Muerte en Venecia

Comentario de MUERTE EN VENECIA

A lo largo de tres décadas, desde finales de la II Guerra Mundial hasta los años 70, el cine italiano formó uno de los pilares básicos de la cinematografía europea de aquella época junto con las producciones francesas, estando ambas flanqueadas por obras españolas, escandinavas y británicas. La consolidación de los realizadores italianos se inició en los años 40 con la corriente estilística del Neorrealismo, un movimiento que retrataba historias mundanas de fuerte contenido social y que contó entre sus más importantes figuras a Roberto Rossellini ("Roma, Ciudad Abierta", 1945) y Vittorio De Sica ("Ladrón de Bicicletas", 1948). La década de los 50 vería por su parte la ascensión de otros dos autores clave como Federico Fellini y Luchino Visconti. Ambos desarrollaron también su etapa neorrealista, pero en los 60 Fellini pasaría a crear un universo propio con algunas de sus obras más recordadas ("La Dolce Vita", "Fellini, Ocho y Medio", "Amarcord"), mientras que Visconti optó por abordar historias de tipo más clásico: "El Gatopardo", "La Caída de los Dioses" o "Muerte en Venecia". Otros autores más minoritarios como Antonioni o Pasolini están igualmente presentes en la misma época pero se puede decir que la transición de los 70 a los 80 marca el fin de la edad de oro del cine de este país.

"Muerte en Venecia" relata el último viaje tanto emocional como físico del compositor alemán Gustav von Achenbach (Dirk Bogarde), un reputado músico de comienzos del siglo XX cuya vida atraviesa difíciles momentos tras la pérdida de su hija y la mala acogida de sus recientes trabajos. Buscando huir de ese ambiente y consciente de su delicado estado de salud, decide trasladarse a Venecia una temporada en busca de descanso. Una vez instalado en el Lido quedará hechizado por la belleza de un joven polaco llamado Tadzio (Bjorn Andressen), que está pasando las vacaciones junto a su familia en el mismo hotel. Como compositor, Achenbach ha perseguido durante toda su carrera un ideal de belleza musical que ahora ve plasmado en el cuerpo del muchacho, por el que siente un amor platónico e inalcanzable. Día a día intentará acercarse a él, siguiéndolo prudentemente en sus paseos por la playa y la ciudad bajo los omnipresentes acordes del Adagietto de la Quinta sinfonía de Gustav Mahler, el célebre compositor austriaco en cuya figura Visconti se inspira libremente para desarrollar la historia. Mientras tanto, Venecia comienza a quedarse desierta tras el anuncio de una epidemia de cólera que se suma al estado de decadencia de una ciudad que contempla, al igual que Achenbach, el fin irremediable de una época.

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Ficha técnica y artística

Muerte en Venecia (Morte a Venezia). Italia, 1971, 127 min.

Dirección: Luchino Visconti

Intérpretes: Dirk Bogarde, Silvana Mangano, Bjorn Andressen

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Crónica de El Maquinista

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Tropa de Élite

Comentario de TROPA DE ÉLITE

El cine policiaco es un género con multitud de caras cuyas fronteras son bastante difusas al entroncar muchas veces con las cintas de acción ("Heat") o el cine negro ("L.A. Confidential"). Sus protagonistas pueden combatir el crimen organizado ("Los Intocables de Eliot Ness"), a maquiavélicos individuos aislados ("El Silencio de los Corderos", "Seven") o hasta la propia corrupción dentro del sistema ("Serpico"). Desde hace ya algún tiempo el componente humano ha ido también cobrando fuerza en las historias del género, mostrando las vidas de sus personajes tanto dentro como fuera de la comisaría. Por otro lado, la mayor parte de las películas sobre esta temática proceden de los Estados Unidos y unas cuantas de Europa (francesas sobre todo) o del extremo Oriente (acción hong-konesa o el cada vez mayor presente cine coreano). Sin embargo en el último lustro dos de los mejores trabajos del género se han realizado en Sudamérica, aunque no puedan ser más diferentes la una de la otra tanto en forma como en contenido: "El Secreto de sus Ojos" (Juan José Campanella, 2009) y "Tropa de Élite" (José Padilha, 2007), probablemente la cinta brasileña con más repercusión internacional desde "Ciudad de Dios" (Fernando Meirelles, 2002).

"Tropa de Élite" relata la historia del capitán Nascimento (Wagner Moura), un oficial de la BOPE, el Batallón de Operaciones Especiales de la ciudad de Río de Janeiro. La BOPE está concebida como un cuerpo de élite autónomo dentro de la policía de la ciudad cuya misión es internarse en las favelas allí donde los policías comunes, bien por miedo o por corrupción, no intervienen. En estos barrios llenos de callejuelas los miembros de la BOPE libran una guerra urbana contra las milicias armadas de los narcotraficantes, debido a lo cual su estructura y modo de operación se acerca más a lo militar que a lo policial. Corre el año 1997 y a Nascimento le asignan la delicada misión de controlar una favela cercana al hotel donde se va a alojar el Papa Juan Pablo II en su inminente viaje a Brasil. El capitán lleva además bastante tiempo bajo presión buscando a alguien que le sustituya debido a que va a ser padre y ha prometido a su mujer retirarse de la primera línea de fuego. Una noche, en el transcurso de una operación en la favela, el escuadrón comandado por Nascimento rescata a dos policías, Neto y Matías, que se habían adentrado por su cuenta y riesgo en el barrio para destapar una red de corrupción policial. Impresionados por la eficiencia de la BOPE ambos deciden intentar ingresar en este cuerpo, para lo cual deberán superar las exigentes pruebas destinadas a los candidatos. Los dos son amigos desde la infancia, uno impetuoso y el otro reflexivo, y en uno de ellos Nascimento cree ver a su posible sucesor al frente del grupo.

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Ficha técnica y artística

Tropa de Élite. Brasil, 2007, 114 min.

Dirección: José Padilha

Intérpretes: Wagner Moura, Caio Junqueira, André Ramiro

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Crónica de El Maquinista

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Comer Beber Amar

Comentario de COMER BEBER AMAR


Hace poco tiempo dedicábamos una entrada a la película "2046" del director Wong Kar Wai, lo que dio pie para hablar sobre las tres ramas principales del cine chino: la continental, la hong konesa y la de Taiwan. Hoy le toca el turno a esta última a través de uno de sus mayores representantes, el realizador Ang Lee, quien antes de dar el salto internacional con "Sentido y Sensibilidad" (1995) firmó dos cintas estupendas en su tierra natal, "El Banquete de Bodas" y "Comer Beber Amar". En esta obra Lee mostraba acertadamente los cambios en la sociedad china a través de un relato centrado en una familia concreta. Al margen de esa perspectiva más general, en la cinta tiene una importancia significativa el papel de la cocina, lo que le lleva a formar parte de un grupo de largometrajes en los que la gastronomía se utiliza para crear un banquete para los sentidos del espectador. Algo que también se disfruta en obras como "El Olor de la Papaya Verde" (Tran Anh Hung, 1993), "Chocolat" (Lasse Hallström, 2000), "El Festín de Babette" (Gabriel Axel, 1987) o "El Camino a Casa" (Zhang Yimou, 1999).

