2046

Comentario de 2046

Debido a las visicitudes históricas y políticas que ha vivido China en el último siglo su cine se ha visto forzosamente dividido en tres corrientes principales. La primera corresponde a la China continental, donde el partido comunista lleva gobernando desde hace seis décadas y cuya cinematografía emepezó a asomar la cabeza internacionalmente a finales de los años ochenta de la mano de realizadores como Zhang Yimou. La segunda se circunscribe a la isla de Taiwan, otrora último bastión de las fuerzas del Kuomintang tras la guerra civil que libraron contra los comunistas de Mao Zedong. Este territorio independiente de facto ha sido mucho más permeable a influencias occidentales y gracias a ello se han podido abordar temáticas censuradas en el continente, siendo Ang Lee una de sus más importantes figuras. Por último se encuentra el enclave de Hong Kong, cuyo periodo de colonia británica y su posterior estatus de zona especial dentro de la República Popular de China la han convertido en una inclasificable mezcla entre Oriente y Occidente. Su potente industria audivisual se ha especializado desde hace mucho en productos de acción y artes marciales que exportaba a toda Asia, aunque el éxito en todo el globo llegaría en los 70 con las cintas protagonizadas por Bruce Lee y posteriores derivados. Sin embargo durante la década de los 90 comenzaría a surgir una nueva ola de directores más serios que han ido cambiando poco a poco la imagen del cine hongkonés, como es el caso de Won Kar Wai.

Y es que en "2046" el realizador chino emprende una onírica continuación de su reconocida predecesora "In The Mood for Love", siguiendo las peripecias vitales del periodista y escritor protagonista (Tony Leung) en el Hong Kong de los años 60. La melancolía que le ha dejado su relación con Su Lizhen (Maggie Cheung) en la ya mencionada película da paso a otras amistades y reflexiones. Paralelamente la cámara se interna por los relatos futuristas salidos de su imaginación que no son sino sus propios sentimientos proyectados a un tiempo lejano, allá en 2046.

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Ficha técnica y artística

2046. China-Hong Kong, 2004, 120 min.

Dirección: Won Kar Wai

Intérpretes: Tony Leung, Zhang Ziyi, Gong Li

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Crónica de Atticus Finch

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Desaparecido

Comentario de DESAPARECIDO

Hace un tiempo este cronista realizó una entrada comentando "La Batalla de Argel" de Gillo Pontecorvo, lo que dio pie a hablar un poco sobre el llamado cine político tan en boga durante los años 60 y 70. En Europa el mayor exponente de este género es probablemente el realizador griego Costa-Gavras, quien lleva abordando temas comprometidos desde hace más de cuarenta años. Este tipo de cine es sin embargo muy susceptible de envejecer mal y resultar completamente anacrónico, cayendo muchas veces en tópicos, perspectivas sesgadas y falta de rigor histórico. Afortunadamente la filmografía de Costa-Gavras cuenta con un buen puñado de obras que resisten bien el paso del tiempo gracias al tratamiento de historias con multitud de ángulos y aristas. Su cámara acompaña a personajes frente a situaciones límite: la investigación judicial del asesinato de un opositor político en "Z" (1969), las purgas comunistas de "La Confesión" (1970) o los intereses ocultos tras los golpes de estado sudamericanos en "Estado de Sitio" (1973). Además Gavras sabe también aproximarse a los dramas familiares que pueden desencadenarse en estas situaciones como en "Desaparecido" (1982) o "La Caja de Música" (1989).

"Desaparecido" se sitúa en Santiago de Chile en 1973 al poco tiempo del golpe de estado perpetrado por un grupo de mandos militares encabezados por Augusto Pinochet. Hasta allí llega Ed Horman (Jack Lemmon) tras habérsele comunicado que su hijo Charles ha desaparecido sin dejar rastro. Pronto se reúne con su nuera Beth (Sissy Spacek) quien ya lleva buscando a Charlie desde hace días. Ambos llevaban un tiempo viviendo juntos en Santiago cuando les sorpendió el golpe militar. Ed tiene miedo de que las ideas izquierdistas de su hijo le puedan haber llevado a ser secuestrado por algún tipo de escuadrón parapolicial, pero mantiene la total convicción de encontrarlo sano y salvo gracias a su condición de ciudadano estadounidense. Tras pedir colaboración en la embajada de los EEUU iniciará junto a Beth un kafkiano peregrinaje por comisarías, cuarteles y centros de detención en busca del paradero de Charlie. Poco a poco va saliendo de su inicial distanciamiento ante lo que está ocurriendo en el país al encontrarse con una maquinaria perfectamente organizada para hacer desaparecer a todas las personas consideradas potencialmente subversivas por el nuevo régimen militar. Mientras el abatimiento y la incredulidad se apoderan de él, en su interior comienza a cobrar fuerza la idea de que quizás no pueda encontrar a su hijo, independientemente de que esté vivo o muerto.

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Ficha técnica y artística

Desaparecido (Missing). EEUU, 1982, 122 min.

Dirección: Costa-Gavras

Intérpretes: Jack Lemmon, Sissy Spacek, Melanie Mayron

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Crónica de Atticus Finch

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Mulholland Drive

Comentario de MULHOLLAND DRIVE

A mediados de los años 80 David Lynch consolidó las bases de su estilo tan peculiar con "Terciopelo Azul" (1986), después de haber pasado por diversos tratamientos visuales en sus tres cintas anteriores, "Cabeza Borradora", "El Hombre Elefante" y "Dune". Desde entonces sus trabajos han contado casi siempre con los elementos recurrentes de su universo: secuencias oníricas, tramas complejas, personajes bizarros y multitud de habitaciones con cortinas rojas. La única excepción la constituye la excelente "Una Historia Verdadera" (1999), alejada completamente del resto de su filmografía. Tras recibir gran éxito con esta película Lynch comenzó a trabajar en un proyecto con el que retornaría al mundo televisivo que ya le diera fama con "Twin Peaks", para lo cual inició la escritura de una ambiciosa serie de calidad cinematográfica llamada "Mulholland Drive". Finalmente la idea de la serie se paró y el proyecto acabó siendo un largometraje hipnótico que funciona a modo de rompecabezas, en el que su director camina por el estrecho borde que separa la coherencia narrativa y el delirio puramente lynchiano. Como regalo la cinta supondría el descubrimiento de la gran actriz australiana Naomi Watts.

La película cuenta (más o menos) la historia de Betty Elms (Naomi Watts), una actriz que se traslada a Los Angeles para intentar probar suerte en la industria del cine. Un día se encuentra en su casa a una mujer amnésica (Laura Harring) que no recuerda quién es ni como ha llegado allí. Juntas inician la búsqueda de su identidad a través de la gran ciudad mientras van apareciendo más preguntas que respuestas. Paralelamente un joven director de Hollywood (Justin Theroux) está siendo chantajeado por oscuros personajes para elegir a una determinada actriz como protagonista de su próximo trabajo mientras es acosado diariamente por desconocidos. La calle Mulholland Drive juega un papel decisivo en sus historias respectivas.

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Ficha técnica y artística

Mulholland Drive. EEUU-Francia, 2001, 147 min.

