Los Puentes de Madison

Comentario de LOS PUENTES DE MADISON

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Durante la década de los 70 y principios de los 80, cuando Clint Eastwood era el paradigma del tipo duro del cine hollywoodiense, pocos podían pensar que un día se convertiría en un realizador de prestigio capaz de abordar exitosamente multitud de géneros. Dueño de una carrera impresionante marcada por su espíritu libre, a contracorriente y profundamente honesto; todo un maverick de la industria. Y eso que Eastwood dio serios avisos de este cambio a finales de los 80, tras rodar el magistral western "El Jinete Pálido" (1985), la biografía de Charlie Parker "Bird" (1988) y "Cazador Blanco, Corazón Negro" (1990). Pero el punto de inflexión definitivo, con unánime aplauso de crítica y público, lo supuso la obra maestra absoluta que es "Sin Perdón" (1992), convertido desde entonces en el western crepuscular y desmitificador por excelencia. Desde entonces Eastwood ha seguido rodando excelentes películas en los últimos veinte años, convirtiéndose por méritos propios en leyenda viva de la historia del cine: "Un Mundo Perfecto" (1993), "Los Puentes de Madison" (1995), "Mystic River" (2003), "Million Dollar Baby" (2004), "Cartas desde Iwo Jima" (2006), "Gran Torino" (2008)... Y por eso muchos le estamos profundamente agradecidos.

"Los Puentes de Madison" arranca en los años noventa cuando dos hermanos vuelven a la casa familiar en Iowa poco después del fallecimiento de su madre, Francesca (Meryl Streep). Entre los diversos papeles encuentran instrucciones precisas para realizar el funeral y una serie de cartas y diarios que les retrotraen tres décadas atrás, a 1965. Ese año, cuando ellos y su padre marcharon cuatro días a la feria estatal de agricultura, su madre conoció a un fotógrafo de National Geographic llamado Robert Kincaid (Clint Eastwood) y se enamoró de él. Francesca nació en Italia, conoció al que sería su marido durante la Segunda Guerra Mundial y con él se trasladaría a una granja del condado de Madison en Iowa. Su vida rutinaria de ama de casa durante los últimos veinte años se ve trastocada por la aparición de Robert, quien llega a la zona para realizar un reportaje fotográfico sobre los puentes del condado. Entre ellos nace una afinidad que pronto desemboca en algo mucho más serio pero de futuro completamente incierto.

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Ficha técnica y artística

Los Puentes de Madison (The Bridges of Madison County). EEUU, 1995, 135 min.

Dirección: Clint Eastwood

Intérpretes: Meryl Streep, Clint Eastwood, Annie Corley

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Crónica de Atticus Finch

 

 

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El Baile de los Vampiros

Comentario de EL BAILE DE LOS VAMPIROS

Hay personajes del mundo del cine cuya historia personal daría para hacer películas muy interesantes debido a sus peripecias vitales. Dos de mis preferidos son Montgomery Clift, uno de los actores más atormentados que ha dado Hollywood, y el director Roman Polanski. La vida de éste último es ciertamente agitada, empezando por su nacimiento en París en el seno de una familia de emigrantes polacos que volverían a su país antes de estallar la Segunda Guerra Mundial. Perder a su madre en Auschwitz, ver a su padre deportado a Mauthausen y vivir en carne propia el gueto de Cracovia por su condición de judío sin duda marcarían al cineasta, quien décadas después ajustaría cuentas con el pasado al rodar "El Pianista" (2002). A pesar de todo el joven realizador logró sobrevivir y tras debutar en el largometraje con "El Cuchillo en el Agua" (1962) pronto marcharía rumbo a Inglaterra para rodar allí "Repulsión" (1965), "Callejón sin Salida" (1966) y "El Baile de los Vampiros" (1967), donde compartiría plano con la que sería su mujer, la encantadora Sharon Tate. Después Polanski recibió la llamada de los EEUU y allí se trasladó para completar una de sus obras de referencia, "La Semilla del Diablo" (1968), iniciando por otra parte una de las etapas más difíciles de su vida con el asesinato de su esposa y amigos a cargo del clan Mason, la acusación de abuso de menores y una persecución judicial perpetua que le impide pisar suelo norteamericano desde entonces. Pero también existe una carrera paralela de gran cineasta capaz de sobreponerse y rodar obras magistrales como "Chinatown" (1973) o "Tess" (1979), y seguir activo hoy en día a sus ochenta años.

"El Baile de los Vampiros" relara las aventuras en Transilvania del profesor Abronsius (Jack MacGowran) y su ayudante Alfred (el propio Polanski) en su intento de verificar las leyendas sobre la existencia de vampiros. Tras llegar a una posada perdida en las montañas comienzan a indagar entre los lugareños, pero todos se muestran reacios a hablar del asunto a pesar de las señales evidentes que cuelgan por doquier en forma de ristras de ajos. Alfred sigue con resignación al profesor, en parte por miedo y en parte por estar más interesado en las personas vivas, sobre todo las del género femenino. En la posada conoce a la hija del dueño, la hermosa Sara (Sharon Tate) y pronto se queda prendado de ella. Cuando Sara es secuestrada misteriosamente por un noble que habita en un castillo cercano, Alfred decide acompañar al profesor sin vacilar  para rescatarla y llevarla de nuevo a casa. El problema es que corren rumores de que en el castillo no habitan personas normales, sino los llamados no muertos.

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Ficha técnica y artística

El Baile de los Vampiros (The Fearless Vampire Killers). Reino Unido, 1967, 111 min.

