miércoles, 31 de diciembre de 2014

Doctor en Alaska

ESPECIAL SERIES DE CINE (y V)














- "Cicely es un estado mental" [Doctor Joel Fleischman]

Hay coincidencia en afirmar que desde hace más de una década vivimos una era dorada de la ficción televisiva, con numerosas series que son auténticas joyas audiovisuales. La televisión se ha convertido en un auténtico granero de creatividad donde es posible abordar temáticas que aún tienen vedado el terreno en el mundo del cine comercial. Muchos intérpretes han conseguido dar un renovado impulso a sus carreras gracias a nuevas oportunidades en la pequeña pantalla. Y por encima de todo, la televisión tiene la ventaja de poder desarrollar tramas y personajes a lo largo de horas, creando auténticas novelas visuales. No obstante el hombre tiene tendencia a olvidar rápido o incluso a considerar solo lo que ocurre en una determinada época. Es por eso que debido al despiste o la ignorancia se suelen omitir grandes obras por el mero hecho de haber sido creadas años atrás. Justamente por ello hemos elegido una serie de hace ya tiempo para cerrar este ciclo dedicado a la televisión. "Doctor en Alaska" es sencillamente una de las mejores series que uno pueda ver, al mismo nivel que cualquiera de las más aclamadas. Sus historias, auténticas clases magistrales de filosofía vital, muestran la capacidad que solo poseen los grandes creadores: permanecer en el tiempo.

“Doctor en Alaska” narra la vida en el pequeño pueblo de Cicely, en Alaska, tras la llegada del doctor Joel Fleischman (Rob Morrow), un recién licenciado en medicina procedente de Nueva York. Joel cursó sus estudios en la Universidad de Columbia gracias a una beca estatal de Alaska a cambio de que ejerciera en dicho territorio durante unos años después de graduarse. Sin embargo, en lugar de ser destinado a Anchorage, la capital,  Joel es enviado a la remota localidad de Cicely, donde la filosofía de vida de sus habitantes choca frontalmente con su mentalidad metropolitana. A pesar de ello se irá integrando poco a poco como un habitante más del pueblo, lo cual no le impide seguir sintiéndose como un extraño.

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Ficha técnica y artística

Doctor en Alaska (Northern Exposure). EEUU, 1990-1995, 44 min.

Dirección: varios

Intérpretes: Rob Morrow, Janine Turner, John Corbett

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Crónica de El Maquinista



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domingo, 14 de diciembre de 2014

The Wire

Especial SERIES DE CINE (IV)

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
- "Nadie gana. Un bando solo pierde más lentamente." [Detective Roland Pryzbylewski]

Las series policiacas han sido siempre grandes clásicos de la pequeña pantalla y la que hoy comentamos tiene también su justo hueco en el panteón televisivo. A pesar de no contar con un éxito de masas como en otros casos, "The Wire" ha sido una serie que ha arraigado profundamente entre un sector del público que quedó seducido por el magistral entramado argumental sobre el que se asienta esta ficción de la HBO. Su estilo realista, pegado a la calle y de degustación pausada son señas de identidad de una serie que narra a lo largo de cinco temporadas (2002-2008) la guerra de desgaste entre un puñado de policías y el crimen organizado en la ciudad de Baltimore. Bajo el nexo común de la lucha contra el narcotráfico y las escuchas telefónicas, "The Wire" trata a su vez diversos aspectos sociales en cada temporada: los barrios marginales, los puertos, la política, la educación y el periodismo. Sus creadores, el antiguo redactor del "Baltimore Sun" David Simon y el detective retirado Ed Burns, formaban un tándem que conocía al detalle las alcantarillas de la Administración y los obstáculos diarios de las brigadas policiales: corrupción, presiones políticas, envidias profesionales, mandos inoperantes, falta de medios... Todo ello se refleja en una serie en la que el peso de los personajes está repartido a ambos lados de la guerra, tanto en el bando policial como en el de los criminales que son investigados. Esa riqueza social es algo que convierte a "The Wire" en un producto único de la ficción de calidad contemporánea.

"The Wire" relata la creación de una pequeña unidad de vigilancia policial cuya misión es obtener pruebas suficientes para arrestar al clan Barksdale, la familia que controla la distribución de droga en los barrios marginales del oeste de Baltimore. El grupo de investigación es en realidad una fachada aceptada a regañadientes por ciertos mandos policiales a petición de un juez, quien ha sido informado por el detective James McNulty de que nadie en el departamento de policía está investigando a los Barksdale. Los mandos, en venganza por haberles dejado expuestos ante sus jefes políticos, deciden torpedear la unidad dedicándole pocos medios e instalaciones, así como juntando a agentes de diversa procedencia: el propio McNulty, de homicidios, y dos miembros de narcóticos, la detective Kima Greggs y el joven comandante Cedric Daniels. El resto son policías caídos en desgracia para sus superiores bien por su incompetencia o por ser excelentes profesionales condenados al ostracismo. El heterogéneo grupo comienza no sin dificultades a ponerse en marcha contrarreloj para conseguir los datos que necesitan, a sabiendas de que la unidad será disuelta si no obtienen las pruebas en pocos meses. El enemigo está en las calles, pero también en casa.

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Ficha técnica y artística

The Wire. EEUU, 2002-2008, 55 min.

