Gattaca

Comentario de GATTACA

 

A mediados de los años 20 del siglo pasado, cuando el cine estaba ya consolidando las bases de su lenguaje narrativo, el maestro alemán Fritz Lang estrenó "Metrópolis" (1927), una fábula en la que robots y humanos convivían en una sociedad futurista profundamente desigual. Además de crear un título clave de la cinematografía mundial esta cinta es también una de las primeras obras cumbre de la ciencia-ficción, un género que durante los cuarenta años siguientes estaría casi siempre arrinconado en la segunda fila, reducido a meros productos de entretenimiento llenos de naves espaciales chuscas, humanoides y mucha serie B. La década de los 60 vería resurgir a un género que pasaría a convertirse definitivamente en un concepto adulto, teniendo mucho que ver en ello dos películas estrenadas en 1968, "El Planeta de los Simios" (de Franklin J. Schaffner) y "2001, Odisea del Espacio" (de Stanley Kubrick). A partir de ese punto de inflexión y con la mejora de los efectos especiales llegaron otros grandes trabajos de primera categoría que tocaban temáticas diversas: la saga de "La Guerra de las Galaxias" (1977), "Alien, el Octavo Pasajero" (1979) o "Blade Runner" (1982). A pesar de que la mayoría de este tipo de cintas se apoyan de manera importante en el diseño artístico y los efectos visuales, su categoría de primer nivel lo consiguen gracias al lado humano del relato. Y es que el gran pecado de la ciencia-ficción de los últimos veinte años, tras la implantación masiva de los efectos digitales por ordenador, es haber descuidado con frecuencia los guiones produciendo así historias huecas envueltas en un sosa pirotecnia visual. Afortunadamente algunos autores han seguido ofreciendo relatos de gran interés como en "Doce Monos" (1995), "Origen" (2010) o la ópera prima de Andrew Niccol, "Gattaca" (1997).

"Gattaca" nos sitúa en un futuro cercano en el que el avance de la ingeniería genética ha sido tal que la organización de la sociedad está basada en el ADN de sus individuos. Los padres, a la hora de tener un hijo, acuden mayoritariamente a laboratorios donde los científicos seleccionan a partir de ellos la combinación genética óptima del niño. El ADN resultante determinará su clase social y los trabajos que podrá desempeñar en el futuro, su vida en definitiva. No obstante, también hay una pequeña minoría de progenitores que deciden tener a sus hijos de forma natural, a pesar de que éstos serán tratados como ciudadanos de segunda clase. El caso de Vincent (Ethan Hawke) es un tanto especial, ya que sus padres decidieron tenerlo a él sin ningún tipo de selección genética para luego arrepentirse y tener otro hijo esta vez bajo supervisión de los genetistas. De esta manera Vincent ha estado siempre en aparente inferioridad respecto a su hermano menor, lo que se manifestaba en los duelos de natación que ambos han entablado desde la infancia. A pesar de todo, Vincent es una persona segura de sí mismo cuyo sueño es formar parte de las tripulaciones de los viajes espaciales que se realizan a los confines del Sistema Solar, algo reservado a candidatos con un material genético excepcional. Volcado en lograr su objetivo, Vincent decide suplantar la identidad de un antiguo campeón de natación, Jerome (Jude Law), que ha quedado tetrapléjico a causa de un accidente. Éste le proporcionará su excelente ADN en forma de tejidos y líquidos para poder superar los controles del complejo espacial Gattaca y ser seleccionado como candidato. Con la permanente amenaza de ser descubierto, Vincent tiene ante sí una carrera contrarreloj para superar el proceso de adiestramiento que le conducirá a las estrellas, a la vez que intenta demostrarse a sí mismo que puede derribar las barreras impuestas por la selección genética.

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Ficha técnica y artística

Gattaca. EEUU, 1997, 106 min

Dirección: Andrew Niccol

Intérpretes: Ethan Hawke, Jude Law, Uma Thurman

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Crónica de Atticus Finch

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Dioses y Monstruos

Comentario de DIOSES Y MONSTRUOS

Existe un género cinematográfico muy particular que consiste en el cine dentro del propio mundo del cine, historias cuyos protagonistas forman parte del gremio dedicado a hacer películas. Resulta un espectáculo fascinante ver los mecanismos de ese universo al que el espectador suele permanecer ajeno debido a que tan solo es testigo del producto final. Las luchas entre directores y productores, los nunca suficientemente recordados guionistas, el largo camino de los actores o los entresijos de los rodajes son algunas de las facetas a explorar. Numerosas cintas han abordado estos temas desde hace tiempo, como en "El Crepúsculo de los Dioses" (Billy Wilder, 1950), completa radiografía del paso de la fama y el estrellato en este caso encarnado en el alter ego de la actriz de cine mudo Gloria Swanson. David Lynch sabría también sacar partido a los recovecos más oscuros de Hollywood como telón de fondo para su onírica "Mulholland Drive" (2001) y otros, como Tim Burton y Martin Scorsese, han preferido relatar la historia de autores con personalidad inclasificable en "Ed Wood" (1994) y "El Aviador" (2004), respectivamente.   

"Dioses y Monstruos", situada en los años 50, narra la relación de amistad que se establece entre Clayton, un jardinero de Los Ángeles  (Brendan Fraser) y el dueño de la casa en la que ha empezado a trabajar. Éste resulta no ser otro que el director de cine ya retirado James Whale (Ian McKellen), famoso por sus películas de terror en la década de los 30, en especial las del mito de Frankenstein. Whale lleva una vida aparentemente tranquila lejos de la ciudad con la única compañía de su ama de llaves (Lynn Redgrave), pero en realidad es un hombre atormentado por sus propios demonios interiores. El paso del tiempo, su homosexualidad y recientes problemas de salud han ido moldeando el carácter de un ser melancólico cuya mente habita en un mundo poblado por fantasmas del pasado. La juventud y energía de Clayton le harán sentirse profundamente interesado en él, lo que dará lugar a una difícil relación entre dos personas completamente diferentes.

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Ficha técnica y artísitica

Dioses y Monstruos (Gods and Monsters). EEUU, 1998, 105 min.

