domingo, 29 de diciembre de 2013

El Viaje de Chihiro

Comentario de EL VIAJE DE CHIHIRO














Hace unos meses el gran maestro de la animación japonesa Hayao Miyazaki anunciaba su retirada definitiva de la dirección. Con ello se perdía a una de las figuras más destacadas de la animación contemporánea y pieza clave en el reconocimiento internacional del anime japonés. Desde los años ochenta en que empezó su carrera de largometrajes con el nacimiento de los estudios Ghibli, Miyazaki ha desarrollado una obra que en su conjunto ha mantenido unas temáticas recurrentes muy bien definidas, centradas en el mundo de la infancia y los valores humanistas. Si bien sus trabajos en la década de los 80 tuvieron en su momento un impacto limitado fuera de Japón ("Nausicäa del Valle del Viento", "Mi Vecino Totoro") fue a finales de los años 90 cuando se produce el punto de inflexión definitivo con la magistral "La Princesa Mononoke" (1997). La cinta, auténtico prodigio de animación y aventura, trascendió las fronteras del género gracias a su poderío visual y a una profundidad argumental muy poco común dentro de su especie. En una época en que la animación occidental viraba ya irremediablemente hacia el soporte digital en 3D, Miyazaki seguiría apostando por llevar el anime tradicional a fronteras insospechadas. Y sería con su siguiente película, "El Viaje de Chihiro" (2001), cuando rompería todas las barreras alzándose con el Oso de Oro en Berlín y el Oscar en los Estados Unidos. A partir de ahí Miyazaki seguiría con su buen ritmo de producción ("El Castillo Ambulante", "Ponyo en el Acantilado") hasta colgar definitivamente los lápices este año. Aunque su hijo siga con las riendas de los estudios Ghibli es seguro que le echaremos siempre de menos.

"El Viaje de Chihiro" sigue la aventura que emprende la pequeña Chihiro, una niña de diez años, en su búsqueda por encontrar un remedio que rompa la maldición caída sobre sus padres. Éstos, tras llegar a un poblado oculto en los bosques, han sido convertidos en cerdos mientras una multitud de espíritus comienzan a surgir al anochecer, convirtiendo el lugar en una dimensión fuera del mundo de los humanos. Ayudada por el joven Haku, Chihiro encuentra trabajo en una casa de baños bajo las órdenes de una inflexible bruja, donde conocerá a diversas criaturas que intentarán ayudarla a volver al mundo real y liberar a sus padres.

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Ficha técnica y artística

El Viaje de Chihiro (Spirited Away). Japón, 2001, 124 min.

Dirección: Hayao Miyazaki

Intérpretes: animación

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Crónica de El Maquinista


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sábado, 21 de diciembre de 2013

Pacific Rim

Comentario de PACIFIC RIM














Parece una especie en peligro de extinción, pero afortunadamente las buenas películas comerciales siguen existiendo. Nos referimos a esas cintas de género concebidas para el gran público que abarcan desde la ciencia-ficción a las aventuras, pasando por el thriller o el cine épico. Y uno de los mejores ejemplos es la reciente "Pacific Rim", la magistral película de aventuras dirigida por Guillermo del Toro. El realizador mejicano ha conseguido elaborar una historia tremendamente novedosa dentro de la cinematografía occidental y darle su sello de autor, lo cual se aprecia gracias a la perfecta puesta en escena y dirección de todo el largometraje. En realidad la cinta no es sino el homenaje que Del Toro brinda al famoso género japonés de las criaturas gigantes, en sus vertientes de kaijus (monstruos) y mechas (robots). Y es que este género nacido en los años 50 con Godzilla ha tenido enormes ramificaciones en toda clase de mangas, animes y series de acción real para la televisión: "Mazinger Z", "Evangelion", "Ultra Man", "Transformers", etc. Tomando este material de partida el director de "El Laberinto del Fauno" ha conseguido uno de sus mejores trabajos y toda una reivindicación del cine de entretenimiento bien hecho, alejado de la mayoría de superproducciones anodinas saturadas de efectos especiales mal utilizados y vacías de calidad cinematográfica.

"Pacific Rim" se sitúa en un futuro cercano en el que la Humanidad libra una guerra sin cuartel contra unas criaturas extraterrestres de tamaño colosal, los kaijus, surgidos de un portal interdimensional en las profundidades del océano Pacífico. Para hacer frente a las bestias los gobiernos del planeta han unido sus fuerzas para desarrollar un programa de defensa basado en la construcción de jaegers, robots gigantes controlados mentalmente por pilotos humanos. Tras varios años de batallas las altas esferas políticas deciden cancelar el proyecto ante la cada vez mayor superioridad de los kaijus, pero el comandante Stacker Pentecost (Idris Elba), máximo responsable del programa Jaeger, decide planear una estrategia al margen de las autoridades para destruir el portal interdimensional con una bomba termonuclear. Para ello necesita los cuatro jaegers que quedan para la batalla y al piloto retirado Raleigh Becket (Charlie Hunnam), que abandonó el programa años atrás tras perder a su hermano en combate. Pentecost le convence para que lleve a cabo su plan y vuelva a pilotar su antiguo jaeger junto con la novata Mako Mori (Rinko Kikuchi), una oficial japonesa del círculo de confianza del comandante. Los kaijus cada vez llegan en mayor número y tamaño, el caos y la destrucción se adueñan del mundo, pero los jaegers están listos para la confrontación final.

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Ficha técnica y artística

Pacific Rim. EEUU, 2013, 132 min.