Dirección: varios

Intérpretes: Dominic West, Lance Reddick, Idris Elba

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Crónica de Atticus Finch

 
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domingo, 7 de diciembre de 2014

Breaking Bad

Especial SERIES DE CINE (III)














- "Tú conoces el negocio. Yo la Química." [Walter White]

Una de las características más importantes en la revolución contemporánea de las series televisivas es el mostrar personajes de gran ambigüedad moral. Las visiones tradicionales del bien y del mal han dado paso a un revisionismo en el que se construyen protagonistas complejos, con su fallos y aciertos, más humanos en definitiva. Probablemente uno de los mayores exponentes de este antihéroe contemporáneo sea Walter White, el profesor de química de Alburquerque reconvertido a fabricante de metanfetamina por azares del destino. Su historia la relata una de las grandes series del último lustro, "Breaking Bad", que desde su explícito título ("Volverse Malo") nos revela cómo un honrado y pacífico padre de familia puede verse sumergido en una doble vida de lo más dispar. Quizá el punto clave que lleva a que el espectador conecte con él y sienta empatía es el hecho de que muestra cómo a veces pequeñas dosis de maldad pueden servir al bien, y que los caminos del Señor son en definitiva inescrutables. Bryan Cranston, el actor que le ha dado vida a lo largo de sus cinco temporadas, puede sentirse orgulloso de haber edificado un personaje que quedará para la historia de la pequeña pantalla.

"Breaking Bad" nos cuenta la vida paralela que empieza a desarrollar el profesor Walter White (Bryan Cranston) en la desértica ciudad de Alburquerque,  en el estado fronterizo de Nuevo Méjico. White enseña química en un instituto y a pesar de los apuros económicos y demás frustraciones vitales vive feliz con su mujer y su hijo de quince años. A las puertas de volver a ser padre su estado de salud empieza a deteriorarse repentinamente y los médicos le descubren un tumor maligno en el pulmón. Para poder costearse el tratamiento y dejar a su familia un remanente de dinero después de su previsible muerte, Walter comienza a fabricar en secreto un tipo de droga sintética llamada metanfetamina. Gracias a sus profundos conocimientos de química consigue cocinar un producto de excelente calidad y junto a su antiguo alumno Jesse Pinkman (Aaron Paul) se introduce en el oscuro mundo del narcotráfico. La agencia antidroga empieza a investigar el origen del nuevo producto y éste tampoco pasa desapercibido para los criminales de la frontera, lo que hace que Walter se vea abocado a una frenética doble vida de la que ha perdido el control desde el primer momento. Sin embargo, y a pesar de los malos actos, vuelve a sentirse vivo después de años conviviendo con un sentimiento de resignación y derrota. Walter White empieza así a convivir con su álter ego oscuro, Heisenberg.

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Ficha técnica y artística

Breaking Bad. EEUU, 2008-2013, 45 min.

Dirección: varios

Intérpretes: Bryan Cranston, Aaron Paul, Anna Gunn

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Crónica de El Maquinista


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sábado, 6 de septiembre de 2014

True Detective

Especial SERIES DE CINE (II)
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
- No puedo decir que el trabajo me hizo ser de esta manera. Al contrario, ser como soy fue lo que me hizo adecuado para este trabajo. [Detective Rust Cohle]

A pesar de contar con tan solo una temporada en su haber, la huella que "True Detective" ha dejado este año en la televisión perdurará durante mucho tiempo. Concebida como una antología (cada temporada cuenta una historia con personajes diferentes), esta serie de HBO ha alcanzado las cotas de calidad más altas vistas en la pequeña pantalla. Sus ocho episodios han sido escritos por su creador (Nic Pizzolatto) y dirigidos todos por un solo realizador (Cary Fukunawa), algo muy poco común en la televisión, donde las series suelen contar con varios guionistas y directores por temporada. Sin duda esto ha ayudado a darle un empaque especial, un poso de autor que hace que en ocasiones nos parezca estar realmente viendo una película de ocho horas. A esto ayuda su impecable producción, la calidad de la puesta en escena y unos intérpretes superlativos (en especial Matthew McConaughey y Woody Harrelson). La profundidad de la historia, su atmósfera sombría y unos personajes complejos llevan a "True Detective" a unos niveles verdaderamente cinematográficos. No sabemos cómo serán sus próximas temporadas, pero ésta forma parte ya de las joyas de la corona de la ficción televisiva contemporánea.

La serie relata la captura de un asesino a lo largo de diecisiete años en la zona costera de Luisiana, en el profundo sur de los Estados Unidos. A través de tres líneas temporales entrelazadas asistimos a la investigación del caso y a las repercusiones personales que tienen en sus protagonistas. En 1995 el cuerpo de una mujer es hallado junto a un árbol en lo que parece ser algún rito de naturaleza pagana. Los agentes de la policía estatal Martin Hart (Harrelson) y Rust Cole (McConaughey) se hacen cargo de la investigación y poco a poco comienzan a encontrar puntos de conexión con otras desapariciones ocurridas en esta zona rural de  Luisiana. Ambos detectives son compañeros de trabajo desde hace pocos meses y sus personalidades no pueden ser más diferentes. El agente Cole se ha incorporado recientemente procedente de Tejas donde ha llevado a cabo tareas policiales clasificadas. Su carácter solitario, taciturno y nihilista choca frontalmente con el ambiente tradicional de la comunidad, poco acostumbrada a personalidades tan peculiares. Por su parte Hart es un padre de familia conservador muy bien adaptado a la idiosincrasia de esta región anclada en el llamado Cinturón Bíblico estadounidense, donde el cristianismo evangélico impregna toda la sociedad. Paralelamente, en el año 2012 ambos detectives, apartados ya de las fuerzas de seguridad, rememoran los acontecimientos del 95 y las circunstancias que llevaron al final de su relación en 2002. Los dos son interrogados por otros oficiales muy interesados en la metodología de su antigua investigación. El caso parecía cerrado, pero no es así. Sus ramificaciones oscuras y el laberinto en que se convirtió no está del todo resuelto.

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Ficha técnica y artística

True Detective. EEUU, 2014-Presente, 60 min.

