Fuga de Alcatraz

Comentario de FUGA DE ALCATRAZ

La carrera cinematográfica de Clint Eastwood es probablemente una de las más fascinantes de la época contemporánea, ya que ha evolucionado durante cinco décadas a través de un buen número de registros y estilos diferentes tanto en su vertiente de intérprete como de director. Personalmente me gusta dividirla en tres etapas distintas: la primera comprende los inicios del joven Eastwood en los años 60 con la trilogía western de Sergio Leone y otros trabajos que le brindarían su imagen icónica de hombre imperturbable tan ligada al cine del Oeste. La segunda etapa arranca a comienzos de los 70 cuando Eastwood por fin alcanza el estrellato en EEUU gracias a "Harry el Sucio" (1971), inaugurando quince años en los que explota su perfil de anti-héroe políticamente incorrecto y duro a lo largo de varias películas policiacas o de acción con un calidad irregular. Y finalmente la tercera nace a finales de la década de los 80 cuando Eastwood se revela definitivamente en su faceta de realizador ("El Jinete Pálido", "Bird") consiguiendo el pleno reconocimiento de la crítica con "Sin Perdón", punto de inflexión a partir del cual se convertirá en uno de los autores norteamericanos más relevantes de la actualidad. Sus largometrajes ganan en profundidad, las tramas son más complejas y abordan aspectos nada sencillos, en ocasiones con fuertes críticas a la sociedad estadounidense. Eastwood, en ocasiones menospreciado y tachado erroneamente de conservador reaccionario (como si eso por otra parte impidiese rodar buenas cintas) no es sino un hombre que sigue su propio camino, lo que en Norteamérica llamarían un outsider o maverick, alguien que no está adscrito a la ortodoxia de unas posiciones fijas y que va por libre manteniendo su coherencia y valores. Algo que muchos le agradecemos enormemente.

"Fuga de Alcatraz" supone la quinta y última colaboración de Clint Eastwood y el director Don Siegel, quien le había convertido en su actor fetiche tras protagonizar "Dos Mulas y Una Mujer" y "Harry el Sucio", entre otras. En esta ocasión la trama lleva al espectador a la antigua prisión de Alcatraz, auténtica fortaleza enclavada en un islote en la bahía de San Francisco. Hasta allí es enviado el convicto Frank Morris (Eastwood), un hombre de gran fortaleza pero con una larga condena por delante. Su llegada a la cárcel le sumerge en un universo hostil en el que su tendencia a no dejarse intimidar le llevará a enfrentarse con el despiadado alcaide de la prisión y a buena parte de los reclusos. Junto a un reducido número de compañeros decide finalmente trazar un plan de evasión considerado hasta hora imposible: atravesar los muros de la celda, internarse por los conductos de ventilación y salir a nado de la isla a través de sus heladas aguas. La cuenta atrás para el éxito o fracaso de la fuga acaba de empezar.

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Ficha técnica y artística

Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz). EEUU, 1979, 112 min.

Dirección: Don Siegel

Intérpretes: Clint Eastwood, Patrick McGoohan, Fred Ward

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Crónica de Atticus Finch

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Tiempos de Gloria

Comentario de TIEMPOS DE GLORIA

En la filmografía del director Edward Zwick no abundan películas muy reseñables con la excepción de su debut "Tiempos de Gloria" (1989), "Leyendas de Pasión" (1994) o "El Último Samurai" (2003). Desde hace bastantes años se ha convertido en un eficaz realizador de productos comerciales con unos buenos niveles de calidad, pero es quizás en su vertiente como productor donde ha conseguido mayores éxitos ("Shakespeare in Love", "Traffic"). Sin embargo su ópera prima está a un nivel muy superior al del resto de sus trabajos gracias a un poderoso retrato de la guerra civil estadounidense (1861-1865), una contienda de gran trascendencia histórica que no ha contado con muchas adaptaciones a la gran pantalla, con notables excepciones como "Lo que el Viento se Llevó" o "El Nacimiento de una Nación". Este complejo conflicto tampoco ha sido abordado normalmente de forma seria, dejando que los temas más superficiales fueran los protagonistas. Las profundas diferencias sociales, económicas y políticas entre los estados del Norte y el Sur tendrían una importancia determinante en el desencadenamiento de la guerra, al igual que el choque entre dos modelos de crecimiento opuestos: el industrial y proteccionista del Norte frente al agrario y de libre comercio sureño.

"Tiempos de Gloria" es el relato de la formación del primer regimiento de soldados negros del ejército de la Unión. A pesar de que la esclavitud estaba abolida en los estados del Norte los hombres de raza negra seguían siendo considerados como ciudadanos de segunda clase. Así, tanto las tropas unionistas como confederadas estaban enteramente formadas por blancos, pero a mitad del conflicto el presidente Lincoln aprobaría un decreto para la incorporación efectiva de soldados afroamericanos al ejército norteño. La misión de seleccionar, adiestrar y dirigir en combate a estos nuevos reclutas es encomendada al teniente del regimiento 54 de Massachusetts Robert G. Shaw (Matthew Broderick), un joven oficial de gran eficacia y obediencia pero al que la guerra está destruyendo moralmente por dentro. Ante él se presenta un multitudinario grupo de voluntarios, desde antiguos esclavos (Morgan Freeman) como a huidos procedentes del Sur (Denzel Washington), todos ellos con un enorme deseo de luchar por su dignidad como hombres libres. Su involucración en los campos de batalla les mostrará la cara más oscura de su ya por sí difícil vida pero también el camino de la esperanza.

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Ficha técnica y artística

Tiempos de Gloria (Glory). EEUU, 1989, 122 min.

Dirección: Edward Zwick

Intérpretes: Matthew Broderick, Denzel Washington, Morgan Freeman

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Crónica de El Maquinista

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El Tren

Comentario de EL TREN


A lo largo de la historia del cine ha habido numerosos casos en los que la relación profesional entre un director y su actor fetiche ha alcanzado tal número de colaboraciones importantes que las carreras de ambos han quedado marcadas por ella. Buenos ejemplos son los proyectos que compartieron Akira Kurosawa y Toshiro Mifune, Woody Allen y Mia Farrow o Martin Scorsese y Robert De Niro. Otro caso menos intenso pero no por ello desestimable fue la fructífera asociación que el realizador John Frankenheimer estableció con Burt Lancaster a comienzos de los años 60 dando como resultado "Los Jóvenes Salvajes" (1961), "El Hombre de Alcatraz" (1962), "Siete Días de Mayo" y "El Tren", ambas en 1964. Bajo el nada original título de ésta última se esconde muy probablemente la obra maestra de Frankenheimer, un auténtico tesoro con brillante pulso narrativo marca de la casa y sensacional puesta en escena. Para ello el director norteamericano se apoyaría en dos actores enormes que libran su propia batalla personal a lo largo del metraje, Burt Lancaster y el genial pero no muy conocido Paul Scofield, quien es recordado sobre todo por su premiada interpretación de Tomás Moro en el clásico de Fred Zinnemann "Un Hombre para la Eternidad" (1966).