Dirección: Guillermo del Toro

Intérpretes: Charlie Hunnam, Rinko Kikuchi, Idris Elba

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Crónica de El Maquinista
 
 
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domingo, 15 de diciembre de 2013

El Gran Dictador

Comentario de EL GRAN DICTADOR
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Hablar sobre uno de los más grandes genios del cine en un solo párrafo es algo bastante difícil. Todo el mundo con un mínimo de cultura cinematográfica sabe el papel que Charles Chaplin ha jugado en la historia del séptimo arte. Pero es también digno de elogio su valentía y compromiso a la hora de encarar sus proyectos. En 1940, cuando Chaplin estrena "El Gran Dictador", su figura es ya legendaria gracias a sus cortometrajes de Charlot de principios de siglo y a obras maestras de la talla de "La Quimera del Oro" (1925) o "Tiempos Modernos" (1936). Más aún, es una de las pocas estrellas del cine mudo que ha sobrevivido a la llegada del cine sonoro, en la que ha sido sin duda la mayor revolución vivida dentro de la industria hasta nuestros días. Pero en 1940 se atreve además a llevar a cabo (dirige, escribe, actúa y produce) una sátira brutal de Adolf Hitler, el dictador que el año anterior ha desencadenado la II Guerra Mundial. Por esas fechas los vientos soplaban a favor de la Alemania Nazi, quien controlaba toda Europa salvo Gran Bretaña, que resistía atrincherada en su isla. La Unión Soviética de Stalin acababa de firmar su tratado de amistad con los nazis para repartirse Polonia y los EEUU se mantenían estrictamente neutrales. Para colmo, buena parte del poder económico ve con buenos ojos a Hitler mientras que a Chaplin lo consideran un izquierdista peligroso (¡!). Pero hay seres hechos de una pasta especial y Charles Chaplin es uno de ellos, en lugar de mirar hacia otro lado vuelve a utilizar el cine como algo más que un mero entretenimiento, lo dota de profundidad moral y visión humanista, logrando así otra obra mayor de su carrera.

"El Gran Dictador" relata el ascenso al poder del despiadado dictador Adenoid Hynkel (Charles Chaplin), un hombrecillo acomplejado decidido a hacer de su país el amo del mundo. Sus leyes antisemitas extienden un manto de represión sobre la población judía, tocando de lleno a un barbero de gran parecido físico con Hynkel (de nuevo Chaplin). Con la ayuda de una vecina (Paulette Goddard) el Barbero consigue huir de las fuerzas de seguridad y juntos emprenden un duro camino por sobrevivir en el creciente régimen de terror implantado por Hynkel y su partido de las dos cruces. Éste a su vez maniobra para seguir acumulando mayor poder y planea en secreto una alianza para desencadenar la guerra que le permita anexionarse los países vecinos. El destino hará que ambos hombres terminen por cruzar sus caminos.

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Ficha técnica y artística

El Gran Dictador (The Great Dictator). EEUU, 1940, 124 min.

Dirección: Charles Chaplin

Intérpretes: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie

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Crónica de Atticus Finch

 
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domingo, 8 de diciembre de 2013

El Reino de los Cielos

Comentario de EL REINO DE LOS CIELOS














Podemos afirmar sin riesgo a equivocarnos que Ridley Scott es uno de los grandes directores contemporáneos con una de las carreras más irregulares que se pueda imaginar. Aunque a algunos pueda parecerles excesivo incluir a Scott en ese selecto club de realizadores conviene recordar que el director británico tiene asegurado desde hace tiempo un hueco en la historia del cine gracias a la obra maestra "Blade Runner" (1982) y que es de sobra probada su maestría en la realización cinematográfica. Bien es cierto que la vertiente de director-autor solo se puede rastrear en su portentoso inicio de carrera con "Los Duelistas" (1977), "Alien" (1979) y la ya mencionada obra cumbre de la ciencia-ficción. Desde entonces Ridley Scott ha conseguido también alcanzar el nivel de gran director de cine comercial en la senda de Steven Spielberg, pero con muchos más altibajos. Es un hecho que durante las décadas de los 80 y 90  no tuvo buen olfato para elegir buenos guiones y excepto "Thelma & Louise" (1991) el resto de su abundante filmografía caerá probablemente en el olvido. Tan solo fue a partir del cambio de siglo que gracias al monumental éxito de "Gladiator" (2000) Scott vería reforzada su posición en la industria resucitando de paso el género épico en Hollywood. A pesar de ello la irregularidad ha continuado siendo su característica principal, pudiendo salvarse de la quema trabajos como "American Gangster" (2007) y "El Reino de los Cielos" (2005), con la que Scott estuvo a las puertas de lograr un largometraje monumental pero que terminó naufragando de nuevo por su guión. Aún así se trata de una película que por su calidad y profundidad moral destaca muy por encima de cualquier producto medio de características semejantes. Y eso tiene mucho mérito.

"El Reino de los Cielos" narra los entresijos de la guerra entre cristianos y musulmanes por hacerse con el control de Jerusalén y el Oriente Próximo durante la Tercera Cruzada. Ambientada a finales del siglo XII, la cinta narra el camino vital que emprende un joven herrero francés llamado Balian (Orlando Bloom). Tras recibir la visita de un grupo de cruzados que vuelven de Tierra Santa, Balian descubre que es hijo ilegítimo de Godofredo de Ibelin (Liam Neeson), un noble cruzado que ha vuelto para revelarle su identidad y pedirle que se una a él en la defensa de Jerusalén como su heredero. Balian se une al grupo huyendo de la reciente muerte de su esposa e hijo y recibe el título de caballero por parte de su padre. Una vez en Jerusalén se encontrará con que el reino cristiano se tambalea por las luchas de poder entre los nobles que pretender suceder al moribundo rey Balduino, gravemente enfermo. Para empeorar la situación las órdenes militares cristianas se encuentran enfrentadas, ya que los Hospitalarios, al mando de Raimundo III (Jeremy Irons) son partidarios de una política de contención frente a la creciente amenaza musulmana, mientras que los Templarios se inclinan abiertamente por una guerra total contra el máximo líder árabe, el gran Saladino. Balian decide permanecer neutral y seguir el juramento de lealtad hacia su padre, pero en su camino también se cruzará la hermana del rey, la princesa Sibila (Eva Green), quien es la más probable sucesora al trono y cuya mano es codiciada por todo el mundo. Cuando Saladino desencadene su ofensiva contra Jerusalén Balian se verá envuelto directamente en la guerra y no tendrá más remedio que involucrarse para intentar salvar la ciudad.