Dirección: Cary Fukunawa

Intérpretes: Matthew McConaughey, Woody Harrelson, Michelle Monaghan

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Crónica de Atticus Finch
 
 
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domingo, 24 de agosto de 2014

Juego de Tronos

Especial SERIES DE CINE (I)














- Yo, Eddard de la casa Stark, señor de Invernalia y Guardián del Norte, te sentencio a muerte. [Ned Stark]
 
Hoy comenzamos un especial sobre grandes series de televisión que nos llevará a repasar algunos de mis títulos preferidos a lo largo de las siguientes semanas. Series que por la calidad de sus historias, sus intérpretes y guiones se merecen un reconocimiento especial. La primera en abrir este especial es "Juego de Tronos", sin duda una de las series más populares de los últimos años. Basada en la saga épica de "Canción de Hielo y Fuego", del escritor norteamericano George R. R. Martin, esta producción de la HBO ofrece una reconstrucción extraordinaria del universo ideado por Martin.  Un mundo medieval poblado de elementos fantásticos que cuenta con una inmensa galería de personajes bien estructurados y varias tramas paralelas, algo que en los libros funciona muy bien pero que en televisión no queda más remedio que resumir. Aún así la historia sigue cautivando a los espectadores a lo largo ya de cuatro temporadas, habiendo adaptado hasta la fecha tres de los siete volúmenes previstos.

"Juego de Tronos" narra las luchas de poder entre las diferentes casas nobles de los Siete Reinos de Poniente, un mundo donde las estaciones pueden durar años y en el que el Invierno es temido por su ferocidad. Los reinos están protegidos del desconocido Norte por un gigantesco muro de piedra y hielo que les separa de una tierra poblada por salvajes. Al sur del muro los hombres viven tiempos turbulentos desde que hace quince años cayera la dinastía de los Targaryen, los unificadores de los reinos, y subiera al trono Robert el Usurpador. El viaje de éste hacia los dominios norteños en busca de su amigo Eddard Stark marca el punto de salida de multitud de aventuras donde conviven el honor, la traición y la supervivencia.

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Ficha técnica y artística

Juego de Tronos (Game of Thrones). EEUU, 2011-presente, 54 min.

Dirección: varios

Intérpretes: Sean Bean, Peter Dinklage, Emilia Clarke

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Crónica de El Maquinista
 


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domingo, 17 de agosto de 2014

Malas Tierras

Comentario de MALAS TIERRAS
 













El director Terrence Malick es un caso bastante peculiar de la cinematografía norteamericana, dueño de un estilo personalísimo que suele polarizar las reacciones del público ante sus películas. Malick rodó en los años 70 dos películas de autor que fueron alabadas por sectores de la crítica especializada, "Malas Tierras" (1973) y "Días del Cielo" (1978). En ellas dejaría bien patentes la mayoría de las características de su cine: cuidadísima fotografía, poco diálogo, uso de voz en off y un estilo narrativo poco convencional. A pesar de haberse convertido en una de las promesas del cine de autor Malick desaparecería poco después del panorama cinematográfico y no volvería a rodar en veinte años. Su retorno detrás de las cámaras tuvo lugar con la magistral "La Delgada Línea Roja" (1998), una de las cimas del género bélico y auténtico hito de su carrera. Siete años después volvería con la revisión de la historia de Pocahontas en "El Nuevo Mundo" (2005) y a partir de "El Árbol de la Vida" (2011) podemos afirmar que ha ido cogiendo carrerilla con nuevos proyectos. Meticuloso en extremo, a Malick se le conoce bien por la enorme cantidad de metraje que rueda (lo que ocasiona montajes problemáticos), su sensibilidad hacia las texturas de la luz, los colores y la naturaleza, así como su animadversión a las entrevistas y actos promocionales. Personalmente considero que su estilo me resulta muchas veces excesivo, llegando a primar los elementos estéticos sobre los narrativos. En solo dos ocasiones no le he visto cruzar ese límite. Uno en la obra maestra absoluta que es "La Delgada Línea Roja", un auténtico prodigio que no me canso de ver. Y otra en su ópera prima, la estupenda película que comentamos hoy.

"Malas Tierras" se sitúa en el Medio Oeste de los EEUU a finales de los años 50. En un pequeño pueblo Kit (Martin Sheen), un muchacho rebelde e impulsivo, conoce a la adolescente Holly (Sissy Spacek). Ambos comienzan a salir juntos a pesar de la prohibición del padre de ésta (Warren Oates) y tras unos violentos acontecimientos la pareja emprende una huida a través de varios estados. El carácter insensible de Kit va manifestándose cada vez más mientras van dejando un reguero de muertes tras de sí, lo que hace que las fuerzas de seguridad intensifiquen su búsqueda. Kit y Holly intentan cruzar el país hacia el norte y llegar a Canadá, en una huida a medio camino entre lo onírico y el nihilismo. Pero se van dando de bruces con la dura realidad mientras una espiral de violencia de cierne sobre ellos.

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Ficha técnica y artística

Malas Tierras (Badlands). EEUU, 1973, 95 min.