Dirección: Bill Condon

Intérpretes: Ian McKellen, Brendan Fraser, Lynn Redgrave

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Crónica de Atticus Finch

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Zatoichi

Comentario de ZATOICHI

Durante muchas décadas el cine japonés estuvo dominado por la omnipresente figura de Akira Kurosawa junto con las de otros autores menos conocidos como Yasujiro Ozu ("Buenos Días", "Cuentos de Tokio") o Kenji Mizoguchi ("Cuentos de la Luna Pálida"). Al comenzar los años 80 Kurosawa iba a realizar sus dos últimas obras mayores bajo la producción de sus admiradores Francis Ford Coppola y George Lucas, trabajos estupendos que entroncaban con su vertiente de género samurái: "Kagemusha, la Sombra del Guerrero" (1980) y "Ran" (1985). Tras la desaparición de este maestro el panorama cinematográfico nipón sufrió un lógico vacío que se haría notar con creces. Desde entonces ese espacio a nivel internacional ha sido ocupado poco a poco por diferentes realizadores, entre los que destaca Hayao Miyazaki al frente de los estudios de animación Ghibli, responsable de que la crítica seria haya respaldado a obras de anime excelentes como "La Princesa Mononoke" (1997) o "El Viaje de Chihiro" (2003). Fuera del campo de la animación uno de los nombres clave es el director Takeshi Kitano, auténtico hombre para todo que además de protagonizar la mayoría de sus películas se dedica también al mundo televisivo. Y es que Kitano suele financiar sus cintas con lo que gana ideando productos para la caja tonta, como el mítico "Humor Amarillo" ("Takeshi´s Castle"), programa absurdo en el que decenas de concursantes se pegaban continuas galletas intentando superar unas pruebas llenas de sadismo inconfundiblemente nipón. Este cronista ha de admitir que durante su infancia fue un ferviente seguidor de este concurso (y lo sigue siendo), ya que no puede evitar sentir auténtica fascinación ante el abnegado sentido del deber de los kamikazes que se apuntaban al programa. Teniendo en cuentra estos precedentes televisivos no es de extrañar que el cine de Kitano sea bastante particular, con abundancia de humor negro y violencia pero también extrañamente poético (a veces). "Hana-Bi" (1997), "El Verano de Kikujiro" (1999) o "Zatoichi" (2003) son algunos de sus trabajos más conocidos.

Zatoichi, el samurái ciego, es un personaje de ficción muy popular en Japón desde hace décadas y ha contado con múltiples adaptaciones en la gran pantalla. Estrictamente no se trata de un samurái debido a que no sirve a ningún amo, por lo que más bien se le podría definir como ronin, un antiguo maestro de la espada que vaga libremente por los caminos. En el caso de Zatoichi éste viaja de pueblo en pueblo ofreciendo sus servicios de masajista sin desvelar su pasado samurái a no ser que no le quede más remedio. En esta adaptación Kitano se reserva el papel protagonista y hasta se toma la licencia surrealista (tanto histórica como antropológica) de mostrar un Zatoichi rubio, algo inexistente en el fenotipo japonés. Su personaje llega un día a un remoto poblado de las montañas dominado por un criminal llamado Ginzo, que exige a sus habitantes tributos a cambio de protección. Ginzo cuenta con un numeroso grupo de secuaces y de una reciente pero valiosa adquisición, un ronin experto en el arte de la katana que le ha ofrecido sus servicios como guardaespaldas. Zatoichi, a pesar de su ceguera, pronto se da cuenta de la situación y además traba amistad con una mujer del pueblo y su sobrino, quienes sufren los atropellos de los matones de Ginzo. Aunque partidario de la no intervención, Zatoichi se verá empujado a desenvainar finalmente su espada como consecuencia de una serie de acontecimientos.

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Ficha técnica y artística

Zatoichi. Japón, 2003, 116 min.

Dirección: Takeshi Kitano

Intérpretes: Takeshi Kitano, Tadanobu Asano, Michiyo Okuso

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Crónica de Atticus Finch

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Muerte en Venecia

Comentario de MUERTE EN VENECIA

A lo largo de tres décadas, desde finales de la II Guerra Mundial hasta los años 70, el cine italiano formó uno de los pilares básicos de la cinematografía europea de aquella época junto con las producciones francesas, estando ambas flanqueadas por obras españolas, escandinavas y británicas. La consolidación de los realizadores italianos se inició en los años 40 con la corriente estilística del Neorrealismo, un movimiento que retrataba historias mundanas de fuerte contenido social y que contó entre sus más importantes figuras a Roberto Rossellini ("Roma, Ciudad Abierta", 1945) y Vittorio De Sica ("Ladrón de Bicicletas", 1948). La década de los 50 vería por su parte la ascensión de otros dos autores clave como Federico Fellini y Luchino Visconti. Ambos desarrollaron también su etapa neorrealista, pero en los 60 Fellini pasaría a crear un universo propio con algunas de sus obras más recordadas ("La Dolce Vita", "Fellini, Ocho y Medio", "Amarcord"), mientras que Visconti optó por abordar historias de tipo más clásico: "El Gatopardo", "La Caída de los Dioses" o "Muerte en Venecia". Otros autores más minoritarios como Antonioni o Pasolini están igualmente presentes en la misma época pero se puede decir que la transición de los 70 a los 80 marca el fin de la edad de oro del cine de este país.

"Muerte en Venecia" relata el último viaje tanto emocional como físico del compositor alemán Gustav von Achenbach (Dirk Bogarde), un reputado músico de comienzos del siglo XX cuya vida atraviesa difíciles momentos tras la pérdida de su hija y la mala acogida de sus recientes trabajos. Buscando huir de ese ambiente y consciente de su delicado estado de salud, decide trasladarse a Venecia una temporada en busca de descanso. Una vez instalado en el Lido quedará hechizado por la belleza de un joven polaco llamado Tadzio (Bjorn Andressen), que está pasando las vacaciones junto a su familia en el mismo hotel. Como compositor, Achenbach ha perseguido durante toda su carrera un ideal de belleza musical que ahora ve plasmado en el cuerpo del muchacho, por el que siente un amor platónico e inalcanzable. Día a día intentará acercarse a él, siguiéndolo prudentemente en sus paseos por la playa y la ciudad bajo los omnipresentes acordes del Adagietto de la Quinta sinfonía de Gustav Mahler, el célebre compositor austriaco en cuya figura Visconti se inspira libremente para desarrollar la historia. Mientras tanto, Venecia comienza a quedarse desierta tras el anuncio de una epidemia de cólera que se suma al estado de decadencia de una ciudad que contempla, al igual que Achenbach, el fin irremediable de una época.

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Ficha técnica y artística

Muerte en Venecia (Morte a Venezia). Italia, 1971, 127 min.

Dirección: Luchino Visconti

Intérpretes: Dirk Bogarde, Silvana Mangano, Bjorn Andressen

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Crónica de El Maquinista

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Tropa de Élite

Comentario de TROPA DE ÉLITE

El cine policiaco es un género con multitud de caras cuyas fronteras son bastante difusas al entroncar muchas veces con las cintas de acción ("Heat") o el cine negro ("L.A. Confidential"). Sus protagonistas pueden combatir el crimen organizado ("Los Intocables de Eliot Ness"), a maquiavélicos individuos aislados ("El Silencio de los Corderos", "Seven") o hasta la propia corrupción dentro del sistema ("Serpico"). Desde hace ya algún tiempo el componente humano ha ido también cobrando fuerza en las historias del género, mostrando las vidas de sus personajes tanto dentro como fuera de la comisaría. Por otro lado, la mayor parte de las películas sobre esta temática proceden de los Estados Unidos y unas cuantas de Europa (francesas sobre todo) o del extremo Oriente (acción hong-konesa o el cada vez mayor presente cine coreano). Sin embargo en el último lustro dos de los mejores trabajos del género se han realizado en Sudamérica, aunque no puedan ser más diferentes la una de la otra tanto en forma como en contenido: "El Secreto de sus Ojos" (Juan José Campanella, 2009) y "Tropa de Élite" (José Padilha, 2007), probablemente la cinta brasileña con más repercusión internacional desde "Ciudad de Dios" (Fernando Meirelles, 2002).

