stephen Daldry debutó en el mundo de la realización hace una década con la exitosa "Billy Elliot", relato de las inquietudes artísticas de un joven inglés en un desolado pueblo minero. A esta le siguió la producción norteamericana "Las Horas", excelente drama femenino en tres líneas temporales conectadas por la obra de la escritora Virginia Woolf. Su reparto, encabezado por Meryl Streep, Julianne Moore y Nicole Kidman era sencillamente espectacular. De esta manera llegamos al más reciente trabajo de Daldry, la hoy comentada "El Lector".

Este largometraje nos cuenta el romance de un joven estudiante (David Kross) con una misteriosa mujer mayor que él (Kate Winslet) en la Alemania Occidental de los años 50. En otro eje temporal la historia sigue al protagonista masculino en la actualidad (Ralph Fiennes), mientras sus recuerdos van completando el relato hasta que ambas líneas argumentales se encuentran brillantemente al final. La película supone un excelente trabajo cinematográfico, repleto de emociones contenidas y con buen pulso narrativo. Fiennes es todo un experto a la hora de componer personajes dramáticos rodeados de un aura de melancolía, como ha dejado patente en estupendos filmes ("El Paciente Inglés", "El Fin del Romance", "El Jardinero Fiel", etc). Por otra parte, Kate Winslet es sencillamente una actriz de un talento tan inmenso que puede hacer creíble cualquier papel ("Sentido y Sensibilidad", "Olvídate de Mi", "Little Children", "Iris", por mencionar algunos). En definitiva, una película altamente recomendable de un director del que esperamos con ilusión su próximo proyecto.

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Ficha técnica y artística

El Lector (The Reader). EEUU-Alemania, 2009, 124 min.

Dirección: Stephen Daldry

Intérpretes: Kate Winslet, Ralph Fiennes, David Kross

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Crónica de El Maquinista

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domingo, 5 de septiembre de 2010

Mejor Imposible

Comentario de MEJOR IMPOSIBLE

Hasta que dirigió la película hoy reseñada, el cineasta James L. Brooks era principalmente conocido por su premiada "La Fuerza del Cariño", donde había reunido con éxito a Jack Nicholson, Shirley MacLaine y Debra Winger. Para "Mejor Imposible" volvió a contar con su actor fetiche, Jack Nicholson, para que diera vida al inolvidable Melvin Udall. Con este novelista de éxito, insoportable, cascarrabias y completamente maniático, Nicholson compuso uno de sus mejores personajes cinematográficos (que son muchos). Su esfuerzo interpretativo se vio recompensado con multitud de premios y le coronó con su tercer Oscar. Por otro lado, la película es una excelente comedia dramática que se unió así al amplio grupo de buenos largometrajes del coloso estadounidense: "Chinatown", "Easy Rider", "Alguien Voló Sobre el Nido del Cuco", "El Resplandor", "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" o "El Honor de los Prizzi", por mencionar algunas.

Nicholson es acompañado en el largometraje por un estupendo reparto en el que sobresalen Helen Hunt, Greg Kinnear y Cuba Gooding Jr. La primera da vida a la camarera de la cafetería donde acude a comer Melvin, mientras que Kinnear encarna al vecino homosexual de éste. Los tres conforman el trío protagonista de este film dirigido con suma pericia por Brooks, el cual alterna con gran habilidad los momentos cómicos y dramáticos que rodean la peculiar vida de este personaje inclasificable.

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Ficha técnica y artística

Mejor Imposible (As Good As It Gets). EEUU, 1997, 138 min.

Dirección: James L. Brooks

Intérpretes: Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear

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Crónica de Atticus Finch

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sábado, 28 de agosto de 2010

El León en Invierno

Comentario de EL LEÓN EN INVIERNO

Basada en la obra teatral homónima de Jerry Goldman, "El León en Invierno" presenta las complicadas relaciones de amor-odio en la familia del rey Enrique II de Inglaterra. El poderoso monarca, próximo ya a la vejez, ha decidido reunir a sus tres hijos en el castillo de Chinon para comunicarles el nombre del sucesor a la corona. También manda traer a su esposa Leonor de Aquitania, a la que ha tenido diez años encerrada en una fortaleza inglesa. Cuando toda la familia está finalmente reunida comienzan las conspiraciones y las traiciones. Ningún hijo se resigna a perder la oportunidad de lograr el trono, aunque sea preciso recurrir al chantaje o alianzas con el enemigo. Enrique ve así peligrar el futuro de su gran reino mientras se pregunta qué errores ha cometido para llegar a esa situación de puro caos.

El largometraje presenta una excelente factura a cargo de su director, Anthony Harvey. Los diálogos están adaptados al cine por el propio Goldman, quien pocos años después escribiría otro estupendo guión para "Robin y Marian", de Richard Lester. Por otra parte, el reparto cuenta con grandes intérpretes. Peter O´Toole y Katharine Hepburn encarnan a Enrique y Leonor, los cuales intercambian fuertes combates dialécticos y complices recuerdos. Un joven Anthony Hopkins se mete en la piel del hijo primogénito, Ricardo (futuro Corazón de León), mientras que Nigel Terry da vida al benjamín Juan Sin Tierra. A destacar también la banda sonora de la película, obra de John Barry.