Dirección: Terrence Malick

Intérpretes: Martin Sheen, Sissy Spacek, Warren Oates

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Crónica de El Maquinista


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sábado, 9 de agosto de 2014

Mi Vecino Totoro

Comentario de MI VECINO TOTORO
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Esta semana ha aparecido en la prensa la noticia de que los estudios Ghibli van a cerrar su departamento de animación en las próximas fechas. De confirmarse estaríamos ante una de las peores noticias del año para los amantes del cine, ya que supondría echar el cierre a uno de los estudios de animación más prestigiosos de las últimas tres décadas. Bajo la dirección de sus fundadores, los maestros Hayao Miyazaki e Isao Takahata, Ghibli se ha convertido en referente del mundo de la animación produciendo cintas de gran calidad desde que iniciaran su andadura en los años 80. De sus lápices han salido obras mayores como "La Tumba de las Luciérnagas" (1988), "La Princesa Mononoke" (1997) o "El Viaje de Chihiro" (2001), además de otro buen puñado de estupendas películas. Y es que Ghibli suponía también el último reducto actual de la animación tradicional gracias al gran apego que sigue existiendo en Japón hacia el género anime y los códigos manga. Sus largometrajes ofrecían siempre historias rebosantes de imaginación y con unas constantes que se han mantenido a lo largo de los años: relatos profundamente humanistas, devoción por la naturaleza y respeto al prójimo. Buena parte de esta visión está enraizada en la propia cultura tradicional nipona, como el sintoísmo, pero tiene resonancias universales. En homenaje a toda esta trayectoria hoy comentaremos uno de los primeros grandes éxitos de Ghibli, convertida en cinta de referencia para el estudio. No en vano uno de los personajes de la película se convertiría en el símbolo de la compañía. Hablamos de "Mi Vecino Totoro" (1988).

"Mi Vecino Totoro" se sitúa en el año 1958 en un lugar del interior de Japón. El profesor Kusakabe acaba de mudarse a una casa de campo junto a sus hijas Satsuki y Mei, de once y cuatro años. La razón del cambio es estar cerca del hospital rural donde la madre de las pequeñas lleva un tiempo curándose de una tuberculosis. El paso de la ciudad al campo supone un choque para éstas, aunque poco a poco empiezan a conocer el nuevo entorno, las aldeas y el bosque. Un día Mei descubre unas pequeñas criaturas en el jardín de la casa y picada por la curiosidad decide seguirlas. De esta manera se interna por un camino oculto del bosque y acaba dentro de un gigantesco árbol donde duerme una tercera criatura parecida a las otras dos pero mucho más grande. Son los Totoros, los espíritus del bosque. Fascinada por ellos, Mei decide compartir el secreto con su hermana y de esta manera ambas entablarán amistad con las criaturas, descubriendo el mundo mágico que habita en el bosque y que solo puede ser visto por los puros de corazón.

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Ficha técnica y artística

Mi Vecino Totoro (Tonari no Totoro). Japón, 1988, 86 min.

Dirección: Hayao Miyazaki

Intérpretes: animación

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Crónica de Atticus Finch

 
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sábado, 2 de agosto de 2014

Érase Una Vez en América

Comentario de ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA














La figura cinematográfica de Sergio Leone ha quedado siempre ligada al western, género con el que se dio a conocer gracias a la llamada Trilogía del Dólar rodada en tierras españolas: "Por un Puñado de Dólares" (1964), "La Muerte Tenía un Precio" (1965) y "El Bueno, el Feo y el Malo" (1966). Películas que partiendo de los códigos de un subgénero de serie B, el spaguetti western, consiguieron convertirse en cintas míticas gracias a la calidad de sus componentes (realización, guión, reparto, banda sonora). El realizador italiano tenía grandes dotes para la dirección y hasta señas de identidad propias, como el famoso plano Leone (primerísimo plano), por lo que cuando dio el salto a EEUU se embarcó en un western aún más ambicioso, "Hasta que Llegó su Hora" (1968). La cinta supuso otro trabajo colosal y le confirmó como uno de los directores europeos más importantes de esos años. Pero para llevar a cabo su testamento cinematográfico Leone decidió alejarse de las áridas llanuras y de los jinetes solitarios. Llevaría a la pantalla una historia mucho más dramática, profunda y compleja. Una obra de casi cuatro horas que sería destrozada en EEUU con un montaje demencial pero que en Europa se exhibió íntegramente, dejando que el público disfrutase de la epopeya vital que supone esta obra maestra de Leone: "Érase Una Vez en América" (1984).

"Érase Una Vez en América" narra la vida de David "Noodles" Aaronson (Robert De Niro), un chico nacido en el seno de una familia humilde de judíos en el Nueva York de principios de siglo. La historia se sucede en tres líneas temporales entrelazadas, los años 20, 30 y 60. Al comenzar la década de los 20 Noodles forma parte de una pandilla juvenil con otros amigos del barrio judío del sur de Manhattan. Juntos descubren el arte de la supervivencia y consiguen algo de dinero trabajando para un mafioso local. Debido a una serie de acontecimientos Noodles es encarcelado y pasa en prisión más de diez años, siendo liberado en 1932. Una vez en la calle volverá a unirse a su antiguo grupo, el cual se ha independizado y ha subido muchos escalones en el crimen organizado gracias al contrabando de alcohol durante la Ley Seca. Bajo la dirección de su mejor amigo de juventud, Max Bercovicz (James Woods), el grupo se ha mantenido cohesionado. Pero el fin de la Prohibición amenaza con acabar con el negocio sobre el que se sustenta su bienestar y Max apuesta por llevar a cabo atracos armados. Otro acontecimiento decisivo hará que Noodles abandone Nueva York durante treinta y cinco años para regresar en 1968, tras recibir un importante mensaje. En ese último viaje volverá para descubrir las razones de su marcha y encarar el pasado.

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Ficha técnica y artística

Érase Una Vez en América (Once Upon a Time in America). EEUU, 1984, 229 min.