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Ficha técnica y artística

El Reino de los Cielos (Kingdom of Heaven). Reino Unido, 2005, 144 min.

Dirección: Ridley Scott

Intérpretes: Orlando Bloom, Eva Green, Liam Neeson, Jeremy Irons

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 10 de noviembre de 2013

Barry Lyndon

Comentario de BARRY LYNDON














Al comenzar la década de los 70 Stanley Kubrick gozaba de un estatus privilegiado gracias a los veinte años de gran cine que acumulaba ya a sus espaldas, en especial las obras maestras "Senderos de Gloria" (1957) y "Espartaco" (1960). Tras otros dos trabajos de igual calibre, "2001, Odisea del Espacio" (1968) y "La Naranja Mecánica" (1971), el realizador británico estaba en condiciones de abordar el tipo de proyecto que se le antojara. Kubrick llevaba tiempo rumiando la idea de rodar una película histórica ambientada en el siglo XVIII o principios del XIX, de hecho parece que estuvo cerca de embarcarse en un ambicioso rodaje sobre Napoleón Bonaparte. Finalmente tomaría de referencia una novela para relatar la vida de un aventurero irlandés llamado Barry Lyndon. El marco del largometraje, la Europa del Antiguo Régimen, permitiría a Kubrick realizar un extraordinaria labor técnica de puesta en escena, lentes, iluminación y fotografía. La cinta, que con el tiempo viene reivindicándose cada vez más, muestra sin duda el talento de un director capaz de abordar prácticamente todos los géneros cinematográficos.

La película sigue la vida del joven Redmond Barry (Ryan O'Neal), un muchacho irlandés que sueña con escalar socialmente. Debido a un duelo de honor abandona su país y se enrola en el ejército británico, con el que desembarca en el continente para tomar parte en la Guerra de los Siete Años. Barry recorre Europa primero como soldado y luego como jugador profesional de cartas, hasta que vuelve a las Islas Británicas. En Inglaterra consigue seducir a una joven viuda de la nobleza, Lady Lyndon (Marisa Berenson) y termina casándose con ella, adquiriendo su título y propiedades. Pero los acontecimientos llevarán de nuevo cuesta abajo al protagonista, escribiendo así un relato de ascenso y caída de un hombre en tiempos turbulentos. Como la vida misma.

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Ficha técnica y artística

Barry Lyndon. Reino Unido, 1975, 183 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Leon Vitali

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domingo, 27 de octubre de 2013

The Blues Brothers

Comentario de THE BLUES BROTHERS














La década de los ochenta no se encuentra entre mis preferidas en cuanto a cinematografía se refiere, ya que por una parte supuso el fin del cine de autor norteamericano que floreció en los años 70 y por otro lado la consolidación de un tipo de cine puramente comercial pero carente de interés. No obstante podemos encontrar multitud de grandes películas estrenadas en esta época, aunque hoy nos detendremos en una cinta que no pasará a la historia del cine por ser una obra maestra pero sí por su trascendencia popular; esto es lo que se llama una cinta de culto. Los 80 trajeron una oleada de películas cómico-gamberras sin pretensiones cuyo único propósito era hacer buena taquilla. Una de las pioneras y desde luego de las mejores es "Granujas a Todo Ritmo", rocambolesca traducción nacional de "The Blues Brothers", el mítico dúo creado por Dan Aykroyd y John Belushi. Salidos de la cantera de comediantes de la televisión norteamericana, ambos llevarían sus personajes a la gran pantalla de la mano del director John Landis, quien deja marcado su buen pulso en la dirección. El resultado, una cinta irreverente cuyo valor va más allá de lo cinematográfico gracias a una inusual mezcla de comedia musical y acción desenfrenada. Y todo un tributo a la música negra estadounidense.

Jake y Elwood no comparten progenitores pero se consideran como hermanos. Ambos fueron criados juntos en un orfanato religioso de Chicago, donde forjaron unos vínculos más allá de la amistad que se han mantenido desde entonces. Su vida adulta se ha repartido entre la delincuencia y su gran pasión por la música. Tras pasar tres años entre rejas por asalto a mano armada, Jake (John Belushi) sale de prisión y su hermano Elwood (Dan Aykroyd) le pone al corriente de las estrecheces económicas de su antiguo hogar, el orfanato. Juntos van a ver a la madre superiora, La Pingüino, a la que se ofrecen para obtener rápidamente el dinero necesario para saldar las deudas del centro. La directora, sabiendo que el dinero sería obtenido mediante algún tipo de robo, rechaza cualquier ayuda a no ser que sea ganada de manera honrada. Los hermanos se embarcan entonces en una autodenominada Misión de Dios para conseguir cinco mil dólares en tan solo once días, el límite de plazo para pagar a la administración. Ambos deciden resucitar a su antigua banda de blues para organizar un concierto y recaudar lo suficiente, pero en sus planes se van a cruzar multitud de obstáculos. A eso no ayuda su inexplicable capacidad para atraer problemas con las fuerzas del orden, pero Jake y Elwood están decididos a recorrer su camino de redención cueste lo que cueste.

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Ficha técnica y artística

Granujas a Todo Ritmo (The Blues Brothers). EEUU, 1980, 132 min.

Dirección: John Landis

Intérpretes: Dan Aykroyd, John Belushi, Henry Gibson

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domingo, 20 de octubre de 2013

Vencedores o Vencidos

Comentario de VENCEDORES O VENCIDOS













 
Numerosas son las películas que han retratado uno de los periodos más oscuros del siglo XX, la Alemania Nazi, aunque casi siempre lo han hecho desde una perspectiva bélica-política en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Tan solo una minoría han intentado adentrarse en la sociedad alemana de entonces y husmear en la conciencia de su pueblo, buscando respuestas. El cómo fue posible que uno de los países más avanzados de Europa, bastión de la socialdemocracia, cayera en el fanatismo de un partido que hasta 1930 había sido completamente marginal. Tratar de explicar cómo las clases medias, la burguesía ilustrada e incluso el ejército asistieron a la transformación del régimen constitucional de la República de Weimar en un salvaje totalitarismo de partido único. Las secuelas de la Primera Guerra Mundial, las durísimas condiciones impuestas por los aliados, la crisis económica o el orgullo herido no parecen poder explicarlo todo. ¿Qué pasó por las mentes de los ciudadanos alemanes entre 1933 y 1945, durante el autoproclamado Tercer Reich? Grandes películas han buscado respuestas desde diferentes ópticas: "La Caída de los Dioses" (1969), "El Hundimiento" (2004) o una cinta colosal de la magnitud de "¿Vencedores o Vencidos?" (1961), la obra maestra de Stanley Kramer.