"El Tren" sitúa al espectador en la Francia ocupada de la II Guerra Mundial, la cual está siendo abandonada precipitadamente por los nazis debido a la ofensiva aliada tras el desembarco de Normandía. París será previsiblemente liberada en pocas semanas y hay que quemar documentos y saquear todo lo posible hasta entonces. El oficial alemán Von Waldheim (Paul Scofield) ha sido durante los últimos meses el director de uno de los museos de arte más importantes de la capital, el cual alberga obras maestras de Monet, Picasso, Van Gogh, Cézanne y otros grandes pintores. Tras serle comunicado que debe partir inmediatamente de vuelta a Alemania decide llevarse por todos los medios los cuadros de la galería tanto por su significado cultural, que aprecia sumamente, como por el valor incalculable que suponen. Tras complicadas gestiones finalmente consigue disponer de tropas para realizar el cometido y de un tren que llevará todo el material a Berlín. Paralelamente miembros de la resistencia clandestina en París han conocido sus intenciones y deciden activar un plan de sabotaje para que el tren nunca cruce la frontera y las obras de arte permanezcan en suelo francés. En la misión se ve involucrado contra su voluntad una destacada figura de la resistencia, el ferroviario Labiche (Burt Lancaster), quien no aprueba que se arriesguen tantas vidas por un cargamento de cuadros dada la complejidad logística y todos los riesgos que supone. Empujado por las circunstancias finalmente se convertirá en el cabecilla de un operativo contrarreloj que tendrá que detener al astuto Von Waldheim y a su tren.

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Ficha técnica y artística

El Tren (The Train). EEUU, 1964, 133 min.

Dirección: John Frankenheimer

Intérpretes: Burt Lancaster, Paul Scofield, Jeanne Moreau

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Crónica de Atticus Finch

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Valor de Ley

Comentario de VALOR DE LEY

En la heterogénea filmografía de los hermanos Joel y Ethan Coen aparece un variado abanico de géneros incluyendo dramas, cine negro, policiaco o comedia. Aunque bien es cierto que en la mayor parte de sus obras, sea de la temática que sea, los Coen suelen mantener unas claves estilísticas propias con las que han definido la forma de abordar sus historias. Con su último trabajo, "Valor de Ley", han decidido introducirse en el difícil mundo del western, un género que habitualmente duerme en segundo plano desde hace décadas pero que cada cierto tiempo reaparece con esplendor gracias a directores como Clint Eastwood ("El Jinete Pálido", "Sin Perdón") o Kevin Costner ("Bailando con Lobos", "Open Range"). Sin embargo el cine del Oeste no es algo completamente ajeno para los Coen, ya que al fin y al cabo unas cuantas películas suyas utilizan los mismos códigos y se pueden considerar como westerns contemporáneos , tal es el caso de "Fargo" (1996) y "No es País para Viejos" (2007). Para esta ocasión se basarían en una cinta ya existente dirigida por Henry Hathaway en 1967 y que estuvo protagonizada por John Wayne en uno de sus últimos papeles. Gracias a su interpretación del alguacil Cogburn, con parche en el ojo incluído, Wayne conseguiría un Oscar que probablemente suponía un reconocimiento más amplio a la trayectoria de este actor tan ligado al western.

"Valor de Ley" narra la venganza que emprende una valiente joven de catorce años (Hailee Steinfeld) para encontrar y capturar al asesino de su padre, un forajido llamado Tom Chaney. Para ello decide contratar los servicios de un veterano pistolero tuerto pero de excelentes habilidades, el alguacil Rooster Cogburn (Jeff Bridges). Este acepta a regañadientes la oferta para conseguir algo de dinero, aunque no puede evitar que la muchacha le acompañe en busca de Chaney. A ellos se les une un pomposo ranger de Tejas (Matt Damon) que lleva persiguiendo al forajido durante meses por delitos cometidos en otros territorios, pero que hasta ahora ha sido incapaz de atraparlo. Juntos iniciarán su periplo atravesando peligrosas tierras donde la naturaleza no tiene clemencia con los hombres y en las que solo cabe recurrir al fusil para sobrevivir. Su particular caza no ha hecho más que comenzar.

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Ficha técnica y artística

Valor de Ley (True Grit). EEUU, 2010, 110 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Jeff Bridges, Matt Damon, Hailee Steinfeld

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Crónica de Atticus Finch

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Network

Comentario de NETWORK


Para cualquier persona que debute en el cine con una obra excepcional del calibre de "Doce Hombres sin Piedad" (1957) el resto de su filmografía puede hacerse muy cuesta arriba. Afortunadamente no ha sido el caso de Sidney Lumet, quien en sus cinco décadas detrás de las cámaras consiguió dejar para la posteridad un buen puñado de títulos sobresalientes. Durante su etapa de mayor apogeo, los años 60 y 70, Lumet se convirtió en uno de los directores norteamericanos más combativos, abordando con frecuencia temas de hondo calado social, político y moral. Junto a otros compañeros de profesión como John Frankenheimer radiografió sin concesiones el lado oscuro de la sociedad, estrenando obras como "La Colina" (1965), "Serpico" (1973) o "Network" (1976). A pesar de que en los 80 comenzó su declive aún seguiría ofreciendo periódicamente estupendos largometrajes: "Veredicto Final" (1982), "La Noche cae sobre Manhattan" (1996) o su último trabajo "Antes que el Diablo sepa que has Muerto" (2007), portentoso thriller que Lumet dirigió siendo ya octogenario.

La historia de "Network" lleva al espectador a las alcantarillas del mundo televisivo, donde moran oscuros personajes que solo se rigen por los beneficios económicos y la cuota de pantalla. El veterano presentador de noticias Howard Beale (Peter Finch) sufre los efectos de esa política al serle comunicado que su programa será cancelado en una semana debido a su bajo índice de audiencia, a pesar de todos los esfuerzos realizados por el jefe de informativos Max Schumacher (William Holden) para contener a los directivos de la cadena. Incapaz de asumirlo, Beale anuncia durante su penúltimo programa que se despedirá en su último informativo volándose los sesos delante de las cámaras. Espantado al ver que su amigo está perdiendo la cabeza, Schumacher intenta convencerlo de que abandone ya y se tome un tiempo de descanso para recuperarse. Sin embargo los directivos del canal ven un filón en el presentador al comprobar el interés sensacionalista que sus declaraciones han causado entre el público. De este modo consiguen que no lleve a cabo su amenaza y le conceden más protagonismo con un espacio televisivo propio donde pronunciar sus incendiarias y alocadas reflexiones. Schumacher se niega a participar en la demencial estrategia y es sustituído por una jefa de contenidos sin escrúpulos (Faye Dunaway), cuya intención es exprimir al desequilibrado Beale hasta conseguir los mejores índices de audiencia de la historia de la cadena. Así, hundiéndose cada vez más en la inmundicia moral, acaban de encender la mecha de una bomba de relojería a punto de estallar.