Dirección: David Lynch

Intérpretes: Naomi Watts, Laura Harring, Justin Theroux

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Crónica de El Maquinista

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De Repente, el Último Verano

Comentario de DE REPENTE, EL ÚLTIMO VERANO


De entre el gran número de géneros y subgéneros cinematográficos existen algunos muy vinculados a un determinado país o que directamente son patrimonio exclusivo de un solo territorio; este es el caso del llamado drama sureño. Las películas englobadas bajo esta etiqueta son cintas dramáticas cuyas tramas se ubican en el Sur histórico de los Estados Unidos tanto en el siglo XIX como en el XX. Suelen recurrir a elementos muy vinculados al imaginario de la región, como la cultura agraria, la Guerra de Secesión, su profundo espíritu conservador o el fantasma de la esclavitud, entre otros. Estos ingredientes resultan idóneos para crear atmósferas opresivas y decadentes, muy utilizadas por ejemplo en largometrajes basados en obras teatrales de Tennessee Williams: "Un Tranvía llamado Deseo", "La Gata sobre el Tejado de Zinc", "De Repente el Último Verano" o "La Noche de la Iguana". El abanico de estilos es amplio pero siempre impregnado de ese inconfundible toque propio de lugares como Lousiana, Alabama o Georgia, también presente en otras grandes películas: "Lo Que el Viento se Llevó", "La Jauría Humana", "En el Calor de la Noche" y un largo etcétera de buenos títulos.

"De Repente, el Último Verano" se sitúa en 1937 en Nueva Orleans, donde el doctor Cukrowicz (Montgomery Clift) ejerce como neurocirujano en un centro hospitalario. Un día es contactado por una acaudalada dama de la ciudad (Katharine Hepburn) que pasa por una complicada etapa tras la muerte de su hijo adulto, Sebastian, durante unas vacaciones en Europa el verano pasado. Ésta le ofrece una importante donación de dinero para mejorar las instalaciones del hospital a cambio de que realice una lobotomía a su sobrina Catherine (Elizabeth Taylor), quien acompañó a Sebastian en esas fatídicas últimas vacaciones. Tras su muerte Catherine ha estado profundamente perturbada y recluída en un sanatorio mental, presa de recuerdos insoportables que no consigue relatar. Cukrowicz decide ir a visitarla para hacer su propio diagnóstico psiquiátrico antes de realizar la peligrosa operación, lo que le lleva a encontrarse un caso más enrevesado de lo que parecía. La muerte de Sebastian y los acontecimientos que le precedieron no están claros y las versiones de Catherine y su tía son diferentes, por lo que finalmente Cukrovicz decide ayudar a la joven a superar su trauma para sanarla y que toda la verdad salga a flote.

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Ficha técnica y artística

De Repente, el Último Verano (Suddenly, the Last Summer). EEUU, 1959, 114 min.

Dirección: Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Katharine Hepburn

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Crónica de Atticus Finch

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Enemigo a las Puertas

Comentario de ENEMIGO A LAS PUERTAS

Las películas sobre la II Guerra Mundial ocupan desde hace muchos años un puesto de gran importancia dentro del género de cine bélico y se han centrado casi siempre, por razones obvias, en avatares ocurridos a las tropas de los países aliados. De las tres grandes potencias que componían este bando, Estados Unidos, Reino Unido y Unión Soviética, es sin duda ésta última la que ha contado de lejos con la menor atención en las pantallas. Algo lógico ya que hubiese resultado extraño que el cine occidental se ocupara de las hazañas bélicas del que sería su enemigo más acérrimo durante las cuatro décadas posteriores a la guerra. Una de las pocas excepciones es "Enemigo a las Puertas", superproducción europea que se adentra en la decisiva batalla de Stalingrado donde el general invierno y la extraordinaria perseverancia del Ejército Rojo consiguieron frenar a las tropas alemanas en su intento de invadir Rusia. A cargo de la realización se encuentra el director francés Jean-Jacques Annaud, conocido principalmente por otros títulos como "El Nombre de la Rosa" (1986) y "El Oso" (1988).

La película se sitúa en la crucial batalla de Stalingrado que se desarrolló a lo largo de varios meses de 1942 en esta ciudad del sur de Rusia a orillas del Volga. Hasta esos momentos la guerra aún permanecía inclinada del bando alemán, ya que el Reich controlaba toda Europa, Gran Bretaña estaba acorralada y los EEUU aún acababan de unirse a la contienda. Hitler decidiría en la primavera del 42 romper su pacto de no agresión con Stalin para intentar la hazaña de conquistar la gigantesca URSS, movimiento que pilló por sorpresa a Moscú y que conllevaría el avance imparable de las tropas nazis a lo largo de un frente de miles de kilómetros hasta llegar a las mismas afueras de la capital rusa. Sin embargo la batalla de Stalingrado permanece muy igualada, ambos bandos se sumergen en una guerra urbana mientras los alemanes cada vez reciben menos suministros del oeste y el ejército soviético no para de enviar sin descanso a miles de soldados al frente. Entre ellos se encuentra el joven campesino de los Urales Vasili Zaitsev (Jude Law), cuya gran destreza como tirador de élite le convierte poco a poco en una leyenda entre los suyos. Con la ciudad en ruinas éste se especializa en cazar soldados alemanes agazapado en los más diversos lugares gracias a su extraordinaria puntería. Su talento pronto intenta ser utilizado como propaganda por un comisario político (Joseph Fiennes) a la vez que Vasili conoce a una voluntaria del ejército por la que se siente fuertemente atraído (Rachel Weisz). Los nazis por su parte deciden traer desde Alemania a un reputado oficial y experto francotirador (Ed Harris) para que acabe de una vez por todas con él y la moral vuelva así a sus mermadas tropas. De esta manera ambos hombres comienzan a librar una lucha sin cuartel entre los escombros mientras la batalla sigue su imparable curso.

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Ficha técnica y artística

Enemigo a las Puertas (Enemy at the Gates). Francia-Reino Unido, 2001, 126 min.

Dirección: Jean-Jacques Annaud

Intérpretes: Jude Law, Joseph Fiennes, Rachel Weiz, Ed Harris

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Crónica de El Maquinista

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El Resplandor

Comentario de EL RESPLANDOR

Pocos directores de prestigio pueden presumir de tener una filmografía tan rica como la de Stanley Kubrick, quien durante casi medio siglo de carrera tocó una gran variedad de géneros distintos. Drama ("Lolita"), bélico ("Senderos de Gloria", "La Chaqueta Metálica"), épico ("Espartaco"), ciencia-ficción ("2001, Odisea del Espacio"), comedia negra ("Teléfono Rojo"), terror ("El Resplandor"), futuro distópico ("La Naranja Mecánica") o incluso cine histórico ("Barry Lyndon"). A pesar de abordar temáticas tan diferentes el realizador británico saldría airoso de todos estos proyectos independientemente de que el resultado final fuese mejor o peor en cada caso. Sus películas no son planas o anodinas, tienen personalidad y en general le gustan mucho a este cronista, salvo las más discretas "Barry Lyndon" y "Teléfono Rojo". Es probablemente a finales de los años 60 y principios de los 70 cuando Kubrick alcanza plenamente su estatus de director consagrado, tras haber sido capaz de poner en pie con éxito dos proyectos tan arriegados como "2001, Odisea del Espacio" (1968) y "La Naranja Mecánica" (1971). A partir de entonces sus trabajos van a ir espaciándose más en el tiempo y así es como en 1980 decide adaptar a la gran pantalla la novela de terror "El Resplandor", del escritor canadiense Stephen King. El rodaje, como era habitual con él, resultaría una experiencia agotadora para el equipo tras soportar el perfeccionismo extremo y las continuas exigencias del realizador. Kubrick podía ser un genio de cine, pero para los actores trabajar con él solía ser peor que un dolor de muelas.