La película relata los cambios que se producen en una familia de Taipei como metáfora de la propia evolución de China, a caballo entre la tradición y la modernidad. El protagonista de la historia es Chu, un chef de gran prestigio que hace algún tiempo que se ha retirado y dedica su tiempo entregado a los propios fogones de su casa. Sus tres hijas adultas viven su vida de forma independiente pero cada cierto tiempo se juntan para comer todos juntos los platos cocinados por él. Para Chu su cocina tradicional es como un anclaje al mundo que comprende y en el que se siente a gusto, mientras que sus hijas han sido engullidas de manera inevitable por los nuevos tiempos. Sin embargo nadie está a salvo de esta vorágine y la llegada de una mujer viuda al vecindario trastocará el panorama vital de toda la familia.

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Ficha técnica y artística

Comer Beber Amar (Eat Drink Man Woman). Taiwan, 1994, 123 min.

Dirección: Ang Lee

Intérpretes: Sihung Lung, Kuei-Mei Chang, Chien-Lien Wu

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Crónica de Atticus Finch


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Mayor Dundee

Comentario de MAYOR DUNDEE

Si hay un género cinematográfico al que esté fuertemente unida la carrera del director Sam Peckinpah ese es sin duda el western. Al igual que otros grandes cineastas como John Ford o Clint Eastwood, la figura de Peckinpah quedará siempre marcada por sus trabajos en este género tan profundamente estadounidense pero de resonancias universales. Su relación con el western se inició ya con sus primeros largometrajes de comienzos de los 60 ("Duelo en Alta Sierra", "Mayor Dundee") pero la obra que marcaría el punto de inflexión llegó en 1969 con "Grupo Salvaje", la apoteosis del western crepuscular, desmitificador y violento que se ha convertido en el gran legado del autor. Esta renovación del género continuó con "Pat Garret y Billy the Kid" (1973) y se prolonga también a las otras dos obras maestras de Peckinpah, "Perros de Paja" (1971) y "La Huida" (1972), que aunque están ambientadas en el mundo contemporáneo calcan los códigos del western a pies juntillas. Tras este lustro prodigioso Peckinpah no volvería a añadir a su filmografía obras de semejante nivel a excepción de su incursión bélica con "La Cruz de Hierro" (1977), donde el realizador deja bien claro que no iba a renunciar a un estilo tan descarnado como fascinante.

"Mayor Dundee" narra la misión que decide llevar a cabo el temerario oficial del ejército de la Unión Amos Dundee (Charlton Heston), encargado de custodiar un fuerte en el territorio fronterizo de Nuevo Méjico a finales de la guerra civil estadounidense. Dundee pretende reclutar una pequeña fuerza de hombres para dar caza al jefe apache Sierra Charriba, el cual está aprovechando el caos de la guerra para arrasar amplias zonas del territorio. Al carecer de órdenes superiores para ejecutar el plan, Dundee toma la iniciativa y escoge a un grupo de confianza entre sus tropas, pero para completar la compañía, además de recurrir a voluntarios civiles, decide inlcuir a prisioneros de guerra confederados que están bajo su custodia. Flanqueado por su camarada sureño Tyreen (Richard Harris) y el experto rastreador Potts (James Coburn), el grupo se interna hacia lo desconocido al cruzar la frontera con Méjico siguiendo las huellas de los apaches.

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Ficha técnica y artística

Mayor Dundee (Major Dundee). EEUU, 1964, 122 min.

Dirección: Sam Peckinpah

Intérpretes: Charlton Heston, Richard Harris, James Coburn

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Comentario de El Maquinista

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Veredicto Final

Comentario de VEREDICTO FINAL

A comienzos de la década de los 80 Sidney Lumet golpeaba de nuevo (y van...). El veterano director norteamericano llevaba ya tiempo siendo referente de un tipo de cine comprometido socialmente, algo que había dejado claro con su ópera prima "Doce Hombres sin Piedad" (1957) y que se convertiría en una constante de su filmografía. Cintas como "La Colina" (1965), "Network" (1976) o "Antes que el Diablo Sepa que has Muerto" (2007) muestran a un realizador indomable que husmea continuamente debajo de las alfombras sacando a la luz temáticas nada complacientes para la sociedad contemporánea. Y es que la ética es probablemente el verdadero eje central del universo Lumet, quien siempre pone a sus protagonistas frente al espejo para radiografíar su integridad, sus valores morales y los dilemas que éstos le plantean. Para "Veredicto Final" Lumet eligiría un escenario inmejorable, los juzgados, donde el hombre lleva siglos intentando materializar algo tan abstracto como es el sentimiento de justicia y que ha dejado otros tantos buenos ejemplos de gran cine: "Matar a un Ruiseñor" (Robert Mulligan, 1962), "Testigo de Cargo" (Billy Wilder, 1957), "Anatomía de un Asesinato" (Otto Preminger, 1959) o la propia "Doce Hombres sin Piedad".

"Veredicto Final" es un drama judicial centrado en Frank Galvin (Paul Newman), un veterano abogado con una carrera profesional bajo mínimos debido a sus problemas con el alcohol desde hace años. A su estilo de vida bastante sórdido se le añaden problemas económicos que intenta superar buscando pequeños trabajos de asesoría legal como picapleitos. Cierto día un antiguo socio le consigue un buen caso por negligencia médica que le puede reportar una rápida comisión si se resuelve mediante acuerdo extrajudicial con la parte demandada, un importante hospital privado perteneciente a la Iglesia. Frank comienza a investigar el caso pero contra todo pronóstico decide rechazar el acuerdo e ir a juicio, donde tendrá que enfrentarse a la poderosa maquinaria del bufete de abogados del hospital, dirigido por un hombre sin escrúpulos (James Mason). Ayudado por su amigo abogado y una joven que acaba de conocer (Charlotte Rampling), Frank se toma la preparación del caso como una redención personal para recobrar su dignidad, en una carrera de obstáculos en la que habrá de esquivar los golpes bajos de la profesión al margen de los juzgados.

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Ficha técnica y artística

Veredicto Final (The Verdict). EEUU, 1982, 129 min.

Dirección: Sidney Lumet

Intérpretes: Paul Newman, Charlotte Rampling, James Mason

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Crónica de Atticus Finch

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Un Corazón en Invierno

Comentario de UN CORAZÓN EN INVIERNO

Desde la II Guerra Mundial la superpotencia cinematográfica hegemónica en el mundo occidental ha sido sin duda la estadounidense, en primer lugar gracias a su poderosa maquinaria industrial construída durante años por los grandes estudios de Hollywood. Otros factores determinantes también son la gran calidad de sus intérpretes y técnicos (muchos de ellos emigrantes centroeuropeos en las primeras décadas del siglo XX), así como la propia naturaleza democrática del país que ha permitido al cine moverse mucho más libremente que en otros lugares. Hoy en día, sin tener en cuenta las grandes cinematografías de consumo interno como las de la India o el sureste asiástico, los países occidentales con industria nacional fuerte se pueden contar con los dedos de una mano. En Europa existen únicamente dos ejemplos, la cinematografía británica y francesa, ya que aunque la primera funciona realmente como un complemento de la norteamericana, el compartir la misma lengua y pertenencia al mundo anglosajón le ayuda a contar con importantes recursos tanto artísticos como técnicos. El caso francés tiene mucho más mérito debido entre otras cosas a que su público potencial es bastante más reducido, pero aún así ha conseguido ser una industria rentable, implantada firmemente en el panorama cultural del país y con abundancia de buenas películas. Su mayor diferencia con respecto al cine de sus vecinos es su gran aceptación por parte del público así como abarcar una amplia gama de géneros sin restringirse únicamente al drama o la comedia.