"Tropa de Élite" relata la historia del capitán Nascimento (Wagner Moura), un oficial de la BOPE, el Batallón de Operaciones Especiales de la ciudad de Río de Janeiro. La BOPE está concebida como un cuerpo de élite autónomo dentro de la policía de la ciudad cuya misión es internarse en las favelas allí donde los policías comunes, bien por miedo o por corrupción, no intervienen. En estos barrios llenos de callejuelas los miembros de la BOPE libran una guerra urbana contra las milicias armadas de los narcotraficantes, debido a lo cual su estructura y modo de operación se acerca más a lo militar que a lo policial. Corre el año 1997 y a Nascimento le asignan la delicada misión de controlar una favela cercana al hotel donde se va a alojar el Papa Juan Pablo II en su inminente viaje a Brasil. El capitán lleva además bastante tiempo bajo presión buscando a alguien que le sustituya debido a que va a ser padre y ha prometido a su mujer retirarse de la primera línea de fuego. Una noche, en el transcurso de una operación en la favela, el escuadrón comandado por Nascimento rescata a dos policías, Neto y Matías, que se habían adentrado por su cuenta y riesgo en el barrio para destapar una red de corrupción policial. Impresionados por la eficiencia de la BOPE ambos deciden intentar ingresar en este cuerpo, para lo cual deberán superar las exigentes pruebas destinadas a los candidatos. Los dos son amigos desde la infancia, uno impetuoso y el otro reflexivo, y en uno de ellos Nascimento cree ver a su posible sucesor al frente del grupo.

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Ficha técnica y artística

Tropa de Élite. Brasil, 2007, 114 min.

Dirección: José Padilha

Intérpretes: Wagner Moura, Caio Junqueira, André Ramiro

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Crónica de El Maquinista

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Comer Beber Amar

Comentario de COMER BEBER AMAR


Hace poco tiempo dedicábamos una entrada a la película "2046" del director Wong Kar Wai, lo que dio pie para hablar sobre las tres ramas principales del cine chino: la continental, la hong konesa y la de Taiwan. Hoy le toca el turno a esta última a través de uno de sus mayores representantes, el realizador Ang Lee, quien antes de dar el salto internacional con "Sentido y Sensibilidad" (1995) firmó dos cintas estupendas en su tierra natal, "El Banquete de Bodas" y "Comer Beber Amar". En esta obra Lee mostraba acertadamente los cambios en la sociedad china a través de un relato centrado en una familia concreta. Al margen de esa perspectiva más general, en la cinta tiene una importancia significativa el papel de la cocina, lo que le lleva a formar parte de un grupo de largometrajes en los que la gastronomía se utiliza para crear un banquete para los sentidos del espectador. Algo que también se disfruta en obras como "El Olor de la Papaya Verde" (Tran Anh Hung, 1993), "Chocolat" (Lasse Hallström, 2000), "El Festín de Babette" (Gabriel Axel, 1987) o "El Camino a Casa" (Zhang Yimou, 1999).

La película relata los cambios que se producen en una familia de Taipei como metáfora de la propia evolución de China, a caballo entre la tradición y la modernidad. El protagonista de la historia es Chu, un chef de gran prestigio que hace algún tiempo que se ha retirado y dedica su tiempo entregado a los propios fogones de su casa. Sus tres hijas adultas viven su vida de forma independiente pero cada cierto tiempo se juntan para comer todos juntos los platos cocinados por él. Para Chu su cocina tradicional es como un anclaje al mundo que comprende y en el que se siente a gusto, mientras que sus hijas han sido engullidas de manera inevitable por los nuevos tiempos. Sin embargo nadie está a salvo de esta vorágine y la llegada de una mujer viuda al vecindario trastocará el panorama vital de toda la familia.

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Ficha técnica y artística

Comer Beber Amar (Eat Drink Man Woman). Taiwan, 1994, 123 min.

Dirección: Ang Lee

Intérpretes: Sihung Lung, Kuei-Mei Chang, Chien-Lien Wu

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Crónica de Atticus Finch


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Mayor Dundee

Comentario de MAYOR DUNDEE

Si hay un género cinematográfico al que esté fuertemente unida la carrera del director Sam Peckinpah ese es sin duda el western. Al igual que otros grandes cineastas como John Ford o Clint Eastwood, la figura de Peckinpah quedará siempre marcada por sus trabajos en este género tan profundamente estadounidense pero de resonancias universales. Su relación con el western se inició ya con sus primeros largometrajes de comienzos de los 60 ("Duelo en Alta Sierra", "Mayor Dundee") pero la obra que marcaría el punto de inflexión llegó en 1969 con "Grupo Salvaje", la apoteosis del western crepuscular, desmitificador y violento que se ha convertido en el gran legado del autor. Esta renovación del género continuó con "Pat Garret y Billy the Kid" (1973) y se prolonga también a las otras dos obras maestras de Peckinpah, "Perros de Paja" (1971) y "La Huida" (1972), que aunque están ambientadas en el mundo contemporáneo calcan los códigos del western a pies juntillas. Tras este lustro prodigioso Peckinpah no volvería a añadir a su filmografía obras de semejante nivel a excepción de su incursión bélica con "La Cruz de Hierro" (1977), donde el realizador deja bien claro que no iba a renunciar a un estilo tan descarnado como fascinante.

"Mayor Dundee" narra la misión que decide llevar a cabo el temerario oficial del ejército de la Unión Amos Dundee (Charlton Heston), encargado de custodiar un fuerte en el territorio fronterizo de Nuevo Méjico a finales de la guerra civil estadounidense. Dundee pretende reclutar una pequeña fuerza de hombres para dar caza al jefe apache Sierra Charriba, el cual está aprovechando el caos de la guerra para arrasar amplias zonas del territorio. Al carecer de órdenes superiores para ejecutar el plan, Dundee toma la iniciativa y escoge a un grupo de confianza entre sus tropas, pero para completar la compañía, además de recurrir a voluntarios civiles, decide inlcuir a prisioneros de guerra confederados que están bajo su custodia. Flanqueado por su camarada sureño Tyreen (Richard Harris) y el experto rastreador Potts (James Coburn), el grupo se interna hacia lo desconocido al cruzar la frontera con Méjico siguiendo las huellas de los apaches.

