La Balada de Narayama

Comentario de LA BALADA DE NARAYAMA

Japón es un país hacia el que tengo sentimientos encontrados. Me fascina su cultura tradicional, el ritual del té, los samurais, la caligrafía, el sintoísmo y sus bosques sagrados. Aborrezco su pervertido sentido del honor, el mal uso de las tecnologías, lo introvertidos que son y, sobre todo, el que no tengan sillas. Sin embargo, aunque parezcan muy diferentes a primera vista, los nipones son muy parecidos al resto de personas si se escarba un poco. Hoy traemos al blog una pequeña joya que retrata justamente esa vida a ras de suelo basada en la subsistencia, tan semejante en unas y otras latitudes. "La Balada de Narayama" es una de las obras más conocidas de Shohei Imamura, uno de los más destacados representantes de la Nueva Ola japonesa que surgió en la era post-Kurosawa. Imamura se alzaría en 1983 con la Palma de Oro de Cannes gracias a esta historia de campesinos, galardón que repetiría en 1997 con su largometraje "La Anguila" (que a mi no me gustó mucho la verdad). La cinta de la que hoy hablamos se basa en una novela homónima y ya contó con una primera adaptación cinematográfica a finales de los años 50. Parece haber consenso cinéfilo en señalar que la mejor versión es la de Imamura. El retrato de la sociedad nipona más humilde, perdida en los poblados de las montañas, le sirve al realizador japonés para mostrar su modo de vida, sus alegrías y sus miserias. E incluso algunos elementos bastante surrealistas que por mi podría habérselos ahorrado. Pero cuando uno se interna en el cine nipón ha de estar preparado para ese tipo de sorpresas. A pesar de ello creo que vale la pena, así que anímense.

"La Balada de Narayama" tiene lugar en una aldea de una región montañosa de Japón. La sociedad está estructurada en clanes familiares y es básicamente agrícola y muy rudimentaria. La familia protagonista está formada por Tatsuhei (Ken Ogata), sus dos hijos y su hermano menor. Además está su madre Orin (Sumiko Sakamoto), la matriarca del clan, que cuenta con 69 años. A pesar de gozar de una salud de hierro, Orin afronta con preocupación el futuro inmediato, ya que según la tradición de la aldea todos los ancianos deben ser llevados a lo alto del monte Narayama al cumplir los 70 años para morir allí. Aunque se trate de una costumbre cruel, Orin tiene asumido desde el principio que ese es su destino. Lo que de verdad le preocupa es dejar todos los cabos atados antes de partir para que su familia afronte el futuro en las mejores condiciones posibles. Hace falta considerar las bocas que alimentar, las personas en edad de trabajar y la descendencia. Así es la vida a los pies del Narayama.

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Ficha técnica y artística

La Balada de Narayama (The Ballad of Narayama). Japón, 1983, 130 min.

Dirección: Shohei Imamura

Intérpretes: Ken Ogata. Sumiko Sakamoto, Shoichi Ozawa

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Crónica de Atticus Finch   

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Pelle el Conquistador

Comentario de PELLE EL CONQUISTADOR

Varias décadas antes de que los socialdemócratas tomaran las riendas del país y lo pusieran en marcha, Suecia era hasta antes de la Primera Guerra Mundial uno de las tierras más pobres de Europa. Alejada de las rutas del comercio, sin revolución industrial y con un clima extremo, podría considerarse como una especie de España en la punta opuesta del continente. Durante la segunda mitad del siglo XIX cientos de miles de suecos emigrarían a EEUU, huyendo de la miseria y el hambre, como han seguido haciendo todos los pueblos según las circunstancias históricas (los españoles sabemos bastante del tema). El drama de la emigración, el abandonar las raíces y emprender una nueva vida incierta y llena de dificultades, fue el poderoso argumento que el director Bille August utilizó para construir "Pelle el Conquistador". Un título evocador de las sagas escandinavas, de poderosos guerreros vikingos a bordo de sus drakkars, que no puede verse más que como una melancólica metáfora lejos de la realidad.

"Pelle el Conquistador" relata la historia de Lasse Karlsson (Max von Sydow) y su hijo Pelle (Pelle Hvenegaard) una vez que abandonan su tierra natal al sur de Suecia. Tras quedarse viudo Lasse ha decidido emigrar a América con Pelle, pero al no tener dinero suficiente para el pasaje opta por probar suerte en Dinamarca. Pronto consiguen trabajo en una granja bajo unas durísimas condiciones de vida, muy lejos de lo que ambos habían soñado al marchar de casa. Además son víctimas de un estatus social inferior por el hecho de ser extranjeros. Tan solo cuando Pelle comienza a aprender danés en la escuela se abren algunas pequeñas oportunidades, aunque Lasse asume que solo será su hijo quien pueda tener alguna posibilidad de salir adelante.

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Ficha técnica y artística

Pelle el Conquistador (Pelle Erobreren). Dinamarca, 1987, 138 min.