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Ficha técnica y artística

Network. EEUU, 1976, 121 min.

Dirección: Sidney Lumet

Intérpretes: Peter Finch, William Holden, Faye Dunaway

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Crónica de El Maquinista

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La Lista de Schindler

Comentario de LA LISTA DE SCHINDLER

Al comenzar la década de los ochenta Steven Spielberg culminaba siete años prodigiosos que le habían convertido en el nuevo rey Midas del entretenimiento de calidad: "Tiburón" (1975), "Encuentros en la Tercera Fase" (1977), "En Busca del Arca Perdida" (1981) y "E.T." (1982). Estos cuatro títulos marcan de forma clara la primera etapa del director norteamericano, quien a partir de entonces empezará a abordar temas más serios en películas como "El Color Púrpura" (1985) o "El Imperio del Sol" (1987), aunque su nivel no alcance el de las obras anteriormente mencionadas. Este proceso de maduración probablemente tiene su punto de inflexión en 1993, año en el que Spielberg consigue pleno reconocimiento académico con "La Lista de Schindler". Paralelamente no deja de lado su compromiso con las cintas de aventuras, llegando a estrenar ese mismo año "Parque Jurásico" o, poco antes, la tercera entrega de la saga de Indiana Jones, "La Última Cruzada". A partir de entonces esta dualidad temática seguirá presente en su filmografía hasta nuestros días, con grandes piezas dramáticas ("Munich", "Salvar al Soldado Ryan") y buenos largometrajes de entretenimiento ("Minority Report").

"La Lista de Schindler" sumerge al espectador en la persecución de los judíos por parte del nazismo durante la II Guerra Mundial, desde la reclusión en los guetos hasta las terribles consecuencias de la llamada solución final, los campos de exterminio. Allí las personas son aniquiladas en masa como en una cadena de producción industrial salida de las mentes más retorcidas. En medio de esta pesadilla se mueve un empresario ajeno a todo ese sufrimiento, Oskar Schindler (Liam Neeson), quien decide aprovecharse del conflicto bélico para conseguir dinero fácil con sus fábricas. Para ello los alemanes le proporcionan mano de obra judía procedente de los campos, lo que le llevará a conocer a su eficiente contable Itzhak Stern (Ben Kingsley) y a las decenas de personas que trabajarán para él. Quizás sea por el contacto directo con ellos, quizás por pasar de verlos como anónimas figuras a ponerles cara y nombre, el caso es que Schindler empieza a verlos con otros ojos. Cada vez le cuesta más asistir impasible a las brutalidades del jefe de campo (Ralph Fiennes), hasta que poco a poco le van haciendo mella y rompen su dura coraza. Oskar pasa entonces de proteger judíos en beneficio propio a una conversión gradual pero decidida, una carrera por contratar más trabajadores a quienes salvar de un final próximo. Junto a su contable Stern elabora listas llenas de nombres, personas a las que localizar y sacar de los campos, a la vez que inteta sortear las suspicacias de los oficales.

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Ficha técnica y artística

La Lista de Schindler (The Schindler´s List). EEUU, 1993, 195 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes

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Crónica de Atticus Finch

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Terciopelo Azul

Comentario de TERCIOPELO AZUL

Corría el año de 1986 cuando el director David Lynch consiguió uno de los mayores éxitos de su carrera con "Terciopelo Azul", una hipnotizadora obra que iba a poner los cimientos del estilo que haría famoso a su autor en los años venideros. Lynch ya había recibido buenas críticas con uno de sus más tempranos trabajos, "El Hombre Elefante" (1980), aunque su siguiente película resultó ser la fallida "Dune" (1984), un difícil intento de llevar a la pantalla la excelente pero compleja novela de ciencia-ficción de Frank Herbert (que recomiendo encarecidamente). En esas estaba el realizador norteamericano cuando su trayectoria sufriría un punto de inflexión gracias a "Terciopelo Azul", cuyo tratamiento de la historia va a revelar las claves por las que es bien identificable hoy en día su autor: pasajes oníricos, narración hipnótica, personajes enigmáticos... En el cine de Lynch muchas veces importa más el cómo se cuentan las cosas en vez del por qué de ellas mismas. Un estilo propio con tantos admiradores como detractores y que personalmente me satura en ocasiones. Lynch lo ha seguido desarrollando durante los años tanto en el cine ("Mulholland Drive", "Carretera Perdida") como en la televisión ("Twin Peaks"), salvo ocasionales paréntesis estilísticos como el de la maravillosa "Una Historia Verdadera" (1999), de largo mi cinta preferida de este inclasificable director.

"Terciopelo Azul" arranca en una idílica comunidad residencial estadounidense, con casas unifamiliares y jardín, donde el joven universitario Jeffrey (Kyle MacLachlan) vuelve a casa a ver a su padre. La bucólica estampa del lugar se rompe el día que Jeffrey descubre por casualidad una oreja humana en mitad de un césped. El muchacho decide envolverla cuidadosamente en un pañuelo y llevarla a la oficina de la policía local, donde ponen cara de no saber muy bien qué hacer con ella. Finalmente una investigación se pone en marcha y Jeffrey no puede evitar sentirse profundamente atraído por el caso, sobre todo tras conocer a una vecina que resulta ser la hija del jefe policial (Laura Dern). Gracias a ella conocerá detalles sobre la trama y decidirá implicarse en el asunto por su cuenta y riesgo. Las pistas le llevarán a sumergirse en los bajos fondos de la ciudad y cruzarse en el camino con una enigmática cantante de un club nocturno (Isabella Rossellini), quien está siendo aparentemente chantajeada por un sádico criminal (Dennis Hopper).

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Ficha técnica y artística

Terciopelo Azul (Blue Velvet). EEUU, 1986, 120 min.