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Ficha técnica y artística

Mayor Dundee (Major Dundee). EEUU, 1964, 122 min.

Dirección: Sam Peckinpah

Intérpretes: Charlton Heston, Richard Harris, James Coburn

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Comentario de El Maquinista

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Veredicto Final

Comentario de VEREDICTO FINAL

A comienzos de la década de los 80 Sidney Lumet golpeaba de nuevo (y van...). El veterano director norteamericano llevaba ya tiempo siendo referente de un tipo de cine comprometido socialmente, algo que había dejado claro con su ópera prima "Doce Hombres sin Piedad" (1957) y que se convertiría en una constante de su filmografía. Cintas como "La Colina" (1965), "Network" (1976) o "Antes que el Diablo Sepa que has Muerto" (2007) muestran a un realizador indomable que husmea continuamente debajo de las alfombras sacando a la luz temáticas nada complacientes para la sociedad contemporánea. Y es que la ética es probablemente el verdadero eje central del universo Lumet, quien siempre pone a sus protagonistas frente al espejo para radiografíar su integridad, sus valores morales y los dilemas que éstos le plantean. Para "Veredicto Final" Lumet eligiría un escenario inmejorable, los juzgados, donde el hombre lleva siglos intentando materializar algo tan abstracto como es el sentimiento de justicia y que ha dejado otros tantos buenos ejemplos de gran cine: "Matar a un Ruiseñor" (Robert Mulligan, 1962), "Testigo de Cargo" (Billy Wilder, 1957), "Anatomía de un Asesinato" (Otto Preminger, 1959) o la propia "Doce Hombres sin Piedad".

"Veredicto Final" es un drama judicial centrado en Frank Galvin (Paul Newman), un veterano abogado con una carrera profesional bajo mínimos debido a sus problemas con el alcohol desde hace años. A su estilo de vida bastante sórdido se le añaden problemas económicos que intenta superar buscando pequeños trabajos de asesoría legal como picapleitos. Cierto día un antiguo socio le consigue un buen caso por negligencia médica que le puede reportar una rápida comisión si se resuelve mediante acuerdo extrajudicial con la parte demandada, un importante hospital privado perteneciente a la Iglesia. Frank comienza a investigar el caso pero contra todo pronóstico decide rechazar el acuerdo e ir a juicio, donde tendrá que enfrentarse a la poderosa maquinaria del bufete de abogados del hospital, dirigido por un hombre sin escrúpulos (James Mason). Ayudado por su amigo abogado y una joven que acaba de conocer (Charlotte Rampling), Frank se toma la preparación del caso como una redención personal para recobrar su dignidad, en una carrera de obstáculos en la que habrá de esquivar los golpes bajos de la profesión al margen de los juzgados.

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Ficha técnica y artística

Veredicto Final (The Verdict). EEUU, 1982, 129 min.

Dirección: Sidney Lumet

Intérpretes: Paul Newman, Charlotte Rampling, James Mason

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Crónica de Atticus Finch

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Un Corazón en Invierno

Comentario de UN CORAZÓN EN INVIERNO

Desde la II Guerra Mundial la superpotencia cinematográfica hegemónica en el mundo occidental ha sido sin duda la estadounidense, en primer lugar gracias a su poderosa maquinaria industrial construída durante años por los grandes estudios de Hollywood. Otros factores determinantes también son la gran calidad de sus intérpretes y técnicos (muchos de ellos emigrantes centroeuropeos en las primeras décadas del siglo XX), así como la propia naturaleza democrática del país que ha permitido al cine moverse mucho más libremente que en otros lugares. Hoy en día, sin tener en cuenta las grandes cinematografías de consumo interno como las de la India o el sureste asiástico, los países occidentales con industria nacional fuerte se pueden contar con los dedos de una mano. En Europa existen únicamente dos ejemplos, la cinematografía británica y francesa, ya que aunque la primera funciona realmente como un complemento de la norteamericana, el compartir la misma lengua y pertenencia al mundo anglosajón le ayuda a contar con importantes recursos tanto artísticos como técnicos. El caso francés tiene mucho más mérito debido entre otras cosas a que su público potencial es bastante más reducido, pero aún así ha conseguido ser una industria rentable, implantada firmemente en el panorama cultural del país y con abundancia de buenas películas. Su mayor diferencia con respecto al cine de sus vecinos es su gran aceptación por parte del público así como abarcar una amplia gama de géneros sin restringirse únicamente al drama o la comedia.

"Un Corazón en Invierno" husmea en el complejo funcionamiento de los sentimientos humanos a través de la nada usual relación que se establece entre dos personajes muy diferentes. Para los roles protagonistas el director Claude Sautet ("Max y los Chatarreros", "Nelly y el Señor Arnaud") contaría con uno de los pesos pesados de la interpretación francesa contemporánea, Daniel Auteil, además de la musa del cine francés de los 90 Emmanuelle Béart. La trama se centra en Stéphane (Auteil), un introvertido experto en la fabricación y reparación de instrumentos de cuerda que regenta un taller junto a su socio Maxime. Un día éste le trae para reparar el violín de una joven concertista llamada Camille (Béart), el cual es arreglado con el esmero habitual de Stéphane. Una vez devuelto a su dueña ésta comienza a verse fascinada poco a poco por su personalidad callada pero misteriosa, y aparentemente ajena a las emociones cotidianas.

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Ficha técnica y artística

Un Corazón en Invierno (Un Coeur en Hiver). Francia, 1992, 105 min.

Dirección: Claude Sautet

Intérpretes: Daniel Auteil, Emmanuelle Béart, André Dussollier

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Crónica de Atticus Finch

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Fargo

Comentario de FARGO

Durante los más de veinticinco años que los hermanos Coen llevan escribiendo y dirigiendo películas se han ganado a pulso el contar con un sello personal muy particular que suele impregnar la mayor parte de sus trabajos. Para su quinto largometraje, que iba a marcar un punto de inflexión en su carrera, los Coen decidieron adaptar una tremenda historia criminal ocurrida a finales de la década de los 80 en la ciudad estadounidense de Fargo. Este lugar, ubicado en el estado de Dakota del Norte, es probablemente un buen ejemplo de una zona de este país poco conocida y tratada por el cine, la que representa el Medio Oeste norteño. Estados rurales y poco poblados como Wyoming, las dos Dakotas, Montana o Nebraska son lugares que solo suelen aparecer en westerns o alguna que otra película costumbrista. Viajar allí supone internarse en la Norteamérica más profunda e inaccesible, donde sus habitantes tienen un ritmo vital bastante peculiar que es aprovechado por los Coen para ofrecer un buen surtido de su inconfundible humor negro.

