Comer Beber Amar

Comentario de COMER BEBER AMAR


Hace poco tiempo dedicábamos una entrada a la película "2046" del director Wong Kar Wai, lo que dio pie para hablar sobre las tres ramas principales del cine chino: la continental, la hong konesa y la de Taiwan. Hoy le toca el turno a esta última a través de uno de sus mayores representantes, el realizador Ang Lee, quien antes de dar el salto internacional con "Sentido y Sensibilidad" (1995) firmó dos cintas estupendas en su tierra natal, "El Banquete de Bodas" y "Comer Beber Amar". En esta obra Lee mostraba acertadamente los cambios en la sociedad china a través de un relato centrado en una familia concreta. Al margen de esa perspectiva más general, en la cinta tiene una importancia significativa el papel de la cocina, lo que le lleva a formar parte de un grupo de largometrajes en los que la gastronomía se utiliza para crear un banquete para los sentidos del espectador. Algo que también se disfruta en obras como "El Olor de la Papaya Verde" (Tran Anh Hung, 1993), "Chocolat" (Lasse Hallström, 2000), "El Festín de Babette" (Gabriel Axel, 1987) o "El Camino a Casa" (Zhang Yimou, 1999).

La película relata los cambios que se producen en una familia de Taipei como metáfora de la propia evolución de China, a caballo entre la tradición y la modernidad. El protagonista de la historia es Chu, un chef de gran prestigio que hace algún tiempo que se ha retirado y dedica su tiempo entregado a los propios fogones de su casa. Sus tres hijas adultas viven su vida de forma independiente pero cada cierto tiempo se juntan para comer todos juntos los platos cocinados por él. Para Chu su cocina tradicional es como un anclaje al mundo que comprende y en el que se siente a gusto, mientras que sus hijas han sido engullidas de manera inevitable por los nuevos tiempos. Sin embargo nadie está a salvo de esta vorágine y la llegada de una mujer viuda al vecindario trastocará el panorama vital de toda la familia.

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Ficha técnica y artística

Comer Beber Amar (Eat Drink Man Woman). Taiwan, 1994, 123 min.

Dirección: Ang Lee

Intérpretes: Sihung Lung, Kuei-Mei Chang, Chien-Lien Wu

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Crónica de Atticus Finch


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Mayor Dundee

Comentario de MAYOR DUNDEE

Si hay un género cinematográfico al que esté fuertemente unida la carrera del director Sam Peckinpah ese es sin duda el western. Al igual que otros grandes cineastas como John Ford o Clint Eastwood, la figura de Peckinpah quedará siempre marcada por sus trabajos en este género tan profundamente estadounidense pero de resonancias universales. Su relación con el western se inició ya con sus primeros largometrajes de comienzos de los 60 ("Duelo en Alta Sierra", "Mayor Dundee") pero la obra que marcaría el punto de inflexión llegó en 1969 con "Grupo Salvaje", la apoteosis del western crepuscular, desmitificador y violento que se ha convertido en el gran legado del autor. Esta renovación del género continuó con "Pat Garret y Billy the Kid" (1973) y se prolonga también a las otras dos obras maestras de Peckinpah, "Perros de Paja" (1971) y "La Huida" (1972), que aunque están ambientadas en el mundo contemporáneo calcan los códigos del western a pies juntillas. Tras este lustro prodigioso Peckinpah no volvería a añadir a su filmografía obras de semejante nivel a excepción de su incursión bélica con "La Cruz de Hierro" (1977), donde el realizador deja bien claro que no iba a renunciar a un estilo tan descarnado como fascinante.