Dirección: Bille August

Intérpretes: Max von Sydow, Pelle Hvenegaard, Astrid Villaume

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Crónica de El Maquinista

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Dragonheart

Comentario de DRAGONHEART

 Ahora que los dragones se han vuelto a poner de moda gracias a "Juego de Tronos" es una buena ocasión para hablar de una película injustamente infravalorada: "Dragonheart". Porque se trata de hecho de una de las mejores cintas de aventuras de los últimos veinte años, continuadora del espíritu de "Willow" y "La Princesa Prometida" y toda una rareza en el cine contemporáneo. Y es que nos encontramos con una de esas pocas producciones que abordan el subgénero medieval-fantástico, algo que no se acaba de entender muy bien teniendo en cuenta el gran potencial que comenzaron a ofrecer los efectos visuales en los años 90, tras el punto de inflexión de "Parque Jurásico". Solo a partir del éxito de "El Señor de los Anillos" (2001) se empezó a ver más movimiento aunque desgraciademente con ideas muy poco originales en general. De hecho todavía estamos aguardando la película que haga justicia a este género épico desde una perspectiva adulta y de calidad, en la que un héroe deba lidiar con dragones y poderes sobrenaturales pero de manera coherente. Con elementos del Ciclo Artúrico, la obra de Tolkien y la mitología celta podrían gestarse auténticas maravillas cinematográficas. Desde el "Excalibur" de John Boorman no ha habido casi nada a su altura, así que de momento debemos conformarnos con la excelente adaptación de "Canción de Hielo y Fuego" para la pequeña pantalla. Ya es algo.

"Dragonheart" relata la historia del caballero Bowen (Dennis Quaid), primera espada del rey Freyne y tutor de su hijo, el príncipe Einol. Temeroso de que el muchacho se convierta en un ser tan despiadado como su padre, Bowen intenta inculcarle concienzudamente los ideales de justicia y deber de la caballería. Tras resultar fatalmente herido mientras participaba en una de las escaramuzas de su padre, Einol es llevado por su madre y Bowen a la guarida de uno de los dragones que en tiempos remotos forjaron una alianza con los hombres. Después de suplicarle por la vida del chico, el dragón le entrega a éste una parte de su corazón para que sobreviva, quedando así sellado el futuro común de ambos. Pero tras recuperarse Einol se transforma rápidamente en una persona cruel y violenta, lo que Bowen atribuye a la parte del dragón que habita en él. Desolado, abandona el castillo y jura vagar por la tierra hasta exterminar a todos los dragones que queden con vida.

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Ficha técnica y artística

Dragonheart. EEUU, 1996, 103 min.

Dirección: Rob Cohen

Intérpretes: Dennis Quaid, Dina Meyer, Pete Postlethwaite

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Crónica de Atticus Finch

 

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Aliens, el Regreso

Comentario de ALIENS, EL REGRESO

Personajes femeninos con carácter ha habido bastantes a lo largo del siglo largo que llevamos de historia cinematográfica. Sin embargo, los géneros de acción, thriller y derivados han estado completamente reservados al género masculino hasta la década de los 90. Una de las poquísimas excepciones la constituye la teniente Ellen Ripley, el mítico personaje encarnado por Sigourney Weaver en la saga Alien. Una saga cuyas dos primeras entregas, dirigidas por Ridley Scott (1979) y James Cameron (1986), constituyen dos títulos esenciales de la ciencia-ficción moderna. Por otro lado, las secuelas de 1992 y 1997 poco aportaron en materia cinéfila y no hicieron si no retorcer la historia más allá de lo deseable. Cuando Cameron se hizo cargo de la continuación de la cinta original pocos pensaban que el realizador canadiense, conocido solamente por "Terminator", llegaría al mismo nivel que la obra maestra de Scott. Pero la pericia narrativa, la fascinante atmósfera y el magnetismo absoluto de Ripley consiguieron poner en pie un largometraje sencillamente sobresaliente. Con un tratamiento diferente al de la primera entrega, más volcado en la acción y con una gran profundización en los temas del universo Alien, la película se mantiene como un auténtico hito en este nunca suficientemente reivindicado género.

Tras haber destruido a la criatura alienígena que se introdujo en la nave Nostromo y que acabó con toda la tripulación excepto ella, la teniente Ellen Ripley ha permanecido a la deriva en el espacio durante cincuenta y siete años en estado de hipersueño. Tras ser rescatada y reanimada es formalmente convocada por su antigua compañía, la corporación Weyland-Yutani, para testificar sobre los hechos ocurridos en la Nostromo tras su llegada al planetoide LV-426, hace casi seis décadas. El relato de Ripley sobre su descubrimiento de los huevos alienígenas y posterior ataque del Xenomorfo es recibido con enorme escepticismo por parte de la junta de la compañía, quien decide degradar a Ripley. Además es informada de que durante el tiempo que ha permanecido en hibernación el planetoide ha empezado a ser colonizado por humanos. Sin embargo, a las pocas semanas la comunicación con dicha base se interrumpe súbitamente y se decide enviar un comando de infantería de marines para inspeccionar la situación. Ripley es readmitida y convencida para unirse a la tripulación por si la criatura alienígena de su relato está detrás de las anomalías.

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Ficha técnica y artística

Aliens, el Regreso (Aliens). EEUU, 1986, 150 min.