La película arranca con el lamentable plan ideado por Jerry Lundegaad (William H. Macy), un jefe de ventas de un concesionario de coches que decide organizar el secuestro de su propia mujer para poder pedir un buen rescate a cuenta de su suegro millonario. Para ello contrata los servicios de dos criminales bastante chapuceros que finalmente llevan a cabo el trabajo, aunque todo se complica con el asesinato de varias personas en el proceso. La investigación del caso recae en la policía local, entre cuyos miembros destaca por su sentido común la agente Marge Gunderson (Frances McDormand), una típica y apacible mujer del Medio Oeste que está cerca de dar a luz a su primer hijo.

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Ficha técnica y artística

Fargo. EEUU, 1996, 97 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi

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Crónica de Atticus Finch

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El Último Truco

Comentario de EL ÚLTIMO TRUCO

En esta bitácora cinéfila hemos abordado en estos años multitud de géneros cinematográficos, incluido el documental, a fin de repasar de una manera amplia y enriquecedora el séptimo arte. Hoy traemos un excelente documental nacional que relata la labor de Emilio Ruiz del Río, un verdadero mago de los efectos especiales que trabajó en multitud de películas conocidas donde dejó su huella de genio del cine. Si Emilio hubiese sido norteamericano en vez de español haría ya tiempo que le habrían dado multitud de premios y reconocimientos, y probablemente sería bastante conocido por el público. Del páramo cultural que era la España de los años 50 surgió un hombre que acabaría especializado en efectos visuales con maquetas, la técnica de los vidrios pintados y el uso de la perspectiva para crear ilusiones perfectas.

Su talento lo llevó a colaborar con el mítico productor Dino de Laurentis en algunas películas épicas italianas para posteriormente trabajar en títulos internacionales tan conocidos como "Espartaco" (Stanley Kubrick, 1960), "Lawrence de Arabia" (David Lean, 1962), "Patton" (Franklin J. Schaffner, 1970) o "Dune" (David Lynch, 1984). A ellas se les une multitud de cintas españolas donde a pesar de contar con poco presupuesto Emilio era capaz de arreglárselas para sorprender al espectador. Como ejemplo, la famosa voladura del coche del almirante Carrero Blanco en "Operación Ogro", que ya ha pasado a formar parte de los documentos audiovisuales de la Transición. Y otros menos serios como el primer superhéroe español que surcó los cielos en el cine, el increíble Supersonic Man.

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Ficha técnica y artística

El Último Truco. España, 2008, 91 min.

Dirección: Sigfrid Monleón

Intérpretes: documental

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Crónica de El Maquinista

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La Semilla del Diablo

Comentario de LA SEMILLA DEL DIABLO

Gracias al éxito de su primer largometraje, "El Cuchillo en el Agua" (1962), Roman Polanski tuvo la oportunidad de trasladarse de su Polonia natal a Inglaterra para continuar allí su carrera cinematográfica. En el Londres de los años 60 prepararía sus siguientes proyectos ("El Baile de los Vampiros", "Repulsión") hasta que finalmente se le presentó la oportunidad de cruzar el charco rumbo a los Estados Unidos. Para su primera cinta de producción norteamericana Polanski iba a rodar uno de los pilares del terror psicológico moderno, "La Semilla del Diablo" , una obra polémica envuelta en la leyenda negra de las películas malditas por todo lo que le pasaría poco después al director polaco. Y es que tras los trágicos sucesos de 1969 Polanski no solo fue capaz de retomar su carrera y mantenerse cuerdo, sino que además volvería a filmar grandes obras como "Chinatown" (1974) antes de abandonar suelo americano definitivamente. Su vuelta a Europa no mermaría una filmgrafía a la que aún se añadirían excelentes trabajos como "Tess" (1980), "La Muerte y la Doncella" (1994) o "El Pianista" (2002).

Los protagonistas de "La Semilla del Diablo" son Rosemary y Guy Woodhouse (Mia Farrow y John Cassavetes), una joven pareja neoyorkina que decide trasladarse a un elegante edificio de apartamentos en el corazón de Manhattan. La vivienda cuenta sin embargo con una sombría historia de sucesos extraños, algo que Rosemary atribuye a la casualidad y las habladurías. Sus vecinos son gente amable y educada, una comunidad muy unida que enseguida acoge a los Woodhouse con los brazos abiertos. Una vez instalados deciden tener un hijo y Rosemary aguarda con ilusión el momento en que se quede encinta. Pero una noche ocurre algo inexplicable en la que ésta es presa de fuertes alucinaciones y que da comienzo a un embarazo que va a convertirse en una auténtica pesadilla.

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Ficha técnica y artística

La Semilla del Diablo (Rosemary's Baby ). EEUU, 1968, 132 min.

Dirección: Roman Polanski

Intérpretes: Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon

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Crónica de El Maquinista

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2046

Comentario de 2046

Debido a las visicitudes históricas y políticas que ha vivido China en el último siglo su cine se ha visto forzosamente dividido en tres corrientes principales. La primera corresponde a la China continental, donde el partido comunista lleva gobernando desde hace seis décadas y cuya cinematografía emepezó a asomar la cabeza internacionalmente a finales de los años ochenta de la mano de realizadores como Zhang Yimou. La segunda se circunscribe a la isla de Taiwan, otrora último bastión de las fuerzas del Kuomintang tras la guerra civil que libraron contra los comunistas de Mao Zedong. Este territorio independiente de facto ha sido mucho más permeable a influencias occidentales y gracias a ello se han podido abordar temáticas censuradas en el continente, siendo Ang Lee una de sus más importantes figuras. Por último se encuentra el enclave de Hong Kong, cuyo periodo de colonia británica y su posterior estatus de zona especial dentro de la República Popular de China la han convertido en una inclasificable mezcla entre Oriente y Occidente. Su potente industria audivisual se ha especializado desde hace mucho en productos de acción y artes marciales que exportaba a toda Asia, aunque el éxito en todo el globo llegaría en los 70 con las cintas protagonizadas por Bruce Lee y posteriores derivados. Sin embargo durante la década de los 90 comenzaría a surgir una nueva ola de directores más serios que han ido cambiando poco a poco la imagen del cine hongkonés, como es el caso de Won Kar Wai.

Y es que en "2046" el realizador chino emprende una onírica continuación de su reconocida predecesora "In The Mood for Love", siguiendo las peripecias vitales del periodista y escritor protagonista (Tony Leung) en el Hong Kong de los años 60. La melancolía que le ha dejado su relación con Su Lizhen (Maggie Cheung) en la ya mencionada película da paso a otras amistades y reflexiones. Paralelamente la cámara se interna por los relatos futuristas salidos de su imaginación que no son sino sus propios sentimientos proyectados a un tiempo lejano, allá en 2046.