"Un Corazón en Invierno" husmea en el complejo funcionamiento de los sentimientos humanos a través de la nada usual relación que se establece entre dos personajes muy diferentes. Para los roles protagonistas el director Claude Sautet ("Max y los Chatarreros", "Nelly y el Señor Arnaud") contaría con uno de los pesos pesados de la interpretación francesa contemporánea, Daniel Auteil, además de la musa del cine francés de los 90 Emmanuelle Béart. La trama se centra en Stéphane (Auteil), un introvertido experto en la fabricación y reparación de instrumentos de cuerda que regenta un taller junto a su socio Maxime. Un día éste le trae para reparar el violín de una joven concertista llamada Camille (Béart), el cual es arreglado con el esmero habitual de Stéphane. Una vez devuelto a su dueña ésta comienza a verse fascinada poco a poco por su personalidad callada pero misteriosa, y aparentemente ajena a las emociones cotidianas.

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Ficha técnica y artística

Un Corazón en Invierno (Un Coeur en Hiver). Francia, 1992, 105 min.

Dirección: Claude Sautet

Intérpretes: Daniel Auteil, Emmanuelle Béart, André Dussollier

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Crónica de Atticus Finch

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Fargo

Comentario de FARGO

Durante los más de veinticinco años que los hermanos Coen llevan escribiendo y dirigiendo películas se han ganado a pulso el contar con un sello personal muy particular que suele impregnar la mayor parte de sus trabajos. Para su quinto largometraje, que iba a marcar un punto de inflexión en su carrera, los Coen decidieron adaptar una tremenda historia criminal ocurrida a finales de la década de los 80 en la ciudad estadounidense de Fargo. Este lugar, ubicado en el estado de Dakota del Norte, es probablemente un buen ejemplo de una zona de este país poco conocida y tratada por el cine, la que representa el Medio Oeste norteño. Estados rurales y poco poblados como Wyoming, las dos Dakotas, Montana o Nebraska son lugares que solo suelen aparecer en westerns o alguna que otra película costumbrista. Viajar allí supone internarse en la Norteamérica más profunda e inaccesible, donde sus habitantes tienen un ritmo vital bastante peculiar que es aprovechado por los Coen para ofrecer un buen surtido de su inconfundible humor negro.

La película arranca con el lamentable plan ideado por Jerry Lundegaad (William H. Macy), un jefe de ventas de un concesionario de coches que decide organizar el secuestro de su propia mujer para poder pedir un buen rescate a cuenta de su suegro millonario. Para ello contrata los servicios de dos criminales bastante chapuceros que finalmente llevan a cabo el trabajo, aunque todo se complica con el asesinato de varias personas en el proceso. La investigación del caso recae en la policía local, entre cuyos miembros destaca por su sentido común la agente Marge Gunderson (Frances McDormand), una típica y apacible mujer del Medio Oeste que está cerca de dar a luz a su primer hijo.

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Ficha técnica y artística

Fargo. EEUU, 1996, 97 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi

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Crónica de Atticus Finch

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El Último Truco

Comentario de EL ÚLTIMO TRUCO

En esta bitácora cinéfila hemos abordado en estos años multitud de géneros cinematográficos, incluido el documental, a fin de repasar de una manera amplia y enriquecedora el séptimo arte. Hoy traemos un excelente documental nacional que relata la labor de Emilio Ruiz del Río, un verdadero mago de los efectos especiales que trabajó en multitud de películas conocidas donde dejó su huella de genio del cine. Si Emilio hubiese sido norteamericano en vez de español haría ya tiempo que le habrían dado multitud de premios y reconocimientos, y probablemente sería bastante conocido por el público. Del páramo cultural que era la España de los años 50 surgió un hombre que acabaría especializado en efectos visuales con maquetas, la técnica de los vidrios pintados y el uso de la perspectiva para crear ilusiones perfectas.

Su talento lo llevó a colaborar con el mítico productor Dino de Laurentis en algunas películas épicas italianas para posteriormente trabajar en títulos internacionales tan conocidos como "Espartaco" (Stanley Kubrick, 1960), "Lawrence de Arabia" (David Lean, 1962), "Patton" (Franklin J. Schaffner, 1970) o "Dune" (David Lynch, 1984). A ellas se les une multitud de cintas españolas donde a pesar de contar con poco presupuesto Emilio era capaz de arreglárselas para sorprender al espectador. Como ejemplo, la famosa voladura del coche del almirante Carrero Blanco en "Operación Ogro", que ya ha pasado a formar parte de los documentos audiovisuales de la Transición. Y otros menos serios como el primer superhéroe español que surcó los cielos en el cine, el increíble Supersonic Man.

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Ficha técnica y artística

El Último Truco. España, 2008, 91 min.

Dirección: Sigfrid Monleón

Intérpretes: documental

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Crónica de El Maquinista

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La Semilla del Diablo

Comentario de LA SEMILLA DEL DIABLO

Gracias al éxito de su primer largometraje, "El Cuchillo en el Agua" (1962), Roman Polanski tuvo la oportunidad de trasladarse de su Polonia natal a Inglaterra para continuar allí su carrera cinematográfica. En el Londres de los años 60 prepararía sus siguientes proyectos ("El Baile de los Vampiros", "Repulsión") hasta que finalmente se le presentó la oportunidad de cruzar el charco rumbo a los Estados Unidos. Para su primera cinta de producción norteamericana Polanski iba a rodar uno de los pilares del terror psicológico moderno, "La Semilla del Diablo" , una obra polémica envuelta en la leyenda negra de las películas malditas por todo lo que le pasaría poco después al director polaco. Y es que tras los trágicos sucesos de 1969 Polanski no solo fue capaz de retomar su carrera y mantenerse cuerdo, sino que además volvería a filmar grandes obras como "Chinatown" (1974) antes de abandonar suelo americano definitivamente. Su vuelta a Europa no mermaría una filmgrafía a la que aún se añadirían excelentes trabajos como "Tess" (1980), "La Muerte y la Doncella" (1994) o "El Pianista" (2002).

Los protagonistas de "La Semilla del Diablo" son Rosemary y Guy Woodhouse (Mia Farrow y John Cassavetes), una joven pareja neoyorkina que decide trasladarse a un elegante edificio de apartamentos en el corazón de Manhattan. La vivienda cuenta sin embargo con una sombría historia de sucesos extraños, algo que Rosemary atribuye a la casualidad y las habladurías. Sus vecinos son gente amable y educada, una comunidad muy unida que enseguida acoge a los Woodhouse con los brazos abiertos. Una vez instalados deciden tener un hijo y Rosemary aguarda con ilusión el momento en que se quede encinta. Pero una noche ocurre algo inexplicable en la que ésta es presa de fuertes alucinaciones y que da comienzo a un embarazo que va a convertirse en una auténtica pesadilla.