La película narra la llegada del escritor Jack Torrance (Jack Nicholson) a un apartado hotel de las Montañas Rocosas que se prepara para cerrar la temporada de visitantes por el comienzo del invierno. Torrance ha sido contratado para vigilar el complejo mientras dura el cierre invernal, tiempo durante el cual estará completamente aislado por la nieve. Su idea es aprovechar la situación para concentrarse en escribir su próxima novela lejos de cualquier distracción, aunque finalmente se ha llevado con él a su mujer y a su pequeño hijo de siete años. Una vez se quedan solos en el hotel los días van pasando uno tras otro mientras se va creando una atmósfera irreal en torno a ellos y que poco a poco va inundándolo todo. Puede que sea fruto del aislamiento total al que están sometidos o debido a alguna influencia extraña que emana del lugar. El caso es que comienzan a suceder fenómenos sin explicación y Jack es arrastrado por ellos a una espiral de locura que lo trastorna por completo, a la vez que su hijo experimenta unas habilidades sobrenaturales pero innatas en él, conocidas como el resplandor.

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Ficha técnica y artística

El Resplandor (The Shining). EEUU, 1980, 146 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd

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Crónica de Atticus Finch

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El Ocaso del Samurái

Comentario de EL OCASO DEL SAMURÁI

El género de cine histórico centrado en el mundo de los samuráis ha tenido un largo recorrido en la cinematografía japonesa desde la implantación del cine en ese país, debido sin duda a la gran influencia que ha ejercido durante siglos en todos los ámbitos de su cultura. No obstante el género samurái alcanzaría pleno reconocimiento artístico y difusión internacional en los años 50, cuando importantes directores abordaron la temática con un tratamiento más sólido en las historias. A la cabeza se encuentra Akira Kurosawa, quien durante varias décadas filmó un buen número de cintas famosas casi siempre acompañado por el actor Toshiro Mifune: "Rashomon", "Los Siete Samuráis", "Yojimbo" o "Ran" son buenos ejemplos que tratan diferentes perspectivas de este universo. El cine samurái puede ubicarse a lo largo de varios siglos, desde los albores del medievo hasta finales del siglo XIX, cuando la Restauración Meiji emprendida por el emperador barrería la era de los shogun y con ellos al sistema feudal, samuráis incluidos. Sus historias pueden hablar de temas tan interesantes como el camino del guerrero (el bushido), la reprimida sociedad japonesa, los samuráis errantes sin señor al que servir (los míticos ronin) o la traumática desaparición de su mundo, cuando les arrebataron las katanas definitivamente. Aunque su casta fuera abolida formalmenete, su filosofía de vida ha seguido impregnando a todas la generaciones japonesas, incluyendo a otros cineastas aparte de Kurosawa como Masaki Kobayashi ("Harakiri", "Samurai Rebellion") o incluso al contemporáneo Takeshi Kitano ("Zatoichi"). Uno de los más bellos acercamientos al género ha sido llevado a cabo recientemente por el director Yoji Yamada, quien lanza una mirada desmitificadora y profundamente humana en su trilogía dedicada al tema: "El Ocaso del Samurai" (2002), "La Espada Oculta" (2004) y "Love & Honor" (2006). En ellas sus personajes huyen de los tópicos y se muestran como samuráis cercanos, ajenos al mito de la espada y el sacrificio inútil, tan solo deseosos de vivir el día a día lo mejor posible.

La acción de "El Ocaso del Samurái" transcurre a mediados del siglo XIX poco antes de la Restauración Meiji, en una era en la que la mayoría de los samuráis hace ya tiempo que han abandonado la guerra para dedicarse a tareas administrativas, aunque sigan portando sus katanas como seña de identidad. Su protagonista es Seibei Iguchi, un samurái viudo de bajo rango que trabaja como funcionario en el almacén de provisiones de uno de los castillos de su señor. El salario que recibe le llega a duras penas para mantener a sus hijas pequeñas y a su anciana madre, ya medio senil, por lo que tiene que dedicarse también a otros trabajos complementarios. De naturaleza sencilla y tranquila, la máxima aspiración de Seibei es vivir en paz y ver crecer a sus hijas sanas e independientes. Sin embargo la llegada al pueblo de una antigua amiga de la infancia y una peligrosa misión encargada por el clan al que pertenece van a trastocar por completo su rutina diaria.

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Ficha técnica y artística

El Ocaso del Samurai (The Twilight Samurai). Japón, 2002, 129 min.

Dirección: Yoji Yamada

Intérpretes: Hiroyuki Sanada, Rie Miyazawa, Nenji Kobayashi

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Crónica de El Maquinista

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Río Salvaje

Comentario de RÍO SALVAJE

El director norteamericano Elia Kazan comenzó la década de los 60 de forma sobresaliente con la película "Río Salvaje", un drama que se adentraba en las profundidades del Sur estadounidense para retratar las relaciones personales y el arraigo a la tierra. Para ello contaría con dos grandes intérpretes protagonistas, Montgomery Clift y Lee Remick, actores que no son tan recordados por el gran público como otras grandes estrellas de primera fila pero que cuentan con un buen puñado de importantes largometrajes en los que siempre llevaron a cabo trabajos excelentes. Clift es probablemente uno de los actores más atormentados que hayan pasado nunca por la gran pantalla y una persona que poco a poco fue sumergiéndose en una espiral autodestructiva que finalmente acabaría con su vida. Para la posteridad quedan sus papeles en obras como "De Aquí a la Eternidad", "Yo confieso", "De Repente, el Último Verano" o "Vidas Rebeldes". Por su parte, la imagen de Lee Remick no puede ser más diferente, ya que sus personajes transmiten veracidad y ternura, ya sea en películas tan diferentes como "Días de Vino y Rosas", "Anatomía de un Asesinato" o la propia "Río Salvaje".

La cinta hoy comentada narra la llegada de un funcionario de la Administración llamado Chuck Glover (Montgomery Clift) a las inmediaciones de un pequeño pueblo sureño a orillas del río Tennessee a comienzos de los años 30. La zona lleva años sufriendo frecuentes inundaciones por las crecidas del río y el gobierno federal ha decidido evacuar definitivamente todo el valle y llevar a cabo la construcción de una presa hidroeléctrica en las cercanías de la localidad. Todas las tierras ribereñas quedarán anegadas en pocas semanas una vez se ponga en marcha la presa, por lo que durante los meses anteriores se ha procedido a la expropiación de los terrenos en la región. Chuck ha sido enviado a supervisar los últimos trámites y a intentar convencer a la propietaria de la última parcela sin desalojar de vender su terreno y trasladarse a vivir a una nueva casa en el pueblo. La mujer es una obcecada anciana, Ella Garth (Jo Van Fllet), que se niega a abandonar su casa y la tierra de sus antepasados, mientras sigue con su vida junto a su familia y un reducido número de trabajadores negros que continúan realizando las labores de cosecha en la pequeña finca. Tras varios intentos infructuosos de convencerla, un día conoce a su nieta Carol (Lee Reemick), una joven viuda que no tiene muy claro si debe emprender su vida en otro lugar o permanecer en la casa familiar. Poco a poco comenzarán a aflorar sentimientos entre ambos mientras el tiempo antes de las inundaciones se acaba.