Dirección: Roman Polanski

Intérpretes: Roman Polanski, Sharon Tate, Jack MacGowran

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Crónica de El Maquinista

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Glengarry Glen Ross

Comentario de GLENGARRY GLEN ROSS

El multidisciplinar David Mamet comenzó a emerger en el panorama teatral norteamericano en la década de los setenta y en poco tiempo se consolidó como uno de sus dramaturgos más destacados. Durante los años 80 Mamet empezó también una fructífera carrera en el cine escribiendo varios guiones de éxito como "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" (1981), "Veredicto Final" (1982) o "Los Intocables de Eliot Ness" (1987). En los 90 seguiría produciendo guiones como "Ronin" y terminaría por dar el salto a la realización dirigiendo sus propios libretos ("State & Main", "El Caso Winslow"). Una de las piezas teatrales más aplaudidas de Mamet, "Glengarry Glen Ross", sería llevada al cine por James Foley con guión del propio dramaturgo y un reparto estelar. La obra, toda una radiografía de las demenciales prácticas laborales que se llevan a cabo en el mundo empresarial, queda hoy en día como una de sus mejores aportaciones a la cinematografía norteamericana.

"Glengarry Glen Ross" relata los dos días al límite que viven cuatro vendedores de una agencia inmobiliaria de Chicago tras recibir un ultimatum desde la oficina central. En una semana los dos que más vendan conservarán su empleo y los otros dos lo perderán. La noticia se la comunica un miembro de la compañía (Alec Baldwin) que espera motivarles de esta manera para que consigan beneficios rápidamente. Los cuatro hombres encaran la situación según sus circunstancias personales. El veterano Shelley Levene (Jack Lemmon) intenta que su jefe le proporcione nuevas fichas, los datos con los que localizan a clientes potenciales. Ricky Roma (Al Pacino) trata por todos los medios de cerrar un buen trato que tiene a medio hacer y los otros dos compañeros (Ed Harris y Alan Arkin) planean simular un robo en la oficina, hacerse con las fichas nuevas y venderlas a la competencia. En dos días todas sus estrategias se entrecruzarán mientras intentan sobrevivir al ambiente más kafkiano que se pueda imaginar. Tan real como la vida misma.

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Ficha técnica y artística

Glengarry Glen Ross. EEUU, 1992, 120 min.

Dirección: James Foley

Intérpretes: Jack Lemmon, Al Pacino, Ed Harris

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Crónica de Atticus Finch

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Quiero la Cabeza de Alfredo García

Comentario de QUIERO LA CABEZA DE ALFREDO GARCIA

Leyendo recientemente la obra de Charles Bukowski, uno de los escritores malditos por excelencia de la literatura norteamericana, no he podido evitar acordarme del director Sam Peckinpah. Bukowski emplea en su narrativa un estilo directo y descarnado con el que da forma a lo que se llama el realismo sucio de sus novelas. Esto mismo puede extrapolarse al sello inconfundible que dejó Peckinpah en toda su filmografía. Junto con el tema siempre presente de la violencia, si hay algo que caracteriza a su cine es la figura del antihéroe embarcado en luchas perdidas, aunque siempre con sus matices y variaciones. Nihilismo y autodestrucción en "Grupo Salvaje", "La Cruz de Hierro" o "Pat Garrett y Billy the Kid", lucha por la supervivencia en "Perros de Paja", "La Huida" o "Mayor Dundee". Pero todos surgen de un tronco común. Y probablemente una de las cimas del antihéroe peckinpiano es el protagonista de "Quiero la Cabeza de Alfredo García" (1974), interpretado por su actor fetiche Warren Oates. El ambiente sucio, decadente y ubicado en esa zona fronteriza entre EEUU y Méjico que tanto gustaba a Peckinpah le proporciona un decorado perfecto a este perdedor de manual: sudor, mugre y arena. Pero como todos los protagonistas del cine de Sam Peckinpah guarda también en el fondo de su ser un pequeño hueco para unos mínimos principios morales y algo llamado dignidad.

"Quiero la Cabeza de Alfredo García" es el expeditivo título en el que se narra la historia de una cacería al hombre en lo más profundo de Méjico. El poderoso terrateniente El Jefe (Emilio Fernández) descubre que su hija está embarazada y le obliga a confesar el nombre del padre: Alfredo García, un antiguo trabajador de la hacienda. Como venganza decide ofrecer un millón de dólares a quien lo mate y le traiga su cabeza como prueba. Entre el nutrido grupo de criminales que parten en su búsqueda se encuentran dos cazarrecompensas estadounidenses que comienzan a seguir la pista por territorio mejicano. Su viaje les lleva hasta un tugurio de mala muerte donde trabaja como pianista Bennie (Warren Oates), quien se ofrece a ayudarlos a cambio de una parte del dinero. Bennie mantiene una relación con una antigua prostituta llamada Elita y sabe que ésta conoció hace un tiempo a Alfredo García. El dinero de la recompensa puede ser el pasaporte a una nueva vida para ambos. A partir de aquí se inicia un viaje de ilusión, traición, desesperanza y mucha violencia. Sam Peckinpah en estado puro.

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Ficha técnica y artística

Quiero la Cabeza de Alfredo García (Bring Me the Head of Alfredo Garcia). EEUU, 1974, 112 min.