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Ficha técnica y artística

La Semilla del Diablo (Rosemary's Baby ). EEUU, 1968, 132 min.

Dirección: Roman Polanski

Intérpretes: Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon

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Crónica de El Maquinista

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2046

Comentario de 2046

Debido a las visicitudes históricas y políticas que ha vivido China en el último siglo su cine se ha visto forzosamente dividido en tres corrientes principales. La primera corresponde a la China continental, donde el partido comunista lleva gobernando desde hace seis décadas y cuya cinematografía emepezó a asomar la cabeza internacionalmente a finales de los años ochenta de la mano de realizadores como Zhang Yimou. La segunda se circunscribe a la isla de Taiwan, otrora último bastión de las fuerzas del Kuomintang tras la guerra civil que libraron contra los comunistas de Mao Zedong. Este territorio independiente de facto ha sido mucho más permeable a influencias occidentales y gracias a ello se han podido abordar temáticas censuradas en el continente, siendo Ang Lee una de sus más importantes figuras. Por último se encuentra el enclave de Hong Kong, cuyo periodo de colonia británica y su posterior estatus de zona especial dentro de la República Popular de China la han convertido en una inclasificable mezcla entre Oriente y Occidente. Su potente industria audivisual se ha especializado desde hace mucho en productos de acción y artes marciales que exportaba a toda Asia, aunque el éxito en todo el globo llegaría en los 70 con las cintas protagonizadas por Bruce Lee y posteriores derivados. Sin embargo durante la década de los 90 comenzaría a surgir una nueva ola de directores más serios que han ido cambiando poco a poco la imagen del cine hongkonés, como es el caso de Won Kar Wai.

Y es que en "2046" el realizador chino emprende una onírica continuación de su reconocida predecesora "In The Mood for Love", siguiendo las peripecias vitales del periodista y escritor protagonista (Tony Leung) en el Hong Kong de los años 60. La melancolía que le ha dejado su relación con Su Lizhen (Maggie Cheung) en la ya mencionada película da paso a otras amistades y reflexiones. Paralelamente la cámara se interna por los relatos futuristas salidos de su imaginación que no son sino sus propios sentimientos proyectados a un tiempo lejano, allá en 2046.

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Ficha técnica y artística

2046. China-Hong Kong, 2004, 120 min.

Dirección: Won Kar Wai

Intérpretes: Tony Leung, Zhang Ziyi, Gong Li

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Crónica de Atticus Finch

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Desaparecido

Comentario de DESAPARECIDO

Hace un tiempo este cronista realizó una entrada comentando "La Batalla de Argel" de Gillo Pontecorvo, lo que dio pie a hablar un poco sobre el llamado cine político tan en boga durante los años 60 y 70. En Europa el mayor exponente de este género es probablemente el realizador griego Costa-Gavras, quien lleva abordando temas comprometidos desde hace más de cuarenta años. Este tipo de cine es sin embargo muy susceptible de envejecer mal y resultar completamente anacrónico, cayendo muchas veces en tópicos, perspectivas sesgadas y falta de rigor histórico. Afortunadamente la filmografía de Costa-Gavras cuenta con un buen puñado de obras que resisten bien el paso del tiempo gracias al tratamiento de historias con multitud de ángulos y aristas. Su cámara acompaña a personajes frente a situaciones límite: la investigación judicial del asesinato de un opositor político en "Z" (1969), las purgas comunistas de "La Confesión" (1970) o los intereses ocultos tras los golpes de estado sudamericanos en "Estado de Sitio" (1973). Además Gavras sabe también aproximarse a los dramas familiares que pueden desencadenarse en estas situaciones como en "Desaparecido" (1982) o "La Caja de Música" (1989).

"Desaparecido" se sitúa en Santiago de Chile en 1973 al poco tiempo del golpe de estado perpetrado por un grupo de mandos militares encabezados por Augusto Pinochet. Hasta allí llega Ed Horman (Jack Lemmon) tras habérsele comunicado que su hijo Charles ha desaparecido sin dejar rastro. Pronto se reúne con su nuera Beth (Sissy Spacek) quien ya lleva buscando a Charlie desde hace días. Ambos llevaban un tiempo viviendo juntos en Santiago cuando les sorpendió el golpe militar. Ed tiene miedo de que las ideas izquierdistas de su hijo le puedan haber llevado a ser secuestrado por algún tipo de escuadrón parapolicial, pero mantiene la total convicción de encontrarlo sano y salvo gracias a su condición de ciudadano estadounidense. Tras pedir colaboración en la embajada de los EEUU iniciará junto a Beth un kafkiano peregrinaje por comisarías, cuarteles y centros de detención en busca del paradero de Charlie. Poco a poco va saliendo de su inicial distanciamiento ante lo que está ocurriendo en el país al encontrarse con una maquinaria perfectamente organizada para hacer desaparecer a todas las personas consideradas potencialmente subversivas por el nuevo régimen militar. Mientras el abatimiento y la incredulidad se apoderan de él, en su interior comienza a cobrar fuerza la idea de que quizás no pueda encontrar a su hijo, independientemente de que esté vivo o muerto.

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Ficha técnica y artística

Desaparecido (Missing). EEUU, 1982, 122 min.

Dirección: Costa-Gavras

Intérpretes: Jack Lemmon, Sissy Spacek, Melanie Mayron

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Crónica de Atticus Finch

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Mulholland Drive

Comentario de MULHOLLAND DRIVE

A mediados de los años 80 David Lynch consolidó las bases de su estilo tan peculiar con "Terciopelo Azul" (1986), después de haber pasado por diversos tratamientos visuales en sus tres cintas anteriores, "Cabeza Borradora", "El Hombre Elefante" y "Dune". Desde entonces sus trabajos han contado casi siempre con los elementos recurrentes de su universo: secuencias oníricas, tramas complejas, personajes bizarros y multitud de habitaciones con cortinas rojas. La única excepción la constituye la excelente "Una Historia Verdadera" (1999), alejada completamente del resto de su filmografía. Tras recibir gran éxito con esta película Lynch comenzó a trabajar en un proyecto con el que retornaría al mundo televisivo que ya le diera fama con "Twin Peaks", para lo cual inició la escritura de una ambiciosa serie de calidad cinematográfica llamada "Mulholland Drive". Finalmente la idea de la serie se paró y el proyecto acabó siendo un largometraje hipnótico que funciona a modo de rompecabezas, en el que su director camina por el estrecho borde que separa la coherencia narrativa y el delirio puramente lynchiano. Como regalo la cinta supondría el descubrimiento de la gran actriz australiana Naomi Watts.