Dirección: David Lynch

Intérpretes: Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper

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Crónica de El Maquinista

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Esplendor en la Hierba

Comentario de ESPLENDOR EN LA HIERBA

Al finalizar los años 50 el director Elia Kazan había completado una década llena de éxitos cinematográficos pero parcialmente ensombrecida por sus testificaciones en el Comité de Actividades Antiamericanas que sacudirían los cimientos de la industria. Desde un punto de vista estrictamente profesional Kazan se encontraba en la cima gracias a títulos como "Viva Zapata", "Un Tranvía llamado Deseo" (que personalmente me aburre bastante) y la estupenda "La Ley del Silencio". Había apadrinado a jóvenes talentos emergentes como Marlon Brando, James Dean o Montgomery Clift, actores no solamente carismáticos sino además excelentes intérpretes. Su labor como realizador la complementaba con su implicación en el Actors Studio y la literatura, convirtiéndolo en una personalidad artística de lo más completa. Los años 60 verían declinar su estrella a partir de 1968 pero hasta entonces aún firmaría títulos tan buenos como "Río Salvaje" o "Esplendor en la Hierba", un verdadero monumento protagonizado por Natalie Wood y un entonces debutante Warren Beatty. Resulta curioso observar en el cine de Kazan ciertas temáticas o acercamientos totalmente avanzados para su época en materia de discriminación racial o sobre los valores morales de la sociedad, una actitud que resulta contradictoria teniendo en cuenta su etapa más oscura durante la Caza de Brujas. Un personaje controvertido pero de talento indiscutible.

"Esplendor en la Hierba" es un relato sobre los sentimientos de las personas y su evolución a través del tiempo y las experiencias, debido a circunstancias mundanas tanto como a puras coincidencias. También es el de un amor convertido en obsesión, el que siente la joven Dennie (impecable Natalie Wood) por el apuesto Bud (Warren Beatty). La acción se sitúa en una pequeña localidad estadounidense a finales de los años 20, pocos meses antes del hundimiento de la bolsa de Nueva York. Las clases medias gozan de una creciente prosperidad y la dulce Dennie es feliz durante los ratos que pasa con Bud al salir del instituto, profesandose ambos un fuerte cariño mutuo. El muchacho sin embargo sufre una creciente frustración interior en parte debida a la aplastante figura de su padre, un empresario de éxito que no deja respirar a su hijo planificándole cada detalle de su vida. La relación entre ambos jóvenes sufre un resquebrajamiento tan abrupto como carente de sentido, lo que provocará sendas crisis para cada uno de ellos con destinos bien dispares. Nada volverá a ser lo mismo.

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Ficha técnica y artística

Esplendor en la Hierba (Splendor in the Grass). EEUU, 1961, 124 min.

Dirección: Elia Kazan

Intérpretes: Natalie Wood, Warren Beatty, Pat Hingle

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Crónica de Atticus Finch

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Uno de los Nuestros

Comentario de UNO DE LOS NUESTROS

"Que yo recuerde, desde que tuve uso de razón siempre quise ser un gángster". Con esta sincera declaración de principios arranca la película de Martin Scorsese hoy comentada. El que la pronuncia no es otro que Henry Hill (Ray Liotta), el protagonista de este viaje a lo largo de tres décadas de la historia de la mafia. El sueño del joven Henry a mediados de los años 50 es como bien dice convertirse en gángster italoamericano, con la misma ilusión con la que otros muchachos de su edad desean ser profesor de literatura o bombero. De esta manera empezará su andadura como chico de los recados en el negocio mafioso que hay en la acera de enfrente de su casa, llegando a ganar sumas astronómicas de dinero con los primeros trabajos de vendetta, robo y extorsión. Junto a su mentor James Conway (Robert De Niro) y el brutal Tommy DeVito (Joe Pesci) formarán con el tiempo un triángulo criminal de gran éxito con sonados golpes y un estilo de vida al margen de todo sistema.

Con "Uno de los Nuestros" arrancó Scorsese de forma inmejorable la década de los 90, tras unos vacilantes años 80 donde ya era sin embargo una referencia cinematográfica gracias a "Taxi Driver" (1976) y "Toro Salvaje" (1980). Y es que el director norteamericano se ha convertido en todo un experto en retratar los ambientes mafiosos de varias épocas, como bien atestiguan otros títulos de su filmografía: "Casino", "Gangs of New York", "Infiltrados"..., aunque sigan siendo sus colaboraciones con Robert De Niro las que le han situado en el pedestal. "Uno de los Nuestros" no es la excepción, ya que Scorsese relata con gran virtuosismo esta fascinante historia que cuenta con un trío protagonista sencillamente magistral y un casting italoamericano tan creíble como deslumbrante. Imprescindible.

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Ficha técnica y artística

Uno de los Nuestros (Goodfellas). EEUU, 1990, 148 min.

Dirección: Martin Scorsese

Intérpretes: Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Lorraine Bracco

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Crónica de El Maquinista

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El Hombre de MacKintosh

Comentario de EL HOMBRE DE MACKINTOSH

Al comenzar los años 70 el director John Huston llevaba ya dos décadas afianzado entre los puestos más importantes del cine norteamericano, con una prolífica trayectoria llena de obras recordadas ("Vidas Rebeldes", "Moby Dick", "La Jungla de Asfalto"...). Pero lejos de acomodarse en su estatus, Huston va a seguir manteniendo un asombroso ritmo de trabajo que no abandonará hasta sus últimos días, llegando a dirigir "Dublineses" (1987), su última película, en silla de ruedas. El realizador comenzaría así los 70 con largometrajes como "Fat City", una descarnada mirada al lado más sombrío del boxeo, para pasar a continuación al género de suspense con "El Hombre de MacKintosh" (1973). Sólo tres años más tarde llegaría la obra maestra del cine de aventuras "El Hombre que Pudo Reinar", obra capital de su filmografía, y ya en los 80 "El Honor de los Prizzi". Toda una muestra del buen nivel que Huston mantuvo a lo largo de cuatro décadas en la cumbre.

"El Hombre de MacKintosh" es un soberbio thriller de espionaje protagonizado por Paul Newman en el papel del agente de la inteligencia británica Joseph Rearden, con la Guerra Fría como telón de fondo. Su superior es el enigmático MacKintosh, el cual le da órdenes en Londres para una nueva misión cuyo objetivo es descubrir una célula de espionaje soviético oculta en el país. Rearden deberá involucrarse así en un importante robo de diamantes y ser condenado a prisión como tapadera para entrar en contacto con potenciales miembros de la organización clandestina. Una vez desencadenada la misión todos los contendientes se encontrarán prácticamente solos librando una dura batalla al margen del sistema, con un resultado del todo incierto.

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Ficha técnica y artística

El Hombre de MacKintosh (The MacKintosh Man). EEUU-Reino Unido, 1973, 98 min.