Dirección: Sergio Leone

Intérpretes: Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 13 de julio de 2014

Prisioneros

Comentario de PRISIONEROS
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
El director canadiense Denis Villeneuve llevaba activo más de una década en su país pero fue con la premiada "Incendies" (2010) cuando se dio a conocer internacionalmente, gracias a lo cual llamó la atención y fue fichado por Hollywood. Este paso a la meca del cine a veces constituye un arma de doble filo para los directores extranjeros, ya que en ocasiones los estudios los colocan al frente de producciones puramente comerciales que no permiten desarrollar su talento o directamente lo destruye. Villeneuve ha tenido la suerte y la habilidad de no caer en esa trampa y ha debutado en los EEUU con una sobresaliente película que es sin duda uno de los mejores largometrajes estrenados el año pasado: "Prisioneros". Y es que esta cinta se aleja completamente del estilo comercial hollywoodiense gracias al tratamiento que hace de su historia, con el añadido de que además es un thriller, género que sufre habitualmente de tramas facilonas y arquetipos repetidos hasta la saciedad. "Prisioneros" es diferente, se trata de un thriller complejo y oscuro, lleno de aristas, detalles y con dos personajes principales magníficamente construidos. La labor de Villeneuve ha sido alabada por crítica y público y gracias a ello ha podido realizar su siguiente trabajo "Enemy" (2013) manteniendo ese corte independiente dentro de la industria. Un director al que seguir la pista.

"Prisioneros" narra el secuestro de dos niñas en una localidad de Pensilvania el Día de Acción de Gracias. Las familias de ambas pequeñas, vecinas y amigas, se vuelcan en la investigación que emprende la policía para localizarlas. Pronto es detenido un sospechoso llamado Alex Jones (Paul Dano), que conducía una autocaravana por los alrededores del vecindario el día de la desaparición. Ante la falta de pruebas que le incriminen y dada su discapacidad intelectual la policía decide soltarlo, lo que es juzgado incomprensible por Keller Dover (Hugh Jackman), el padre de una de las niñas. Éste está convencido de la culpabilidad de Alex y decide actuar por cuenta propia al margen de las fuerzas de seguridad, lo que terminará provocando su enfrentamiento con el detective David Loki (Jake Gyllenhaal), el responsable de la investigación. Loki es un policía metódico e introspectivo que comienza a obsesionarse con el caso, incapaz de descifrar el laberinto en el que se ha convertido todo el proceso. Los días pasan y las niñas no aparecen, el tiempo se acaba.

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Ficha técnica y artística

Prisioneros (Prisoners). EEUU, 2013, 153 min.

Dirección: Dennis Villeneuve

Intérpretes: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Terrence Howard

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Crónica de Atticus Finch

 
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domingo, 6 de julio de 2014

Novecento

Comentario de NOVECENTO














Si bien existen multitud de películas sobre el nazismo, no ocurre lo mismo con las dedicadas al movimiento italiano que daría base ideológica a los partidos totalitarios no marxistas: el fascismo. La ideología creada por Benito Mussolini marcaría el destino de Europa y en especial el de su país, donde gobernaría durante dos décadas como dictador y jefe del Estado. Su némesis en el espectro ideológico opuesto, el comunismo, tampoco ha contado con mucha cinematografía que lo analice. A pesar de compartir elementos esenciales en su concepción de la sociedad (partido único, economía dirigida, autoritarismo) ambos movimientos se enzarzarían en una lucha encarnizada que marcaría la vida social y política italiana en la primera mitad de siglo. Esta confrontación serviría de hilo argumental para una de las grandes epopeyas cinematográficas europeas, dirigida por Bernardo Bertolucci en 1976: "Novecento".

"Novecento" narra las primeras cinco décadas del siglo XX italiano centrándose en la vida de una hacienda del interior del país. El 27 de enero de 1901 muere Giuseppe Verdi, símbolo cultural de la reunificación de Italia, y ese mismo día nacen dos niños en la finca. Olmo Dalcò (Gérard Depardieu), hijo de campesinos, y Alfredo Berlinghieri (Robert De Niro), nieto del patrón. Desde su infancia ambos muchachos desarrollarán una profunda y extraña amistad que no evitará que se enfrenten a lo largo de su vida en el marco de un país en transformación. La explotación de los campesinos, el surgimiento del comunismo, la lucha de clases, la llegada del fascismo y las guerras mundiales marcarán la historia de Italia y su relación personal a través de los años.

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Ficha técnica y artística

Novecento. Italia, 1976, 314 min.

Dirección: Bernardo Bertolucci

Intérpretes: Gérard Depardieu, Robert De Niro, Dominique Sanda

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 29 de junio de 2014

El Gran Hotel Budapest

Comentario de EL GRAN HOTEL BUDAPEST
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
El cineasta norteamericano Wes Anderson es uno de los pocos directores actuales que a pesar de contar con un estilo profundamente personal ha conseguido asentarse en los circuitos comerciales y mantener una financiación estable para sus proyectos. La mayoría de los cineastas con un sello de autor tan marcado suelen verse abocados a terrenos más independientes y por tanto minoritarios, mientras que Anderson consigue reunir incluso a grandes repartos de estrellas para sus trabajos. Dueño de un estilo particular, con un gran cuidado por el aspecto visual y narrativo, el realizador tejano se ha convertido en los últimos quince años en uno de los autores más curiosos del panorama cinematográfico, dado lo difícil que es clasificar su obra. Sus repartos corales y el uso de actores fetiche han contribuido también a cimentar esa imagen identificable a lo largo de su filmografía como director y guionista con títulos como "Academia Rushmore" (1998), "Los Tenenbauns" (2001), "Life Aquatic" (2004), "Viaje a Darjeeling" (2007), "Moonrise Kingdom" (2012) y "El Gran Hotel Budapest" (2014), sin contar su incursión en la animación stop motion con "Fantástico Sr. Fox" (2009). Un autor a descubrir (o a seguir la pista).