La película cuenta (más o menos) la historia de Betty Elms (Naomi Watts), una actriz que se traslada a Los Angeles para intentar probar suerte en la industria del cine. Un día se encuentra en su casa a una mujer amnésica (Laura Harring) que no recuerda quién es ni como ha llegado allí. Juntas inician la búsqueda de su identidad a través de la gran ciudad mientras van apareciendo más preguntas que respuestas. Paralelamente un joven director de Hollywood (Justin Theroux) está siendo chantajeado por oscuros personajes para elegir a una determinada actriz como protagonista de su próximo trabajo mientras es acosado diariamente por desconocidos. La calle Mulholland Drive juega un papel decisivo en sus historias respectivas.

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Ficha técnica y artística

Mulholland Drive. EEUU-Francia, 2001, 147 min.

Dirección: David Lynch

Intérpretes: Naomi Watts, Laura Harring, Justin Theroux

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De Repente, el Último Verano

Comentario de DE REPENTE, EL ÚLTIMO VERANO


De entre el gran número de géneros y subgéneros cinematográficos existen algunos muy vinculados a un determinado país o que directamente son patrimonio exclusivo de un solo territorio; este es el caso del llamado drama sureño. Las películas englobadas bajo esta etiqueta son cintas dramáticas cuyas tramas se ubican en el Sur histórico de los Estados Unidos tanto en el siglo XIX como en el XX. Suelen recurrir a elementos muy vinculados al imaginario de la región, como la cultura agraria, la Guerra de Secesión, su profundo espíritu conservador o el fantasma de la esclavitud, entre otros. Estos ingredientes resultan idóneos para crear atmósferas opresivas y decadentes, muy utilizadas por ejemplo en largometrajes basados en obras teatrales de Tennessee Williams: "Un Tranvía llamado Deseo", "La Gata sobre el Tejado de Zinc", "De Repente el Último Verano" o "La Noche de la Iguana". El abanico de estilos es amplio pero siempre impregnado de ese inconfundible toque propio de lugares como Lousiana, Alabama o Georgia, también presente en otras grandes películas: "Lo Que el Viento se Llevó", "La Jauría Humana", "En el Calor de la Noche" y un largo etcétera de buenos títulos.

"De Repente, el Último Verano" se sitúa en 1937 en Nueva Orleans, donde el doctor Cukrowicz (Montgomery Clift) ejerce como neurocirujano en un centro hospitalario. Un día es contactado por una acaudalada dama de la ciudad (Katharine Hepburn) que pasa por una complicada etapa tras la muerte de su hijo adulto, Sebastian, durante unas vacaciones en Europa el verano pasado. Ésta le ofrece una importante donación de dinero para mejorar las instalaciones del hospital a cambio de que realice una lobotomía a su sobrina Catherine (Elizabeth Taylor), quien acompañó a Sebastian en esas fatídicas últimas vacaciones. Tras su muerte Catherine ha estado profundamente perturbada y recluída en un sanatorio mental, presa de recuerdos insoportables que no consigue relatar. Cukrowicz decide ir a visitarla para hacer su propio diagnóstico psiquiátrico antes de realizar la peligrosa operación, lo que le lleva a encontrarse un caso más enrevesado de lo que parecía. La muerte de Sebastian y los acontecimientos que le precedieron no están claros y las versiones de Catherine y su tía son diferentes, por lo que finalmente Cukrovicz decide ayudar a la joven a superar su trauma para sanarla y que toda la verdad salga a flote.

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Ficha técnica y artística

De Repente, el Último Verano (Suddenly, the Last Summer). EEUU, 1959, 114 min.

Dirección: Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Katharine Hepburn

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Crónica de Atticus Finch

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Enemigo a las Puertas

Comentario de ENEMIGO A LAS PUERTAS

Las películas sobre la II Guerra Mundial ocupan desde hace muchos años un puesto de gran importancia dentro del género de cine bélico y se han centrado casi siempre, por razones obvias, en avatares ocurridos a las tropas de los países aliados. De las tres grandes potencias que componían este bando, Estados Unidos, Reino Unido y Unión Soviética, es sin duda ésta última la que ha contado de lejos con la menor atención en las pantallas. Algo lógico ya que hubiese resultado extraño que el cine occidental se ocupara de las hazañas bélicas del que sería su enemigo más acérrimo durante las cuatro décadas posteriores a la guerra. Una de las pocas excepciones es "Enemigo a las Puertas", superproducción europea que se adentra en la decisiva batalla de Stalingrado donde el general invierno y la extraordinaria perseverancia del Ejército Rojo consiguieron frenar a las tropas alemanas en su intento de invadir Rusia. A cargo de la realización se encuentra el director francés Jean-Jacques Annaud, conocido principalmente por otros títulos como "El Nombre de la Rosa" (1986) y "El Oso" (1988).

La película se sitúa en la crucial batalla de Stalingrado que se desarrolló a lo largo de varios meses de 1942 en esta ciudad del sur de Rusia a orillas del Volga. Hasta esos momentos la guerra aún permanecía inclinada del bando alemán, ya que el Reich controlaba toda Europa, Gran Bretaña estaba acorralada y los EEUU aún acababan de unirse a la contienda. Hitler decidiría en la primavera del 42 romper su pacto de no agresión con Stalin para intentar la hazaña de conquistar la gigantesca URSS, movimiento que pilló por sorpresa a Moscú y que conllevaría el avance imparable de las tropas nazis a lo largo de un frente de miles de kilómetros hasta llegar a las mismas afueras de la capital rusa. Sin embargo la batalla de Stalingrado permanece muy igualada, ambos bandos se sumergen en una guerra urbana mientras los alemanes cada vez reciben menos suministros del oeste y el ejército soviético no para de enviar sin descanso a miles de soldados al frente. Entre ellos se encuentra el joven campesino de los Urales Vasili Zaitsev (Jude Law), cuya gran destreza como tirador de élite le convierte poco a poco en una leyenda entre los suyos. Con la ciudad en ruinas éste se especializa en cazar soldados alemanes agazapado en los más diversos lugares gracias a su extraordinaria puntería. Su talento pronto intenta ser utilizado como propaganda por un comisario político (Joseph Fiennes) a la vez que Vasili conoce a una voluntaria del ejército por la que se siente fuertemente atraído (Rachel Weisz). Los nazis por su parte deciden traer desde Alemania a un reputado oficial y experto francotirador (Ed Harris) para que acabe de una vez por todas con él y la moral vuelva así a sus mermadas tropas. De esta manera ambos hombres comienzan a librar una lucha sin cuartel entre los escombros mientras la batalla sigue su imparable curso.

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Ficha técnica y artística

Enemigo a las Puertas (Enemy at the Gates). Francia-Reino Unido, 2001, 126 min.