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Ficha técnica y artística

2046. China-Hong Kong, 2004, 120 min.

Dirección: Won Kar Wai

Intérpretes: Tony Leung, Zhang Ziyi, Gong Li

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Crónica de Atticus Finch

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Desaparecido

Comentario de DESAPARECIDO

Hace un tiempo este cronista realizó una entrada comentando "La Batalla de Argel" de Gillo Pontecorvo, lo que dio pie a hablar un poco sobre el llamado cine político tan en boga durante los años 60 y 70. En Europa el mayor exponente de este género es probablemente el realizador griego Costa-Gavras, quien lleva abordando temas comprometidos desde hace más de cuarenta años. Este tipo de cine es sin embargo muy susceptible de envejecer mal y resultar completamente anacrónico, cayendo muchas veces en tópicos, perspectivas sesgadas y falta de rigor histórico. Afortunadamente la filmografía de Costa-Gavras cuenta con un buen puñado de obras que resisten bien el paso del tiempo gracias al tratamiento de historias con multitud de ángulos y aristas. Su cámara acompaña a personajes frente a situaciones límite: la investigación judicial del asesinato de un opositor político en "Z" (1969), las purgas comunistas de "La Confesión" (1970) o los intereses ocultos tras los golpes de estado sudamericanos en "Estado de Sitio" (1973). Además Gavras sabe también aproximarse a los dramas familiares que pueden desencadenarse en estas situaciones como en "Desaparecido" (1982) o "La Caja de Música" (1989).

"Desaparecido" se sitúa en Santiago de Chile en 1973 al poco tiempo del golpe de estado perpetrado por un grupo de mandos militares encabezados por Augusto Pinochet. Hasta allí llega Ed Horman (Jack Lemmon) tras habérsele comunicado que su hijo Charles ha desaparecido sin dejar rastro. Pronto se reúne con su nuera Beth (Sissy Spacek) quien ya lleva buscando a Charlie desde hace días. Ambos llevaban un tiempo viviendo juntos en Santiago cuando les sorpendió el golpe militar. Ed tiene miedo de que las ideas izquierdistas de su hijo le puedan haber llevado a ser secuestrado por algún tipo de escuadrón parapolicial, pero mantiene la total convicción de encontrarlo sano y salvo gracias a su condición de ciudadano estadounidense. Tras pedir colaboración en la embajada de los EEUU iniciará junto a Beth un kafkiano peregrinaje por comisarías, cuarteles y centros de detención en busca del paradero de Charlie. Poco a poco va saliendo de su inicial distanciamiento ante lo que está ocurriendo en el país al encontrarse con una maquinaria perfectamente organizada para hacer desaparecer a todas las personas consideradas potencialmente subversivas por el nuevo régimen militar. Mientras el abatimiento y la incredulidad se apoderan de él, en su interior comienza a cobrar fuerza la idea de que quizás no pueda encontrar a su hijo, independientemente de que esté vivo o muerto.

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Ficha técnica y artística

Desaparecido (Missing). EEUU, 1982, 122 min.

Dirección: Costa-Gavras

Intérpretes: Jack Lemmon, Sissy Spacek, Melanie Mayron

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Crónica de Atticus Finch

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Mulholland Drive

Comentario de MULHOLLAND DRIVE

A mediados de los años 80 David Lynch consolidó las bases de su estilo tan peculiar con "Terciopelo Azul" (1986), después de haber pasado por diversos tratamientos visuales en sus tres cintas anteriores, "Cabeza Borradora", "El Hombre Elefante" y "Dune". Desde entonces sus trabajos han contado casi siempre con los elementos recurrentes de su universo: secuencias oníricas, tramas complejas, personajes bizarros y multitud de habitaciones con cortinas rojas. La única excepción la constituye la excelente "Una Historia Verdadera" (1999), alejada completamente del resto de su filmografía. Tras recibir gran éxito con esta película Lynch comenzó a trabajar en un proyecto con el que retornaría al mundo televisivo que ya le diera fama con "Twin Peaks", para lo cual inició la escritura de una ambiciosa serie de calidad cinematográfica llamada "Mulholland Drive". Finalmente la idea de la serie se paró y el proyecto acabó siendo un largometraje hipnótico que funciona a modo de rompecabezas, en el que su director camina por el estrecho borde que separa la coherencia narrativa y el delirio puramente lynchiano. Como regalo la cinta supondría el descubrimiento de la gran actriz australiana Naomi Watts.

La película cuenta (más o menos) la historia de Betty Elms (Naomi Watts), una actriz que se traslada a Los Angeles para intentar probar suerte en la industria del cine. Un día se encuentra en su casa a una mujer amnésica (Laura Harring) que no recuerda quién es ni como ha llegado allí. Juntas inician la búsqueda de su identidad a través de la gran ciudad mientras van apareciendo más preguntas que respuestas. Paralelamente un joven director de Hollywood (Justin Theroux) está siendo chantajeado por oscuros personajes para elegir a una determinada actriz como protagonista de su próximo trabajo mientras es acosado diariamente por desconocidos. La calle Mulholland Drive juega un papel decisivo en sus historias respectivas.

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Ficha técnica y artística

Mulholland Drive. EEUU-Francia, 2001, 147 min.

Dirección: David Lynch

Intérpretes: Naomi Watts, Laura Harring, Justin Theroux

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Crónica de El Maquinista

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De Repente, el Último Verano

Comentario de DE REPENTE, EL ÚLTIMO VERANO


De entre el gran número de géneros y subgéneros cinematográficos existen algunos muy vinculados a un determinado país o que directamente son patrimonio exclusivo de un solo territorio; este es el caso del llamado drama sureño. Las películas englobadas bajo esta etiqueta son cintas dramáticas cuyas tramas se ubican en el Sur histórico de los Estados Unidos tanto en el siglo XIX como en el XX. Suelen recurrir a elementos muy vinculados al imaginario de la región, como la cultura agraria, la Guerra de Secesión, su profundo espíritu conservador o el fantasma de la esclavitud, entre otros. Estos ingredientes resultan idóneos para crear atmósferas opresivas y decadentes, muy utilizadas por ejemplo en largometrajes basados en obras teatrales de Tennessee Williams: "Un Tranvía llamado Deseo", "La Gata sobre el Tejado de Zinc", "De Repente el Último Verano" o "La Noche de la Iguana". El abanico de estilos es amplio pero siempre impregnado de ese inconfundible toque propio de lugares como Lousiana, Alabama o Georgia, también presente en otras grandes películas: "Lo Que el Viento se Llevó", "La Jauría Humana", "En el Calor de la Noche" y un largo etcétera de buenos títulos.