"El Gran Hotel Budapest" es una cinta magistral que relata la peripecia del conserje Gustave H. (Ralph Fiennes) para demostrar su inocencia después de que se le acuse de un asesinato. El señor Gustave trabaja en el emblemático Gran Hotel Budapest de la república de Zubrowka, un pequeño país alpino de Europa Central. En la década de los años 30 el establecimiento vive una época de esplendor, alojando en sus habitaciones a multitud de nobles y artistas, antes de que la guerra que está por venir lo destruya todo. El joven emigrante Zero Mustafa (Tony Revolori) acaba de entrar como botones bajo las órdenes directas del señor Gustave, de cuya mano comienza a descubrir los secretos del oficio. Sin embargo, tras la misteriosa muerte de una de las huéspedes habituales del hotel, los problemas aparecen. La rica heredera ha dejado en su testamento un valioso cuadro a Gustave y la familia le acusa de haberla seducido para hacerse con parte de la herencia. Tras acusarle del crimen, los oscuros intereses que hay detrás de la gran fortuna maniobran para que acabe sus días en prisión, por lo que habrá de unir fuerzas con Zero para salir vivo de la conspiración.

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Ficha técnica y artística

El Gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel). EEUU, 2014, 99 min.

Dirección: Wes Anderson

Intérpretes: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Adrien Brody

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Crónica de Atticus Finch

 
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sábado, 21 de junio de 2014

Ronin

Comentario de RONIN














Ronin: del japonés "hombre ola", hombre errante como una ola en el mar. Dícese de aquél samurái sin amo que busca un nuevo señor al que servir.
 
Desde esta bitácora hemos defendido a multitud de cineastas y sin lugar a duda John Frankenheimer es uno de los directores más reivindicados en este aspecto. Alguien que rodó un buen puñado de obras magistrales en el primer lustro de la década de los 60 se merecería tener un mayor peso en la memoria del gran público. "Los Jóvenes Salvajes" (1961), "El Mensajero del Miedo" (1962), "El Hombre de Alcatraz" (1962), "Siete Días de Mayo" (1964) y "El Tren" (1964) son cintas de obligado visionado para cualquier amante del buen cine. La puesta en escena y el brillante uso de cámara de Frankenheimer forjarían su sello de identidad en esos años prodigiosos, junto a su actor fetiche Burt Lancaster. Pero después, como tantas otras veces ocurre en el cine, la inspiración desaparece. Durante las siguientes tres décadas, mermado por problemas personales, el realizador estadounidense seguiría ampliando su filmografía pero a base de títulos irregulares, muchos de encargo, en los que apenas queda huella de su genio. Quién iba a decir que en 1998 resurgiría como ave fénix para rodar una soberbia cinta de acción en la que el pulso narrativo vuelve a fluir como antaño. Las buenas películas de acción no abundan, pero cuando se alinean los planetas en la dirección (un Frankenheimer inspirado), en el guión (David Mamet) y en el reparto (Robert De Niro, Jean Reno) el milagro se materializa ante nuestros ojos en forma de celuloide.

"Ronin" narra la historia de un robo por parte de profesionales en el sur de Francia y las consecuencias que de ello resultan. Una mujer perteneciente a una organización desconocida (Natascha McElhone) ha reclutado a cuatro expertos de élite para asaltar un furgón y hacerse con un maletín en concreto, cuyo contenido no les es revelado. La mayoría de ellos proceden de las fuerzas especiales o los servicios secretos de países que han prescindido de sus servicios tras el fin de la Guerra Fría. Ahora son mercenarios, modernos ronin que buscan nuevos amos a los que servir. Entre ellos se encuentran Sam (Robert De Niro) y Vincent (Jean Reno), quienes empiezan a desconfiar de la misión tras descubrir una serie de imprecisiones en el plan. Para colmo el grupo es víctima de una emboscada en París cuando tratan de adquirir armamento, lo que les pone en alerta de que hay más gente interesada en el misterioso maletín. Cuando dan el golpe días después, en Niza, todo el plan salta por los aires y las dudas, traiciones y dobles juegos inundan el ambiente, lo que lleva a Sam y Vincent a unir fuerzas para localizar de nuevo el maletín y desenmascarar a todos los miembros de la función.

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Ficha técnica y artística

Ronin. EEUU, 1998, 116 min.

Dirección: John Frankenheimer

Intérpretes: Robert De Niro, Jean Reno, Natascha McElhone

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 15 de junio de 2014

Luces de la Ciudad

Comentario de LUCES DE LA CIUDAD
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
El mítico personaje de El Vagabundo (Charlot en España), creado por el genio de Charles Chaplin, se mantuvo activo durante más de dos décadas de gloriosa carrera. En los primeros años su filmografía se basaba en cortos y mediometrajes donde el humor puro era la esencia principal de las obras, pero con el tiempo fue adquiriendo una enorme profundidad disfrazada de sátira. En los años 20 Chaplin ya era capaz de rodar trabajos que combinaban los gags humorísticos con lo dramático, creando un estilo de relato humanista único, como en "El Chico" (1921) y "La Quimera del Oro" (1925). Pero donde llegaría completamente a su apogeo sería en los últimos largometrajes del personaje, "Luces de Ciudad" (1931) y "Tiempos Modernos" (1936), realizadas ya con el cine sonoro plenamente asentado pero en las que el director británico seguía manteniéndose fiel a sus planteamientos mudos. Visto en perspectiva, la creación de Chaplin es un ser humilde lleno de bondad y uno de los personajes más subversivos que haya dado la historia del cine. A través de la comedia, su denuncia social y compromiso con los débiles no deja de asombrar hoy en día.