"Vencedores o Vencidos" relata un proceso judicial en el marco de los Juicios de Núremberg, el mecanismo legal que sentó en el banquillo de los acusados a las autoridades y responsables de la Alemania Nazi que sobrevivieron a la guerra. El juez Dan Haywood (Spencer Tracy) llega a Núremberg en 1948 procedente de los Estados Unidos con el cometido de encargarse del juicio contra destacados miembros de la judicatura alemana durante el nazismo. Entre ellos sobresale Ernst Janning (Burt Lancaster), respetado jurista a nivel internacional pero también antiguo responsable del ministerio de Justicia del Reich. A través de un proceso de meses de duración, el juez asistirá a los argumentos de la defensa y la acusación con un gran dilema grabado en su mente. Si un juez debe aplicar las leyes de su país, ¿es culpable también si esas leyes atentan contra principios básicos de dignidad humana? ¿Dónde está esa frontera moral y cuál es el punto de no retorno?

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Ficha técnica y artística

¿Vencedores o Vencidos? (Judgement at Nuremberg). EEUU, 1961, 186 min.

Dirección: Stanley Kramer

Intérpretes: Spencer Tracy, Burt Lancaster, Richard Widmark

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sábado, 12 de octubre de 2013

La Caza

Comentario de LA CAZA
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
El cine escandinavo lleva unos años proporcionando títulos estupendos cada temporada, sobre todo gracias a los autores suecos y daneses. Tomas Alfredson cosechó elogios en medio mundo con su perturbadora "Déjame Entrar" (2008), una cinta de amor y terror vampírica que se desarrollaba en la glacial Suecia de los años 80. El siempre inquieto Lars Von Trier nos trajo en 2011 la magistral "Melancholia", un prodigio de ciencia-ficción de autor y sin duda uno de sus mejores trabajos. Su compatriota Thomas Vinterberg, compañero y co-fundador del movimiento fílmico Dogma 95, ha estrenado recientemente "La Caza" (2012), que si bien no tiene nada que ver (afortunadamente) con los postulados Dogma, sí que está llamada a ser otro de los referentes de la cinematografía contemporánea danesa. Protagonizada por el soberbio Mads Mikkelsen, premiado en Cannes por este papel, la cinta comparte una temática de fondo con otras grandes películas: el linchamiento social. Obras maestras como "La Jauría Humana" (1966), "Frankenstein" (1931) o "La Calumnia" (1961) son referentes en las que una persona es identificada como criminal, monstruo o degenerado y por ello sufre una persecución kafkiana por parte de la comunidad. "La Caza", además de su gran valor cinematográfico, recuerda el peligro de las masas, la ceguera colectiva y la desaparición del razonamiento individual.

La película relata la lucha de un hombre por defender su inocencia y mantener la dignidad en medio de un ambiente hostil. Lukas (Mads Mikkelsen) es un cuidador de guardería en un pequeño pueblo danés, donde vive desde siempre. Disfruta con su trabajo y su relación con los niños es inmejorable, pero un día la hija pequeña de su mejor amigo hace unos comentarios que perturban profundamente a la directora de la guardería. La sombra de la sospecha se instala en ella y decide pedir ayuda a un experto en abusos infantiles. Entre ambos reconducen involuntariamente el relato de la pequeña hacia una acusación abierta de abuso contra Lukas, quien no da crédito a lo que oye. Los padres son informados y pronto casi todos los vecinos comienzan a mantener la distancia, desconfían y le repudian. Arrestado por la policía pero liberado por falta de pruebas, Lukas ya ha sido juzgado colectivamente por la comunidad y encontrado culpable, pero iniciará una lucha por limpiar su nombre y sobrevivir a la cacería que sobre él se ha desencadenado.

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Ficha técnica y artística

La Caza (Jagten). Dinamarca, 2012, 111 min.

Dirección: Thomas Vinterberg

Intérpretes: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Lars Ranthe

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Crónica de El Maquinista


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sábado, 5 de octubre de 2013

La Doble Vida de Verónica

Comentario de LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA














Krzysztof Kieslowski es probablemente, junto a Roman Polanski, el director polaco más conocido del cine contemporáneo. Pero si bien el segundo emigró pronto de Polonia para desarrollar su carrera en Europa y Estados Unidos, Kieslowski permanecería siempre en su país natal. Forjado en el cine documental y social durante los años 70, la trayectoria del director de Varsovia tendría su punto de inflexión con el famoso proyecto que realizó en los 80 para la televisión polaca: el "Decálogo" (1988), una obra de diez capítulos inspirados cada uno de ellos en los mandamientos del cristianismo. Kieslowski tomaría dos de estos segmentos, "No Matarás" y "No Amarás", y los presentaría en el festival de Cannes de ese año en forma de largometrajes, consiguiendo un gran éxito de crítica. Este reconocimiento internacional, unido a la caída del régimen comunista polaco, le permitió realizar su siguiente largometraje con coproducción francesa,  la hipnótica "La Doble Vida de Verónica" (1991). Tras la buena acogida de ésta por todo el continente, Kieslowski elaborará uno de los grandes hitos del cine europeo de los 90, la monumental trilogía de "Tres Colores": "Azul" (1993), "Blanco" (1994) y "Rojo" (1994). Las tres películas, inspiradas por los colores de la bandera francesa y por la divisa de la República gala (Libertad, Igualdad, Fraternidad), consagrarían definitivamente al polaco, que moriría dos años después en su Varsovia natal retirado ya de la dirección.