"De Repente, el Último Verano" se sitúa en 1937 en Nueva Orleans, donde el doctor Cukrowicz (Montgomery Clift) ejerce como neurocirujano en un centro hospitalario. Un día es contactado por una acaudalada dama de la ciudad (Katharine Hepburn) que pasa por una complicada etapa tras la muerte de su hijo adulto, Sebastian, durante unas vacaciones en Europa el verano pasado. Ésta le ofrece una importante donación de dinero para mejorar las instalaciones del hospital a cambio de que realice una lobotomía a su sobrina Catherine (Elizabeth Taylor), quien acompañó a Sebastian en esas fatídicas últimas vacaciones. Tras su muerte Catherine ha estado profundamente perturbada y recluída en un sanatorio mental, presa de recuerdos insoportables que no consigue relatar. Cukrowicz decide ir a visitarla para hacer su propio diagnóstico psiquiátrico antes de realizar la peligrosa operación, lo que le lleva a encontrarse un caso más enrevesado de lo que parecía. La muerte de Sebastian y los acontecimientos que le precedieron no están claros y las versiones de Catherine y su tía son diferentes, por lo que finalmente Cukrovicz decide ayudar a la joven a superar su trauma para sanarla y que toda la verdad salga a flote.

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Ficha técnica y artística

De Repente, el Último Verano (Suddenly, the Last Summer). EEUU, 1959, 114 min.

Dirección: Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Katharine Hepburn

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Crónica de Atticus Finch

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Enemigo a las Puertas

Comentario de ENEMIGO A LAS PUERTAS

Las películas sobre la II Guerra Mundial ocupan desde hace muchos años un puesto de gran importancia dentro del género de cine bélico y se han centrado casi siempre, por razones obvias, en avatares ocurridos a las tropas de los países aliados. De las tres grandes potencias que componían este bando, Estados Unidos, Reino Unido y Unión Soviética, es sin duda ésta última la que ha contado de lejos con la menor atención en las pantallas. Algo lógico ya que hubiese resultado extraño que el cine occidental se ocupara de las hazañas bélicas del que sería su enemigo más acérrimo durante las cuatro décadas posteriores a la guerra. Una de las pocas excepciones es "Enemigo a las Puertas", superproducción europea que se adentra en la decisiva batalla de Stalingrado donde el general invierno y la extraordinaria perseverancia del Ejército Rojo consiguieron frenar a las tropas alemanas en su intento de invadir Rusia. A cargo de la realización se encuentra el director francés Jean-Jacques Annaud, conocido principalmente por otros títulos como "El Nombre de la Rosa" (1986) y "El Oso" (1988).

La película se sitúa en la crucial batalla de Stalingrado que se desarrolló a lo largo de varios meses de 1942 en esta ciudad del sur de Rusia a orillas del Volga. Hasta esos momentos la guerra aún permanecía inclinada del bando alemán, ya que el Reich controlaba toda Europa, Gran Bretaña estaba acorralada y los EEUU aún acababan de unirse a la contienda. Hitler decidiría en la primavera del 42 romper su pacto de no agresión con Stalin para intentar la hazaña de conquistar la gigantesca URSS, movimiento que pilló por sorpresa a Moscú y que conllevaría el avance imparable de las tropas nazis a lo largo de un frente de miles de kilómetros hasta llegar a las mismas afueras de la capital rusa. Sin embargo la batalla de Stalingrado permanece muy igualada, ambos bandos se sumergen en una guerra urbana mientras los alemanes cada vez reciben menos suministros del oeste y el ejército soviético no para de enviar sin descanso a miles de soldados al frente. Entre ellos se encuentra el joven campesino de los Urales Vasili Zaitsev (Jude Law), cuya gran destreza como tirador de élite le convierte poco a poco en una leyenda entre los suyos. Con la ciudad en ruinas éste se especializa en cazar soldados alemanes agazapado en los más diversos lugares gracias a su extraordinaria puntería. Su talento pronto intenta ser utilizado como propaganda por un comisario político (Joseph Fiennes) a la vez que Vasili conoce a una voluntaria del ejército por la que se siente fuertemente atraído (Rachel Weisz). Los nazis por su parte deciden traer desde Alemania a un reputado oficial y experto francotirador (Ed Harris) para que acabe de una vez por todas con él y la moral vuelva así a sus mermadas tropas. De esta manera ambos hombres comienzan a librar una lucha sin cuartel entre los escombros mientras la batalla sigue su imparable curso.

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Ficha técnica y artística

Enemigo a las Puertas (Enemy at the Gates). Francia-Reino Unido, 2001, 126 min.

Dirección: Jean-Jacques Annaud

Intérpretes: Jude Law, Joseph Fiennes, Rachel Weiz, Ed Harris

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Crónica de El Maquinista

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El Resplandor

Comentario de EL RESPLANDOR

Pocos directores de prestigio pueden presumir de tener una filmografía tan rica como la de Stanley Kubrick, quien durante casi medio siglo de carrera tocó una gran variedad de géneros distintos. Drama ("Lolita"), bélico ("Senderos de Gloria", "La Chaqueta Metálica"), épico ("Espartaco"), ciencia-ficción ("2001, Odisea del Espacio"), comedia negra ("Teléfono Rojo"), terror ("El Resplandor"), futuro distópico ("La Naranja Mecánica") o incluso cine histórico ("Barry Lyndon"). A pesar de abordar temáticas tan diferentes el realizador británico saldría airoso de todos estos proyectos independientemente de que el resultado final fuese mejor o peor en cada caso. Sus películas no son planas o anodinas, tienen personalidad y en general le gustan mucho a este cronista, salvo las más discretas "Barry Lyndon" y "Teléfono Rojo". Es probablemente a finales de los años 60 y principios de los 70 cuando Kubrick alcanza plenamente su estatus de director consagrado, tras haber sido capaz de poner en pie con éxito dos proyectos tan arriegados como "2001, Odisea del Espacio" (1968) y "La Naranja Mecánica" (1971). A partir de entonces sus trabajos van a ir espaciándose más en el tiempo y así es como en 1980 decide adaptar a la gran pantalla la novela de terror "El Resplandor", del escritor canadiense Stephen King. El rodaje, como era habitual con él, resultaría una experiencia agotadora para el equipo tras soportar el perfeccionismo extremo y las continuas exigencias del realizador. Kubrick podía ser un genio de cine, pero para los actores trabajar con él solía ser peor que un dolor de muelas.

La película narra la llegada del escritor Jack Torrance (Jack Nicholson) a un apartado hotel de las Montañas Rocosas que se prepara para cerrar la temporada de visitantes por el comienzo del invierno. Torrance ha sido contratado para vigilar el complejo mientras dura el cierre invernal, tiempo durante el cual estará completamente aislado por la nieve. Su idea es aprovechar la situación para concentrarse en escribir su próxima novela lejos de cualquier distracción, aunque finalmente se ha llevado con él a su mujer y a su pequeño hijo de siete años. Una vez se quedan solos en el hotel los días van pasando uno tras otro mientras se va creando una atmósfera irreal en torno a ellos y que poco a poco va inundándolo todo. Puede que sea fruto del aislamiento total al que están sometidos o debido a alguna influencia extraña que emana del lugar. El caso es que comienzan a suceder fenómenos sin explicación y Jack es arrastrado por ellos a una espiral de locura que lo trastorna por completo, a la vez que su hijo experimenta unas habilidades sobrenaturales pero innatas en él, conocidas como el resplandor.