Dirección: Sam Peckinpah

Intérpretes: Warren Oates, Isela Vega, Robert Webber

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Crónica de El Maquinista

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Moon

Comentario de MOON

La ciencia-ficción es probablemente uno de los géneros cinematográficos que más ha sufrido el mal uso de los efectos especiales por ordenador desarrollados en el último cuarto de siglo. El gran nivel al que han llegado estos efectos visuales es un arma de doble filo, ya que si se utilizan con sabiduría consiguen hacer realidad los más fantásticos entornos que se puedan imaginar, reforzando la apuesta argumental. Pero si se abusa de ellos se corre el riesgo de saturar al espectador o convertir la cinta en una mera sucesión de fuegos artificiales para tapar las deficiencias argumentales de la misma. La columna vertebral de cualquier largometraje, sea del género que sea, es la historia que cuenta y de la calidad de ésta dependerá el resultado final del trabajo. Los efectos visuales deben estar al servicio del relato y no al revés, pero para los estudios de Hollywood parece que lo más fácil es esto último. Una de las mejores cintas de ciencia-ficción de la pasada década procede del cine independiente y es "Moon" (2009), la ópera prima del director Duncan Jones. El argumento es la piedra angular de esta fascinante aventura espacial protagonizada por uno de los actores fetiche de Sundance, el estupendo Sam Rockwell. Siguiendo la senda de clásicos del género como "2001, Odisea del Espacio", "Solaris" o "Alien", Duncan Jones propone una historia profundamente humana sostenida casi exclusivamente por un solo actor, algo que la emparenta de manera muy estrecha con otra mítica producción espacial de los 70, "Naves Misteriosas". El género sigue vivo.

La acción de "Moon" se desarrolla en un futuro cercano en el que la Tierra utiliza un combustible cuya materia prima se encuentra en el subsuelo lunar. La empresa encargada de su explotación ha construido una base minera en la superficie de la Luna y todo el proceso de extracción está automatizado. Por ello tan solo se necesita a un humano que realice las labores cotidianas de supervisión y se asegure de que los cargamentos son enviados correctamente. Sam Bell (Sam Rockwell) es el trabajador encargado de la base desde hace casi tres años y su contrato está a punto de finalizar, momento en el que volverá a la Tierra después de que un compañero llegue y lo releve. Durante todo este tiempo su única compañía ha sido la unidad de inteligencia artificial GERTY, el ordenador central que controla todo el complejo. Sam espera con ansia el viaje de vuelta para poder regresar junto a su familia, a la que solo puede ver de vez en cuando a través de teleconferencias. Un día, tan solo dos semanas antes de que finalice su estancia, Sam descubre un vehículo accidentado en una de sus rutinarias salidas por el exterior de la base. Y en su interior encuentra algo que puede cambiarlo todo.

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Ficha técnica y artística

Moon. Reino Unido, 2009, 97 min.

Dirección: Duncan Jones

Intérpretes: Sam Rockwell, Kaya Scodelario, Matt Berry

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Crónica de El Maquinista

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Vacaciones en Roma

Comentario de VACACIONES EN ROMA

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Pocos intérpretes han comenzado de manera tan brillante su carrera como lo hizo Audrey Hepburn con "Vacaciones en Roma" (1953). Aunque estrictamente no fuese su primera película lo cierto es que los pocos papeles que hasta la fecha había tenido no pueden calificarse ni de secundarios, sino de simples apariciones menores (es una profesión dura). Lo cierto es que son muchos los factores que convierten a esta cinta en algo mítico, por un lado la pareja protagonista formada por Hepburn y Gregory Peck y por otro varios aspectos clave de la producción de la misma. Su director, el gran William Wyler, revolucionó la forma de rodar en exteriores que hasta la fecha predominaba en Hollywood (no en Europa, donde ya se había inventado el Neorrealismo). Consiguió llevarse el rodaje a Italia y filmar en la propia ciudad y no con decorados de estudio como pretendía en un primer momento la productora. Encargó el guión a Dalton Trumbo (posterior guionista de "Espartaco" y "Papillon"), que en aquella época se encontraba en las listas negras del macarthismo por lo que tuvo que firmar el guión bajo pseudónimo. Y añadiendo a todo esto su maestría en la puesta en escena, Wyler conseguiría así una de sus obras maestras, a  poner junto a otros de sus grandes trabajos como "Los Mejores Años de Nuestra Vida" (1946), "Horizontes de Grandeza" (1958), "Ben-Hur" (1959) o "La Calumnia" (1962).

"Vacaciones en Roma" narra la iniciación vital de la joven princesa Anna (Audrey Hepburn), que se encuentra en Roma de visita oficial. Harta de la soledad y el ahogo que le provoca el cerrado mundo en el que vive, decide escaparse una noche para poder disfrutar de la calle como una persona anónima más. Tras quedarse dormida en un banco es recogida por un periodista norteamericano llamado Joe Bradley (Gregory Peck), quien tras reconocerla decide urdir en secreto un plan para hacerle de guía de la ciudad mientras un amigo fotógrafo (Eddie Albert) va retratando a escondidas a la princesa. El objetivo es vender el reportaje como una gran exclusiva a cambio de una buena recompensa económica. Anna por su parte también oculta a Bradley su identidad, pensando que él la desconoce. Sin embargo, a lo largo de la intensa jornada que van a pasar por Roma, ambos empezarán a dudar de sus intenciones iniciales a medida que cada vez se sientan más atraídos el uno por el otro.

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Ficha técnica y artística

Vacaciones en Roma (Roman Holiday). EEUU, 1953, 118 min.