"La Doble Vida de Verónica" relata la historia de dos jóvenes idénticas que viven a miles de kilómetros de distancia sin saber una de la otra. Weronika (Irène Jacob) es una chica polaca de Cracovia que estudia canto y música. Paseando un día por su ciudad divisa entre un grupo de turistas franceses a una persona absolutamente idéntica a ella. Su doble es Véronique, una joven profesora de Clemont-Ferrand. Ésta última no repara en su alma gemela polaca pero una conexión subconsciente se establece entre ambas. Cuando Weronika sufra un grave accidente en Polonia, Véronique sentirá en Francia unas sensaciones que redirigirán su vida. ¡No es fácil de explicar el cine de Kieslowski, hay que verlo!

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Ficha técnica y artística

La Doble Vida de Verónica (La Double Vie de Véronique). Polonia-Francia, 1991, 96 min

Dirección: Krzysztof Kieslowski

Intérpretes: Irène Jacob, Halina Gryglaszewska, Kalina Jedrusik

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Crónica de Atticus Finch


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sábado, 28 de septiembre de 2013

El Crack

Comentario de EL CRACK














[Crack: en lenguaje coloquial, dícese de una persona con cualidades excepcionales en un campo determinado].
El cine de género en España es como la pesca del atún en Guadalajara, ni está ni se la espera. Y es que el panorama cinematográfico nacional adolece desde tiempos inmemoriales de un sustrato de películas englobables en géneros diferentes al drama o la comedia. En el cine español es casi imposible encontrar cintas policiacas, bélicas, de ciencia-ficción, thrillers, de aventuras, acción o históricas. Esto lleva a prescindir de géneros que han contribuido decisivamente a elevar al cine a los altares artísticos, lastrando enormemente la versatilidad y dinamismo de la industria. Una de esas pequeñas rarezas que surgen de vez en cuando la firmó Jose Luis Garci en 1981, año en que estrenó "El Crack". El director madrileño, que en aquellos tiempos desarrollaba una exitosa carrera con títulos como "Asignatura Pendiente" (1977) o "Volver a Empezar" (1982), quiso rendir homenaje a sus referentes norteamericanos con una cinta totalmente insólita pero que es sin duda de lo mejor de su filmografía.

"El Crack" sigue los pasos de una dura investigación del detective privado Germán Areta (Alfredo Landa), antiguo agente de policía retirado voluntariamente del cuerpo. De naturaleza reservada, Areta atesora una profunda humanidad que vuelca en Carmen (María Casanova), una enfermera que le ayudó en la rehabilitación tras ser herido en acto de servicio, y en la pequeña hija de ésta, a la que adora. A su oficina llega un día un empresario de Ponferrada pidiéndole ayuda para localizar a su hija, desaparecida hace ya tres años. Tras localizar algunas posibles pistas, Areta da con el rastro correcto y empieza a tirar del hilo, descubriendo la implicación en el caso de personas de las altas esferas económicas. Cuando el desarrollo de los acontecimientos termina por golpear al entorno cercano del detective, éste decide tomar la investigación como algo personal y llevarla hasta sus últimas consecuencias.

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Ficha técnica y artística

El Crack. España, 1981, 119 min.

Dirección: Jose Luis Garci

Intérpretes: Alfredo Landa, María Casanova, Miguel Rellán

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 8 de septiembre de 2013

Memento

Comentario de MEMENTO
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
El año 2000 trajo una de esas joyas cinematográficas que el cine independiente norteamericano regala cada temporada a los espectadores del mundo entero. Se trataba de "Memento", una cinta escrita y dirigida por un joven realizador llamado Christopher Nolan, quien a partir de este punto de inflexión se iba a convertir en una de las figuras en alza en la década que comenzaba. Después del gran éxito de crítica y público de "Memento", Nolan rodaría un buen número de largometrajes interesantes y alguna que otra gran película. Catapultado a la cima de la industria gracias a su reformulación de Batman en la trilogía de "El Caballero Oscuro", su filmografía suele estar no obstante demasiado sobrevalorada, trabajos de Batman incluidos. Lo que sí se le ha de reconocer a Nolan es el haber creado productos abiertamente comerciales pero con un buen nivel de calidad y autonomía creativa, intentando seguir una filosofía tipo Steven Spielberg. Hasta la fecha la mejor cinta de Nolan junto con "Memento" es la extraordinaria "Origen", otro auténtico desafío narrativo que es uno de los mejores ejemplos de buen cine comercial, inteligente y novedoso, alejado de los esquemas tan trillados que suelen utilizar los grandes estudios.

"Memento" es una de las películas más enigmáticas nunca vistas gracias a un minucioso guión que crea un desarrollo narrativo alejado de los estándares habituales. La historia se divide en dos líneas argumentales complementarias pero opuestas, una en blanco y negro ordenada cronológicamente y otra en color que lo hace en sentido opuesto, es decir, vemos las causas de las acciones y a la inversa. Ambas siguen la angustiosa vida de un hombre llamado Leonard (Guy Pearce) que lleva tres años buscando al asesino de su mujer. El detalle que hace saltar por los aires los esquemas convencionales es que Leonard sufre una lesión neurológica causada por un tremendo golpe en la cabeza propinado por los asesinos de su mujer en el momento del crimen. Debido a esta lesión Leonard sufre un tipo de amnesia que le hace olvidar continuamente los recuerdos posteriores al asesinato. De esta manera tan solo posee una memoria de escasos minutos que se desvanece continuamente, impidiéndole crear recuerdos recientes de manera permanente. La estructura narrativa de la cinta es así el resultado de la propia condición mental de su protagonista. Para no olvidar su misión, sus descubrimientos y la gente que conoce, Leonard lleva el cuerpo tatuado de mensajes en clave. También lleva multitud de notas manuscritas y una cámara polaroid con la que retrata a las personas para no olvidarlas. Leonard se encuentra ahora en un pequeño pueblo del interior de EEUU, donde conoce a Natalie (Carrie-Anne Moss) y Teddy (Joe Pantoliano). Pero para recordar por qué ha llegado allí ha de buscar las pistas escritas en su cuerpo y equipaje.