Dirección: James Cameron

Intérpretes: Sigourney Weaver, Paul Reiser, Lance Henriksen

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Crónica de El Maquinista



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La Evasión

Comentario de LA EVASIÓN

Hace un tiempo leí una entrevista a un antropólogo francés donde éste constataba un hecho muy simple pero en el que uno no suele reparar normalmente. Afirmaba, con razón, que la evolución intelectual del hombre ha dejado completamente atrás a la evolución física. En efecto, la anatomía del ser humano sigue siendo la de un cazador-recolector hecha para correr, moverse y pensar. Pero el desarrollo tecnológico y los nuevos hábitos de vida nos han hecho terriblemente sedentarios. El permanecer quietos y encerrados de manera prolongada supone la negación del espíritu original para el que está hecho el hombre. Quizás por eso las cárceles, además de evitar que los reclusos queden fuera de control, evocan también un rechazo más profundo arraigado en la mente. En el cine el drama carcelario se ha convertido en un subgénero por derecho propio, mostrando la vida en prisión y en ocasiones hasta los preparativos de una fuga. La recuperación de la libertad es casi siempre el tema central del asunto aunque curiosamente no nos preguntamos casi nunca qué ha hecho el recluso y si no convendría que se quedara uno años más encerrado. Algunas de mis cintas preferidas son "La Colina" (1965), "La Leyenda del Indomable" (1967), "Fuga de Alcatraz" (1979), "Cadena Perpetua" (1994) o "La Milla Verde" (1999). En este selecto grupo también se encuentra la extraordinaria "La Evasión" (1960), del cineasta francés Jacques Becker y la única europea de la lista. Y es que esta película es "Fuga de Alcatraz" pero en versión continental y de cine de autor. Un prodigio de narrativa que muestra casi de manera documental la construcción de un agujero para evadirse de la prisión parisina de La Santé a través de los conductos del alcantarillado. Un verdadero manual estilo Bricomanía que cuenta como estrella estelar con uno de los protagonistas de la fuga, ya que la historia está basada en hechos reales (que mal suena decir una frase tan manoseada).

La prisión de La Santé se encuentra aún hoy en pleno distrito 14 de París. Con forma de estrella, cada sección estaba destinada hasta hace pocos años a un grupo racial determinado: Europa occidental, Magreb, África negra y resto del mundo. En 1947, el joven Gaspard Claude (Marc Michel) es trasladado de celda a la espera de que se le juzgue por el intento de asesinato de su mujer. Sus nuevo compañeros, cuatro veteranos del lugar, no le dan una bienvenida muy efusiva, pero al poco tiempo no les queda más remedio que confiarle su secreto: un plan de evasión, perfectamente elaborado, a través de las entrañas del edificio. Para huir primero hay que excavar un agujero que conduzca al subsuelo y de allí escabullirse a través de las galerías subterráneas hasta llegar al circuito de alcantarillado. La ciudad de París espera en la superficie y con ella todas las esperanzas de este peculiar grupo de reclusos.

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Ficha técnica y artística

La Evasión (Le Trou). Francia, 1960, 113 min.

Dirección: Jacques Becker

Intérpretes: Philippe Leroy, Marc Michel, Michel Constantin

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Crónica de El Maquinista

 

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Interstellar

Comentario de INTERSTELLAR

Cuando Kubrick estrenó en 1968 "2001, Odisea del Espacio" y dio con ella el disparo de salida a la ciencia-ficción moderna, la capacidad para maravillarnos no parecía conocer límites. La fuerza de sus imágenes, su profundidad, todo estaba preparado para activar los resortes de ese afán de conocimiento que reside en el hombre. Es después de varios revisionados cuando uno repara en la poca humanidad que desprenden precisamente los personajes humanos del largometraje. En efecto, Kubrick nos hace sentir más empatía por las emociones que transmiten los homínidos del prólogo El Amanecer del Hombre o el confundido ordenador HAL-9000 de la nave Discovery. En la que está llamada a ser otra de las cumbres del género, "Interstellar" (2015), Christopher Nolan nos muestra por el contrario el más grande relato humano que uno pueda pensar de una cinta de este género. El amor de un padre hacia su hija a través no solo del espacio sin también a través del tiempo, dos caras de una misma moneda que nunca se habían mostrado combinadas con la complejidad y el sentimiento que logra el director británico. Su relato, a la par fascinante y lleno de emoción, es con seguridad una de las más grandes historia jamás contadas sobre la lucha del navegante del espacio-tiempo, un héroe solitario en busca de sus seres queridos a través de la inmensidad y la eternidad.

En un fututo cercano la Humanidad se ha reconvertido en una sociedad agraria empujada por la escasez de recursos de la Tierra. Las plagas y las tormentas de polvo asolan el planeta y el futuro del hombre como especie está en entredicho. El antiguo piloto de pruebas de la NASA Joseph Cooper (superlativo Matthew McConaughey) vive como granjero junto a su suegro y sus dos hijos. Gracias a unas señales descubiertas por su hija Murph en su cuarto, Joseph consigue ponerse en contacto con los restos de la agencia espacial, oficialmente desmantelada hace años. Así descubre que la NASA lleva tiempo trabajando en secreto en un programa para colonizar un planeta extrasolar como única esperanza para garantizar el futuro de la Humanidad. La misión lleva planificada desde que se detectara un agujero de gusano en las cercanías de Saturno, interpretado como una puerta interestelar creada por razas extraterrestres que quieren ayudar al hombre a sobrevivir. Cooper es elegido para formar parte de la expedición que se internará más allá del agujero para verificar la existencia de un planeta habitable. Su misión entraña enormes riesgos y la posibilidad de no volver es muy elevada. Pero además, debido a la relatividad, no solo viajará en el espacio sino también en el tiempo, ya que éste no pasará igual para él que para las personas de la Tierra. Esto se convertirá en el mayor miedo atávico de Cooper, que de volver sano y salvo puede que no pueda siquiera ver a sus hijos, quizás desaparecidos ya desde hace generaciones.

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Ficha técnica y artística

Interstellar. EEUU, 2014, 169 min.