Dirección: William Wyler

Intérpretes: Audrey Hepburn, Gregory Peck, Eddie Albert

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Crónica de Atticus Finch

 

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Magnolia

Comentario de MAGNOLIA

Reflexionando un poco sobre la reciente desaparición de Philip Seymour Hoffman no he podido evitar recordar las numerosas películas en las que he disfrutado de su talento y lo mucho que voy a echar de menos no verle más en pantalla. Acostumbrado a aparecer pocas veces como protagonista absoluto ("Capote" y algunas más), la mayoría de sus papeles eran bien en repartos corales o como secundario de lujo: "Happiness", "La Guerra de Charlie Wilson", "Antes que el Diablo Sepa que has Muerto", grandes títulos sin duda. Y si hay un director que haya jugado un papel fundamental en su carrera ese es Paul Thomas Anderson, uno de los autores contemporáneos más singulares por lo personal de sus apuestas. De sus seis películas como realizador Anderson colaboró con Hoffman en cinco de ellas (todas menos "Pozos de Ambición"), en las que sobresalen "Boogie Nights", "The Master" y "Magnolia". Ésta última fue la cinta con la que el director norteamericano se consagraría en la industria y supone probablemente uno de los mejores títulos de ese subgénero de historias interrelacionadas que tan de moda se puso tras el éxito de "Vidas Cruzadas" de Robert Altman.

"Magnolia" narra las historias de diez personas en la ciudad de Los Angeles cuyas vidas están relacionadas directa o indirectamente entre ellas. Earl Partridge (Jason Robards) es un antiguo productor de televisión que agoniza en su casa debido a una grave enfermedad. Después de meditarlo decide pedirle al enfermero que le cuida (Philip Seymour Hoffman) que intente encontrar a su hijo (Tom Cruise), al que lleva varios años sin ver y al que abandonó de pequeño. Su mujer (Julianne Moore) se ve sobrepasada por la situación y entra en una espiral destructiva. Mientras tanto, el veterano presentador de TV Jimmy Gator ve cómo su vida se vuelve cada vez más oscura, su hija no quiere verle y su mujer no entiende su declive. Un joven niño prodigio comienza a participar en su concurso televisivo, otro antiguo ganador del mismo rememora su época dorada y finalmente un vital oficial de policía se enamora de la hija de Jimmy. Cada una de las piezas tiene significado individual pero juntas forman un gran puzzle a lo largo de una intensa jornada en la ciudad californiana. A veces los árboles no dejan ver el bosque.

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Ficha técnica y artística

Magnolia. EEUU, 1999, 188 min.

Dirección: Paul Thomas Anderson

Intérpretes: Julianne Moore, Tom Cruise, Philip Seymour Hoffman

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Crónica de El Maquinista

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Raíces Profundas

Comentario de RAÍCES PROFUNDAS

Hay películas que son míticas, independientemente de su mayor o menor valor cinematográfico. Es algo que tiene que ver con el impacto que causaron en su momento y en la huella que han dejado en sucesivas generaciones de espectadores y amantes del cine. "Raíces Profundas" es una de ellas. Su director, George Stevens, se inició muy pronto en la industria en la época del cine mudo y durante las décadas de los 30 y 40 se hizo un hueco como director de comedias. Sin embargo, tras la II Guerra Mundial su trabajo viró hacia historias más serias y sería así como se consagraría definitivamente gracias a tres películas magníficas en los años 50: "Un Lugar en el Sol" (1951), "Raíces Profundas" (1953) y "Gigante" (1956), ésta última también cinta mítica donde las haya. La obra que hoy nos ocupa fue una de las pioneras del género western en consagrar el personaje del pistolero errante defensor de los débiles, una suerte de caballero andante medieval que ha cambiado la espada por el revólver. La influencia de esta película en el tratamiento de esta figura fundamental en el imaginario colectivo del género es tal que hasta el propio Clint Eastwood le haría un profundo homenaje inspirando su magistral "El Jinete Pálido" (1985) en el argumento de "Raíces Profundas". Una de esas películas que, como se suele decir, hay que ver.

La cinta arranca con la llegada de un solitario jinete llamado Shane (Alan Ladd) a un valle del estado de Wyoming. La guerra civil ha terminado recientemente y la conquista del Oeste ha tomado nuevo impulso. Gracias a las leyes promulgadas por el presidente Lincoln los inmigrantes pueden obtener la propiedad de parcelas de tierra asentándose en ellas y cultivándolas durante cinco años. Familias que no han poseído nada en su vida tienen ahora la oportunidad de construir un hogar. Shane cruza por azares del destino una de estas pequeñas granjas donde vive Joe Starrett (Van Heflin), su mujer (Jean Arthur) y el pequeño hijo de ambos. La granja forma parte de una pequeña comunidad de colonos que se han asentado en el valle pero que viven bajo las amenazas del ganadero Ryker (Emile Meyer), uno de los viejos pioneros que considera un ultraje que gente extraña se haya instalado en tierras que él considera suyas. Shane decide aceptar la invitación de los Starrett de quedarse a trabajar con ellos y entierra su revólver en las profundidades de su ser, buscando cambiar de vida. Sin embargo, el acoso a las familias por parte de los hombres de Ryker se irá intensificando y Shane se encontrará ante el dilema de volver a empuñar las armas para poder ayudarles.

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Ficha técnica y artística

Raíces Profundas (Shane). EEUU, 1951, 118 min.