Dirección: Jean-Jacques Annaud

Intérpretes: Jude Law, Joseph Fiennes, Rachel Weiz, Ed Harris

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Crónica de El Maquinista

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El Resplandor

Comentario de EL RESPLANDOR

Pocos directores de prestigio pueden presumir de tener una filmografía tan rica como la de Stanley Kubrick, quien durante casi medio siglo de carrera tocó una gran variedad de géneros distintos. Drama ("Lolita"), bélico ("Senderos de Gloria", "La Chaqueta Metálica"), épico ("Espartaco"), ciencia-ficción ("2001, Odisea del Espacio"), comedia negra ("Teléfono Rojo"), terror ("El Resplandor"), futuro distópico ("La Naranja Mecánica") o incluso cine histórico ("Barry Lyndon"). A pesar de abordar temáticas tan diferentes el realizador británico saldría airoso de todos estos proyectos independientemente de que el resultado final fuese mejor o peor en cada caso. Sus películas no son planas o anodinas, tienen personalidad y en general le gustan mucho a este cronista, salvo las más discretas "Barry Lyndon" y "Teléfono Rojo". Es probablemente a finales de los años 60 y principios de los 70 cuando Kubrick alcanza plenamente su estatus de director consagrado, tras haber sido capaz de poner en pie con éxito dos proyectos tan arriegados como "2001, Odisea del Espacio" (1968) y "La Naranja Mecánica" (1971). A partir de entonces sus trabajos van a ir espaciándose más en el tiempo y así es como en 1980 decide adaptar a la gran pantalla la novela de terror "El Resplandor", del escritor canadiense Stephen King. El rodaje, como era habitual con él, resultaría una experiencia agotadora para el equipo tras soportar el perfeccionismo extremo y las continuas exigencias del realizador. Kubrick podía ser un genio de cine, pero para los actores trabajar con él solía ser peor que un dolor de muelas.

La película narra la llegada del escritor Jack Torrance (Jack Nicholson) a un apartado hotel de las Montañas Rocosas que se prepara para cerrar la temporada de visitantes por el comienzo del invierno. Torrance ha sido contratado para vigilar el complejo mientras dura el cierre invernal, tiempo durante el cual estará completamente aislado por la nieve. Su idea es aprovechar la situación para concentrarse en escribir su próxima novela lejos de cualquier distracción, aunque finalmente se ha llevado con él a su mujer y a su pequeño hijo de siete años. Una vez se quedan solos en el hotel los días van pasando uno tras otro mientras se va creando una atmósfera irreal en torno a ellos y que poco a poco va inundándolo todo. Puede que sea fruto del aislamiento total al que están sometidos o debido a alguna influencia extraña que emana del lugar. El caso es que comienzan a suceder fenómenos sin explicación y Jack es arrastrado por ellos a una espiral de locura que lo trastorna por completo, a la vez que su hijo experimenta unas habilidades sobrenaturales pero innatas en él, conocidas como el resplandor.

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Ficha técnica y artística

El Resplandor (The Shining). EEUU, 1980, 146 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd

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Crónica de Atticus Finch

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El Ocaso del Samurái

Comentario de EL OCASO DEL SAMURÁI

El género de cine histórico centrado en el mundo de los samuráis ha tenido un largo recorrido en la cinematografía japonesa desde la implantación del cine en ese país, debido sin duda a la gran influencia que ha ejercido durante siglos en todos los ámbitos de su cultura. No obstante el género samurái alcanzaría pleno reconocimiento artístico y difusión internacional en los años 50, cuando importantes directores abordaron la temática con un tratamiento más sólido en las historias. A la cabeza se encuentra Akira Kurosawa, quien durante varias décadas filmó un buen número de cintas famosas casi siempre acompañado por el actor Toshiro Mifune: "Rashomon", "Los Siete Samuráis", "Yojimbo" o "Ran" son buenos ejemplos que tratan diferentes perspectivas de este universo. El cine samurái puede ubicarse a lo largo de varios siglos, desde los albores del medievo hasta finales del siglo XIX, cuando la Restauración Meiji emprendida por el emperador barrería la era de los shogun y con ellos al sistema feudal, samuráis incluidos. Sus historias pueden hablar de temas tan interesantes como el camino del guerrero (el bushido), la reprimida sociedad japonesa, los samuráis errantes sin señor al que servir (los míticos ronin) o la traumática desaparición de su mundo, cuando les arrebataron las katanas definitivamente. Aunque su casta fuera abolida formalmenete, su filosofía de vida ha seguido impregnando a todas la generaciones japonesas, incluyendo a otros cineastas aparte de Kurosawa como Masaki Kobayashi ("Harakiri", "Samurai Rebellion") o incluso al contemporáneo Takeshi Kitano ("Zatoichi"). Uno de los más bellos acercamientos al género ha sido llevado a cabo recientemente por el director Yoji Yamada, quien lanza una mirada desmitificadora y profundamente humana en su trilogía dedicada al tema: "El Ocaso del Samurai" (2002), "La Espada Oculta" (2004) y "Love & Honor" (2006). En ellas sus personajes huyen de los tópicos y se muestran como samuráis cercanos, ajenos al mito de la espada y el sacrificio inútil, tan solo deseosos de vivir el día a día lo mejor posible.

La acción de "El Ocaso del Samurái" transcurre a mediados del siglo XIX poco antes de la Restauración Meiji, en una era en la que la mayoría de los samuráis hace ya tiempo que han abandonado la guerra para dedicarse a tareas administrativas, aunque sigan portando sus katanas como seña de identidad. Su protagonista es Seibei Iguchi, un samurái viudo de bajo rango que trabaja como funcionario en el almacén de provisiones de uno de los castillos de su señor. El salario que recibe le llega a duras penas para mantener a sus hijas pequeñas y a su anciana madre, ya medio senil, por lo que tiene que dedicarse también a otros trabajos complementarios. De naturaleza sencilla y tranquila, la máxima aspiración de Seibei es vivir en paz y ver crecer a sus hijas sanas e independientes. Sin embargo la llegada al pueblo de una antigua amiga de la infancia y una peligrosa misión encargada por el clan al que pertenece van a trastocar por completo su rutina diaria.

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Ficha técnica y artística

El Ocaso del Samurai (The Twilight Samurai). Japón, 2002, 129 min.

Dirección: Yoji Yamada

Intérpretes: Hiroyuki Sanada, Rie Miyazawa, Nenji Kobayashi

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Crónica de El Maquinista

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Río Salvaje

Comentario de RÍO SALVAJE

El director norteamericano Elia Kazan comenzó la década de los 60 de forma sobresaliente con la película "Río Salvaje", un drama que se adentraba en las profundidades del Sur estadounidense para retratar las relaciones personales y el arraigo a la tierra. Para ello contaría con dos grandes intérpretes protagonistas, Montgomery Clift y Lee Remick, actores que no son tan recordados por el gran público como otras grandes estrellas de primera fila pero que cuentan con un buen puñado de importantes largometrajes en los que siempre llevaron a cabo trabajos excelentes. Clift es probablemente uno de los actores más atormentados que hayan pasado nunca por la gran pantalla y una persona que poco a poco fue sumergiéndose en una espiral autodestructiva que finalmente acabaría con su vida. Para la posteridad quedan sus papeles en obras como "De Aquí a la Eternidad", "Yo confieso", "De Repente, el Último Verano" o "Vidas Rebeldes". Por su parte, la imagen de Lee Remick no puede ser más diferente, ya que sus personajes transmiten veracidad y ternura, ya sea en películas tan diferentes como "Días de Vino y Rosas", "Anatomía de un Asesinato" o la propia "Río Salvaje".