Dirección: Christopher Nolan

Intérpretes: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain

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Crónica de Atticus Finch

 

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Duelo en la Alta Sierra

Comentario de DUELO EN LA ALTA SIERRA

Sam Peckinpah empezaba a dar sus primeros pasos como director en los años 60 cuando gracias a su segundo largometraje, "Duelo en la Alta Sierra" (1962), llamaría la atención de la crítica europea. Al realizador norteamericano se le recuerda principalmente por dos características que planearon sobre casi toda su filmografía: el tratamiento de la violencia y el western. Fue el hombre que reinventó el género para otorgarle algunos años más de vida bajo el llamado western crepuscular. Su devoción por este género y por la extraña poesía de la violencia alcanzaría sin duda su apoteosis en "Grupo Salvaje" (1969), considerada una de sus obras cumbre. La cinta que hoy comentamos contiene elementos esenciales de esta mirada revisionista empezando por sus propios protagonistas, encarnados por dos actores, Randolph Scott y Joel McCrea, que se consagraron casi exclusivamente al western clásico desde mediados de los años 40. La película supone una despedida metafórica de sus personajes arquetípicos, ahora envejecidos, y de los propios intérpretes, que se retiraron del cine tras este largometraje. Llama también la atención que 1962 es igualmente el año en que se estrena la obra maestra de John Ford "El Hombre que Mató a Liberty Valance", donde los códigos que había manejado hasta entonces el director cambian casi por completo. Comenzaba una nueva década y ya nada volvería a ser igual en los dominios del western.

"Duelo en la Alta Sierra" narra la misión que emprende el antiguo sheriff Steve Judd (Joel McCrea) en las montañas de la California de principios del siglo XX. La era dorada del Oeste está diluyéndose, la civilización se instala en los pueblos, aparecen bicicletas y coches. Judd lleva años sobreviviendo gracias a pequeños trabajos que encuentra en su ruta y ahora se le presenta la oportunidad de custodiar un importante cargamento de oro que los mineros de Sierra Nevada han de enviar al asentamiento de Hornitos. La única manera de atravesar las montañas es en carro y los cuatreros rondan siempre la región en busca de botín. Mientras prepara su salida rumbo al campamento minero Judd se encuentra en el pueblo con su antiguo camarada Gil Westrum (Randolph Scott), que se gana la vida con un espectáculo ambulante en el que se hace pasar por un afamado pistolero de Oregón. El antiguo sheriff decide contratarlo para que le ayude en la labor de escoltar del oro a su destino, pero Gil acaba por tener otros planes para el cargamento.  

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Ficha técnica y artística

Duelo en la Alta Sierra (Ride the High Country). EEUU, 1962, 94 min.

Dirección: Sam Peckinpah

Intérpretes: Joel McCrea, Randolph Scott, Mariette Hartley

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Crónica de Atticus Finch

 

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Sunshine

Comentario de SUNSHINE

Hace unos meses la ciencia-ficción estuvo de enhorabuena gracias al estreno de "Interstellar", la nueva película de Christopher Nolan. La cinta se unía así a ese grupo de producciones que han tomado como argumento principal la exploración del cosmos, un subgénero en el que existen dos tendencias principales, una más aventurera y otra más metafísica. Y es que si todo viaje supone una reflexión acerca de la naturaleza del ser, los viajes espaciales proporcionan un marco aún más profundo en el que presentar estos términos. Desde el acta fundacional que supuso "2001: Una Odisea del Espacio" (1968), nacida al calor de la Carrera Espacial, las dos tendencias anteriormente mencionadas se han combinado en distintas proporciones: ladrillo intelectual ("Solaris"), terror ("Alien"), histórica ("Apolo XII"), lunar ("Moon"), marciana ("Planeta Rojo") e incluso ecológica ("Naves Misteriosas"). Y hay algunas más por ahí que no me caben. Un título a reivindicar es "Sunshine" (2007), una cinta que parece escondida en la filmografía del director británico Danny Boyle, autor de "Trainspotting" y "Slumdog Millionaire". Sin ser una película para tirar cohetes hay que destacar dos cosas: la soberbia recreación del entorno espacial y el aire de predestinación que planea sobre toda la línea argumental. A revisionar o descubrir según el caso de cada uno.

"Sunshine" relata la historia de la misión de la Icarus II, una nave cuyo destino es llegar al Sol y reactivarlo por medio de una bomba nuclear de muchos megatones. El astro Rey tiene problemas de combustión y está dejando de funcionar bien, por lo que la Humanidad sobrevive a duras penas desde hace años bajo una nueva y extrema Edad de Hielo. La tripulación está compuesta por expertos en diferentes campos como la física, la biología y la ingeniería, así como un médico cuya misión principal es salvaguardar la salud física y mental de sus compañeros. El efecto del Sol a tan poca distancia resulta hipnótico y existe el miedo sobre qué pudo causar la desaparición de la Icarus I, la nave que siete años antes intentó llevar a cabo la misma misión pero que desaparició sin dejar rastro antes de llegar a su objetivo. Tras varios meses de viaje, la nave rebasa Mercurio y pierde la comunicación con Tierra debido a las interferencias del Sol en las comunicaciones. Sin embargo consiguen captar una pequeña señal de baliza muy conocida pero desconcertante: la de la Icarus I.

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Ficha técnica y artística

Sunshine. Reino Unido, 2007, 107 min.

