Tierras de Penumbra

Comentario de TIERRAS DE PENUMBRA
 

Muchas personas conocen a Sir David Attenborough, el célebre naturalista y presentador de grandes series documentales de la BBC. Pero no tantos saben que su hermano mayor es Richard Attenborough, actor secundario británico y director de un buen puñado de estupendas películas. En su faceta interpretativa Attenborough se labró una sólida carrera durante los años 60 y 70, aunque el gran público le recuerda sobre todo por su papel de propietario del "Parque Jurásico" de Steven Spielberg. A finales de los setenta probaría suerte con la realización y en poco tiempo conseguiría un tremendo éxito con "Gandhi" (1982), biopic del histórico líder indio encarnado para la ocasión por Ben Kingsley. Tras otras dos buenas cintas, "Grita Libertad" (1987) y "Chaplin" (1992), Attenborough rodaría la que muy probablemente sea su obra cumbre: "Tierras de Penumbra" (1993). Para ello contaría con dos grandes intérpretes, Debra Winger y un Anthony Hopkins que en aquellos años llevaba encadenados varios trabajos sobresalientes: "El Silencio de los Corderos", "Regreso a Howard's End" o "Lo que Queda del Día".

"Tierras de Penumbra" narra la relación entre el académico de la universidad de Oxford C.S. Lewis (Hopkins) y la poetisa norteamericana Joy Gresham (Winger) durante la década de los 50. Lewis es un reputado profesor de literatura inglesa que ha obtenido gran fama por sus cuentos infantiles de "Las Crónicas de Narnia", inspiradas fuertemente por la obra de su amigo y colega en Oxford J.R.R. Tolkien. De temperamento muy británico, Lewis vive una existencia de apacible soltero dedicado a sus labores académicas y compartiendo hogar con su hermano. Cierto día conoce en un acto de la universidad a la poetisa Joy Gresham, que está de visita en Inglaterra junto a su hijo. Ambos comienzan una especial relación de amistad dada la completa disparidad entre sus caracteres. La rigidez de Lewis contrasta con la espontaneidad de ella, pero se complementan muy bien. Tras un tiempo fuera del país Joy vuelve a Inglaterra tras haberse separado de su marido y le pide a Lewis que se case con ella para poder obtener el permiso de residencia y no tener que volver a los Estados Unidos. Tras esta unión de conveniencia ambos profundizan en su relación y lo que era un amor platónico se transforma en uno verdadero, aunque con el tiempo contado.

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Ficha técnica y artística

Tierras de Penumbra (Shadowlands). Reino Unido, 1993, 130 min.

Dirección: Richard Attenborough

Intérpretes: Anthony Hopkins, Debra Winger, Joseph Mazzello

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Crónica de El Maquinista

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Feliz Navidad Mr. Lawrence

Comentario de FELIZ NAVIDAD MR. LAWRENCE

El director japonés Nagisa Oshima llevó a cabo una prolífica carrera cinematográfica en su país a lo largo de la década de los sesenta, pero su trabajo no alcanzó nunca el reconocimiento y la calidad de otros realizadores nipones de aquella época: Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu, Kenji Mizoguchi o Masaki Kobayashi (si no han visto la magistral "Samurai Rebellion" [1967] no sé a qué esperan). No obstante, Oshima lograría una gran repercusión en Occidente con su famosa "El Imperio de los Sentidos" (1976), una pretendida cinta erótica pero que no es más que un sórdido disparate audiovisual salido de las mentes más retorcidas del país del sol naciente. No se les ocurra verla, este cronista lo intentó hace unos años y tuvo que quitarla a la media hora debido a los problemas estomacales causados por su visionado. Tras perpetrar esta majadería (iba a decir basura pero voy a ser comedido) el señor Oshima rodó una especie de cinta hermana llamada "El Imperio de la Pasión" (muy original) con la que ganó ni más ni menos que la Palma de Oro en el festival de Cannes de 1978. Aunque no la he visto me aventuro a pensar que el jurado de aquella edición quiso hacerse el moderno y concedió el galardón de manera absurda a Oshima, algo que por otra parte suele ocurrir con bastante frecuencia en los festivales de cine más prestigiosos. Hasta este punto no he dicho casi nada positivo de Oshima, pero he aquí que llega el año 1983 y el director estrena la obra de culto "Feliz Navidad Mr. Lawrence", una cinta con un planteamiento excelente pero que tampoco puedo calificar de buena película. Pertenece a esa categoría de largometrajes que se mueven entre el 6 y el 7 pero que atesoran grandes momentos que hacen que no se las olvide. Y por eso protagoniza hoy esta entrada.