La cinta hoy comentada narra la llegada de un funcionario de la Administración llamado Chuck Glover (Montgomery Clift) a las inmediaciones de un pequeño pueblo sureño a orillas del río Tennessee a comienzos de los años 30. La zona lleva años sufriendo frecuentes inundaciones por las crecidas del río y el gobierno federal ha decidido evacuar definitivamente todo el valle y llevar a cabo la construcción de una presa hidroeléctrica en las cercanías de la localidad. Todas las tierras ribereñas quedarán anegadas en pocas semanas una vez se ponga en marcha la presa, por lo que durante los meses anteriores se ha procedido a la expropiación de los terrenos en la región. Chuck ha sido enviado a supervisar los últimos trámites y a intentar convencer a la propietaria de la última parcela sin desalojar de vender su terreno y trasladarse a vivir a una nueva casa en el pueblo. La mujer es una obcecada anciana, Ella Garth (Jo Van Fllet), que se niega a abandonar su casa y la tierra de sus antepasados, mientras sigue con su vida junto a su familia y un reducido número de trabajadores negros que continúan realizando las labores de cosecha en la pequeña finca. Tras varios intentos infructuosos de convencerla, un día conoce a su nieta Carol (Lee Reemick), una joven viuda que no tiene muy claro si debe emprender su vida en otro lugar o permanecer en la casa familiar. Poco a poco comenzarán a aflorar sentimientos entre ambos mientras el tiempo antes de las inundaciones se acaba.

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Ficha técnica y artística

Río Salvaje (Wild River). EEUU, 1960, 109 min.

Dirección: Elia Kazan

Intérpretes: Montgomery Clift, Lee Remick, Jo Van Fleet

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Crónica de Atticus Finch

El Hijo de la Novia

Comentario de EL HIJO DE LA NOVIA

A finales de los años 90 comenzaron a llegar a las pantallas españolas un creciente número de películas latinoamericanas que anunciaban una década de trabajos muy interesantes dentro de esta cinematografía. El estreno en poco tiempo de "Nueve Reinas" (Fabián Bielinsky, 2000) y "El Hijo de la Novia" (Juan Jósé Campanella, 2001) consolidarían al cine argentino como el puntal de lanza de esta nueva era de largometrajes sudamericanos y a Ricardo Darín como su rostro más conocido, sin contar a intérpretes ya consagrados en España como Héctor Alterio, Cecilia Roth o Federico Luppi. De esta manera han seguido llegando con los años cintas estupendas, sobre todo de Méjico, Argentina y Brasil, países que son los que exportan con mayor frecuencia sus largometrajes a Europa. Buenos ejemplos son autores argentinos como Marcelo Piñeyro ("Kamchatka"), Adolfo Aristaráin ("Lugares Comunes") o el propio Campanella ("El Mismo Amor, la Misma Lluvia"); el trío mejicano formado por Iñárritu, Del Toro y Cuarón, propensos también a trabajar en los EEUU, así como el emergente cine brasileño de Ricardo Meirelles ("Ciudad de Dios"), Walter Salles ("Diarios de Motocicleta") y José Padinha ("Tropa de Élite"), de una factura técnica envidiable. Todos juntos forman un grupo versátil capaz de firmar películas sobresalientes, uno de cuyos últimos y mejores exponentes es la obra maestra de Campanella, "El Secreto de sus Ojos", cinta que de haber sido anglosajona ya estaría subida a los altares cinematográficos de medio mundo. Por ello es necesario y de lógica aplastante fomentar el intercambio de películas entre los países de habla española y por extensión portuguesa, a fin de crear un sólido espacio cinematográfico en toda la comunidad iberoamericana, de Europa a Sudámerica.

"El Hijo de la Novia" es la radiografía vital de Rafael (Ricardo Darín), un estresado dueño de un restaurante bonaerense cuya obsesión por el trabajo le está carcomiendo la salud y haciéndole perder contacto con las cosas verdaderamente importantes. En medio de su ahogada existencia entra su padre (Héctor Alterio) para pedirle su apoyo en una idea que al hijo se le antoja disparatada, casarse de nuevo con su madre enferma de alzheimer (Norma Aleandro) pero esta vez por la Iglesia, una vieja ilusión que ella mantenía antes de caer presa de la enfermedad que le ha robado la mayor parte de sus recuerdos. La organización del plan le servirá a Rafael para darse una nueva oportunidad y devolver algo de ilusión a los que le rodean.

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Ficha técnica y artística

El Hijo de la Novia. Argentina-España, 2001, 124 min.

Dirección: Juan José Campanella

Intérpretes: Ricardo Darín, Héctor Alterio, Norma Aleandro

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Crónica de El Maquinista

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Ciudadano Kane

Comentario de CIUDADANO KANE

Tras conseguir gran éxito en obras teatrales y sobre todo con su adaptación radiofónica de "La Guerra de los Mundos", a Orson Welles se le presentó la oportunidad de entrar en el mundo del cine cuando en 1939 la productora RKO le ofreció dirigir tres películas con total libertad, algo inaudito en esa época y bastante raro aún en nuestros días. Finalmente la colaboración se reduciría a tan solo un largometraje, "Ciudadano Kane" (1941), pero éste supondría un nuevo pilar de la cinematografía moderna gracias a todas sus innovaciones técnicas. Con un guión coescrito por él mismo y reservándose además el papel protagonista, Welles se basó libremente en la vida del magnate de la prensa William Randolph Hearst para crear una portentosa historia sobre la ambición, el poder y la soledad. Tras la cámara llevaría a cabo un trabajo impresionante con la puesta en escena, el uso de la fotografía, la profundidad de campo, los encuadres y un sin fin de recursos novedosos, aportando la mirada personal del realizador. Incluso la estructura narrativa sería manejada con nuevos códigos, fragmentando la historia y empezando la película por el final, recurriendo a flash-backs para tejer el relato. De esta manera Welles hizo una gran aportación al desarrollo del lenguaje cinematográfico tal como se entiende en la actualidad, en la senda de pioneros como Sergei Eisenstein ("El Acorazado Potemkin") o David Griffith ("El Nacimiento de una Nación"). Paradojas de la historia, Welles no lo tendría nada fácil para poner en pie la mayor parte de sus siguientes proyectos, dejando una filmografía bastante deslavazada pero con otros largometrajes reconocidos como "La Dama de Shanghai" (1947) o "Sed de Mal" (1958). Varios de sus trabajos quedarían inconclusos por falta de financiación, llegaría a abandonar los EEUU por Europa para luego volver y participaría regularmente como intérprete en varias cintas ("Moby Dick", "Un Hombre para la Eternidad") para costear sus rodajes. A pesar de todo, nadie puede discutirle su estatus como pieza clave del cine del siglo XX.