Dirección: Danny Boyle

Intérpretes: Cillian Murphy, Chris Evans, Rose Byrne

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Crónica de El Maquinista

 

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Manhattan

Comentario de MANHATTAN

La década de los 70 marcó un antes y después en la carrera de Woody Allen en tanto que fue testigo de la construcción del estilo definitivo del realizador neoyorquino. Tras haber debutado con éxito gracias a la pequeña "Toma el Dinero y  Corre" (1969), Allen pasó sus primeros años dirigiendo y escribiendo películas de comedia muy alocada, deudora de gags televisivos y con un esquema poco profundo, como en "Bananas" (1971) y "El Dormilón" (1973) entre otras. La cinta que lo cambiaría todo es "Annie Hall" (1977), una obra maestra en la que el director daría con los ingredientes que han definido su cine desde entonces: la tragicomedia existencial, las relaciones humanas y Nueva York. Un estilo en sí mismo. Después llegaría la intimista "Interiores" (1978), muy influenciada por las películas suecas de Ingmar Bergman, y "Manhattan" (1979), que puede ser vista como la confirmación del nuevo Allen. Más seria que "Annie Hall", no solamente por la fotografía en blanco y negro, la cinta comparte con ésta el esquema básico de partida y es todo un homenaje a la ciudad y las personas que han inspirado el cine de su realizador. 

"Manhattan" narra la atribulada vida personal de Isaac Davis (Woody Allen), un guionista de televisión que vive en la Gran Manzana. El círculo íntimo de Davis es bastante exótico. Vive con su novia Tracy (Mariel Hemingway), de tan solo diecisiete años. Su antigua mujer (Meryl Streep) se ha hecho lesbiana y va a publicar un libro sobre su relación. Y entonces conoce a Mary, la novia de su mejor amigo, y se enamora de ella. Poseedor de un sentimiento trágico de la vida, decide terminar su relación con Tracy sabedor de que está condenada al fracaso. Tras animarla a marchar a Londres a estudiar y vivir como una joven de su edad, Davis decide intentarlo con Mary, aunque no está nada seguro de sí mismo.

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Ficha técnica y artística

Manhattan. EEUU, 1979, 96 min.

Dirección: Woody Allen

Intérpretes: Woody Allen, Diane Keaton, Mariel Hemingway

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Crónica de Atticus Finch

 

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Atrapado en el Tiempo

Comentario de ATRAPADO EN EL TIEMPO

El tiempo entendido como cuarta dimensión y su modificación para avanzar o retroceder cronológicamente ha dado mucho juego en numerosas películas. No así el quedar atrapado en un bucle infinito, como le ocurre a Bill Murray en la cinta que hoy comentamos. Murray consiguió el estatus de comediante mayor desde que en los años 80 diera el salto de la televisión a la pantalla grande, a pesar de que la mayoría de sus películas fuesen comedietas bastante flojas a excepción de "Cazafantasmas" (1984). Fue a partir de "Atrapado en el Tiempo" (1993) cuando Murray empezó a tantear nuevos registros como secundario e incluso a formar parte del reparto fijo del indie Wes Anderson: "Academia Rushmore" (1998), "Los Tenenbaums" (2001), "Life Aquatic" (2004), etc. Bien es cierto que su redescubrimiento como actor serio por Sofia Coppola en "Lost in Translation" (2003) ha marcado otro punto de inflexión en su carrera en términos de reconocimiento, aunque sigue dosificando sus apariciones tanto en roles protagonistas ("Flores Rotas") como secundarios (fijo en todas las producciones de Wes Anderson y Jim Jarmuch).

"Atrapado en el Tiempo" relata el viaje que realiza el arrogante meteorólogo Phil Connors (Bill Murray), su productora Rita (Andie MacDowell) y el cámara Larry (Chris Elliott) a la pequeña población de Punxsutawney, en el estado de Pennsylvania. En esta localidad existe la famosa tradición conocida como El Día de la Marmota, en la que cada dos de febrero se examina el comportamiento de uno de estos animalillos para pronosticar cuánto tiempo queda para finalizar el invierno. Tras retransmitir el apasionante evento los tres protagonistas emprenden el viaje de regreso pero debido a una gran nevada han de volver a dormir al pueblo. Al levantarse por la mañana Phil descubre que algo no marcha bien, todo parece repetirse como en el día anterior. Y así ocurre a la jornada siguiente y a la siguiente. Tras descartar haberse vuelto majara o seguir soñando Phil concluye que se ha quedado inexplicablemente atrapado en El Día de la Marmota.

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Ficha técnica y artística

Atrapado en el Tiempo (Groundhog Day). EEUU, 1993, 101 min.

Dirección: Harold Ramis

Intérpretes: Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliot

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Crónica de El Maquinista

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Nebraska

Comentario de NEBRASKA

 

 