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Ficha técnica y artística

El León en Invierno (The Lion in Winter). Reino Unido, 1968, 134 min.

Dirección: Anthony Harvey

Intérpretes: Peter O´Toole, Katharine Hepburn, Anthony Hopkins

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Crónica de El Maquinista

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sábado, 21 de agosto de 2010

El Secreto de sus Ojos

Comentario de EL SECRETO DE SUS OJOS

La película hoy comentada supone el trabajo más reciente del director argentino Juan José Campanella. Este autor ya se había situado previamente como uno de los realizadores sudamericanos más interesantes de la actualidad gracias a títulos como "El Mismo Amor, la Misma Lluvia", "El Hijo de la Novia" o "Luna de Avellaneda". Así, la gran obra que es "El Secreto de sus Ojos" no hace sino confirmar las altas expectativas creadas. Para su nuevo largometraje, Campanella recurre a su actor fetiche, Ricardo Darín, al que acompañan Soledad Villamil y Guillermo Francella. Este trío protagonista, más el resto de los actores, componen un reparto de una calidad excepcional.

La estructura narrativa de la película se encuentra dividida en dos partes. La primera nos sitúa en la actualidad, donde Benjamín (Darín), recién jubilado como agente de la justicia federal, trata de escribir el relato sobre un brutal crimen que investigó en 1974. En aquellas fechas también conoció a Irene (Villamil), lo que constituye la segunda línea argumental. Así, las dos tramas principales (policiaca y sentimental) nacen y evolucionan en un periodo temporal de veinticinco años, desde la juventud y los albores de la dictadura militar a la reposada sabiduría de la madurez. Es un hecho muy interesante el tratamiento de ese periodo negro (1976-1983), ya que la dictadura nunca es mencionada explícitamente pero sobrevuela continuamente sobre el relato, en especial en la parte de 1974, donde se palpa un embrutecimiento terrible de la sociedad y los cuerpos de seguridad. Algo semejante ocurría en "Kamchatka" (Marcelo Piñeyro).

El resultado global es un largometraje excepcional que da fe de la buena salud del cine argentino, cinematografía que desde hace más de una década lleva proporcionando obras muy interesantes a cargo de directores como Daniel Burman, Marcelo Piñeyro o el propio Campanella.

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Ficha técnica y artística

El Secreto de sus Ojos. Argentina, 2009, 126 min.

Dirección: Juan José Campanella

Intérpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella

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Crónica de Atticus Finch

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sábado, 14 de agosto de 2010

El Día de los Tramposos

Comentario de EL DÍA DE LOS TRAMPOSOS

En los salvajes territorios del lejano Oeste viven dos hombres antagónicos destinados a encontrarse tarde o temprano. Uno es Paris Pitman, astuto y despiadado criminal que ha cabalgado a lo largo y ancho del país en busca de innumerables botines. Su némesis no es otro que el sheriff Lopeman, persona recta e íntegra, defensora de la ley y de espíritu humanista. Ambos habrán de coincidir en una recóndita prisión perdida en el desierto de Arizona, uno como preso, el otro como alcaide. Pitman buscará sin descanso controlar a los reclusos para planear su fuga del penal, mientras que el idealista Lopeman intentará por todos los medios reformar la insalubre institución a fin de lograr su objetivo: rehabilitar prisioneros para convertirlos en personas.

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Ficha técnica y artística

El Día de los Tramposos (There was a Crooked Man). EEUU, 1970, 126 min.

Dirección: Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes: Kirk Douglas, Henry Fonda, Warren Oates

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Crónica de El Maquinista

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sábado, 7 de agosto de 2010

La Caza del Octubre Rojo

Comentario de LA CAZA DEL OCTUBRE ROJO

Sobre las frías aguas del norte de Rusia ha emergido una de las máquinas más poderosas que el mundo haya conocido, el submarino nuclear soviético Octubre Rojo. De dimensiones colosales, en su interior oculta un devastador arsenal bélico capaz de sembrar la destrucción allá donde se proponga. Su capitán, el veterano Marko Ramius, desobedeciendo órdenes de Moscú, ha decidido cruzar el Atlántico y dirigirse hacia las costas estadounidenses con intenciones desconocidas. Invisible a los sistemas de detección convencionales, el submarino avanza sin descanso a través de las profundidades oceánicas perseguido por toda la flota soviética mientras en Washington comienzan a saltar las alarmas. Las dos superpotencias pueden estar a las puertas de la temida guerra y todo depende del desafío lanzado por un solo hombre. La caza del Octubre Rojo ha comenzado.

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Ficha técnica y artística

La Caza del Octubre Rojo (The Hunt for Red October). EEUU, 1990, 134 min.