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Ficha técnica y artística

Río Salvaje (Wild River). EEUU, 1960, 109 min.

Dirección: Elia Kazan

Intérpretes: Montgomery Clift, Lee Remick, Jo Van Fleet

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Crónica de Atticus Finch

El Hijo de la Novia

Comentario de EL HIJO DE LA NOVIA

A finales de los años 90 comenzaron a llegar a las pantallas españolas un creciente número de películas latinoamericanas que anunciaban una década de trabajos muy interesantes dentro de esta cinematografía. El estreno en poco tiempo de "Nueve Reinas" (Fabián Bielinsky, 2000) y "El Hijo de la Novia" (Juan Jósé Campanella, 2001) consolidarían al cine argentino como el puntal de lanza de esta nueva era de largometrajes sudamericanos y a Ricardo Darín como su rostro más conocido, sin contar a intérpretes ya consagrados en España como Héctor Alterio, Cecilia Roth o Federico Luppi. De esta manera han seguido llegando con los años cintas estupendas, sobre todo de Méjico, Argentina y Brasil, países que son los que exportan con mayor frecuencia sus largometrajes a Europa. Buenos ejemplos son autores argentinos como Marcelo Piñeyro ("Kamchatka"), Adolfo Aristaráin ("Lugares Comunes") o el propio Campanella ("El Mismo Amor, la Misma Lluvia"); el trío mejicano formado por Iñárritu, Del Toro y Cuarón, propensos también a trabajar en los EEUU, así como el emergente cine brasileño de Ricardo Meirelles ("Ciudad de Dios"), Walter Salles ("Diarios de Motocicleta") y José Padinha ("Tropa de Élite"), de una factura técnica envidiable. Todos juntos forman un grupo versátil capaz de firmar películas sobresalientes, uno de cuyos últimos y mejores exponentes es la obra maestra de Campanella, "El Secreto de sus Ojos", cinta que de haber sido anglosajona ya estaría subida a los altares cinematográficos de medio mundo. Por ello es necesario y de lógica aplastante fomentar el intercambio de películas entre los países de habla española y por extensión portuguesa, a fin de crear un sólido espacio cinematográfico en toda la comunidad iberoamericana, de Europa a Sudámerica.

"El Hijo de la Novia" es la radiografía vital de Rafael (Ricardo Darín), un estresado dueño de un restaurante bonaerense cuya obsesión por el trabajo le está carcomiendo la salud y haciéndole perder contacto con las cosas verdaderamente importantes. En medio de su ahogada existencia entra su padre (Héctor Alterio) para pedirle su apoyo en una idea que al hijo se le antoja disparatada, casarse de nuevo con su madre enferma de alzheimer (Norma Aleandro) pero esta vez por la Iglesia, una vieja ilusión que ella mantenía antes de caer presa de la enfermedad que le ha robado la mayor parte de sus recuerdos. La organización del plan le servirá a Rafael para darse una nueva oportunidad y devolver algo de ilusión a los que le rodean.

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Ficha técnica y artística

El Hijo de la Novia. Argentina-España, 2001, 124 min.

Dirección: Juan José Campanella

Intérpretes: Ricardo Darín, Héctor Alterio, Norma Aleandro

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Crónica de El Maquinista

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Ciudadano Kane

Comentario de CIUDADANO KANE

Tras conseguir gran éxito en obras teatrales y sobre todo con su adaptación radiofónica de "La Guerra de los Mundos", a Orson Welles se le presentó la oportunidad de entrar en el mundo del cine cuando en 1939 la productora RKO le ofreció dirigir tres películas con total libertad, algo inaudito en esa época y bastante raro aún en nuestros días. Finalmente la colaboración se reduciría a tan solo un largometraje, "Ciudadano Kane" (1941), pero éste supondría un nuevo pilar de la cinematografía moderna gracias a todas sus innovaciones técnicas. Con un guión coescrito por él mismo y reservándose además el papel protagonista, Welles se basó libremente en la vida del magnate de la prensa William Randolph Hearst para crear una portentosa historia sobre la ambición, el poder y la soledad. Tras la cámara llevaría a cabo un trabajo impresionante con la puesta en escena, el uso de la fotografía, la profundidad de campo, los encuadres y un sin fin de recursos novedosos, aportando la mirada personal del realizador. Incluso la estructura narrativa sería manejada con nuevos códigos, fragmentando la historia y empezando la película por el final, recurriendo a flash-backs para tejer el relato. De esta manera Welles hizo una gran aportación al desarrollo del lenguaje cinematográfico tal como se entiende en la actualidad, en la senda de pioneros como Sergei Eisenstein ("El Acorazado Potemkin") o David Griffith ("El Nacimiento de una Nación"). Paradojas de la historia, Welles no lo tendría nada fácil para poner en pie la mayor parte de sus siguientes proyectos, dejando una filmografía bastante deslavazada pero con otros largometrajes reconocidos como "La Dama de Shanghai" (1947) o "Sed de Mal" (1958). Varios de sus trabajos quedarían inconclusos por falta de financiación, llegaría a abandonar los EEUU por Europa para luego volver y participaría regularmente como intérprete en varias cintas ("Moby Dick", "Un Hombre para la Eternidad") para costear sus rodajes. A pesar de todo, nadie puede discutirle su estatus como pieza clave del cine del siglo XX.

La cinta comienza con la muerte del magnate Charles Foster Kane (Orson Welles) en su mansión de Xanadú, una megalómana construcción llena de obras de arte y cientos de objetos de gran valor. Poco antes de expirar pronuncia una enigmática palabra, "Rosebud", mientras sostiene en su mano una bola de cristal con nieve en el interior. Tras el suceso un periodista empieza a investigar el significado de "Rosebud" entrevistando a viejos amigos y colaboradores de Kane, buceando poco a poco en la misteriosa vida del personaje. A través de los relatos de todas esas personas que le conocieron, el espectador es testigo de su vida: los recuerdos de infancia, la gran herencia recibida y sus primeros pasos llenos de idealismo en el mundo del periodismo. Pero con el tiempo asoma el lado oscuro de su personalidad, la ambición y el camino que emprende por conseguir poder a través de los negocios y su frustrada carrera política. Kane va perdiendo los valores que le inspiraron y a sus amistades más fieles hasta acabar rodeado de riquezas, pero sabedor de haberse traicionado a sí mismo.

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Ficha técnica y artística

Ciudadano Kane (Citizen Kane). EEUU, 1941, 119 min.