El cine de Alexander Payne es heredero de sus raíces independientes y así lo manifiesta en sus historias y personajes. Hasta ahora la mayor licencia que se ha tomado ha sido poner de protagonista a George Clooney e irse a Hawai a rodar "Los Descendientes" (2011). El resto de su filmografía permanece claramente ubicada en los territorios indie de la América profunda, donde se nutre de las historias sencillas y mundanas que muestra en sus películas. Payne es experto en coleccionar nominaciones al Oscar al mejor guión (y ya tiene dos estatuillas), por lo que nos encontramos ante uno de esos autores completos que saben cómo tejer bien sus relatos. "Election" (1999) fue la cinta con la que se dio a conocer internacionalmente y ya en ella nos presentaba un tipo de historia bastante curiosa: elecciones a delegados estudiantiles en típico instituto yanqui de provincias, alumna trepa que mueve cielo y tierra para ganar con vistas a su futuro currículum y sufrido profesor que ve su vida saltar por los aires al decidir manipular la votación buscando lo mejor para sus pupilos. Payne demostró sobradamente que con estos mimbres podía hacerse un estupendo cesto cinematográfico, al igual que con el tema de la jubilación que abordaría seguidamente en "A Propósito de Schmidt" (2002), uno de los últimos grandes papeles de Jack Nicholson. Al poco tiempo, con "Entre Copas" (2004), el realizador norteamericano alcanzó el pleno reconocimiento de la industria y los actores de serie A empezaron a pelearse con más ahínco por trabajar con él, lo que consiguió Clooney en la ya mencionada "Los Descendientes" (2011). Tras esta escapada a tierras exóticas Payne ha vuelto a los lugares y gentes de su tierra natal estrenado la magistral "Nebraska" (2013), sin duda una de las mejores cintas vistas en cine la temporada pasada. Toda una reivindicación de esas historias pegadas al hombre común de la calle, fotografiada en blanco y negro, con reparto excepcional y un profundo sentido tragicómico.

"Nebraska" narra el viaje que emprenden Woody Grant (Bruce Dern) y su hijo David (Will Forte) desde el sur de Montana a la ciudad de Lincoln, en el estado de Nebraska. Woody es un anciano bastante cabezota, reservado y por el que la edad ya ha hecho mella. Recientemente ha recibido por correo una carta-anuncio diciendo que su nombre se ha incluido en el sorteo de un millón de dólares y que debe viajar a Lincoln a recoger su premio. El anciano no entiende que se encuentra ante un bulo de marketing y se convence de que tiene un millón de dólares esperándole en Nebraska. Su mujer e hijos tratan de convencerlo de que todo es mentira pero en su tozudez se escapa de casa dos veces para ir hasta allí andando. Finalmente su hijo pequeño se rinde y decide pedir dos días libres para llevar a su padre en coche hasta Nebraska, dejándole vivir en su fantasía. En su camino recorren las grandes llanuras del noroeste del país y pasan por el pueblo natal de Woody, donde aún tiene parientes y conocidos. La noticia de que ha ganado un millón de dólares le hace la celebridad local, a pesar de los esfuerzos de su resignado hijo para hacer entender que no es verdad.

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Ficha técnica y artística

Nebraska. EEUU, 2013, 115 min.

Dirección: Alexander Payne

Intérpretes: Bruce Dern, Will Forte, Bob Odenkirk

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Crónica de Atticus Finch

 

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Amélie

Comentario de AMÉLIE

Hasta el año 2001 en que estrenó "Amélie", el director francés Jean-Pierre Jeunet era considerado como un cineasta bastante particular, con un estilo e imagen  que los anglosajones llamarían directamente underground. Sus dos anteriores películas, "Delicatessen" (1991) y la "Ciudad de los Niños Perdidos" (1995), tenían un estilo cercano a lo grotesco, con una galería de personajes sacados de una tómbola de freaks. De hecho no es extraño que Hollywood lo eligiera para hacerse cargo de la dirección de "Alien 3: Resurrección" (1997). "Amélie" no deja de ser una continuación de lo mismo solo que en términos luminosos, un pequeño grupo de criaturas del barrio parisino de Montmartre que orbitan en torno a un sol particular llamado Amélie Poulain. Desde entonces el cine de Jeunet vivió un punto de inflexión en cuanto a que salió de círculos minoritarios para acercarse al gran público, algo que intentó repetir de nuevo con Audrey Tatou de protagonista en "Largo Domingo de Noviazgo" (2004). Tras realizar un par de largometrajes más no ha vuelto a lograr el tirón de las ya mencionadas, pero se mantiene en activo y nunca se sabe lo que nos podrá deparar.

La cinta narra la vida de la joven Amélie Poulain (Audrey Tatou), una chica muy especial que vive en el barrio de Montmartre, en París. Un día encuentra en su piso una pequeña caja de latón con recuerdos de infancia de su anterior inquilino, por lo que se propone dar con él y devolvérsela. A raíz de este episodio Amélie decide echar una mano a sus vecinos y seres queridos para hacerlos algo más felices, una manera en realidad de escapar de su vacío interior que no consigue llenar. En pleno proceso filántropo se encontrará con un enigmático álbum de fotografías que un chico (Mathieu Kassovitz) pierde accidentalmente yendo en moto. Sin saber por qué, Amélie tiene el presentimiento de que el joven puede ser la persona que de sentido a su propia vida.

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Ficha técnica y artística

Amélie (Le Fabuleux Destin d´Amélie Poulain). Francia, 2001, 122 min.