Dirección: John Huston

Intérpretes: Paul Newman, Dominique Sanda, James Mason

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Crónica de HAL-9000

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In the Mood for Love

Comentario de IN THE MOOD FOR LOVE

En el panorama cinematográfico chino de los últimos tiempos destacan tres importantes directores, aunque cada uno con un estilo y un entorno profesional muy diferente: Zhang Yimou, Ang Lee y Wong Kar-wai. El primero lleva dos décadas siendo el mascarón de proa del cine chino, bien con sus relatos históricos y rurales ("La Linterna Roja", "El Camino a Casa") o con sus incursiones en el género épico ("Hero"). Sin embargo su carrera la ha llevado a cabo en la China continental bajo la amenaza de la censura del régimen comunista, lo que le ha acarreado represalias e incluso la inhabilitación para dirigir durante dos años. Las circunstancias de Ang Lee son bastante distintas, ya que ha vivido y rodado en la isla de Taiwan, el único territorio chino que ha quedado libre de la dictadura de Pekín. Gracias a ello Lee ha podido contar con mayores ventajas a la hora de rodar sus historias, como "El Banquete de Boda", "Comer, Beber, Amar" o "Tigre y Dragón". Por último tenemos a Wong Kar-wai, que se ha movido en un lugar completamente diferente, la ciudad de Hong-Kong. Este pequeño rincón asiático, que ha pasado de ser colonia inglesa a territorio chino con administración especial, es una mezcla inclasificable de Oriente y Occidente en la que se apretujan millones de personas en un reducido espacio, creando un entorno social y cultural único. Esto ha permitido que allí floreciera el cine chino más rompedor y cosmopolita, de lo que es un buen exponente este director.

Wong Kar-wai inició su carrera a comienzos de los años 90 y pronto cosechó éxitos con "Chungking Express" (1994) y "Happy Together" (1997), aunque el reconocimiento definitivo llegaría en el cambio de siglo con "In the Mood for Love" (2000) y su fascinante continuación llamada "2046" (2004). Para la película hoy reseñada contaría con dos pesos pesados de la interpretación china en los papeles protagonistas, Tony Leung y Maggie Cheung. La cinta narra el bello romance, entre real y platónico, de un periodista y una secretaria que viven en la misma planta de un edificio en el Hong-Kong de los años 60. El ambiente y la paleta de colores se convierten en un sello inconfundible de Wong Kar-wai, el cual imprime al largometraje una estética hipnotizadora acompañada de unas piezas musicales de gran poder melancólico y evocador.

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Ficha técnica y artística

In the Mood for Love. Hong-Kong, 2000, 98 min.

Dirección: Wong Kar-wai

Intérpretes: Tony Leung, Maggie Cheung, Rebecca Pan

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Crónica de El Maquinista

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Los Profesionales

Comentario de LOS PROFESIONALES

Hoy le toca el turno al director Richard Brooks, autor cuyo nombre no se suele mencionar demasiado hoy en día pero que dejó para la posteridad un puñado de películas muy recordadas. Aunque su carrera había comenzado en los años 40 no fue hasta finales de la década siguiente cuando lograría sus mayores éxitos, como sus dos adaptaciones de obras de Tennessee Williams en "La Gata sobre el Tejado de Zinc" (1958) y "Dulce Pájaro de Juventud" (1962), ambas protagonizadas por Paul Newman. Entre medias también firmó una gran colaboración con Burt Lancaster en "El Fuego y la Palabra" (1960), con la que el actor alcanzaría el oscar al mejor intérprete con su papel de falso predicador evangélico. En 1966 Brooks decide internarse en los dominios del western para rodar un relato maduro y sin concesiones a la galería, "Los Profesionales", para el que reclutó a dos hombres perfectos para la historia, Lee Marvin y el propio Burt Lancaster. En este caso sería probablemente más acertado hablar de un post-western, ya que la acción se desarrolla a comienzos de los años 20, en los estertores de la Revolución Mejicana. Los caballos están siendo reemplazados por automóviles, los pastos de ganado por campos petrolíferos y el salvaje Oeste poco a poco se pacifica gracias a la llegada de colonos y la civilización. Los territorios sin ley se han ido trasladando a las zonas fronterizas con Méjico, sobre todo a raíz del caos provocado por la guerra civil que libran Zapata, Villa y otros insurgentes contra las tropas federales.

La cinta narra la peligrosa misión encomendada a cuatro profesionales por un poderoso terrateniente de Tejas. El objetivo es internarse en territorio mejicano con el fin de rescatar a su joven esposa, raptada por un antiguo combatiente revolucionario llamado Raza, que ahora se dedica al pillaje y que cuenta con un pequeño ejército particular. Su nombre no les resulta extraño a los líderes del grupo (Marvin y Lancaster), ya que ambos lucharon años atrás junto a él en la guerra mejicana, uno por idealismo y otro por dinero. Una vez crucen de nuevo la frontera a lomos de sus caballos, los recuerdos comenzarán a brotar mientras se dirigen a su destino.

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Ficha técnica y artística

Los Profesionales (The Professionals). EEUU, 1966, 117 min.

Dirección: Richard Brooks

Intérpretes: Lee Marvin, Burt Lancaster, Robert Ryan

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Crónica de Atticus Finch

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Gallipoli

Comentario de GALLIPOLI

Dentro de los géneros bélico y drámatico resulta curioso observar la relativa escasez de cintas de renombre enfocadas sobre la Primera Guerra Mundial, dadas las gigantescas proporciones del conflicto y las no menos importantes consecuencias políticas y sociales que desencadenaría. Una posible causa de su marginación es el papel secundario que desempeñaron los Estados Unidos en la contienda, ya que al fin y al cabo la mayor parte de la producción cinematográfica occidental proviene de este país. De este modo son lógicamente la II Guerra Mundial y la de Vietnam las que han copado la mayor atención, al ser probablemente los conflictos bélicos del siglo XX más relevantes para los norteamericanos. Aún así podemos encontrar aclamados largometrajes sobre la Gran Guerra en obras como "Senderos de Gloria" (Stanley Kubrick, 1957) o "La Gran Ilusión" (Jean Renoir, 1937). Un trabajo también muy notable es "Gallipoli", la cinta con la que el director australiano Peter Weir ("Único Testigo", "Master & Commander") se daría a conocer fuera de su país natal. En Europa la I Guerra Mundial es sinónimo de interminables combates de trincheras sobre los campos de batalla centroeuropeos. Sin embargo esta película proporciona una perspectiva diferente y muy interesante de la contienda, aunque las conclusiones terminen por ser irremediablemente las mismas.