Dirección: George Stevens

Intérpretes: Alan Ladd, Van Heflin, Jean Arthur

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Crónica de Atticus Finch

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La Guerra de Charlie Wilson

Comentario de LA GUERRA DE CHARLIE WILSON

El irregular Mike Nichols, capaz de rodar grandes películas como "¿Quién Teme a Virginia Woolf?" (1966), "El Graduado" (1967) o "Closer" (2004), se embarcó hace unos años en el proyecto de llevar a la gran pantalla la increíble historia del congresista Charlie Wilson. Este político tejano se convertiría en los años 80 en una de las piezas clave del apoyo financiero y armamentístico de los EEUU a los afganos  a partir de la invasión soviética de 1979. La cinta es uno de esos ejemplos de joya cinematográfica que pasa desapercibida para buena parte del público a pesar de contar con un equipo artístico de primera fila. Podemos así afirmar que se trata de una de las mejores comedias contemporáneas gracias fundamentalmente a tres factores: el brillante guión escrito por Aaron Sorkin (creador de "El Ala Oeste de la Casa Blanca"), el sensacional reparto encabezado por unos impagables Tom Hanks y Philip Seymour Hoffman y finalmente el propio talento de Nichols con la puesta en escena.

Nos encontramos en 1980, la Unión Soviética ha invadido Afganistán el año anterior, comienza la era Reagan y el congresista Charlie Wilson (Tom Hanks) continúa su disoluta vida en Washington entre mujeres y alcohol. Wilson comienza a interesarse por la situación afgana después de que una de sus amigas de la alta sociedad tejana (Julia Roberts) le pida que haga algo a favor de la lucha que llevan a cabo los rebeldes muyahidines contra las tropas soviéticas. Charlie forma parte del subcomité de exteriores del Congreso y tiene la posibilidad de manejar miles de millones de dólares de manera prácticamente secreta. Tras contactar con el estrafalario agente de la CIA Gust Avrakotos (Philip Seymour Hoffman) el congresista se vuelca en la tarea y comienza la que va estar destinada a ser la acción bélica encubierta más larga de la historia de los EEUU. Wilson, sin saberlo, acaba de destapar la caja de pandora.

Philip Seymour Hoffman ha dejado este mundo hoy. Se va uno de los más grandes actores de los últimos quince años. Gracias por sus películas y que la tierra le sea leve.

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Ficha técnica y artística

La Guerra de Charlie Wilson (Charlie Wilson's War). EEUU, 2007, 97 min.

Dirección: Mike Nichols

Intérpretes: Tom Hanks, Philip Seymour Hoffman, Julia Roberts

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Crónica de El Maquinista

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El Diablo sobre Ruedas

Comentario de EL DIABLO SOBRE RUEDAS

Probablemente Steven Spielberg es uno de los directores más genuinamente norteamericanos, entendiendo como tal la forma en que rueda sus películas y su propia concepción del cine comercial. Resulta así curioso recordar que Spielberg fue reivindicado antes en Europa que en su propio país a raíz de su ópera prima "El Diablo sobre Ruedas" (1971). Y es que el realizador de Ohio rodó en quince días esta cinta para emitirse directamente en televisión por la ABC. No fue hasta que cruzó el charco y se exhibió en festivales cuando los críticos europeos dijeron que eso no era una película televisiva, sino el gran debut cinematográfico de un joven de veintiséis años. Los premios llegaron y aquél muchacho que se dedicaba a rodar capítulos de "Colombo" recibió el reconocimiento que se merecía. Todo eso conllevó que la película terminara por estrenarse en las salas comerciales con un nuevo montaje de 90 minutos. El largometraje, con guión de Richard Matheson (autor de "Soy Leyenda"), revela las bases sobre que las que Spielberg construiría buena parte de su carrera en el futuro: su dirección concisa, la habilidad para contar historias y una fascinación total por el poder evocador del cine.

"El Diablo sobre Ruedas" narra la pesadilla en la que se ve envuelto David Mann (Dennis Weaver), un representante de una empresa electrónica de Los Angeles que vuelve a casa después de un viaje comercial. Mientras conduce su coche por las desoladas carreteras del desierto californiano, David se encuentra con un camión que circula a baja velocidad, por lo que lo adelanta. Pero tras el adelantamiento el inmenso vehículo acelera abruptamente, rebasa a David y vuelve a aminorar. Éste lo adelanta de nuevo y a partir de ahí empieza un acoso irracional por parte del camión. Un desquiciado e involuntario duelo ha comenzado para David, quien no puede dar crédito a los acontecimientos que se van sucediendo. Su vida dependerá de la habilidad al volante y la fortaleza de su mente.
 

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Ficha técnica y artística

El Diablo sobre Ruedas (Duel). EEUU, 1971, 90 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Dennis Weaver, Tim Herbert, Lou Frizzeli

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Crónica de El Maquinista

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Solo Dios Perdona

Comentario de SOLO DIOS PERDONA

Algunos directores poseen un estilo cinematográfico tan particular que sus películas constituyen una experiencia audiovisual diferente de la mayor parte de largometrajes que se estrenan habitualmente. Realizadores como David Lynch, Wong Kar-Wai o Terrence Malick han cimentado buena parte de su carrera mediante unos estilos personales que hacen perfectamente identificables sus obras. Esta opción suele estar vinculada a estructuras narrativas poco ortodoxas, lo que puede provocar que si no se tiene cuidado se caiga con facilidad en primar el continente sobre el contenido, es decir, perderse en funambulismos estéticos en detrimento del argumento, que a fin de cuentas es la razón de ser de las películas. Una de las últimas incorporaciones a este grupo es el realizador danés Nicolas Winding Refn, que deslumbró hace dos años con la portentosa "Drive", cinta con la que ganaría la Palma de Oro en Cannes a la mejor dirección. Refn ha estrenado recientemente "Solo Dios Perdona", la cual supone una continuación de su estilo cinematográfico basado en poco diálogo, cuidada estética y narración implícita, diciendo más cosas con imágenes que con palabras. El resultado es una obra hipnótica con un Bangkok onírico como telón de fondo, auténtico cine de acción con sello de autor. Para el espectador desprevenido puede suponer un verdadero descoloque, pero en ella se encuentra una experiencia cinematográfica inolvidable.