"Mayor Dundee" narra la misión que decide llevar a cabo el temerario oficial del ejército de la Unión Amos Dundee (Charlton Heston), encargado de custodiar un fuerte en el territorio fronterizo de Nuevo Méjico a finales de la guerra civil estadounidense. Dundee pretende reclutar una pequeña fuerza de hombres para dar caza al jefe apache Sierra Charriba, el cual está aprovechando el caos de la guerra para arrasar amplias zonas del territorio. Al carecer de órdenes superiores para ejecutar el plan, Dundee toma la iniciativa y escoge a un grupo de confianza entre sus tropas, pero para completar la compañía, además de recurrir a voluntarios civiles, decide inlcuir a prisioneros de guerra confederados que están bajo su custodia. Flanqueado por su camarada sureño Tyreen (Richard Harris) y el experto rastreador Potts (James Coburn), el grupo se interna hacia lo desconocido al cruzar la frontera con Méjico siguiendo las huellas de los apaches.

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Ficha técnica y artística

Mayor Dundee (Major Dundee). EEUU, 1964, 122 min.

Dirección: Sam Peckinpah

Intérpretes: Charlton Heston, Richard Harris, James Coburn

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Comentario de El Maquinista

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Veredicto Final

Comentario de VEREDICTO FINAL

A comienzos de la década de los 80 Sidney Lumet golpeaba de nuevo (y van...). El veterano director norteamericano llevaba ya tiempo siendo referente de un tipo de cine comprometido socialmente, algo que había dejado claro con su ópera prima "Doce Hombres sin Piedad" (1957) y que se convertiría en una constante de su filmografía. Cintas como "La Colina" (1965), "Network" (1976) o "Antes que el Diablo Sepa que has Muerto" (2007) muestran a un realizador indomable que husmea continuamente debajo de las alfombras sacando a la luz temáticas nada complacientes para la sociedad contemporánea. Y es que la ética es probablemente el verdadero eje central del universo Lumet, quien siempre pone a sus protagonistas frente al espejo para radiografíar su integridad, sus valores morales y los dilemas que éstos le plantean. Para "Veredicto Final" Lumet eligiría un escenario inmejorable, los juzgados, donde el hombre lleva siglos intentando materializar algo tan abstracto como es el sentimiento de justicia y que ha dejado otros tantos buenos ejemplos de gran cine: "Matar a un Ruiseñor" (Robert Mulligan, 1962), "Testigo de Cargo" (Billy Wilder, 1957), "Anatomía de un Asesinato" (Otto Preminger, 1959) o la propia "Doce Hombres sin Piedad".

"Veredicto Final" es un drama judicial centrado en Frank Galvin (Paul Newman), un veterano abogado con una carrera profesional bajo mínimos debido a sus problemas con el alcohol desde hace años. A su estilo de vida bastante sórdido se le añaden problemas económicos que intenta superar buscando pequeños trabajos de asesoría legal como picapleitos. Cierto día un antiguo socio le consigue un buen caso por negligencia médica que le puede reportar una rápida comisión si se resuelve mediante acuerdo extrajudicial con la parte demandada, un importante hospital privado perteneciente a la Iglesia. Frank comienza a investigar el caso pero contra todo pronóstico decide rechazar el acuerdo e ir a juicio, donde tendrá que enfrentarse a la poderosa maquinaria del bufete de abogados del hospital, dirigido por un hombre sin escrúpulos (James Mason). Ayudado por su amigo abogado y una joven que acaba de conocer (Charlotte Rampling), Frank se toma la preparación del caso como una redención personal para recobrar su dignidad, en una carrera de obstáculos en la que habrá de esquivar los golpes bajos de la profesión al margen de los juzgados.

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Ficha técnica y artística

Veredicto Final (The Verdict). EEUU, 1982, 129 min.