En 1915 Archy (Mark Lee) es un prometedor joven de Australia Occidental cuya mayor afición es el incipiente atletismo y las carreras de cien metros. En una de estas pruebas deportivas conoce a Frank (Mel Gibson) y la amistad pronto nace entre ellos. Por distintos motivos ambos acabarán enrolándose en el ejécito para combatir en la Gran Guerra que lleva desencadenándose desde el año anterior por todo el mundo. A pesar de que Australia ha obtenido a comienzos de siglo la categoría de estado soberano, su pertenencia a la Commonwealth y los estrechos lazos que mantiene con la antigua metrópoli la llevan a ayudar decididamente al Reino Unido en el conflicto. De esta manera ambos muchachos parten desde la ciudad de Perth junto a miles de compatriotas rumbo al otro rincón de la tierra, el norte de África. En Egipto iniciarán un adiestramiento militar que desembocará en el enfrentamiento con las tropas turcas del Imperio Otomano en la remota península de Gallipoli, a orillas del Mar Egeo. Allí, entre la arena de las trincheras y las balas, con la muerte acechando detrás de cada piedra, comenzarán a pensar qué demonios hacen en ese maldito lugar perdido de la mano de Dios. Pero ya es demasiado tarde y, como si fueran animales salvajes, tan solo les queda luchar y correr como el viento para intentar sobrevivir.

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Ficha técnica y artística

Gallipoli. Australia, 1981, 110 min.

Dirección: Peter Weir

Intérpretes: Mark Lee, Mel Gibson, Bill Kerr

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Crónica de Atticus Finch

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Camino a la Perdición

Comentario de CAMINO A LA PERDICIÓN

Tras debutar en la dirección de forma inmejorable con "American Beauty" (1999), el británico Sam Mendes se enfrentó al desafío de preparar su segundo trabajo con las expectativas muy altas. Para ello decidió llevar a la pantalla una historia de cine negro de corte clásico basada en la novela gráfica "Road to Perdition", un relato cuyo motor principal es el sentimiento de venganza y protección. Mendes conseguiría reunir para la ocasión un elenco de primera categoría encabezado por Tom Hanks y Paul Newman (en su último papel cinematográfico) muy bien escoltados por Jude Law y Daniel Craig en los roles secundarios. El resultado supuso igualar e incluso superar a su ópera prima, ya que "Camino a la Perdición" (2002) se revela como un largometraje monumental que tras una línea argumental principal, la vendetta, esconde tres ejes de relaciones personales muy interesantes basadas en los lazos paterno-filiales. La más importante la conforma el profundo vínculo afectivo entre los personajes de Hanks y Newman, al que se unen los que ambos mantienen con sus respectivos hijos, lo que hace que la película gane muchos enteros en intensidad dramática.

La cinta sitúa al espectador en el interior de un clan mafioso irlandés del norte de los Estados Unidos en la época de la Gran Depresíón de los años 30. Michael Sullivan (Hanks) trabaja como sicario de élite de la organización y es uno de los hombres de confianza del poderoso jefe John Rooney (Newman), quien le aprecia como a un hijo. Gracias a Rooney, que le cuidó cuando era pequeño, Michael ha podido salir de la miseria y construir una familia, lo que le hace sentir un gran afecto y lealtad hacia su patrón. Sin embargo todo sufre un terrible giro cuando el hijo mayor de Michael, que desconoce el oficio de su padre, es testigo involuntario de un crimen perpetrado por el clan, lo que hará que la organización trate de aniquilar a toda la familia para no dejar testigos. Michael consigue escapar con su hijo y decide iniciar una venganza en solitario contra sus antiguos compañeros y garantizar la supervivencia de su primogénito. Perseguidos por un implacable asesino a sueldo (Law), ambos lucharán por esconderse y llevar a cabo la dolorosa vendetta recorriendo un camino que parece llevarles inexorablemente a las tinieblas.

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Ficha técnica y artística

Camino a la Perdición (Road to Perdition). EEUU, 2002, 117 min.

Dirección: Sam Mendes

Intérpretes: Tom Hanks, Paul Newman, Jude Law

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Crónica de El Maquinista

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Patton

Comentario de PATTON

Hace dos semanas hablábamos de un miembro destacado del grupo de importantes directores poco recordados, el estupendo John Frankenheimer, autor de la comentada "Siete Días de Mayo". Hoy esta crónica gira entorno a otro realizador que perfectamente podría encajar en el mismo grupo, el estadounidense Franklin J. Schaffner. Tras foguearse en la televisión, Schaffner debutó en el cine a mediados de la década de los 60 y a los pocos años, en 1968, alcanzó gran éxito con la sobresaliente película de ciencia-ficción "El Planeta de los Simios", protagonizada por el gran Charlton Heston. La consagración académica del director llegaría en 1970 con su siguiente trabajo, la arrolladora incursión en el cine bélico de la mano de "Patton", galardonada con multitud de premios y reconocimientos. Posteriormente, durante los años 70, Schaffner aún llevaría a la pantalla obras notables como el drama carcelario "Papillon" (1973), en el que Steve McQueen y Dustin Hoffman luchan por sobrevivir en un penal de la Guayana francesa, o "Los Niños del Brasil" (1978), sobre la vida oculta del criminal nazi Joseph Mengele escondido en las profundidades de Sudamérica tras la caída de Hitler.

"Patton" es el apabullante retrato de una de las figuras más significativas del ejécito estadounidense de la II Guerra Mundial en el frente europeo, el controvertido general George Patton (interpretado de forma magistral por George C. Scott). En su persona convergen multitud de adjetivos: temerario, consumado estratega militar, impetuoso, políticamente incorrecto, genio y loco en una misma pieza. La cámara sigue sus pasos por los campos de batalla del norte de África en su feroz lucha contra las tropas alemanas y el posterior e implacable avance a través de Sicilia y la Italia peninsular. También su destierro militar a Inglaterra y la posterior reincorporación al frente de los carros de combate que cruzarán la frontera germana. Entre medias se asiste a su atronadora personalidad, la de un hombre de acero venido de otra época, capaz de buscar el emplazamiento de la legendaria batalla de Zama en Túnez para rendir honores, dos mil años después, al guerrero cartaginés Aníbal.

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Ficha técnica y artística

Patton. EEUU, 1970, 169 min.