Dirección: Jean-Pierre Jeunet

Intérpretes: Audrey Tatou, Mathieu Kassovitz, Isabelle Nanty

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Crónica de Atticus Finch

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Doctor en Alaska

ESPECIAL SERIES DE CINE (y V)

- "Cicely es un estado mental" [Doctor Joel Fleischman]

Hay coincidencia en afirmar que desde hace más de una década vivimos una era dorada de la ficción televisiva, con numerosas series que son auténticas joyas audiovisuales. La televisión se ha convertido en un auténtico granero de creatividad donde es posible abordar temáticas que aún tienen vedado el terreno en el mundo del cine comercial. Muchos intérpretes han conseguido dar un renovado impulso a sus carreras gracias a nuevas oportunidades en la pequeña pantalla. Y por encima de todo, la televisión tiene la ventaja de poder desarrollar tramas y personajes a lo largo de horas, creando auténticas novelas visuales. No obstante el hombre tiene tendencia a olvidar rápido o incluso a considerar solo lo que ocurre en una determinada época. Es por eso que debido al despiste o la ignorancia se suelen omitir grandes obras por el mero hecho de haber sido creadas años atrás. Justamente por ello hemos elegido una serie de hace ya tiempo para cerrar este ciclo dedicado a la televisión. "Doctor en Alaska" es sencillamente una de las mejores series que uno pueda ver, al mismo nivel que cualquiera de las más aclamadas. Sus historias, auténticas clases magistrales de filosofía vital, muestran la capacidad que solo poseen los grandes creadores: permanecer en el tiempo.

“Doctor en Alaska” narra la vida en el pequeño pueblo de Cicely, en Alaska, tras la llegada del doctor Joel Fleischman (Rob Morrow), un recién licenciado en medicina procedente de Nueva York. Joel cursó sus estudios en la Universidad de Columbia gracias a una beca estatal de Alaska a cambio de que ejerciera en dicho territorio durante unos años después de graduarse. Sin embargo, en lugar de ser destinado a Anchorage, la capital,  Joel es enviado a la remota localidad de Cicely, donde la filosofía de vida de sus habitantes choca frontalmente con su mentalidad metropolitana. A pesar de ello se irá integrando poco a poco como un habitante más del pueblo, lo cual no le impide seguir sintiéndose como un extraño.

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Ficha técnica y artística

Doctor en Alaska (Northern Exposure). EEUU, 1990-1995, 44 min.

Dirección: varios

Intérpretes: Rob Morrow, Janine Turner, John Corbett

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Crónica de El Maquinista

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The Wire

Especial SERIES DE CINE (IV)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

- "Nadie gana. Un bando solo pierde más lentamente." [Detective Roland Pryzbylewski]

Las series policiacas han sido siempre grandes clásicos de la pequeña pantalla y la que hoy comentamos tiene también su justo hueco en el panteón televisivo. A pesar de no contar con un éxito de masas como en otros casos, "The Wire" ha sido una serie que ha arraigado profundamente entre un sector del público que quedó seducido por el magistral entramado argumental sobre el que se asienta esta ficción de la HBO. Su estilo realista, pegado a la calle y de degustación pausada son señas de identidad de una serie que narra a lo largo de cinco temporadas (2002-2008) la guerra de desgaste entre un puñado de policías y el crimen organizado en la ciudad de Baltimore. Bajo el nexo común de la lucha contra el narcotráfico y las escuchas telefónicas, "The Wire" trata a su vez diversos aspectos sociales en cada temporada: los barrios marginales, los puertos, la política, la educación y el periodismo. Sus creadores, el antiguo redactor del "Baltimore Sun" David Simon y el detective retirado Ed Burns, formaban un tándem que conocía al detalle las alcantarillas de la Administración y los obstáculos diarios de las brigadas policiales: corrupción, presiones políticas, envidias profesionales, mandos inoperantes, falta de medios... Todo ello se refleja en una serie en la que el peso de los personajes está repartido a ambos lados de la guerra, tanto en el bando policial como en el de los criminales que son investigados. Esa riqueza social es algo que convierte a "The Wire" en un producto único de la ficción de calidad contemporánea.

"The Wire" relata la creación de una pequeña unidad de vigilancia policial cuya misión es obtener pruebas suficientes para arrestar al clan Barksdale, la familia que controla la distribución de droga en los barrios marginales del oeste de Baltimore. El grupo de investigación es en realidad una fachada aceptada a regañadientes por ciertos mandos policiales a petición de un juez, quien ha sido informado por el detective James McNulty de que nadie en el departamento de policía está investigando a los Barksdale. Los mandos, en venganza por haberles dejado expuestos ante sus jefes políticos, deciden torpedear la unidad dedicándole pocos medios e instalaciones, así como juntando a agentes de diversa procedencia: el propio McNulty, de homicidios, y dos miembros de narcóticos, la detective Kima Greggs y el joven comandante Cedric Daniels. El resto son policías caídos en desgracia para sus superiores bien por su incompetencia o por ser excelentes profesionales condenados al ostracismo. El heterogéneo grupo comienza no sin dificultades a ponerse en marcha contrarreloj para conseguir los datos que necesitan, a sabiendas de que la unidad será disuelta si no obtienen las pruebas en pocos meses. El enemigo está en las calles, pero también en casa.

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Ficha técnica y artística

The Wire. EEUU, 2002-2008, 55 min.

Dirección: varios

Intérpretes: Dominic West, Lance Reddick, Idris Elba

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Crónica de Atticus Finch

 

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Breaking Bad

Especial SERIES DE CINE (III)

- "Tú conoces el negocio. Yo la Química." [Walter White]

Una de las características más importantes en la revolución contemporánea de las series televisivas es el mostrar personajes de gran ambigüedad moral. Las visiones tradicionales del bien y del mal han dado paso a un revisionismo en el que se construyen protagonistas complejos, con su fallos y aciertos, más humanos en definitiva. Probablemente uno de los mayores exponentes de este antihéroe contemporáneo sea Walter White, el profesor de química de Alburquerque reconvertido a fabricante de metanfetamina por azares del destino. Su historia la relata una de las grandes series del último lustro, "Breaking Bad", que desde su explícito título ("Volverse Malo") nos revela cómo un honrado y pacífico padre de familia puede verse sumergido en una doble vida de lo más dispar. Quizá el punto clave que lleva a que el espectador conecte con él y sienta empatía es el hecho de que muestra cómo a veces pequeñas dosis de maldad pueden servir al bien, y que los caminos del Señor son en definitiva inescrutables. Bryan Cranston, el actor que le ha dado vida a lo largo de sus cinco temporadas, puede sentirse orgulloso de haber edificado un personaje que quedará para la historia de la pequeña pantalla.