Dirección: Orson Welles

Intérpretes: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane

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Crónica de Atticus Finch

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Promesas del Este

Comentario de PROMESAS DEL ESTE

Desde finales de los años 70 hasta bien entrada la década de los 90 el director canadiense David Cronenberg se especializó en un tipo de cine bastante grotesco y de dudoso gusto muy dado a husmear en los asuntos más turbios del ser humano. Sus temáticas y el tratamiento de todas esas historias raras le hicieron entrar rápidamente en mi lista negra de realizadores proscritos, junto a otros señores como Michael Haneke. Hay bastantes directores que me resultan molestos, unos por ejemplo debido a su cargante pirotecnia visual (Michael Bay, Roland Emmerich), otros por el soporífero ritmo que imprimen a sus películas, lo que hace que su visionado resulte tan estimulante como ver secarse una capa de pintura (Rohmer, Kiarostami e iraníes varios). Pero el número de realizadores a los que realmente tenga aversión se puede reducir a un puñado escaso, normalmente por culpa de su afición a las historias malsanas. Cronenberg parece que finalmente vio la luz a comienzos del siglo XXI, ya que en 2005 se reinventó firmando la excelente cinta "Una Historia de Violencia", inicando así una colaboración muy fructífera con el actor Viggo Mortensen que seguiría en "Promesas del Este" (2007) y la cercana a estrenarse "Un Método Peligroso", donde Mortensen se mete en la piel del insigne doctor Freud. Aunque no pueda tachar a Cronenberg de mi lista negra por todo lo que perpetró durante veinticinco años al menos le tendré en cuenta su nueva etapa en venideros juicios a su filmografía.

"Promesas del Este" es un original acercamiento a los clanes mafiosos rusos que sigilosamente se han asentado en Europa occidental. Estas organizaciones criminales no han tenido mucha atención en la gran pantalla, donde normalmente se suelen ver a las más tradicionales mafias italianas e irlandesas, pero su pericia en la actividad delictiva no tiene nada que envidiar a estas últimas. La cinta narra básicamente el lío monumental en el que se ve envuelta una voluntariosa enfermera londinense llamada Anna (Naomi Watts), tras hacerse cargo del diario personal y el bebé recién nacido de una chica rusa que fallece en su hospital al dar a luz. En un intento por encontrar a algún familiar de la muchacha, Anna decide iniciar la traducción del diario donde ésta cuenta la tortuosa historia de cómo llegó a Londres desde su Rusia natal. La enfermera poco a poco va tirando del hilo hasta llamar sin saberlo a las puertas de un clan mafioso eslavo, el cual es dirigido desde un conocido restaurante de la capital que hace de tapadera. Esto le llevará a conocer al brutal hijo del capo (Vincent Cassel) y a su hombre de confianza (Viggo Mortensen), un misterioso hombre que lucha por escalar peldaños en la organización pero que a la vez trata de alejarla del peligro lo máximo posible.

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Ficha técnica y artísitca

Promesas del Este (Eastern Promises). Reino Unido, 2007, 99 min.

Dirección: David Cronenberg

Intérpretes: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel

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Crónica de El Maquinista

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A Quemarropa

Comentario de A QUEMARROPA

El director británico John Boorman se inició en el mundo del largometraje en 1965 con una película documental a mayor gloria de la banda de pop The Dave Clark Five, en un ejercicio bastante de moda en aquellos tiempos que seguía el patrón marcado por Richard Lester para su conocida colaboración con los Beatles en "¡Qué Noche la de Aquél Día!". Para su primer trabajo serio de ficción Boorman cruzaría el charco dos años después para rodar en EEUU y tener al frente de las cámaras a un actor de la talla de Lee Marvin en la fascinante obra de cine negro que supone "A Quemarropa", de la que incomprensiblemente no se suele hablar demasiado. La carrera de Boorman ha continuado hasta nuestros días con otras largometrajes conocidos pero probablemente sus dos hitos más importantes lo forman "Deliverance" (1972) y "Excalibur" (1981). La primera supone el viaje al corazón de las tinieblas que emprenden cuatro amigos de Atlanta cuando deciden ir a pasar un fin de semana al río Cahulawassee en las montañas del estado de Georgia. La naturaleza salvaje y los aldeanos del lugar les llevarán a luchar por su propia supervivencia en una cinta cuyas imágenes icónicas son el descenso del río en canoa y a John Voight emupuñando su arco de tiro olímpico para defenderse mientras Burt Reynolds cree haberse convertido en el último guerrero americano vivo. Por su parte, "Excalibur" es probablemente la mejor película realizada sobre las leyendas del rey Arturo y sus caballeros. A pesar de que existen varias perspectivas diferentes desde las que abordar la historia, Boorman apostó en esta ocasión por la vertiente más legendaria y con abundancia de elementos sobrenaturales, consiguiendo una poderosa obra asociada ya para siempre a los coros del Carmina Burana de Carl Orff.

"A Quemarropa" supone un caso bastante insólito dentro del cine negro, ya que tiene la factura de película de autor europeo con un estilo narrativo absorbente lleno de elipsis, metáforas, recuerdos y estructura fragmentada. Walker (Lee Marvin) es un ladrón de grandes sumas de dinero que un día es traicionado por uno de sus mejores amigos en el transcurso de un golpe en la cárcel abandonada de Alcatraz. Tras sobrevivir a múltiples heridas y dado por muerto, años después se le presenta la ocasión de seguir su rastro para vengarse y recuperar parte de aquél botín. Walker es un hombre imperturbable que probablemente se dejó mucho más de lo que parece en esa fría isla, y su caza no parece motivada solo por el dinero o los sentimientos, sino por la inercia misma de toda su vida. Su antiguo compañero pertenece ahora a una opaca organización criminal en la cual Walker consigue internarse gracias a información privilegiada que le suministra un topo de la misma, pero en su misión va a arrasar con todo lo que se le ponga por delante llegando incluso a destruir los mismo pilares del grupo. Esto se resume en que lucha él solo contro todo y contra todos, sin importarle las consecuencias.

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Ficha técnica y artística

A Quemarropa (Point Blank). EEUU, 1967, 92 min.

Dirección: John Boorman

Intérpretes: Lee Marvin, Angie Dickinson, Keenan Wynn

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Crónica de El Maquinista

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Fuga de Alcatraz

Comentario de FUGA DE ALCATRAZ

La carrera cinematográfica de Clint Eastwood es probablemente una de las más fascinantes de la época contemporánea, ya que ha evolucionado durante cinco décadas a través de un buen número de registros y estilos diferentes tanto en su vertiente de intérprete como de director. Personalmente me gusta dividirla en tres etapas distintas: la primera comprende los inicios del joven Eastwood en los años 60 con la trilogía western de Sergio Leone y otros trabajos que le brindarían su imagen icónica de hombre imperturbable tan ligada al cine del Oeste. La segunda etapa arranca a comienzos de los 70 cuando Eastwood por fin alcanza el estrellato en EEUU gracias a "Harry el Sucio" (1971), inaugurando quince años en los que explota su perfil de anti-héroe políticamente incorrecto y duro a lo largo de varias películas policiacas o de acción con un calidad irregular. Y finalmente la tercera nace a finales de la década de los 80 cuando Eastwood se revela definitivamente en su faceta de realizador ("El Jinete Pálido", "Bird") consiguiendo el pleno reconocimiento de la crítica con "Sin Perdón", punto de inflexión a partir del cual se convertirá en uno de los autores norteamericanos más relevantes de la actualidad. Sus largometrajes ganan en profundidad, las tramas son más complejas y abordan aspectos nada sencillos, en ocasiones con fuertes críticas a la sociedad estadounidense. Eastwood, en ocasiones menospreciado y tachado erroneamente de conservador reaccionario (como si eso por otra parte impidiese rodar buenas cintas) no es sino un hombre que sigue su propio camino, lo que en Norteamérica llamarían un outsider o maverick, alguien que no está adscrito a la ortodoxia de unas posiciones fijas y que va por libre manteniendo su coherencia y valores. Algo que muchos le agradecemos enormemente.