Dirección: Sidney Lumet

Intérpretes: Paul Newman, Charlotte Rampling, James Mason

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Crónica de Atticus Finch

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Un Corazón en Invierno

Comentario de UN CORAZÓN EN INVIERNO

Desde la II Guerra Mundial la superpotencia cinematográfica hegemónica en el mundo occidental ha sido sin duda la estadounidense, en primer lugar gracias a su poderosa maquinaria industrial construída durante años por los grandes estudios de Hollywood. Otros factores determinantes también son la gran calidad de sus intérpretes y técnicos (muchos de ellos emigrantes centroeuropeos en las primeras décadas del siglo XX), así como la propia naturaleza democrática del país que ha permitido al cine moverse mucho más libremente que en otros lugares. Hoy en día, sin tener en cuenta las grandes cinematografías de consumo interno como las de la India o el sureste asiástico, los países occidentales con industria nacional fuerte se pueden contar con los dedos de una mano. En Europa existen únicamente dos ejemplos, la cinematografía británica y francesa, ya que aunque la primera funciona realmente como un complemento de la norteamericana, el compartir la misma lengua y pertenencia al mundo anglosajón le ayuda a contar con importantes recursos tanto artísticos como técnicos. El caso francés tiene mucho más mérito debido entre otras cosas a que su público potencial es bastante más reducido, pero aún así ha conseguido ser una industria rentable, implantada firmemente en el panorama cultural del país y con abundancia de buenas películas. Su mayor diferencia con respecto al cine de sus vecinos es su gran aceptación por parte del público así como abarcar una amplia gama de géneros sin restringirse únicamente al drama o la comedia.

"Un Corazón en Invierno" husmea en el complejo funcionamiento de los sentimientos humanos a través de la nada usual relación que se establece entre dos personajes muy diferentes. Para los roles protagonistas el director Claude Sautet ("Max y los Chatarreros", "Nelly y el Señor Arnaud") contaría con uno de los pesos pesados de la interpretación francesa contemporánea, Daniel Auteil, además de la musa del cine francés de los 90 Emmanuelle Béart. La trama se centra en Stéphane (Auteil), un introvertido experto en la fabricación y reparación de instrumentos de cuerda que regenta un taller junto a su socio Maxime. Un día éste le trae para reparar el violín de una joven concertista llamada Camille (Béart), el cual es arreglado con el esmero habitual de Stéphane. Una vez devuelto a su dueña ésta comienza a verse fascinada poco a poco por su personalidad callada pero misteriosa, y aparentemente ajena a las emociones cotidianas.

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Ficha técnica y artística

Un Corazón en Invierno (Un Coeur en Hiver). Francia, 1992, 105 min.

Dirección: Claude Sautet

Intérpretes: Daniel Auteil, Emmanuelle Béart, André Dussollier

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Crónica de Atticus Finch

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Fargo

Comentario de FARGO

Durante los más de veinticinco años que los hermanos Coen llevan escribiendo y dirigiendo películas se han ganado a pulso el contar con un sello personal muy particular que suele impregnar la mayor parte de sus trabajos. Para su quinto largometraje, que iba a marcar un punto de inflexión en su carrera, los Coen decidieron adaptar una tremenda historia criminal ocurrida a finales de la década de los 80 en la ciudad estadounidense de Fargo. Este lugar, ubicado en el estado de Dakota del Norte, es probablemente un buen ejemplo de una zona de este país poco conocida y tratada por el cine, la que representa el Medio Oeste norteño. Estados rurales y poco poblados como Wyoming, las dos Dakotas, Montana o Nebraska son lugares que solo suelen aparecer en westerns o alguna que otra película costumbrista. Viajar allí supone internarse en la Norteamérica más profunda e inaccesible, donde sus habitantes tienen un ritmo vital bastante peculiar que es aprovechado por los Coen para ofrecer un buen surtido de su inconfundible humor negro.

La película arranca con el lamentable plan ideado por Jerry Lundegaad (William H. Macy), un jefe de ventas de un concesionario de coches que decide organizar el secuestro de su propia mujer para poder pedir un buen rescate a cuenta de su suegro millonario. Para ello contrata los servicios de dos criminales bastante chapuceros que finalmente llevan a cabo el trabajo, aunque todo se complica con el asesinato de varias personas en el proceso. La investigación del caso recae en la policía local, entre cuyos miembros destaca por su sentido común la agente Marge Gunderson (Frances McDormand), una típica y apacible mujer del Medio Oeste que está cerca de dar a luz a su primer hijo.