"Feliz Navidad Mr. Lawrence" cuenta la fascinante relación entre cuatro hombres en un campo de prisioneros japonés en la isla de Java durante la Segunda Guerra Mundial: el oficial británico Jack Celliers (David Bowie), un ser autodestructivo y problemático; su compatriota el coronel John Lawrence (Tom Conti), inglés ilustrado en medio de la barbarie; el sádico sargento japonés Hara (Takeshi Kitano), siempre deseoso de apalear occidentales; y el inflexible jefe de campo Yonoi (Ryuichi Sakamoto), contradictorio personaje que oculta una homosexualidad fuertemente reprimida. El casting de la película es uno de los más curiosos experimentos que he visto (pero funciona muy bien). La presencia de Takeshi Kitano, uno de los realizadores japoneses más importantes de los últimos quince años y creador de "Humor Amarillo", es sorprendente. Más aún la de David Bowie, quien a comienzos de los ochenta hizo algunos papeles en el cine sin aparcar su carrera musical. Y como colofón el estupendo Ryuichi Sakamoto, que además de actuar es el compositor de la magnífica y muy conocida banda sonora de la película. Esto, junto a su historia, la hace tener todos los ingredientes para lo que se llama una cinta de culto. Y bastante interesante, por cierto.

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Ficha técnica y artística

Feliz Navidad Mr. Lawrence (Merry Christmas Mr. Lawrence). Japón, 1983, 124 min.

Dirección: Nagisa Oshima

Intérpretes: Tom Conti, David Bowie, Ryuichi Sakamoto

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Crónica de El Maquinista

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Hannah y sus Hermanas

Comentario de HANNAH Y SUS HERMANAS





 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La carrera cinematográfica de Woody Allen abarca ya más de cuatro décadas pero es sin duda el periodo entre 1977 y 1997 el que ha sido el más fructífero y en el que ha rodado la mayoría de sus grandes obras. A partir del punto de inflexión de "Annie Hall" (1977) y tras la confirmación de "Manhattan" (1979), el realizador neoyorkino se embarcó en una maratoniana trayectoria que le ha llevado a estrenar una película por año, siendo siempre el guionista y director de las mismas y también actor en la mayoría de ellas. Tras cambiar a Diane Keaton por Mia Farrow como musa artística en 1980, Allen rodaría con ésta varios títulos clásicos: "La Rosa Púrpura del Cairo" (1985), "Hannah y sus Hermanas" (1986), "Delitos y Faltas" (1989) o "Maridos y Mujeres" (1992). La década de los 90 traería el fin de la relación con Farrow pero todavía ofrecería buenos trabajos: "Misterioso Asesinato en Manhattan" (1993), "Balas sobre Broadway" (1994) o "Desmontando a Harry" (1997), probablemente una de sus últimas grandes películas. Desde el cambio de siglo Allen ha vivido un claro declive artístico que no obstante no impide que de vez en cuando traiga alguna grata sorpresa como "Match Point" (2005). Como bien dice el refrán, quien tuvo retuvo.