"Fuga de Alcatraz" supone la quinta y última colaboración de Clint Eastwood y el director Don Siegel, quien le había convertido en su actor fetiche tras protagonizar "Dos Mulas y Una Mujer" y "Harry el Sucio", entre otras. En esta ocasión la trama lleva al espectador a la antigua prisión de Alcatraz, auténtica fortaleza enclavada en un islote en la bahía de San Francisco. Hasta allí es enviado el convicto Frank Morris (Eastwood), un hombre de gran fortaleza pero con una larga condena por delante. Su llegada a la cárcel le sumerge en un universo hostil en el que su tendencia a no dejarse intimidar le llevará a enfrentarse con el despiadado alcaide de la prisión y a buena parte de los reclusos. Junto a un reducido número de compañeros decide finalmente trazar un plan de evasión considerado hasta hora imposible: atravesar los muros de la celda, internarse por los conductos de ventilación y salir a nado de la isla a través de sus heladas aguas. La cuenta atrás para el éxito o fracaso de la fuga acaba de empezar.

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Ficha técnica y artística

Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz). EEUU, 1979, 112 min.

Dirección: Don Siegel

Intérpretes: Clint Eastwood, Patrick McGoohan, Fred Ward

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Crónica de Atticus Finch

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Tiempos de Gloria

Comentario de TIEMPOS DE GLORIA

En la filmografía del director Edward Zwick no abundan películas muy reseñables con la excepción de su debut "Tiempos de Gloria" (1989), "Leyendas de Pasión" (1994) o "El Último Samurai" (2003). Desde hace bastantes años se ha convertido en un eficaz realizador de productos comerciales con unos buenos niveles de calidad, pero es quizás en su vertiente como productor donde ha conseguido mayores éxitos ("Shakespeare in Love", "Traffic"). Sin embargo su ópera prima está a un nivel muy superior al del resto de sus trabajos gracias a un poderoso retrato de la guerra civil estadounidense (1861-1865), una contienda de gran trascendencia histórica que no ha contado con muchas adaptaciones a la gran pantalla, con notables excepciones como "Lo que el Viento se Llevó" o "El Nacimiento de una Nación". Este complejo conflicto tampoco ha sido abordado normalmente de forma seria, dejando que los temas más superficiales fueran los protagonistas. Las profundas diferencias sociales, económicas y políticas entre los estados del Norte y el Sur tendrían una importancia determinante en el desencadenamiento de la guerra, al igual que el choque entre dos modelos de crecimiento opuestos: el industrial y proteccionista del Norte frente al agrario y de libre comercio sureño.

"Tiempos de Gloria" es el relato de la formación del primer regimiento de soldados negros del ejército de la Unión. A pesar de que la esclavitud estaba abolida en los estados del Norte los hombres de raza negra seguían siendo considerados como ciudadanos de segunda clase. Así, tanto las tropas unionistas como confederadas estaban enteramente formadas por blancos, pero a mitad del conflicto el presidente Lincoln aprobaría un decreto para la incorporación efectiva de soldados afroamericanos al ejército norteño. La misión de seleccionar, adiestrar y dirigir en combate a estos nuevos reclutas es encomendada al teniente del regimiento 54 de Massachusetts Robert G. Shaw (Matthew Broderick), un joven oficial de gran eficacia y obediencia pero al que la guerra está destruyendo moralmente por dentro. Ante él se presenta un multitudinario grupo de voluntarios, desde antiguos esclavos (Morgan Freeman) como a huidos procedentes del Sur (Denzel Washington), todos ellos con un enorme deseo de luchar por su dignidad como hombres libres. Su involucración en los campos de batalla les mostrará la cara más oscura de su ya por sí difícil vida pero también el camino de la esperanza.

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Ficha técnica y artística

Tiempos de Gloria (Glory). EEUU, 1989, 122 min.

Dirección: Edward Zwick

Intérpretes: Matthew Broderick, Denzel Washington, Morgan Freeman

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Crónica de El Maquinista

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El Tren

Comentario de EL TREN


A lo largo de la historia del cine ha habido numerosos casos en los que la relación profesional entre un director y su actor fetiche ha alcanzado tal número de colaboraciones importantes que las carreras de ambos han quedado marcadas por ella. Buenos ejemplos son los proyectos que compartieron Akira Kurosawa y Toshiro Mifune, Woody Allen y Mia Farrow o Martin Scorsese y Robert De Niro. Otro caso menos intenso pero no por ello desestimable fue la fructífera asociación que el realizador John Frankenheimer estableció con Burt Lancaster a comienzos de los años 60 dando como resultado "Los Jóvenes Salvajes" (1961), "El Hombre de Alcatraz" (1962), "Siete Días de Mayo" y "El Tren", ambas en 1964. Bajo el nada original título de ésta última se esconde muy probablemente la obra maestra de Frankenheimer, un auténtico tesoro con brillante pulso narrativo marca de la casa y sensacional puesta en escena. Para ello el director norteamericano se apoyaría en dos actores enormes que libran su propia batalla personal a lo largo del metraje, Burt Lancaster y el genial pero no muy conocido Paul Scofield, quien es recordado sobre todo por su premiada interpretación de Tomás Moro en el clásico de Fred Zinnemann "Un Hombre para la Eternidad" (1966).

"El Tren" sitúa al espectador en la Francia ocupada de la II Guerra Mundial, la cual está siendo abandonada precipitadamente por los nazis debido a la ofensiva aliada tras el desembarco de Normandía. París será previsiblemente liberada en pocas semanas y hay que quemar documentos y saquear todo lo posible hasta entonces. El oficial alemán Von Waldheim (Paul Scofield) ha sido durante los últimos meses el director de uno de los museos de arte más importantes de la capital, el cual alberga obras maestras de Monet, Picasso, Van Gogh, Cézanne y otros grandes pintores. Tras serle comunicado que debe partir inmediatamente de vuelta a Alemania decide llevarse por todos los medios los cuadros de la galería tanto por su significado cultural, que aprecia sumamente, como por el valor incalculable que suponen. Tras complicadas gestiones finalmente consigue disponer de tropas para realizar el cometido y de un tren que llevará todo el material a Berlín. Paralelamente miembros de la resistencia clandestina en París han conocido sus intenciones y deciden activar un plan de sabotaje para que el tren nunca cruce la frontera y las obras de arte permanezcan en suelo francés. En la misión se ve involucrado contra su voluntad una destacada figura de la resistencia, el ferroviario Labiche (Burt Lancaster), quien no aprueba que se arriesguen tantas vidas por un cargamento de cuadros dada la complejidad logística y todos los riesgos que supone. Empujado por las circunstancias finalmente se convertirá en el cabecilla de un operativo contrarreloj que tendrá que detener al astuto Von Waldheim y a su tren.