"Solo Dios Perdona" relata la espiral de violencia que se desencadena en la capital tailandesa alrededor de Julian (Ryan Gosling), un norteamericano que regenta un club de artes marciales que sirve como tapadera a los negocios de drogas de su familia. Una noche su hermano Billy asesina brutalmente a una prostituta menor de edad y en represalia es a su vez liquidado por el teniente de policía Chang (Vithaya Pansringarm), un veterano oficial que cuenta con un respeto casi reverencial entre sus compañeros. Tras conocer la noticia de la muerte de su primogénito, la madre de Julian (Kristin Scott Thomas) llega a Bangkok procedente de los Estados Unidos y ordena a éste que localice a los responsables y los elimine. Julian, que mantiene una relación muy conflictiva con ella, comienza a indagar poniendo en marcha finalmente una batalla entre sus hombres y el implacable policía.
 

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Ficha técnica y artística

Solo Dios Perdona (Only God Forgives). Francia, 2013, 89 min.

Dirección: Nicolas Winding Refn

Intérpretes: Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm
 

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Crónica de El Maquinista

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El Apartamento

Comentario de EL APARTAMENTO

El gran Billy Wilder llegó a los Estados Unidos huyendo del ascenso de los nazis al poder y formaría parte de ese nutrido grupo de profesionales de Europa central que contribuyeron de manera decisiva a forjar el Hollywood moderno. Curtido como guionista al inicio de su carrera pronto daría el salto a la dirección iniciando una espléndida trayectoria dramática con obras como "Perdición" (1944), "El Crepúsculo de los Dioses" (1950) o "Testigo de Cargo" (1957). Pero a mediados de los años 50 Wilder empezó también a explorar el género de la tragicomedia y con el cambio de década lo convertiría en el buque insignia de su filmografía: "Con Faldas y a lo Loco" (1959), "El Apartamento" (1960), "Primera Plana" (1974) y tantas otras. Por el camino haría de Jack Lemmon uno de sus actores fetiche y éste le daría a cambio las maravillosas interpretaciones de su personaje característico, el de sufrido hombre común norteamericano. Probablemente una de las cúspides de esa relación artística sea "El Apartamento", que bajo una estructura formalmente orientada a la comedia esconde importantes apuntes mucho más serios y en ocasiones sombríos.

Calvin Baxter (Jack Lemmon) trabaja como oficinista en una importante firma de seguros y es básicamente lo que hoy en día se conoce como un trepa. Tales son sus aspiraciones de ascender en la empresa que decide dejar las llaves de su apartamento a varios de sus jefes para que éstos lleven allí a sus amantes mientras él está fuera, esperando así obtener alguna recompensa. Su táctica termina por dar sus frutos y gracias a los entusiastas informes de sus supervisores Calvin es promocionado por el director de la compañía (Fred MacMurray). Sin embargo éste está al corriente del asunto de su apartamento y le comunica que le mantendrá en su nuevo puesto si le cede la vivienda en exclusiva para sus propias aventuras extramatrimoniales. Calvin acepta y decide invitar a salir a Fran (Shirley MacLaine), la guapa ascensorista de la empresa por la que lleva tiempo suspirando. Pero lo que él ignora es que Fran se ha convertido en la última en formar parte de la lista de amantes del director.

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Ficha técnica y artística

El Apartamento (The Apartment). EEUU, 1960, 125 min.

Dirección: Billy Wilder

Intérpretes: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray

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Crónica de Atticus Finch

 

 

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El Viaje de Chihiro

Comentario de EL VIAJE DE CHIHIRO

Hace unos meses el gran maestro de la animación japonesa Hayao Miyazaki anunciaba su retirada definitiva de la dirección. Con ello se perdía a una de las figuras más destacadas de la animación contemporánea y pieza clave en el reconocimiento internacional del anime japonés. Desde los años ochenta en que empezó su carrera de largometrajes con el nacimiento de los estudios Ghibli, Miyazaki ha desarrollado una obra que en su conjunto ha mantenido unas temáticas recurrentes muy bien definidas, centradas en el mundo de la infancia y los valores humanistas. Si bien sus trabajos en la década de los 80 tuvieron en su momento un impacto limitado fuera de Japón ("Nausicäa del Valle del Viento", "Mi Vecino Totoro") fue a finales de los años 90 cuando se produce el punto de inflexión definitivo con la magistral "La Princesa Mononoke" (1997). La cinta, auténtico prodigio de animación y aventura, trascendió las fronteras del género gracias a su poderío visual y a una profundidad argumental muy poco común dentro de su especie. En una época en que la animación occidental viraba ya irremediablemente hacia el soporte digital en 3D, Miyazaki seguiría apostando por llevar el anime tradicional a fronteras insospechadas. Y sería con su siguiente película, "El Viaje de Chihiro" (2001), cuando rompería todas las barreras alzándose con el Oso de Oro en Berlín y el Oscar en los Estados Unidos. A partir de ahí Miyazaki seguiría con su buen ritmo de producción ("El Castillo Ambulante", "Ponyo en el Acantilado") hasta colgar definitivamente los lápices este año. Aunque su hijo siga con las riendas de los estudios Ghibli es seguro que le echaremos siempre de menos.