Dirección: Franklin J. Schaffner

Intérpretes: George C. Scott, Karl Malden, Stephen Young

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Crónica de Atticus Finch

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Brokeback Mountain

Comentario de BROKEBACK MOUNTAIN

Entre los realizadores asiáticos más renombrados del panorama actual nos encontramos con hombres como Zhang Yimou ("El Camino a Casa"), Takeshi Kitano ("Zatoichi") o Wong Kar-Wai ("In the Mood for Love"), autores que en su mayor o total parte han desarrollado su carrera cinematográfica en sus respectivos países de origen. Caso aparte merece Ang Lee, probablemente el cineasta más occidental del extremo Oriente, ya que su trayectoria se ha consolidado sobre todo en los Estados Unidos. Tras iniciar sus pasos a comienzos de los años 90 dirigiendo exitosas películas en su Taiwan natal, como "El Banquete de Bodas" y "Comer, Beber, Amar", Lee pronto atrajo la atención y terminó desembarcando en Norteamérica para dirigir el sobresaliente drama de época "Sentido y Sensibilidad" (1995) y la notable radiografía de la sociedad estadounidense de la década de los 70 en "La Tormenta de Hielo" (1997). Consolidado de forma importante, volvería a China en el 2000 para filmar uno de los mayores portentos del cine de aventuras contemporáneo, la extraordinaria "Tigre y Dragón", que supondría un punto de inflexión en su carrera gracias al enorme éxito académico y popular de la cinta. Así Hollywood le encargaría en 2003 un proyecto tremendamente arriesgado, la adaptación del personaje de comic Hulk, tarea que Lee superaría con nota al conseguir firmar uno de los largometrajes de superhéroes más interesantes que se han visto, con el mérito añadido de que justamente la profundidad dramática del musculoso hombre verde no es precisamente proporcional a su tamaño corporal. Desde entonces Lee sigue compaginando proyectos a caballo entre Asia y América, donde en 2005 rodaría uno de sus más bellos y complicados trabajos, el drama "Brokeback Mountain".

Esta película narra la difícil relación entre dos hombres, Ennis (Heath Ledger) y Jack (Jake Gyllenhaal), desde los años 60 hasta la década de los 80. Ambos se conocen durante una temporada de trabajo en 1963 en las montañas de Wyoming conduciendo rebaños de ovejas a través de los pastos. La amistad que nace entre ellos se va tornando algo más profundo cuando la homosexualidad escondida en su interior va saliendo poco a poco a flote hasta formar un lazo que los atará de por vida. Debido a los prejuicios sociales y el miedo ambos intentarán construir una existencia más convencional cada uno por su cuenta, casándose y teniendo hijos con mujeres a las que quieren (interpretadas respectivamente por Michelle Williams y Anne Hethaway) pero que no terminan de llenarles por completo. De este modo volverán a verse cada cierto tiempo aprovechando las excursiones al lugar donde se conocieron, Brokeback Mountain, lo cual terminará afectando finalmente a todo su entorno.

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Ficha técnica y artística

Brokeback Mountain. EEUU, 2005, 134 min.

Dirección: Ang Lee

Intérpretes: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams

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Crónica de El Maquinista

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Siete Días de Mayo

Comentario de SIETE DÍAS DE MAYO

John Frankenheimer pertenece a ese grupo de directores no demasiado conocidos por el gran público pero que cuenta con un buen puñado de obras notables y alguna sobresaliente, marcadas con un sello personal que tuvo su mayor esplendor durante los años 60 del pasado siglo. Durante esta década Franhenheimer se convierte en una pieza muy destacable del panorama cinematográfico norteamericano tras iniciar su carrera con "Los Jóvenes Salvajes" (1961) y "El Mensajero del Miedo" (1962), relatos que husmean en el interior de unos personajes densos y complejos. En la primera de ellas iniciaría una fructífera relación profesional con Burt Lancaster, su actor fetiche, al que dirigiría posteriormente en "El Hombre de Alcatraz", "El Tren" y "Siete Días de Mayo". Frankenheimer continuaría realizando largometrajes hasta tiempos recientes aunque sin volver a alcanzar el nivel de su primera época, salvo puntuales excepciones como "Ronin" (1998), paradigma del buen cine de acción.

"Siete Días de Mayo" es un thriller político que relata la cuenta atrás en el intento por desactivar un golpe de estado inminente en los Estados Unidos. Ambientada a comienzos de los años 60, el presidente norteamericano Jordan Lyman (Fredric March) ha decidido poner freno a la carrera armamentística que lleva desarrollándose en el país desde el final de la II Guerra Mundial en el contexto del titánico pulso entre los EEUU y la Unión Soviética por el control del mundo. En plena Guerra Fría y con el fantasma de un posible conflicto nuclear entre ambas potencias, el presidente ha firmado con los rusos un importante tratado de reducción de arsenales con el objetivo de iniciar una nueva etapa menos belicista que pueda abrir las puertas a una coexistencia pacífica. Sin embargo numerosos sectores militares y civiles en Washington consideran el tratado un fallo estratégico incalculable que pone en peligro la propia supervivencia del país, temerosos de que la URSS no respete lo firmado y consiga con el tiempo una superioridad militar invencible. Una de estas personas es el jefe del Estado Mayor James Scott (Burt Lancaster), quien lleva meses presionando al Congreso para torpedear el acuerdo, ayudado por su secretario el coronel Casey (Kirk Douglas). Lo que parece un asunto de dura confrontación política alcanza proporciones inverosímiles cuando Casey descubre poco a poco indicios de que su superior ha traspasado los límites constitucionales al llevar preparando durante semanas un plan oculto para derrocar al presidente en connivencia con destacados jefes militares y altos cargos públicos. Una vez confirmadas sus sospechas decide ponerse en contacto con el presidente Lyman para alertar del peligro inminente y formar un reducido gabinete de crisis que desmantele en secreto la conspiración en un plazo máximo de siete días, fecha para la cual está previsto el fatídico golpe de estado.

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Ficha técnica y artística

Siete Días de Mayo (Seven Days in May). EEUU, 1964, 118 min.

Dirección: John Frankenheimer

Intérpretes: Kirk Douglas, Burt Lancaster, Fredric March

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Crónica de Atticus Finch

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Las Normas de la Casa de la Sidra

Comentario de LAS NORMAS DE LA CASA DE LA SIDRA


Tras alcanzar notable éxito con "Mi Vida como un Perro" (1985) y "¿A Quién Ama Gilbert Grape? (1993), el director sueco Lasse Hallström decidió quedarse definitivamente en tierras norteamericanas para realizar sus siguientes proyectos, al igual que muchos otros cineastas europeos actuales. A pesar de la irregularidad de su trayectoria profesional, algunos de sus largometrajes poseen una gran calidad, caso de "Chocolat" (2000) y sobre todo "Las Normas de la Casa de la Sidra" (1999), excelente cinta que muy probablemente será lo más recordado del autor escandinavo. La película está basada en una novela del reconocido escritor estadounidense John Irving y cuenta con un reparto de intérpretes consagrados (Michael Caine) así como de jóvenes promesas de aquél entonces (Tobey Maguire antes de enfundarse el traje de hombre araña y Charlize Theron demostrando sus buenas dotes como actriz). El resultado se convierte en un profundo y melancólico relato sobre el viaje iniciático del protagonista, no por casualidad llamado Homero, el cual deberá empezar a recorrer su propio camino a través de los senderos de la vida.