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Ficha técnica y artística

El Tren (The Train). EEUU, 1964, 133 min.

Dirección: John Frankenheimer

Intérpretes: Burt Lancaster, Paul Scofield, Jeanne Moreau

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Crónica de Atticus Finch

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Valor de Ley

Comentario de VALOR DE LEY

En la heterogénea filmografía de los hermanos Joel y Ethan Coen aparece un variado abanico de géneros incluyendo dramas, cine negro, policiaco o comedia. Aunque bien es cierto que en la mayor parte de sus obras, sea de la temática que sea, los Coen suelen mantener unas claves estilísticas propias con las que han definido la forma de abordar sus historias. Con su último trabajo, "Valor de Ley", han decidido introducirse en el difícil mundo del western, un género que habitualmente duerme en segundo plano desde hace décadas pero que cada cierto tiempo reaparece con esplendor gracias a directores como Clint Eastwood ("El Jinete Pálido", "Sin Perdón") o Kevin Costner ("Bailando con Lobos", "Open Range"). Sin embargo el cine del Oeste no es algo completamente ajeno para los Coen, ya que al fin y al cabo unas cuantas películas suyas utilizan los mismos códigos y se pueden considerar como westerns contemporáneos , tal es el caso de "Fargo" (1996) y "No es País para Viejos" (2007). Para esta ocasión se basarían en una cinta ya existente dirigida por Henry Hathaway en 1967 y que estuvo protagonizada por John Wayne en uno de sus últimos papeles. Gracias a su interpretación del alguacil Cogburn, con parche en el ojo incluído, Wayne conseguiría un Oscar que probablemente suponía un reconocimiento más amplio a la trayectoria de este actor tan ligado al western.

"Valor de Ley" narra la venganza que emprende una valiente joven de catorce años (Hailee Steinfeld) para encontrar y capturar al asesino de su padre, un forajido llamado Tom Chaney. Para ello decide contratar los servicios de un veterano pistolero tuerto pero de excelentes habilidades, el alguacil Rooster Cogburn (Jeff Bridges). Este acepta a regañadientes la oferta para conseguir algo de dinero, aunque no puede evitar que la muchacha le acompañe en busca de Chaney. A ellos se les une un pomposo ranger de Tejas (Matt Damon) que lleva persiguiendo al forajido durante meses por delitos cometidos en otros territorios, pero que hasta ahora ha sido incapaz de atraparlo. Juntos iniciarán su periplo atravesando peligrosas tierras donde la naturaleza no tiene clemencia con los hombres y en las que solo cabe recurrir al fusil para sobrevivir. Su particular caza no ha hecho más que comenzar.

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Ficha técnica y artística

Valor de Ley (True Grit). EEUU, 2010, 110 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Jeff Bridges, Matt Damon, Hailee Steinfeld

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Crónica de Atticus Finch

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Network

Comentario de NETWORK


Para cualquier persona que debute en el cine con una obra excepcional del calibre de "Doce Hombres sin Piedad" (1957) el resto de su filmografía puede hacerse muy cuesta arriba. Afortunadamente no ha sido el caso de Sidney Lumet, quien en sus cinco décadas detrás de las cámaras consiguió dejar para la posteridad un buen puñado de títulos sobresalientes. Durante su etapa de mayor apogeo, los años 60 y 70, Lumet se convirtió en uno de los directores norteamericanos más combativos, abordando con frecuencia temas de hondo calado social, político y moral. Junto a otros compañeros de profesión como John Frankenheimer radiografió sin concesiones el lado oscuro de la sociedad, estrenando obras como "La Colina" (1965), "Serpico" (1973) o "Network" (1976). A pesar de que en los 80 comenzó su declive aún seguiría ofreciendo periódicamente estupendos largometrajes: "Veredicto Final" (1982), "La Noche cae sobre Manhattan" (1996) o su último trabajo "Antes que el Diablo sepa que has Muerto" (2007), portentoso thriller que Lumet dirigió siendo ya octogenario.

La historia de "Network" lleva al espectador a las alcantarillas del mundo televisivo, donde moran oscuros personajes que solo se rigen por los beneficios económicos y la cuota de pantalla. El veterano presentador de noticias Howard Beale (Peter Finch) sufre los efectos de esa política al serle comunicado que su programa será cancelado en una semana debido a su bajo índice de audiencia, a pesar de todos los esfuerzos realizados por el jefe de informativos Max Schumacher (William Holden) para contener a los directivos de la cadena. Incapaz de asumirlo, Beale anuncia durante su penúltimo programa que se despedirá en su último informativo volándose los sesos delante de las cámaras. Espantado al ver que su amigo está perdiendo la cabeza, Schumacher intenta convencerlo de que abandone ya y se tome un tiempo de descanso para recuperarse. Sin embargo los directivos del canal ven un filón en el presentador al comprobar el interés sensacionalista que sus declaraciones han causado entre el público. De este modo consiguen que no lleve a cabo su amenaza y le conceden más protagonismo con un espacio televisivo propio donde pronunciar sus incendiarias y alocadas reflexiones. Schumacher se niega a participar en la demencial estrategia y es sustituído por una jefa de contenidos sin escrúpulos (Faye Dunaway), cuya intención es exprimir al desequilibrado Beale hasta conseguir los mejores índices de audiencia de la historia de la cadena. Así, hundiéndose cada vez más en la inmundicia moral, acaban de encender la mecha de una bomba de relojería a punto de estallar.

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Ficha técnica y artística

Network. EEUU, 1976, 121 min.

Dirección: Sidney Lumet

Intérpretes: Peter Finch, William Holden, Faye Dunaway

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Crónica de El Maquinista

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La Lista de Schindler

Comentario de LA LISTA DE SCHINDLER

Al comenzar la década de los ochenta Steven Spielberg culminaba siete años prodigiosos que le habían convertido en el nuevo rey Midas del entretenimiento de calidad: "Tiburón" (1975), "Encuentros en la Tercera Fase" (1977), "En Busca del Arca Perdida" (1981) y "E.T." (1982). Estos cuatro títulos marcan de forma clara la primera etapa del director norteamericano, quien a partir de entonces empezará a abordar temas más serios en películas como "El Color Púrpura" (1985) o "El Imperio del Sol" (1987), aunque su nivel no alcance el de las obras anteriormente mencionadas. Este proceso de maduración probablemente tiene su punto de inflexión en 1993, año en el que Spielberg consigue pleno reconocimiento académico con "La Lista de Schindler". Paralelamente no deja de lado su compromiso con las cintas de aventuras, llegando a estrenar ese mismo año "Parque Jurásico" o, poco antes, la tercera entrega de la saga de Indiana Jones, "La Última Cruzada". A partir de entonces esta dualidad temática seguirá presente en su filmografía hasta nuestros días, con grandes piezas dramáticas ("Munich", "Salvar al Soldado Ryan") y buenos largometrajes de entretenimiento ("Minority Report").