"El Viaje de Chihiro" sigue la aventura que emprende la pequeña Chihiro, una niña de diez años, en su búsqueda por encontrar un remedio que rompa la maldición caída sobre sus padres. Éstos, tras llegar a un poblado oculto en los bosques, han sido convertidos en cerdos mientras una multitud de espíritus comienzan a surgir al anochecer, convirtiendo el lugar en una dimensión fuera del mundo de los humanos. Ayudada por el joven Haku, Chihiro encuentra trabajo en una casa de baños bajo las órdenes de una inflexible bruja, donde conocerá a diversas criaturas que intentarán ayudarla a volver al mundo real y liberar a sus padres.

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Ficha técnica y artística

El Viaje de Chihiro (Spirited Away). Japón, 2001, 124 min.

Dirección: Hayao Miyazaki

Intérpretes: animación

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Crónica de El Maquinista

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Pacific Rim

Comentario de PACIFIC RIM

Parece una especie en peligro de extinción, pero afortunadamente las buenas películas comerciales siguen existiendo. Nos referimos a esas cintas de género concebidas para el gran público que abarcan desde la ciencia-ficción a las aventuras, pasando por el thriller o el cine épico. Y uno de los mejores ejemplos es la reciente "Pacific Rim", la magistral película de aventuras dirigida por Guillermo del Toro. El realizador mejicano ha conseguido elaborar una historia tremendamente novedosa dentro de la cinematografía occidental y darle su sello de autor, lo cual se aprecia gracias a la perfecta puesta en escena y dirección de todo el largometraje. En realidad la cinta no es sino el homenaje que Del Toro brinda al famoso género japonés de las criaturas gigantes, en sus vertientes de kaijus (monstruos) y mechas (robots). Y es que este género nacido en los años 50 con Godzilla ha tenido enormes ramificaciones en toda clase de mangas, animes y series de acción real para la televisión: "Mazinger Z", "Evangelion", "Ultra Man", "Transformers", etc. Tomando este material de partida el director de "El Laberinto del Fauno" ha conseguido uno de sus mejores trabajos y toda una reivindicación del cine de entretenimiento bien hecho, alejado de la mayoría de superproducciones anodinas saturadas de efectos especiales mal utilizados y vacías de calidad cinematográfica.

"Pacific Rim" se sitúa en un futuro cercano en el que la Humanidad libra una guerra sin cuartel contra unas criaturas extraterrestres de tamaño colosal, los kaijus, surgidos de un portal interdimensional en las profundidades del océano Pacífico. Para hacer frente a las bestias los gobiernos del planeta han unido sus fuerzas para desarrollar un programa de defensa basado en la construcción de jaegers, robots gigantes controlados mentalmente por pilotos humanos. Tras varios años de batallas las altas esferas políticas deciden cancelar el proyecto ante la cada vez mayor superioridad de los kaijus, pero el comandante Stacker Pentecost (Idris Elba), máximo responsable del programa Jaeger, decide planear una estrategia al margen de las autoridades para destruir el portal interdimensional con una bomba termonuclear. Para ello necesita los cuatro jaegers que quedan para la batalla y al piloto retirado Raleigh Becket (Charlie Hunnam), que abandonó el programa años atrás tras perder a su hermano en combate. Pentecost le convence para que lleve a cabo su plan y vuelva a pilotar su antiguo jaeger junto con la novata Mako Mori (Rinko Kikuchi), una oficial japonesa del círculo de confianza del comandante. Los kaijus cada vez llegan en mayor número y tamaño, el caos y la destrucción se adueñan del mundo, pero los jaegers están listos para la confrontación final.

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Ficha técnica y artística

Pacific Rim. EEUU, 2013, 132 min.

Dirección: Guillermo del Toro

Intérpretes: Charlie Hunnam, Rinko Kikuchi, Idris Elba

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Crónica de El Maquinista

 

 

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El Gran Dictador

Comentario de EL GRAN DICTADOR

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Hablar sobre uno de los más grandes genios del cine en un solo párrafo es algo bastante difícil. Todo el mundo con un mínimo de cultura cinematográfica sabe el papel que Charles Chaplin ha jugado en la historia del séptimo arte. Pero es también digno de elogio su valentía y compromiso a la hora de encarar sus proyectos. En 1940, cuando Chaplin estrena "El Gran Dictador", su figura es ya legendaria gracias a sus cortometrajes de Charlot de principios de siglo y a obras maestras de la talla de "La Quimera del Oro" (1925) o "Tiempos Modernos" (1936). Más aún, es una de las pocas estrellas del cine mudo que ha sobrevivido a la llegada del cine sonoro, en la que ha sido sin duda la mayor revolución vivida dentro de la industria hasta nuestros días. Pero en 1940 se atreve además a llevar a cabo (dirige, escribe, actúa y produce) una sátira brutal de Adolf Hitler, el dictador que el año anterior ha desencadenado la II Guerra Mundial. Por esas fechas los vientos soplaban a favor de la Alemania Nazi, quien controlaba toda Europa salvo Gran Bretaña, que resistía atrincherada en su isla. La Unión Soviética de Stalin acababa de firmar su tratado de amistad con los nazis para repartirse Polonia y los EEUU se mantenían estrictamente neutrales. Para colmo, buena parte del poder económico ve con buenos ojos a Hitler mientras que a Chaplin lo consideran un izquierdista peligroso (¡!). Pero hay seres hechos de una pasta especial y Charles Chaplin es uno de ellos, en lugar de mirar hacia otro lado vuelve a utilizar el cine como algo más que un mero entretenimiento, lo dota de profundidad moral y visión humanista, logrando así otra obra mayor de su carrera.