El largometraje se sitúa en un apartado orfanato de Maine en los años cuarenta, donde el incansable doctor Wilbur Larch (Caine) y sus ayudantes cuidan de varias decenas de pequeños huérfanos. Tras largos años de estancia en el lugar, Wilbur se considera el tutor de todos ellos pero padre de ninguno, ya que la mayoría de los niños abandonan pronto el orfanato gracias a las visitas de personas que acuden con intención de adoptar. Sin embargo el doctor tiene especial cariño por el mayor de los chicos, Homer (Maguire), un inteligente muchacho cuyo tiempo de adopción ya ha pasado debido a su edad. Wilbur lo considera como un hijo y le instruye en la práctica de la medicina con la esperanza de que algún día pueda tomar el relevo al frente de la institución. Homer, por su parte, a pesar de sentir un profundo afecto hacia sus cuidadores, desea tener la oportunidad de explorar el mundo y cruzar las barreras del orfanato al menos durante un tiempo. Un día decide finalmente hacer las maletas coincidiendo con la visita de una joven pareja para emprender un nuevo camino e intentar conocerse a sí mismo, para así poder decidir si desea volver al único hogar que conoce o si ha de labrarse su propio destino lejos de allí.

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Ficha técnica y artística

Las Normas de la Casa de la Sidra (The Cider House Rules). EEUU, 1999, 126 min.

Dirección: Lasse Hallström

Intérpretes: Tobey Maguire, Charlize Theron, Michael Caine

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Crónica de Atticus Finch

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Ser y Tener

Comentario de SER Y TENER

A pesar de contar con muchas décadas de vigencia cinematográfica, el género documental ha vivido una reciente eclosión a nivel comercial y de reconocimiento por parte del público. El inicio de esta nueva etapa, al menos en España, puede situarse hace unos diez años gracias al éxito de la cinta "Bowling for Columbine", de Michael Moore, un brillante estudio sobre el papel de las armas de fuego en la sociedad estadounidense actual. Su repercusión animaría al autor norteamericano a firmar posteriormente otro controvertido trabajo, "Fahrenheit 9/11", sobre los oscuros mecanismos detrás de la guerra contra el terrorismo internacional emprendida por el presidente Bush. A pesar de caer en una cierta tendencia a acaparar él mismo la pantalla, Moore abriría un importante filón para un género al que cada año se le prestaría mayor atención, estrenándose reconocidos largometrajes de otros autores como "Capturing the Friedmans" o "Una Verdad Incómoda", alegato ecologista del político Al Gore. Reputados directores han hecho también su incursión en este campo, como el alemán Warner Herzog con su "Grizzly Man", la increíble historia del joven que convivía con los peligrosos osos grizzlies en un parque natural de Alaska. En el plano europeo es sin duda Francia la que cuenta con una mayor trayectoria documentalista, tanto de vertiente naturalista ("La Marcha del Emperador", "Océanos") como de ámbito social. Uno de los mejores trabajos realizados en este país al respecto es "Ser y Tener", entrañable y brillante mirada al mundo de la docencia.

La película muestra el trabajo diario de un maestro rural francés hijo de emigrantes españoles, George López, en una pequeña escuela situada en el Macizo Central francés. Su clase está compuesta por niños de cuatro a once años, a los que enseña y transmite sus conocimientos mediante un talento desbordante. Su cercanía, autoridad moral y preocupación por el alumnado lo convierten en una figura respetada de la comunidad, mostrando la esencia y la importancia de la labor docente en la formación académica y personal de sus pequeños alumnos.

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Ficha técnica y artística

Ser y Tener (Être et Avoir). Francia, 2002, 104 min.

Dirección: Nicholas Philibert

Intérpretes: documental

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Crónica de El Maquinista

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Los que no Perdonan

Comentario de LOS QUE NO PERDONAN

La década de los 60 del siglo pasado supuso para el western un punto de inflexión determinante que trazaría una nueva forma de abordar este género desde entonces. Hasta dicha época, durante los años 40 y 50, el western vivió su periodo clásico con heroicos y valientes vaqueros encarnados por grandes mitos del cine (Gary Cooper, John Wayne, James Stewart...), en un esquema narrativo bastante simple con la excepción de algunos largometrajes (por ejemplo "Solo ante el Peligro"). Sin embargo a finales de los 50 el maestro John Ford ya empezó a tratar sus historias desde una óptica más compleja, como en "Centauros del Desierto" (1956), para confirmar su evolución definitiva con "El Hombre que Mató a Liberty Valance" (1962). Por su parte, esta nueva década contempló el surgimiento del director Sam Peckinpah, figura clave en la concepción revisionista del western a través de sus relatos desmitificadores o descarnadamente violentos y oscuros. Esta constante se aprecia a lo largo de su filmografía en títulos como "Duelo en Alta Sierra" (1962), "Grupo Salvaje" (1969) y "Pat Garrett y Billy the Kid" (1973). Su estela la retomaría otro referente del género, Clint Eastwood, para elaborar su propia obra con "El Fuera de la Ley" (1976), "El Jinete Pálido" (1985) y por encima de ellas "Sin Perdón" (1992), cúspide del western crepuscular. Es por tanto a caballo entre estas dos grandes épocas, la clásica y la contemporánea, cuando el consagrado realizador John Huston estrena en 1960 "Los que no Perdonan", una cinta en la que asoman las temáticas más profundas que habrían de cambiar para siempre el maravilloso cine del Oeste.

La película narra la progresiva fractura de una familia de colonos tejanos, los Zachary, dedicados a la ganadería y anclados a la tierra a través de la determinación del hijo mayor (Burt Lancaster). Debido a un oscuro suceso del pasado, su hermana pequeña (Audrey Hepburn) comienza a ser acechada por un extraño jinete que dice buscar venganza y revelar devastadoras verdades. Todo ello comenzará a hacer aflorar los resentimientos, el racismo soterrado y la hipocresía social en la cerrada comunidad donde habitan los Zachary.

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Ficha técnica y artística

Los que no Perdonan (The Unforgiven). EEUU, 1960, 125 min.

Dirección: John Huston

Intérpretes: Burt Lancaster, Audrey Hepburn, John Saxon

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Crónica de Atticus Finch

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