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Ficha técnica y artística

Memento. EEUU, 2000, 113 min.

Dirección: Christopher Nolan

Intérpretes: Guy Pearce, Carrie-Anne Moss, Joe Pantoliano

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Crónica de Atticus Finch
 
 
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viernes, 30 de agosto de 2013

Alien, el Octavo Pasajero

Comentario de ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO














El género de la ciencia-ficción ha sido la base sobre la que se ha asentado el prestigio del director británico Ridley Scott, dueño de una filmografía tan variada como irregular ("Thelma & Louise", "Gladiator"). Gran parte de su peso cinematográfico se apoya en dos obras clave que rodó en su primera etapa como realizador, dos películas que hoy en día son referencia dentro del género y también clásicos contemporáneos del cine: "Alien, el Octavo Pasajero" (1979) y "Blade Runner" (1982). Scott, tras su estupenda opera prima "Los Duelistas" (1977), se puso manos a la obra a preparar un proyecto a medio camino entre la ciencia-ficción espacial y el cine de terror, creando un universo propio que se ha desarrollado a lo largo de cuatro largometrajes así como multitud de novelas y cómics. El éxito de "Alien" probablemente se debe a su buena historia, la cuidada dirección artística y un personaje protagonista carismático, la teniente Ellen Ripley. Éste sería uno de los primeros personajes femeninos convertidos en héroe de acción, terreno reservado hasta entonces al género masculino casi en exclusiva. Pero todo ello no funcionaría si tras la cámara no se encontrara un director capaz de dotar al relato del pulso narrativo adecuado, algo que Scott consiguió sobradamente. Resulta un poco decepcionante que la reciente visita al universo Alien que Scott ha llevado a cabo con "Prometheus" haya quedado en una cinta vacía y carente por completo de sentido.

"Alien, el Octavo Pasajero" narra la historia de la tripulación de la nave Nostromo, la cual es despertada de su estado de hibernación en su viaje de regreso a la Tierra. Su ordenador central  ha captado la débil señal de una comunicación procedente de un planeta desconocido. Tras evaluar la situación, el capitán Dallas (Tom Skerritt) decide aterrizar en el lugar para investigar su origen. Allí descubrirán los restos fosilizados de una nave extraterrestre y unos enigmáticos huevos en aparente estado latente. Un miembro de la tripulación es atacado por una extraña criatura surgida de uno de los huevos y posteriormente aislado dentro del Nostromo, que abandona lo más rápidamente posible el planeta. A la teniente Ripley (Sigourney Weaver) y al resto de la tripulación se les ha unido un octavo pasajero que viaja de incógnito y que parece surgido de sus peores pesadillas.

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Ficha técnica y artística

Alien, el Octavo Pasajero (Alien). EEUU, 1979, 117 min.

Dirección: Ridley Scott

Intérpretes: Sigourney Weaver, Tom Skerritt, John Hurt

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 11 de agosto de 2013

El Mensajero del Miedo

Comentario de EL MENSAJERO DEL MIEDO
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
En este blog solemos reivindicar a un puñado de directores a los que creemos que la historia no ha tratado como se merece, bien sea por parte de la crítica o de los espectadores. Un caso paradigmático es John Frankenheimer, el prestigioso realizador norteamericano que increíblemente no es muy conocido entre el gran público. En eso puede influir el hecho de que Frankenheimer  dilapidó su maravilloso trabajo de los años 60 encadenando bodrios durante las dos décadas siguientes hasta resurgir, cual ave fénix, con "Ronin" (1998). Pero independientemente de su irregular carrera, nadie le puede quitar el mérito de las grandes obras que rodó en su primera etapa, cuando salió de la cantera de la televisión junto a otros compañeros de generación como Sidney Lumet. En un mismo año, 1964, estrenó las que para mi son dos obras maestras absolutas, "Siete Días de Mayo" y "El Tren", ambas protagonizadas por su actor fetiche Burt Lancaster. Y también están las estupendas "Los Jóvenes Salvajes" (1961), "El Hombre de Alcatraz" (1962) y "El Mensajero del Miedo" (1962). En estas películas Frankenheimer dejó marcado a fuego su inconfundible sello de autor, una puesta en escena apabullante con una fotografía en blanco y negro espectacular. Su importante legado no debe perderse nunca en el olvido.

"El Mensajero del Miedo" relata una absorbente historia de intrigas a comienzos de la Guerra Fría, la cual fue utilizada de nuevo para un remake del 2004 (un sinsentido) e incluso para la base argumental de una de las series actuales de más éxito, "Homeland". En plena Guerra de Corea (1950-1953), un pelotón de soldados norteamericanos es capturado en el frente por tropas comunistas y trasladado en secreto al norte de China. Allí, en una remota instalación de Manchuria, los soldados son sometidos a un avanzado experimento de lavado de cerebro y suplantación de la personalidad. Tras serles implantados unos recuerdos falsos, son de nuevo liberados en Corea para que sean encontrados por tropas estadounidenses. Una vez en EEUU, la segunda etapa del plan se pone en marcha. El sargento Raymond Shaw (Laurence Harvey), recibido como héroe de guerra, tiene implantado en el subconsciente una misión para desestabilizar el gobierno de Washington y provocar un golpe de estado. Los agentes soviéticos infiltrados en territorio norteamericano son los encargados de activar ese subconsciente a través de un símbolo clave. En paralelo, otro miembro de los supervivientes del pelotón, el capitán Marco (Frank Sinatra), comienza a tener extrañas pesadillas en las que afloran retazos de lo que sucedió realmente durante su cautiverio en Manchuria. Obsesionado por encontrar la verdad, decide iniciar una investigación en solitario sobre sus antiguos compañeros para poder encajar las piezas. Aunque él no lo sabe, una auténtica carrera contrarreloj acaba de empezar.