"El Gran Dictador" relata el ascenso al poder del despiadado dictador Adenoid Hynkel (Charles Chaplin), un hombrecillo acomplejado decidido a hacer de su país el amo del mundo. Sus leyes antisemitas extienden un manto de represión sobre la población judía, tocando de lleno a un barbero de gran parecido físico con Hynkel (de nuevo Chaplin). Con la ayuda de una vecina (Paulette Goddard) el Barbero consigue huir de las fuerzas de seguridad y juntos emprenden un duro camino por sobrevivir en el creciente régimen de terror implantado por Hynkel y su partido de las dos cruces. Éste a su vez maniobra para seguir acumulando mayor poder y planea en secreto una alianza para desencadenar la guerra que le permita anexionarse los países vecinos. El destino hará que ambos hombres terminen por cruzar sus caminos.

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Ficha técnica y artística

El Gran Dictador (The Great Dictator). EEUU, 1940, 124 min.

Dirección: Charles Chaplin

Intérpretes: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie

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Crónica de Atticus Finch

 

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El Reino de los Cielos

Comentario de EL REINO DE LOS CIELOS

Podemos afirmar sin riesgo a equivocarnos que Ridley Scott es uno de los grandes directores contemporáneos con una de las carreras más irregulares que se pueda imaginar. Aunque a algunos pueda parecerles excesivo incluir a Scott en ese selecto club de realizadores conviene recordar que el director británico tiene asegurado desde hace tiempo un hueco en la historia del cine gracias a la obra maestra "Blade Runner" (1982) y que es de sobra probada su maestría en la realización cinematográfica. Bien es cierto que la vertiente de director-autor solo se puede rastrear en su portentoso inicio de carrera con "Los Duelistas" (1977), "Alien" (1979) y la ya mencionada obra cumbre de la ciencia-ficción. Desde entonces Ridley Scott ha conseguido también alcanzar el nivel de gran director de cine comercial en la senda de Steven Spielberg, pero con muchos más altibajos. Es un hecho que durante las décadas de los 80 y 90  no tuvo buen olfato para elegir buenos guiones y excepto "Thelma & Louise" (1991) el resto de su abundante filmografía caerá probablemente en el olvido. Tan solo fue a partir del cambio de siglo que gracias al monumental éxito de "Gladiator" (2000) Scott vería reforzada su posición en la industria resucitando de paso el género épico en Hollywood. A pesar de ello la irregularidad ha continuado siendo su característica principal, pudiendo salvarse de la quema trabajos como "American Gangster" (2007) y "El Reino de los Cielos" (2005), con la que Scott estuvo a las puertas de lograr un largometraje monumental pero que terminó naufragando de nuevo por su guión. Aún así se trata de una película que por su calidad y profundidad moral destaca muy por encima de cualquier producto medio de características semejantes. Y eso tiene mucho mérito.

"El Reino de los Cielos" narra los entresijos de la guerra entre cristianos y musulmanes por hacerse con el control de Jerusalén y el Oriente Próximo durante la Tercera Cruzada. Ambientada a finales del siglo XII, la cinta narra el camino vital que emprende un joven herrero francés llamado Balian (Orlando Bloom). Tras recibir la visita de un grupo de cruzados que vuelven de Tierra Santa, Balian descubre que es hijo ilegítimo de Godofredo de Ibelin (Liam Neeson), un noble cruzado que ha vuelto para revelarle su identidad y pedirle que se una a él en la defensa de Jerusalén como su heredero. Balian se une al grupo huyendo de la reciente muerte de su esposa e hijo y recibe el título de caballero por parte de su padre. Una vez en Jerusalén se encontrará con que el reino cristiano se tambalea por las luchas de poder entre los nobles que pretender suceder al moribundo rey Balduino, gravemente enfermo. Para empeorar la situación las órdenes militares cristianas se encuentran enfrentadas, ya que los Hospitalarios, al mando de Raimundo III (Jeremy Irons) son partidarios de una política de contención frente a la creciente amenaza musulmana, mientras que los Templarios se inclinan abiertamente por una guerra total contra el máximo líder árabe, el gran Saladino. Balian decide permanecer neutral y seguir el juramento de lealtad hacia su padre, pero en su camino también se cruzará la hermana del rey, la princesa Sibila (Eva Green), quien es la más probable sucesora al trono y cuya mano es codiciada por todo el mundo. Cuando Saladino desencadene su ofensiva contra Jerusalén Balian se verá envuelto directamente en la guerra y no tendrá más remedio que involucrarse para intentar salvar la ciudad.

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Ficha técnica y artística

El Reino de los Cielos (Kingdom of Heaven). Reino Unido, 2005, 144 min.

Dirección: Ridley Scott

Intérpretes: Orlando Bloom, Eva Green, Liam Neeson, Jeremy Irons

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Crónica de El Maquinista

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