"Hannah y sus Hermanas" relata una historia con inconfundible sello Allen sobre los avatares personales de un puñado de personajes de la clase media ilustrada de Nueva York. La trama abarca una estructura de tres hilos argumentales a lo largo de dos años comenzando y acabando el Día de Acción de Gracias. Hannah (Mia Farrow) es una exitosa actriz de teatro casada con Elliot (Micheal Caine), pero éste comienza una aventura amorosa con la hermana pequeña de su mujer (Barbara Hersley). A su vez está Mickey (Woody Allen), el hipocondriaco y anterior marido de Hannah que sufre una profunda angustia vital, lo cual le lleva a una serie de fallidas conversiones religiosas. Finalmente comienza a sentir de nuevo interés por la vida al ayudar a enderezar el rumbo de la otra hermana de Hannah (Dianne West).

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Ficha técnica y artística

Hannah y sus Hermanas (Hannah and her Sisters). EEUU, 1986, 106 min.

Dirección: Woody Allen

Intérpretes: Mia Farrow, Michael Caine, Woody Allen

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Crónica de Atticus Finch

 

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El Hombre de Acero

Comentario de EL HOMBRE DE ACERO

 

Desde hace aproximadamente una década, con el gran éxito del "Spiderman" de Sam Raimi (2002), la industria cinematográfica ha visto un filón de oro en los personajes de cómic. El desarrollo de los efectos especiales por ordenador ha permitido crear el poderío visual del que adolecían un buen número de películas de superhéroes en los años 80 y 90. De hecho, a excepción del Superman de Richard Donner (1978) y el Batman de Tim Burton (1989), pocos productos de este mundo habían conseguido resultados dignos. Así pues, con el cambio de siglo, los personajes de las dos grandes editoriales del cómic (DC y Marvel) empezaron a inundar las pantallas cada año, uniéndose al asunto también cómics europeos y novelas gráficas de renombre ("V de Vendetta", "Watchmen"...). Con suerte la gran mayoría de estas cintas no pasan de ser buenas películas de entretenimiento, pero en algunos casos se ha llegado a ofrecer una historia más adulta, como en el Batman de Christopher Nolan (2006) o el Hulk de Ang Lee (2003). Este año le ha llegado la hora a uno de los personajes más emblemáticos de este universo, Superman, tras el fallido intento de volver con buen pie a la gran pantalla en 2006 por parte de Bryan Singer ("Superman Returns"). El retorno no ha podido ser mejor, ya que una extraodinaria reformulación del héroe ha llegado a los cines con "El Hombre de Acero", sin duda una de las mejores películas de superhéroes jamás filmada.

"El Hombre de Acero" presenta de nuevo al público a Kal-El, uno de los pocos supervivientes de un lejano planeta llamado Krypton. Adoptado por una familia de Kansas con la identidad de Clark Kent, el joven empieza a desarrollar extraordinarios superpoderes con los que decidirá defender a la Humanidad bajo el nombre de guerra de Superman. La historia general, de sobra conocida, es retomada en esta cinta desde un prisma diferente, introspectivo, que dota al relato de gran poder emocional. Las labores de Zack Snyder (dirección), Christopher Nolan (producción) y David Goyer (guión) han dado como fruto una estupenda película cuyos grandes aciertos son la mitología del planeta natal de héroe y el viaje iniciático que éste emprende. Superman es un ser frustrado por su propia naturaleza y en búsqueda de una identidad propia. La cinta es un entretenimiento de primera categoría y mucho más que una simple película de superhéroes. Contiene algunas de las imágenes más bellas que se hayan visto nunca en un largometraje de su género, como buena muestra es el tráiler que acompaña a esta entrada. Vivimos tiempos oscuros y la sociedad siempre ha necesitado héroes que libren las grandes batallas por la justicia. El Hombre de Acero es sin duda uno de ellos.

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Ficha técnica y artística

El Hombre de Acero (Man of Steel). EEUU, 2013, 143 min.