La cinta comienza con la muerte del magnate Charles Foster Kane (Orson Welles) en su mansión de Xanadú, una megalómana construcción llena de obras de arte y cientos de objetos de gran valor. Poco antes de expirar pronuncia una enigmática palabra, "Rosebud", mientras sostiene en su mano una bola de cristal con nieve en el interior. Tras el suceso un periodista empieza a investigar el significado de "Rosebud" entrevistando a viejos amigos y colaboradores de Kane, buceando poco a poco en la misteriosa vida del personaje. A través de los relatos de todas esas personas que le conocieron, el espectador es testigo de su vida: los recuerdos de infancia, la gran herencia recibida y sus primeros pasos llenos de idealismo en el mundo del periodismo. Pero con el tiempo asoma el lado oscuro de su personalidad, la ambición y el camino que emprende por conseguir poder a través de los negocios y su frustrada carrera política. Kane va perdiendo los valores que le inspiraron y a sus amistades más fieles hasta acabar rodeado de riquezas, pero sabedor de haberse traicionado a sí mismo.

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Ficha técnica y artística

Ciudadano Kane (Citizen Kane). EEUU, 1941, 119 min.

Dirección: Orson Welles

Intérpretes: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane

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Crónica de Atticus Finch

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Promesas del Este

Comentario de PROMESAS DEL ESTE

Desde finales de los años 70 hasta bien entrada la década de los 90 el director canadiense David Cronenberg se especializó en un tipo de cine bastante grotesco y de dudoso gusto muy dado a husmear en los asuntos más turbios del ser humano. Sus temáticas y el tratamiento de todas esas historias raras le hicieron entrar rápidamente en mi lista negra de realizadores proscritos, junto a otros señores como Michael Haneke. Hay bastantes directores que me resultan molestos, unos por ejemplo debido a su cargante pirotecnia visual (Michael Bay, Roland Emmerich), otros por el soporífero ritmo que imprimen a sus películas, lo que hace que su visionado resulte tan estimulante como ver secarse una capa de pintura (Rohmer, Kiarostami e iraníes varios). Pero el número de realizadores a los que realmente tenga aversión se puede reducir a un puñado escaso, normalmente por culpa de su afición a las historias malsanas. Cronenberg parece que finalmente vio la luz a comienzos del siglo XXI, ya que en 2005 se reinventó firmando la excelente cinta "Una Historia de Violencia", inicando así una colaboración muy fructífera con el actor Viggo Mortensen que seguiría en "Promesas del Este" (2007) y la cercana a estrenarse "Un Método Peligroso", donde Mortensen se mete en la piel del insigne doctor Freud. Aunque no pueda tachar a Cronenberg de mi lista negra por todo lo que perpetró durante veinticinco años al menos le tendré en cuenta su nueva etapa en venideros juicios a su filmografía.

"Promesas del Este" es un original acercamiento a los clanes mafiosos rusos que sigilosamente se han asentado en Europa occidental. Estas organizaciones criminales no han tenido mucha atención en la gran pantalla, donde normalmente se suelen ver a las más tradicionales mafias italianas e irlandesas, pero su pericia en la actividad delictiva no tiene nada que envidiar a estas últimas. La cinta narra básicamente el lío monumental en el que se ve envuelta una voluntariosa enfermera londinense llamada Anna (Naomi Watts), tras hacerse cargo del diario personal y el bebé recién nacido de una chica rusa que fallece en su hospital al dar a luz. En un intento por encontrar a algún familiar de la muchacha, Anna decide iniciar la traducción del diario donde ésta cuenta la tortuosa historia de cómo llegó a Londres desde su Rusia natal. La enfermera poco a poco va tirando del hilo hasta llamar sin saberlo a las puertas de un clan mafioso eslavo, el cual es dirigido desde un conocido restaurante de la capital que hace de tapadera. Esto le llevará a conocer al brutal hijo del capo (Vincent Cassel) y a su hombre de confianza (Viggo Mortensen), un misterioso hombre que lucha por escalar peldaños en la organización pero que a la vez trata de alejarla del peligro lo máximo posible.

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Ficha técnica y artísitca

Promesas del Este (Eastern Promises). Reino Unido, 2007, 99 min.

Dirección: David Cronenberg

Intérpretes: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel

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Crónica de El Maquinista

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A Quemarropa

Comentario de A QUEMARROPA

El director británico John Boorman se inició en el mundo del largometraje en 1965 con una película documental a mayor gloria de la banda de pop The Dave Clark Five, en un ejercicio bastante de moda en aquellos tiempos que seguía el patrón marcado por Richard Lester para su conocida colaboración con los Beatles en "¡Qué Noche la de Aquél Día!". Para su primer trabajo serio de ficción Boorman cruzaría el charco dos años después para rodar en EEUU y tener al frente de las cámaras a un actor de la talla de Lee Marvin en la fascinante obra de cine negro que supone "A Quemarropa", de la que incomprensiblemente no se suele hablar demasiado. La carrera de Boorman ha continuado hasta nuestros días con otras largometrajes conocidos pero probablemente sus dos hitos más importantes lo forman "Deliverance" (1972) y "Excalibur" (1981). La primera supone el viaje al corazón de las tinieblas que emprenden cuatro amigos de Atlanta cuando deciden ir a pasar un fin de semana al río Cahulawassee en las montañas del estado de Georgia. La naturaleza salvaje y los aldeanos del lugar les llevarán a luchar por su propia supervivencia en una cinta cuyas imágenes icónicas son el descenso del río en canoa y a John Voight emupuñando su arco de tiro olímpico para defenderse mientras Burt Reynolds cree haberse convertido en el último guerrero americano vivo. Por su parte, "Excalibur" es probablemente la mejor película realizada sobre las leyendas del rey Arturo y sus caballeros. A pesar de que existen varias perspectivas diferentes desde las que abordar la historia, Boorman apostó en esta ocasión por la vertiente más legendaria y con abundancia de elementos sobrenaturales, consiguiendo una poderosa obra asociada ya para siempre a los coros del Carmina Burana de Carl Orff.

"A Quemarropa" supone un caso bastante insólito dentro del cine negro, ya que tiene la factura de película de autor europeo con un estilo narrativo absorbente lleno de elipsis, metáforas, recuerdos y estructura fragmentada. Walker (Lee Marvin) es un ladrón de grandes sumas de dinero que un día es traicionado por uno de sus mejores amigos en el transcurso de un golpe en la cárcel abandonada de Alcatraz. Tras sobrevivir a múltiples heridas y dado por muerto, años después se le presenta la ocasión de seguir su rastro para vengarse y recuperar parte de aquél botín. Walker es un hombre imperturbable que probablemente se dejó mucho más de lo que parece en esa fría isla, y su caza no parece motivada solo por el dinero o los sentimientos, sino por la inercia misma de toda su vida. Su antiguo compañero pertenece ahora a una opaca organización criminal en la cual Walker consigue internarse gracias a información privilegiada que le suministra un topo de la misma, pero en su misión va a arrasar con todo lo que se le ponga por delante llegando incluso a destruir los mismo pilares del grupo. Esto se resume en que lucha él solo contro todo y contra todos, sin importarle las consecuencias.

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Ficha técnica y artística

A Quemarropa (Point Blank). EEUU, 1967, 92 min.

Dirección: John Boorman

Intérpretes: Lee Marvin, Angie Dickinson, Keenan Wynn

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Crónica de El Maquinista

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