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Ficha técnica y artística

El Mensajero del Miedo (The Manchurian Candidate). EEUU, 1962, 126 min.

Dirección: John Frankenheimer

Intérpretes: Laurence Harvey, Frank Sinatra, Angela Lansbury

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Crónica de Atticus finch
 
 
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domingo, 28 de julio de 2013

Tierras de Penumbra

Comentario de TIERRAS DE PENUMBRA
 













Muchas personas conocen a Sir David Attenborough, el célebre naturalista y presentador de grandes series documentales de la BBC. Pero no tantos saben que su hermano mayor es Richard Attenborough, actor secundario británico y director de un buen puñado de estupendas películas. En su faceta interpretativa Attenborough se labró una sólida carrera durante los años 60 y 70, aunque el gran público le recuerda sobre todo por su papel de propietario del "Parque Jurásico" de Steven Spielberg. A finales de los setenta probaría suerte con la realización y en poco tiempo conseguiría un tremendo éxito con "Gandhi" (1982), biopic del histórico líder indio encarnado para la ocasión por Ben Kingsley. Tras otras dos buenas cintas, "Grita Libertad" (1987) y "Chaplin" (1992), Attenborough rodaría la que muy probablemente sea su obra cumbre: "Tierras de Penumbra" (1993). Para ello contaría con dos grandes intérpretes, Debra Winger y un Anthony Hopkins que en aquellos años llevaba encadenados varios trabajos sobresalientes: "El Silencio de los Corderos", "Regreso a Howard's End" o "Lo que Queda del Día".

"Tierras de Penumbra" narra la relación entre el académico de la universidad de Oxford C.S. Lewis (Hopkins) y la poetisa norteamericana Joy Gresham (Winger) durante la década de los 50. Lewis es un reputado profesor de literatura inglesa que ha obtenido gran fama por sus cuentos infantiles de "Las Crónicas de Narnia", inspiradas fuertemente por la obra de su amigo y colega en Oxford J.R.R. Tolkien. De temperamento muy británico, Lewis vive una existencia de apacible soltero dedicado a sus labores académicas y compartiendo hogar con su hermano. Cierto día conoce en un acto de la universidad a la poetisa Joy Gresham, que está de visita en Inglaterra junto a su hijo. Ambos comienzan una especial relación de amistad dada la completa disparidad entre sus caracteres. La rigidez de Lewis contrasta con la espontaneidad de ella, pero se complementan muy bien. Tras un tiempo fuera del país Joy vuelve a Inglaterra tras haberse separado de su marido y le pide a Lewis que se case con ella para poder obtener el permiso de residencia y no tener que volver a los Estados Unidos. Tras esta unión de conveniencia ambos profundizan en su relación y lo que era un amor platónico se transforma en uno verdadero, aunque con el tiempo contado.

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Ficha técnica y artística

Tierras de Penumbra (Shadowlands). Reino Unido, 1993, 130 min.

Dirección: Richard Attenborough

Intérpretes: Anthony Hopkins, Debra Winger, Joseph Mazzello

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 21 de julio de 2013

Feliz Navidad Mr. Lawrence

Comentario de FELIZ NAVIDAD MR. LAWRENCE














El director japonés Nagisa Oshima llevó a cabo una prolífica carrera cinematográfica en su país a lo largo de la década de los sesenta, pero su trabajo no alcanzó nunca el reconocimiento y la calidad de otros realizadores nipones de aquella época: Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu, Kenji Mizoguchi o Masaki Kobayashi (si no han visto la magistral "Samurai Rebellion" [1967] no sé a qué esperan). No obstante, Oshima lograría una gran repercusión en Occidente con su famosa "El Imperio de los Sentidos" (1976), una pretendida cinta erótica pero que no es más que un sórdido disparate audiovisual salido de las mentes más retorcidas del país del sol naciente. No se les ocurra verla, este cronista lo intentó hace unos años y tuvo que quitarla a la media hora debido a los problemas estomacales causados por su visionado. Tras perpetrar esta majadería (iba a decir basura pero voy a ser comedido) el señor Oshima rodó una especie de cinta hermana llamada "El Imperio de la Pasión" (muy original) con la que ganó ni más ni menos que la Palma de Oro en el festival de Cannes de 1978. Aunque no la he visto me aventuro a pensar que el jurado de aquella edición quiso hacerse el moderno y concedió el galardón de manera absurda a Oshima, algo que por otra parte suele ocurrir con bastante frecuencia en los festivales de cine más prestigiosos. Hasta este punto no he dicho casi nada positivo de Oshima, pero he aquí que llega el año 1983 y el director estrena la obra de culto "Feliz Navidad Mr. Lawrence", una cinta con un planteamiento excelente pero que tampoco puedo calificar de buena película. Pertenece a esa categoría de largometrajes que se mueven entre el 6 y el 7 pero que atesoran grandes momentos que hacen que no se las olvide. Y por eso protagoniza hoy esta entrada.

"Feliz Navidad Mr. Lawrence" cuenta la fascinante relación entre cuatro hombres en un campo de prisioneros japonés en la isla de Java durante la Segunda Guerra Mundial: el oficial británico Jack Celliers (David Bowie), un ser autodestructivo y problemático; su compatriota el coronel John Lawrence (Tom Conti), inglés ilustrado en medio de la barbarie; el sádico sargento japonés Hara (Takeshi Kitano), siempre deseoso de apalear occidentales; y el inflexible jefe de campo Yonoi (Ryuichi Sakamoto), contradictorio personaje que oculta una homosexualidad fuertemente reprimida. El casting de la película es uno de los más curiosos experimentos que he visto (pero funciona muy bien). La presencia de Takeshi Kitano, uno de los realizadores japoneses más importantes de los últimos quince años y creador de "Humor Amarillo", es sorprendente. Más aún la de David Bowie, quien a comienzos de los ochenta hizo algunos papeles en el cine sin aparcar su carrera musical. Y como colofón el estupendo Ryuichi Sakamoto, que además de actuar es el compositor de la magnífica y muy conocida banda sonora de la película. Esto, junto a su historia, la hace tener todos los ingredientes para lo que se llama una cinta de culto. Y bastante interesante, por cierto.