Dirección: John McTiernan

Intérpretes: Sean Connery, Alec Baldwin, Sam Neill, Scott Glenn

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Crónica de Atticus Finch

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domingo, 1 de agosto de 2010

El Señor de los Anillos

Comentario de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

Las leyendas de la Tierra Media hablan del señor oscuro Sauron y del anillo maestro que le concedería el poder para esclavizar el mundo entero. Perdido durante siglos, la preciada joya ha llegado finalmente a manos de la criatura menos pensada, un pacífico hobbit de La Comarca. Pero Sauron, emergiendo de entre las sombras, ha comenzado a movilizar a sus tropas para encontrar el anillo y matar a su portador. La oscuridad avanza sin descanso a través de los caminos mientras retumban los tambores de una guerra inevitable. Ante la terrible amenza que se cierne sobre ellos, las razas de los hombres, elfos y enanos deciden unir fuerzas y designar a un grupo de guerreros que acompañe al joven hobbit a los dominios de Sauron, a fin de destruir el anillo allí donde fue forjado. Con los enemigos pisándoles los talones, la heterogénea comunidad habrá de emprender su épico viaje rumbo al corazón de las tinieblas, el único lugar donde poder destruir las raices del Mal que los persigue.

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Ficha técnica y artística

El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings). Nueva Zelanda-EEUU, 2001, 178 min.

Dirección: Peter Jackson

Intérpretes: Ian Mckellen, Viggo Mortensen, Elijah Wood

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Crónica de Kodama

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domingo, 25 de julio de 2010

The French Connection

Comentario de THE FRENCH CONNECTION

A comienzos de los años 70 la ciudad de Nueva York se hunde lenta pero inexorablemente en el fango del crimen organizado. El sueño americano ha saltado por los aires mientras el tejido social del país se agrieta sin remedio víctima del desconcierto reinante. La situación se ha visto seriamente empeorada con el reciente desembarco en la metrópoli de la mafia marsellesa, un despiadado clan dedicado a toda clase de actividades ilegales que constituye la llamada conexión francesa. Sin embargo, un puñado de agentes del cuerpo de policía se ha conjurado para plantar batalla a estos criminales y limpiar las calles de la ciudad cueste lo que cueste. Frente a ellos se erige así un demoledor desafío plagado de obstáculos y peligros donde habrán de jugarse mucho más que sus placas.

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Ficha técnica y artística

The French Connection. EEUU, 1971, 104 min.

Dirección: William Friedkin

Intérpretes: Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando Rey

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Crónica de El Maquinista

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domingo, 18 de julio de 2010

La Chaqueta Metálica

Comentario de LA CHAQUETA METÁLICA

Cuando los nuevos reclutas cruzaron el umbral del campamento de instrucción de marines, sin saberlo en ese momento, acababan de penetrar en un universo diferente que se regía por códigos totalmente desconocidos para ellos. Se trataba de un lugar dirigido por mentes desquiciadas donde reinaba el disparate perpetuo y las normas absurdas. El objetivo no consistía en formar buenos soldados, sino fabricar en serie máquinas de matar deshumanizadas, auténticos ministros de la muerte de gatillo fácil. Concebían el fusil como una parte más de la anatomía y la humillación algo consustancial a su propia naturaleza. La guerra se había trivializado hasta límites extremos para presentarla como una experiencia más en la rutina de la juventud norteamericana. Ya no era por tanto tiempo para los libros o el deporte, sino para las balas enfundadas en su brillante chaqueta metálica, listas para ser disparadas por una nueva hornada de muchachos en aquél lejano país llamado Vietnam.

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Ficha técnica y artística

La Chaqueta Metálica (Full Metal Jacket). Reino Unido-EEUU, 1987, 116 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Matthew Modine, Lee Ermey, Vincent d´Onofrio

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Crónica de HAL-9000

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martes, 13 de julio de 2010

Doce Hombres sin Piedad

Comentario de DOCE HOMBRES SIN PIEDAD

Son doce ciudadanos anónimos elegidos al azar entre el pueblo, doce desconocidos que jamás se han visto y que probablemente no volverán a cruzar sus caminos. Por delante tienen una maratoniana jornada que pasarán encerrados en la misma habitación debatiendo la razón que les ha traído allí: la gran responsabilidad de decidir el futuro de un hombre como miembros del jurado popular. Tras haber escuchado pacientemente a la acusación, la defensa y los testigos, es hora de reunirse y alcanzar el veredicto final por unanimidad. Lo que en principio parecía un crimen sin escrúpulos se va tornando en un confuso acontecimiento oculto entre las sombras. La duda razonable remuerde la conciencia mientras se lucha contra los prejuicios y las suposiciones baratas. La tensión se palpa, el calor sofoca y la atmósfera se torna irrespirable; los duelos dialécticos se suceden lanzando cargas de profundidad. No hay salida hasta que encuentren en ellos mismos los valores humanos indestructibles: la integridad, la honradez, la coherencia, la razón... , aunque eso suponga a cada uno enfrentarse a sus temidos demonios.

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Ficha técnica y artística

Doce Hombres sin Piedad (Twelve Angry Men). EEUU, 1957, 96 min.

Dirección: Sidney Lumet

Intérpretes: Henry Fonda, E. G. Marshall, Jack Warden

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Crónica de Atticus Finch

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