"Luces de Ciudad" sigue los pasos Charlot, el vagabundo sin hogar. Un día se encuentra con una vendedora de flores ciega, de la cual se enamora perdidamente. Ésta le confunde con un millonario que vive cerca de donde ella tiene su puesto ambulante. Poco después Charlot salva en el muelle a ese mismo millonario, el cuál había decidido poner fin a su vida. Una vez recuperada la cordura le invita a su mansión en forma de agradecimiento y le ofrece multitud de regalos, aunque solamente se muestra así de generoso cuando está algo ebrio. Charlot ve la posibilidad de ayudar así a su amiga ciega, aunque finalmente es echado de la casa del millonario cuando éste se encuentra sobrio. Decepcionado, el vagabundo visita frecuentemente a la florista hasta que un día descubre que ésta va a ser desahuciada si no paga los retrasos del alquiler en dos días. Decidido a evitarlo, se lanza a la ciudad a buscar el dinero que hace falta.

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Ficha técnica y artística

Luces de la Ciudad. EEUU, 1931, 81 min

Dirección: Charles Chaplin

Intérpretes: Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee

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Crónica de Atticus Finch
 
 
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domingo, 1 de junio de 2014

Los Doce del Patíbulo

Comentario de LOS DOCE DEL PATÍBULO














El cine bélico producido en los EEUU tras la Segunda Guerra Mundial fue en su mayor parte bastante generoso en su planteamiento con las hazañas guerreras realizadas durante la contienda, como es lógico por otra parte. En aquella época las críticas al estamento militar o a la guerra seguían siendo minoritarias en la industria y los escasos autores que optaban por ese camino se movían en las fronteras del sistema (Samuel Fuller con "Casco de Acero") o hacían referencia a otros países (Stanley Kubrick con "Senderos de Gloria). Todo empezó a cambiar en los años 60 y fue entonces cuando el director Robert Aldrich, tras rodar obras reconocidas como "Veracruz" (1954) o "¿Qué fue de Baby Jane?" (1962), aprovechó la ocasión para poner en pie una película totalmente subversiva en su fondo: "Los Doce del Patíbulo" (1967). Una cinta que lanza sus dardos cuidadosamente y con un impecable humor negro, pero que también funciona como una estupenda película de acción bélica. Sus protagonistas no son héroes románticos, sino un grupo de granujas capaces de enormes gestas con tal de salvar el pellejo. Lee Marvin, probablemente el héroe de acción con más estilo de los 60 junto a Steve McQueen, encabeza brillantemente un reparto en el que también sobresale por méritos propios John Cassavetes.

"Los Doce del Patíbulo" narra la misión suicida que le es encomendada al mayor John Reisman (Lee Marvin), un brillante oficial que se ha destacado en las campañas aliadas en Italia pero que no cuenta con las simpatías de sus superiores debido a sus roces con la cadena de mando. Nos encontramos en 1944 y las fuerzas estadounidenses se encuentran en Inglaterra organizando los preparativos del desembarco en Normandía. Gracias a labores de inteligencia el ejército sabe que en pocas semanas se celebrará una reunión de altos mandos nazis en un castillo del norte de Francia, con lo que deciden asignarle a Reisman la misión de infiltrarse en las líneas enemigas y asaltar la fortaleza para liquidar al mayor número posible de oficiales alemanes. Para llevar a cabo una empresa tan arriesgada como sucia Reisman recibe el encargo de reclutar un grupo de doce hombres en una prisión militar. A estos reclusos, los cuales aguardan una cadena perpetua o la horca, se les conmutará la pena si aceptan la misión y vuelven con vida. El reto de convertir a estos hombres en un disciplinado comando de élite en unas pocas semanas se antoja imposible a la mayor parte de los oficiales del ejército, pero Reisman se pone inmediatamente manos a la obra con una determinación tan fuerte como su carácter.

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Ficha técnica y artística

Los Doce del Patíbulo (The Dirty Dozen). EEUU, 1967, 145 min.

Dirección: Robert Aldrich

Intérpretes: Lee Marvin, John Cassavetes, Charles Bronson

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Crónica de El Maquinista


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sábado, 17 de mayo de 2014

Memories of Murder

Comentario de MEMORIES OF MURDER














El cine surcoreano comenzó a llegar con fuerza a nuestro país con el cambio de siglo y durante estos quince años se ha consolidado como la cinematografía asiática más en forma junto a la china, relegando a la japonesa a un segundo plano. Y es que el cine coreano tiene rasgos muy particulares debido a la occidentalización de sus formas, la libertad de sus realizadores y el propio carácter de sus gentes. En Europa han sido tres los directores que con más regularidad y éxito han llegado a nuestras pantallas. Park Chan-Wook, conocido principalmente por su llamada trilogía de la venganza compuesta por "Sympathy for Mr. Vengeance" (2002), "Old Boy" (2003) y "Sympathy for Lady Vengeance" (2005), y que recientemente ha debutado en EEUU con la notable "Stoker" (2013). Kim Ki-Duk, proclive a un ritmo más pausado y habitual en festivales con cintas como "Primavera, Verano, Otoño, Invierno...y Otra Vez Primavera" (2003) o "Hierro 3" (2004). Y para finalizar la terna está Bong Joon-Ho, realizador de la sobresaliente "Memories of Murder" (2003) y "The Host" (2006), y que ahora estrena su último trabajo en los cines: "Rompenieves" (2014). Todos estos autores forman el mascarón de proa de un cine tan diverso como interesante, toda una cinematografía a descubrir.