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Ficha técnica y artística

El Resplandor (The Shining). EEUU, 1980, 146 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd

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El Ocaso del Samurái

Comentario de EL OCASO DEL SAMURÁI

El género de cine histórico centrado en el mundo de los samuráis ha tenido un largo recorrido en la cinematografía japonesa desde la implantación del cine en ese país, debido sin duda a la gran influencia que ha ejercido durante siglos en todos los ámbitos de su cultura. No obstante el género samurái alcanzaría pleno reconocimiento artístico y difusión internacional en los años 50, cuando importantes directores abordaron la temática con un tratamiento más sólido en las historias. A la cabeza se encuentra Akira Kurosawa, quien durante varias décadas filmó un buen número de cintas famosas casi siempre acompañado por el actor Toshiro Mifune: "Rashomon", "Los Siete Samuráis", "Yojimbo" o "Ran" son buenos ejemplos que tratan diferentes perspectivas de este universo. El cine samurái puede ubicarse a lo largo de varios siglos, desde los albores del medievo hasta finales del siglo XIX, cuando la Restauración Meiji emprendida por el emperador barrería la era de los shogun y con ellos al sistema feudal, samuráis incluidos. Sus historias pueden hablar de temas tan interesantes como el camino del guerrero (el bushido), la reprimida sociedad japonesa, los samuráis errantes sin señor al que servir (los míticos ronin) o la traumática desaparición de su mundo, cuando les arrebataron las katanas definitivamente. Aunque su casta fuera abolida formalmenete, su filosofía de vida ha seguido impregnando a todas la generaciones japonesas, incluyendo a otros cineastas aparte de Kurosawa como Masaki Kobayashi ("Harakiri", "Samurai Rebellion") o incluso al contemporáneo Takeshi Kitano ("Zatoichi"). Uno de los más bellos acercamientos al género ha sido llevado a cabo recientemente por el director Yoji Yamada, quien lanza una mirada desmitificadora y profundamente humana en su trilogía dedicada al tema: "El Ocaso del Samurai" (2002), "La Espada Oculta" (2004) y "Love & Honor" (2006). En ellas sus personajes huyen de los tópicos y se muestran como samuráis cercanos, ajenos al mito de la espada y el sacrificio inútil, tan solo deseosos de vivir el día a día lo mejor posible.

La acción de "El Ocaso del Samurái" transcurre a mediados del siglo XIX poco antes de la Restauración Meiji, en una era en la que la mayoría de los samuráis hace ya tiempo que han abandonado la guerra para dedicarse a tareas administrativas, aunque sigan portando sus katanas como seña de identidad. Su protagonista es Seibei Iguchi, un samurái viudo de bajo rango que trabaja como funcionario en el almacén de provisiones de uno de los castillos de su señor. El salario que recibe le llega a duras penas para mantener a sus hijas pequeñas y a su anciana madre, ya medio senil, por lo que tiene que dedicarse también a otros trabajos complementarios. De naturaleza sencilla y tranquila, la máxima aspiración de Seibei es vivir en paz y ver crecer a sus hijas sanas e independientes. Sin embargo la llegada al pueblo de una antigua amiga de la infancia y una peligrosa misión encargada por el clan al que pertenece van a trastocar por completo su rutina diaria.

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Ficha técnica y artística

El Ocaso del Samurai (The Twilight Samurai). Japón, 2002, 129 min.

Dirección: Yoji Yamada

Intérpretes: Hiroyuki Sanada, Rie Miyazawa, Nenji Kobayashi

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Crónica de El Maquinista

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Río Salvaje

Comentario de RÍO SALVAJE

El director norteamericano Elia Kazan comenzó la década de los 60 de forma sobresaliente con la película "Río Salvaje", un drama que se adentraba en las profundidades del Sur estadounidense para retratar las relaciones personales y el arraigo a la tierra. Para ello contaría con dos grandes intérpretes protagonistas, Montgomery Clift y Lee Remick, actores que no son tan recordados por el gran público como otras grandes estrellas de primera fila pero que cuentan con un buen puñado de importantes largometrajes en los que siempre llevaron a cabo trabajos excelentes. Clift es probablemente uno de los actores más atormentados que hayan pasado nunca por la gran pantalla y una persona que poco a poco fue sumergiéndose en una espiral autodestructiva que finalmente acabaría con su vida. Para la posteridad quedan sus papeles en obras como "De Aquí a la Eternidad", "Yo confieso", "De Repente, el Último Verano" o "Vidas Rebeldes". Por su parte, la imagen de Lee Remick no puede ser más diferente, ya que sus personajes transmiten veracidad y ternura, ya sea en películas tan diferentes como "Días de Vino y Rosas", "Anatomía de un Asesinato" o la propia "Río Salvaje".

La cinta hoy comentada narra la llegada de un funcionario de la Administración llamado Chuck Glover (Montgomery Clift) a las inmediaciones de un pequeño pueblo sureño a orillas del río Tennessee a comienzos de los años 30. La zona lleva años sufriendo frecuentes inundaciones por las crecidas del río y el gobierno federal ha decidido evacuar definitivamente todo el valle y llevar a cabo la construcción de una presa hidroeléctrica en las cercanías de la localidad. Todas las tierras ribereñas quedarán anegadas en pocas semanas una vez se ponga en marcha la presa, por lo que durante los meses anteriores se ha procedido a la expropiación de los terrenos en la región. Chuck ha sido enviado a supervisar los últimos trámites y a intentar convencer a la propietaria de la última parcela sin desalojar de vender su terreno y trasladarse a vivir a una nueva casa en el pueblo. La mujer es una obcecada anciana, Ella Garth (Jo Van Fllet), que se niega a abandonar su casa y la tierra de sus antepasados, mientras sigue con su vida junto a su familia y un reducido número de trabajadores negros que continúan realizando las labores de cosecha en la pequeña finca. Tras varios intentos infructuosos de convencerla, un día conoce a su nieta Carol (Lee Reemick), una joven viuda que no tiene muy claro si debe emprender su vida en otro lugar o permanecer en la casa familiar. Poco a poco comenzarán a aflorar sentimientos entre ambos mientras el tiempo antes de las inundaciones se acaba.

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Ficha técnica y artística

Río Salvaje (Wild River). EEUU, 1960, 109 min.

Dirección: Elia Kazan

Intérpretes: Montgomery Clift, Lee Remick, Jo Van Fleet

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Crónica de Atticus Finch