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Ficha técnica y artística

Fargo. EEUU, 1996, 97 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi

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Crónica de Atticus Finch

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El Último Truco

Comentario de EL ÚLTIMO TRUCO

En esta bitácora cinéfila hemos abordado en estos años multitud de géneros cinematográficos, incluido el documental, a fin de repasar de una manera amplia y enriquecedora el séptimo arte. Hoy traemos un excelente documental nacional que relata la labor de Emilio Ruiz del Río, un verdadero mago de los efectos especiales que trabajó en multitud de películas conocidas donde dejó su huella de genio del cine. Si Emilio hubiese sido norteamericano en vez de español haría ya tiempo que le habrían dado multitud de premios y reconocimientos, y probablemente sería bastante conocido por el público. Del páramo cultural que era la España de los años 50 surgió un hombre que acabaría especializado en efectos visuales con maquetas, la técnica de los vidrios pintados y el uso de la perspectiva para crear ilusiones perfectas.

Su talento lo llevó a colaborar con el mítico productor Dino de Laurentis en algunas películas épicas italianas para posteriormente trabajar en títulos internacionales tan conocidos como "Espartaco" (Stanley Kubrick, 1960), "Lawrence de Arabia" (David Lean, 1962), "Patton" (Franklin J. Schaffner, 1970) o "Dune" (David Lynch, 1984). A ellas se les une multitud de cintas españolas donde a pesar de contar con poco presupuesto Emilio era capaz de arreglárselas para sorprender al espectador. Como ejemplo, la famosa voladura del coche del almirante Carrero Blanco en "Operación Ogro", que ya ha pasado a formar parte de los documentos audiovisuales de la Transición. Y otros menos serios como el primer superhéroe español que surcó los cielos en el cine, el increíble Supersonic Man.

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Ficha técnica y artística

El Último Truco. España, 2008, 91 min.

Dirección: Sigfrid Monleón

Intérpretes: documental

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Crónica de El Maquinista

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La Semilla del Diablo

Comentario de LA SEMILLA DEL DIABLO

Gracias al éxito de su primer largometraje, "El Cuchillo en el Agua" (1962), Roman Polanski tuvo la oportunidad de trasladarse de su Polonia natal a Inglaterra para continuar allí su carrera cinematográfica. En el Londres de los años 60 prepararía sus siguientes proyectos ("El Baile de los Vampiros", "Repulsión") hasta que finalmente se le presentó la oportunidad de cruzar el charco rumbo a los Estados Unidos. Para su primera cinta de producción norteamericana Polanski iba a rodar uno de los pilares del terror psicológico moderno, "La Semilla del Diablo" , una obra polémica envuelta en la leyenda negra de las películas malditas por todo lo que le pasaría poco después al director polaco. Y es que tras los trágicos sucesos de 1969 Polanski no solo fue capaz de retomar su carrera y mantenerse cuerdo, sino que además volvería a filmar grandes obras como "Chinatown" (1974) antes de abandonar suelo americano definitivamente. Su vuelta a Europa no mermaría una filmgrafía a la que aún se añadirían excelentes trabajos como "Tess" (1980), "La Muerte y la Doncella" (1994) o "El Pianista" (2002).

Los protagonistas de "La Semilla del Diablo" son Rosemary y Guy Woodhouse (Mia Farrow y John Cassavetes), una joven pareja neoyorkina que decide trasladarse a un elegante edificio de apartamentos en el corazón de Manhattan. La vivienda cuenta sin embargo con una sombría historia de sucesos extraños, algo que Rosemary atribuye a la casualidad y las habladurías. Sus vecinos son gente amable y educada, una comunidad muy unida que enseguida acoge a los Woodhouse con los brazos abiertos. Una vez instalados deciden tener un hijo y Rosemary aguarda con ilusión el momento en que se quede encinta. Pero una noche ocurre algo inexplicable en la que ésta es presa de fuertes alucinaciones y que da comienzo a un embarazo que va a convertirse en una auténtica pesadilla.

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Ficha técnica y artística

La Semilla del Diablo (Rosemary's Baby ). EEUU, 1968, 132 min.

Dirección: Roman Polanski

Intérpretes: Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon

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Crónica de El Maquinista

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