"Breaking Bad" nos cuenta la vida paralela que empieza a desarrollar el profesor Walter White (Bryan Cranston) en la desértica ciudad de Alburquerque,  en el estado fronterizo de Nuevo Méjico. White enseña química en un instituto y a pesar de los apuros económicos y demás frustraciones vitales vive feliz con su mujer y su hijo de quince años. A las puertas de volver a ser padre su estado de salud empieza a deteriorarse repentinamente y los médicos le descubren un tumor maligno en el pulmón. Para poder costearse el tratamiento y dejar a su familia un remanente de dinero después de su previsible muerte, Walter comienza a fabricar en secreto un tipo de droga sintética llamada metanfetamina. Gracias a sus profundos conocimientos de química consigue cocinar un producto de excelente calidad y junto a su antiguo alumno Jesse Pinkman (Aaron Paul) se introduce en el oscuro mundo del narcotráfico. La agencia antidroga empieza a investigar el origen del nuevo producto y éste tampoco pasa desapercibido para los criminales de la frontera, lo que hace que Walter se vea abocado a una frenética doble vida de la que ha perdido el control desde el primer momento. Sin embargo, y a pesar de los malos actos, vuelve a sentirse vivo después de años conviviendo con un sentimiento de resignación y derrota. Walter White empieza así a convivir con su álter ego oscuro, Heisenberg.

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Ficha técnica y artística

Breaking Bad. EEUU, 2008-2013, 45 min.

Dirección: varios

Intérpretes: Bryan Cranston, Aaron Paul, Anna Gunn

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Crónica de El Maquinista

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True Detective

Especial SERIES DE CINE (II)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

- No puedo decir que el trabajo me hizo ser de esta manera. Al contrario, ser como soy fue lo que me hizo adecuado para este trabajo. [Detective Rust Cohle]

A pesar de contar con tan solo una temporada en su haber, la huella que "True Detective" ha dejado este año en la televisión perdurará durante mucho tiempo. Concebida como una antología (cada temporada cuenta una historia con personajes diferentes), esta serie de HBO ha alcanzado las cotas de calidad más altas vistas en la pequeña pantalla. Sus ocho episodios han sido escritos por su creador (Nic Pizzolatto) y dirigidos todos por un solo realizador (Cary Fukunawa), algo muy poco común en la televisión, donde las series suelen contar con varios guionistas y directores por temporada. Sin duda esto ha ayudado a darle un empaque especial, un poso de autor que hace que en ocasiones nos parezca estar realmente viendo una película de ocho horas. A esto ayuda su impecable producción, la calidad de la puesta en escena y unos intérpretes superlativos (en especial Matthew McConaughey y Woody Harrelson). La profundidad de la historia, su atmósfera sombría y unos personajes complejos llevan a "True Detective" a unos niveles verdaderamente cinematográficos. No sabemos cómo serán sus próximas temporadas, pero ésta forma parte ya de las joyas de la corona de la ficción televisiva contemporánea.

La serie relata la captura de un asesino a lo largo de diecisiete años en la zona costera de Luisiana, en el profundo sur de los Estados Unidos. A través de tres líneas temporales entrelazadas asistimos a la investigación del caso y a las repercusiones personales que tienen en sus protagonistas. En 1995 el cuerpo de una mujer es hallado junto a un árbol en lo que parece ser algún rito de naturaleza pagana. Los agentes de la policía estatal Martin Hart (Harrelson) y Rust Cole (McConaughey) se hacen cargo de la investigación y poco a poco comienzan a encontrar puntos de conexión con otras desapariciones ocurridas en esta zona rural de  Luisiana. Ambos detectives son compañeros de trabajo desde hace pocos meses y sus personalidades no pueden ser más diferentes. El agente Cole se ha incorporado recientemente procedente de Tejas donde ha llevado a cabo tareas policiales clasificadas. Su carácter solitario, taciturno y nihilista choca frontalmente con el ambiente tradicional de la comunidad, poco acostumbrada a personalidades tan peculiares. Por su parte Hart es un padre de familia conservador muy bien adaptado a la idiosincrasia de esta región anclada en el llamado Cinturón Bíblico estadounidense, donde el cristianismo evangélico impregna toda la sociedad. Paralelamente, en el año 2012 ambos detectives, apartados ya de las fuerzas de seguridad, rememoran los acontecimientos del 95 y las circunstancias que llevaron al final de su relación en 2002. Los dos son interrogados por otros oficiales muy interesados en la metodología de su antigua investigación. El caso parecía cerrado, pero no es así. Sus ramificaciones oscuras y el laberinto en que se convirtió no está del todo resuelto.

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Ficha técnica y artística

True Detective. EEUU, 2014-Presente, 60 min.

Dirección: Cary Fukunawa

Intérpretes: Matthew McConaughey, Woody Harrelson, Michelle Monaghan

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Crónica de Atticus Finch

 

 

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