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Ficha técnica y artística

Feliz Navidad Mr. Lawrence (Merry Christmas Mr. Lawrence). Japón, 1983, 124 min.

Dirección: Nagisa Oshima

Intérpretes: Tom Conti, David Bowie, Ryuichi Sakamoto

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Crónica de El Maquinista


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domingo, 14 de julio de 2013

Hannah y sus Hermanas

Comentario de HANNAH Y SUS HERMANAS


 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
La carrera cinematográfica de Woody Allen abarca ya más de cuatro décadas pero es sin duda el periodo entre 1977 y 1997 el que ha sido el más fructífero y en el que ha rodado la mayoría de sus grandes obras. A partir del punto de inflexión de "Annie Hall" (1977) y tras la confirmación de "Manhattan" (1979), el realizador neoyorkino se embarcó en una maratoniana trayectoria que le ha llevado a estrenar una película por año, siendo siempre el guionista y director de las mismas y también actor en la mayoría de ellas. Tras cambiar a Diane Keaton por Mia Farrow como musa artística en 1980, Allen rodaría con ésta varios títulos clásicos: "La Rosa Púrpura del Cairo" (1985), "Hannah y sus Hermanas" (1986), "Delitos y Faltas" (1989) o "Maridos y Mujeres" (1992). La década de los 90 traería el fin de la relación con Farrow pero todavía ofrecería buenos trabajos: "Misterioso Asesinato en Manhattan" (1993), "Balas sobre Broadway" (1994) o "Desmontando a Harry" (1997), probablemente una de sus últimas grandes películas. Desde el cambio de siglo Allen ha vivido un claro declive artístico que no obstante no impide que de vez en cuando traiga alguna grata sorpresa como "Match Point" (2005). Como bien dice el refrán, quien tuvo retuvo.

"Hannah y sus Hermanas" relata una historia con inconfundible sello Allen sobre los avatares personales de un puñado de personajes de la clase media ilustrada de Nueva York. La trama abarca una estructura de tres hilos argumentales a lo largo de dos años comenzando y acabando el Día de Acción de Gracias. Hannah (Mia Farrow) es una exitosa actriz de teatro casada con Elliot (Micheal Caine), pero éste comienza una aventura amorosa con la hermana pequeña de su mujer (Barbara Hersley). A su vez está Mickey (Woody Allen), el hipocondriaco y anterior marido de Hannah que sufre una profunda angustia vital, lo cual le lleva a una serie de fallidas conversiones religiosas. Finalmente comienza a sentir de nuevo interés por la vida al ayudar a enderezar el rumbo de la otra hermana de Hannah (Dianne West).

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Ficha técnica y artística

Hannah y sus Hermanas (Hannah and her Sisters). EEUU, 1986, 106 min.

Dirección: Woody Allen

Intérpretes: Mia Farrow, Michael Caine, Woody Allen

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Crónica de Atticus Finch

 
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domingo, 7 de julio de 2013

El Hombre de Acero

Comentario de EL HOMBRE DE ACERO

 
Desde hace aproximadamente una década, con el gran éxito del "Spiderman" de Sam Raimi (2002), la industria cinematográfica ha visto un filón de oro en los personajes de cómic. El desarrollo de los efectos especiales por ordenador ha permitido crear el poderío visual del que adolecían un buen número de películas de superhéroes en los años 80 y 90. De hecho, a excepción del Superman de Richard Donner (1978) y el Batman de Tim Burton (1989), pocos productos de este mundo habían conseguido resultados dignos. Así pues, con el cambio de siglo, los personajes de las dos grandes editoriales del cómic (DC y Marvel) empezaron a inundar las pantallas cada año, uniéndose al asunto también cómics europeos y novelas gráficas de renombre ("V de Vendetta", "Watchmen"...). Con suerte la gran mayoría de estas cintas no pasan de ser buenas películas de entretenimiento, pero en algunos casos se ha llegado a ofrecer una historia más adulta, como en el Batman de Christopher Nolan (2006) o el Hulk de Ang Lee (2003). Este año le ha llegado la hora a uno de los personajes más emblemáticos de este universo, Superman, tras el fallido intento de volver con buen pie a la gran pantalla en 2006 por parte de Bryan Singer ("Superman Returns"). El retorno no ha podido ser mejor, ya que una extraodinaria reformulación del héroe ha llegado a los cines con "El Hombre de Acero", sin duda una de las mejores películas de superhéroes jamás filmada.

"El Hombre de Acero" presenta de nuevo al público a Kal-El, uno de los pocos supervivientes de un lejano planeta llamado Krypton. Adoptado por una familia de Kansas con la identidad de Clark Kent, el joven empieza a desarrollar extraordinarios superpoderes con los que decidirá defender a la Humanidad bajo el nombre de guerra de Superman. La historia general, de sobra conocida, es retomada en esta cinta desde un prisma diferente, introspectivo, que dota al relato de gran poder emocional. Las labores de Zack Snyder (dirección), Christopher Nolan (producción) y David Goyer (guión) han dado como fruto una estupenda película cuyos grandes aciertos son la mitología del planeta natal de héroe y el viaje iniciático que éste emprende. Superman es un ser frustrado por su propia naturaleza y en búsqueda de una identidad propia. La cinta es un entretenimiento de primera categoría y mucho más que una simple película de superhéroes. Contiene algunas de las imágenes más bellas que se hayan visto nunca en un largometraje de su género, como buena muestra es el tráiler que acompaña a esta entrada. Vivimos tiempos oscuros y la sociedad siempre ha necesitado héroes que libren las grandes batallas por la justicia. El Hombre de Acero es sin duda uno de ellos.

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Ficha técnica y artística

El Hombre de Acero (Man of Steel). EEUU, 2013, 143 min.

Dirección: Zack Snyder

Intérpretes: Henry Cavill, Amy Adams, Russell Crowe

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Crónica de El Maquinista

 
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