"La Lista de Schindler" sumerge al espectador en la persecución de los judíos por parte del nazismo durante la II Guerra Mundial, desde la reclusión en los guetos hasta las terribles consecuencias de la llamada solución final, los campos de exterminio. Allí las personas son aniquiladas en masa como en una cadena de producción industrial salida de las mentes más retorcidas. En medio de esta pesadilla se mueve un empresario ajeno a todo ese sufrimiento, Oskar Schindler (Liam Neeson), quien decide aprovecharse del conflicto bélico para conseguir dinero fácil con sus fábricas. Para ello los alemanes le proporcionan mano de obra judía procedente de los campos, lo que le llevará a conocer a su eficiente contable Itzhak Stern (Ben Kingsley) y a las decenas de personas que trabajarán para él. Quizás sea por el contacto directo con ellos, quizás por pasar de verlos como anónimas figuras a ponerles cara y nombre, el caso es que Schindler empieza a verlos con otros ojos. Cada vez le cuesta más asistir impasible a las brutalidades del jefe de campo (Ralph Fiennes), hasta que poco a poco le van haciendo mella y rompen su dura coraza. Oskar pasa entonces de proteger judíos en beneficio propio a una conversión gradual pero decidida, una carrera por contratar más trabajadores a quienes salvar de un final próximo. Junto a su contable Stern elabora listas llenas de nombres, personas a las que localizar y sacar de los campos, a la vez que inteta sortear las suspicacias de los oficales.

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Ficha técnica y artística

La Lista de Schindler (The Schindler´s List). EEUU, 1993, 195 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes

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Crónica de Atticus Finch

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Terciopelo Azul

Comentario de TERCIOPELO AZUL

Corría el año de 1986 cuando el director David Lynch consiguió uno de los mayores éxitos de su carrera con "Terciopelo Azul", una hipnotizadora obra que iba a poner los cimientos del estilo que haría famoso a su autor en los años venideros. Lynch ya había recibido buenas críticas con uno de sus más tempranos trabajos, "El Hombre Elefante" (1980), aunque su siguiente película resultó ser la fallida "Dune" (1984), un difícil intento de llevar a la pantalla la excelente pero compleja novela de ciencia-ficción de Frank Herbert (que recomiendo encarecidamente). En esas estaba el realizador norteamericano cuando su trayectoria sufriría un punto de inflexión gracias a "Terciopelo Azul", cuyo tratamiento de la historia va a revelar las claves por las que es bien identificable hoy en día su autor: pasajes oníricos, narración hipnótica, personajes enigmáticos... En el cine de Lynch muchas veces importa más el cómo se cuentan las cosas en vez del por qué de ellas mismas. Un estilo propio con tantos admiradores como detractores y que personalmente me satura en ocasiones. Lynch lo ha seguido desarrollando durante los años tanto en el cine ("Mulholland Drive", "Carretera Perdida") como en la televisión ("Twin Peaks"), salvo ocasionales paréntesis estilísticos como el de la maravillosa "Una Historia Verdadera" (1999), de largo mi cinta preferida de este inclasificable director.

"Terciopelo Azul" arranca en una idílica comunidad residencial estadounidense, con casas unifamiliares y jardín, donde el joven universitario Jeffrey (Kyle MacLachlan) vuelve a casa a ver a su padre. La bucólica estampa del lugar se rompe el día que Jeffrey descubre por casualidad una oreja humana en mitad de un césped. El muchacho decide envolverla cuidadosamente en un pañuelo y llevarla a la oficina de la policía local, donde ponen cara de no saber muy bien qué hacer con ella. Finalmente una investigación se pone en marcha y Jeffrey no puede evitar sentirse profundamente atraído por el caso, sobre todo tras conocer a una vecina que resulta ser la hija del jefe policial (Laura Dern). Gracias a ella conocerá detalles sobre la trama y decidirá implicarse en el asunto por su cuenta y riesgo. Las pistas le llevarán a sumergirse en los bajos fondos de la ciudad y cruzarse en el camino con una enigmática cantante de un club nocturno (Isabella Rossellini), quien está siendo aparentemente chantajeada por un sádico criminal (Dennis Hopper).

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Ficha técnica y artística

Terciopelo Azul (Blue Velvet). EEUU, 1986, 120 min.

Dirección: David Lynch

Intérpretes: Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper

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Crónica de El Maquinista

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Esplendor en la Hierba

Comentario de ESPLENDOR EN LA HIERBA

Al finalizar los años 50 el director Elia Kazan había completado una década llena de éxitos cinematográficos pero parcialmente ensombrecida por sus testificaciones en el Comité de Actividades Antiamericanas que sacudirían los cimientos de la industria. Desde un punto de vista estrictamente profesional Kazan se encontraba en la cima gracias a títulos como "Viva Zapata", "Un Tranvía llamado Deseo" (que personalmente me aburre bastante) y la estupenda "La Ley del Silencio". Había apadrinado a jóvenes talentos emergentes como Marlon Brando, James Dean o Montgomery Clift, actores no solamente carismáticos sino además excelentes intérpretes. Su labor como realizador la complementaba con su implicación en el Actors Studio y la literatura, convirtiéndolo en una personalidad artística de lo más completa. Los años 60 verían declinar su estrella a partir de 1968 pero hasta entonces aún firmaría títulos tan buenos como "Río Salvaje" o "Esplendor en la Hierba", un verdadero monumento protagonizado por Natalie Wood y un entonces debutante Warren Beatty. Resulta curioso observar en el cine de Kazan ciertas temáticas o acercamientos totalmente avanzados para su época en materia de discriminación racial o sobre los valores morales de la sociedad, una actitud que resulta contradictoria teniendo en cuenta su etapa más oscura durante la Caza de Brujas. Un personaje controvertido pero de talento indiscutible.

"Esplendor en la Hierba" es un relato sobre los sentimientos de las personas y su evolución a través del tiempo y las experiencias, debido a circunstancias mundanas tanto como a puras coincidencias. También es el de un amor convertido en obsesión, el que siente la joven Dennie (impecable Natalie Wood) por el apuesto Bud (Warren Beatty). La acción se sitúa en una pequeña localidad estadounidense a finales de los años 20, pocos meses antes del hundimiento de la bolsa de Nueva York. Las clases medias gozan de una creciente prosperidad y la dulce Dennie es feliz durante los ratos que pasa con Bud al salir del instituto, profesandose ambos un fuerte cariño mutuo. El muchacho sin embargo sufre una creciente frustración interior en parte debida a la aplastante figura de su padre, un empresario de éxito que no deja respirar a su hijo planificándole cada detalle de su vida. La relación entre ambos jóvenes sufre un resquebrajamiento tan abrupto como carente de sentido, lo que provocará sendas crisis para cada uno de ellos con destinos bien dispares. Nada volverá a ser lo mismo.

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Ficha técnica y artística

Esplendor en la Hierba (Splendor in the Grass). EEUU, 1961, 124 min.

Dirección: Elia Kazan

Intérpretes: Natalie Wood, Warren Beatty, Pat Hingle

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Crónica de Atticus Finch

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