"Memories of Murder" relata la investigación criminal de una serie de asesinatos reales cometidos en una pequeña ciudad surcoreana a finales de los años 80. Lo rompedor de la propuesta es que la cinta se centra en el proceso policial y no logra desenmascarar al culpable, como se avisa desde el comienzo. David Fincher emularía esta vuelta de tuerca al género en "Zodiac", un thriller donde tampoco se nos ofrecía un final al uso. Nos encontramos en 1986, último año de la dictadura militar, y una segunda joven es encontrada asesinada tras haber sido maniatada y violada. El modo de proceder del asesino es idéntico al de una víctima anterior por lo que se encienden todas las alarmas. El caso está en manos de un detective local y su ayudante, dos auténticos chapuzas acostumbrados a trampear con las pruebas y arrancar confesiones a golpes. Un joven inspector es enviado desde Seúl para ayudarles en la investigación dado el caos y la falta de medios. A regañadientes comienzan a trabajar juntos intentando desentrañar el patrón de conducta del asesino en serie, mientras éste continúa añadiendo víctimas a su colección. Con una puesta en escena sobresaliente, fuertes dosis de humor negro y denuncia social, la cinta es uno de los mejores thrillers que se recuerdan.

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Ficha técnica y artística

Memories of Murder. Corea del Sur, 2003, 130 min.

Dirección: Boon Joon-Ho

Intérpretes: Song Kang-Ho, Kim Sang-Kyung, Kim Roe-Ha

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 11 de mayo de 2014

Un Día de Furia

Comentario de UN DÍA DE FURIA














El irregular director Joel Schumacher, antes de despeñarse con su demencial visión de Batman en 1997, rodó a comienzos de los 90 la que probablemente es la mejor película de su filmografía: "Un Día de Furia" (1992). Para ello contaría con un soberbio Michael Douglas que en aquella época se encontraba en la cima de su carrera tras los éxitos de "Wall Street", "Atracción Fatal" e "Instinto Básico". Hoy en día, prácticamente retirado, hay que remontarse hasta el año 2000 para encontrar buenos títulos en los que haya participado ("Traffic" y "Jóvenes Prodigiosos"). La película que hoy nos ocupa es uno de los mejores largometrajes que han tratado la aparición de violencia extrema en la vida de personas aparentemente corrientes. Con los imprescindibles referentes de "Perros de Paja" (Sam Peckinpah, 1971) y "Taxi Driver" (Martin Scorsese, 1976), "Un Día de Furia" retrata el descenso a los infiernos cuando coinciden un cúmulo de circunstancias adversas. Además de contar con su trama argumental principal, la cinta lanza continuos torpedos a la línea de flotación de la sociedad moderna haciendo uso de un brillante humor negro. Una joya a reivindicar.

"Un Día de Furia" narra el colapso mental de William Foster (Michael Douglas), un ingeniero de defensa de Los Angeles con importantes problemas personales y laborales. Atrapado en medio de un atasco insoportable, agobiado por el calor y las obras, decide abandonar su coche y marchar a casa a ver a su hija, a pesar de que tiene una orden de alejamiento. El camino de su autodestrucción ha comenzado. En su viaje a pie a través de la gigantesca urbe se irá encontrando con injusticias cotidianas que ese día van a cortocircuitar su mente y hacer que entre en una espiral de violencia salvaje. A medida que avanza por una ciudad inhumana y decadente se transmutará en una suerte de ángel exterminador del lado oscuro del sueño americano. El veterano policía Martin Prendergast (Robert Duvall), en su último día de servicio, será el encargado de seguirle la pista e intentar detenerle antes de que llegue a su antigua casa.

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Ficha técnica y artística

Un Día de Furia (Falling Down). EEUU, 1992, 112 min.

Dirección: Joel Schumacher

Intérpretes: Michael Douglas, Robert Duvall, Barbara Hershey

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Crónica de Atticus Finch 


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domingo, 4 de mayo de 2014

La Gran Belleza

Comentario de LA GRAN BELLEZA














El decorado de una película, entendido como el entorno que rodea la acción de la misma, juega un papel determinante en el resultado final de la obra. Su interrelación con los intérpretes a través de la cámara del director forma uno de los mimbres básicos del lenguaje cinematográfico. En algunos casos este entorno adquiere personalidad propia y se convierte en parte esencial de los relatos, como ocurre en el western o la ciencia-ficción espacial. El paisaje urbano también ha tenido un gran papel a lo largo de la historia del cine aunque tan solo existen un puñado de ciudades con la suficiente fuerza emocional como para ser coprotagonistas: Nueva York, París, Roma y pocas más. Ésta última, auténtico referente de la civilización occidental y mediterránea en particular, ha sido escenario de numerosos largometrajes míticos, péplums a parte: "Roma, Ciudad Abierta" (1945), "Vacaciones en Roma" (1953), "La Dolce Vita" (1960)... El pasado año, el realizador italiano Paolo Sorrentino consiguió que su último trabajo se uniese a este selecto grupo y de paso nos regaló uno de los mejores títulos europeos de los últimos tiempos: "La Gran Belleza" (2013)

La película narra la vida bohemia de Jep Gambardella (Toni Servillo), un escritor de una única novela convertido en periodista de éxito, quien acaba de cumplir 65 años. Jep vive una existencia de lujo rodeado de una pintoresca fauna urbana en la que se mezclan artistas, políticos, nobles, intelectuales y arribistas de toda clase. Junto a ellos da satisfacción a sus necesidades materiales en numerosas fiestas y eventos, pero sus inquietudes espirituales permanecen sin respuesta en su interior. Y es que Jep, a pesar de ser uno de los centros sobre los que gravita esa alta sociedad romana, observa todo ese espectáculo con distancia, a veces con melancolía. Es un ser condenado a la sensibilidad y en búsqueda permanente, desde su juventud, de la gran belleza.

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Ficha técnica y artística

La Gran Belleza (La Grande Bellezza). Italia, 2013, 142 min.

Dirección: Paolo Sorrentino

Intérpretes: Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli

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Crónica de El Maquinista

 
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