Dirección: Zack Snyder

Intérpretes: Henry Cavill, Amy Adams, Russell Crowe

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Crónica de El Maquinista

 

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Amor Bajo el Espino Blanco

Comentario de AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO

Hace algún tiempo ya de la última película china que comentamos en el blog, pero recuerdo que esa crónica fue una de las más celebradas entre la pequeña comunidad de la blogosfera que sigue esta bitácora. En ella exponíamos la particularidad de la cinematografía del país asiático, ya que ésta se divide a su vez en otras tres debido a los acontecimientos politico-históricos que ha vivido China desde la Segunda Guerra Mundial. Así podemos diferenciar claramente entre el cine de la China continental, bajo la supervisión del régimen comunista, el cine de Taiwan, gobernada de facto los pro-occidentales, y finalmente el cine de Hong-Kong, la antigua colonia británica con estatus político especial. El cine de la China continental empezó a asomar la cabeza a finales de los años 80 cuando Zhang Yimou ganó el Oso de Oro en Berlín con "Sorgo Rojo" (1989). Y es que Yimou ha sido sin duda la figura central de esta escuela tras consagrarse en la década de los 90 rodando, entre otras, "Vivir" (1994) o "El Camino a Casa" (1999), mi película preferida de su filmografía. Tras unos años dedicado al género de aventuras wuxia con la magistral "Hero" (2002) y las entretenidas "La Casa de las Dagas Voladoras" (2004) y "La Maldición de la Flor Dorada" (2006), Yimou volvió a sus raíces hace tres años para contar una historia de sentimientos en el marco de la demencial Revolución Cultural china promovida por Mao.

"Amor Bajo el Espino Blanco" relata la historia de amor entre dos jóvenes chinos a comienzos de los años 70. Jing (Zhou Dongyu) es una estudiante de secundaria que es enviada un tiempo al campo junto con sus compañeros en el marco de los procesos de reeducación maoístas de la Revolución Cultural. La muchacha se aloja en un pueblo de la región de Las Tres Gargantas de río Yantsé, donde un día conoce a Sun (Shawn Dou), un geólogo que trabaja en la zona. Durante las semanas que pasan juntos van surgiendo entre ellos unos sentimientos profundos que harán que sigan intentando mantener su relación en la distancia, al volver Jing a la ciudad. No obstante las dificultades que se presentan son muchas: Jing debe superar un periodo de prueba para acceder a una plaza de maestra que necesita para poder ayudar a su familia, represaliada por las purgas maoístas. Sun la ayudará pero él también empieza a afrontar problemas mayores.

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Ficha técnica y artística

Amor Bajo el Espino Blanco (Under the Hawthorn Tree). China, 2010, 114 min.

Dirección: Zhang Yimou

Intérpretes: Zhou Dongyu, Shawn Dou, Xi Meijuan

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Crónica de Atticus Finch

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Viridiana

Comentario de VIRIDIANA

En el páramo intelectual que fue la España del franquismo a una de las escasas mentes lúcidas del régimen se le ocurrió que podía ser buena idea que Luis Buñuel, uno de los cineastas más importantes del país, volviese a trabajar a su patria. Era 1960, comenzaba una nueva década y la larga posguerra, con su brutal represión, parecía ir quedando atrás a medida que la dictadura suavizaba un poco sus maneras. Buñuel llevaba exiliado en Méjico veinte años desde el estallido de la Guerra Civil y aceptó de buen grado volver a España a rodar la que iba a ser una de sus obras maestras, "Viridiana". El director aragonés tuvo que sortear el escrutinio de los censores al presentar el guión de la película, pero curiosamente en el rodaje tuvo una libertad muy amplia. Cuando la cinta estuvo lista fue enviada al festival de Cannes de 1961 donde recibió la Palma de Oro entre grandes elogios. Pero tras la publicación de un articulo en el Osservatore Romano, el periódico del Vaticano, en el que se atacaba duramente la película calificándola de blasfema y amoral, el régimen franquista se apresuró a prohibir su exhibición en España. El propio Generalísimo visionó el largometraje en su sótano del Pardo y quedó escandalizado de lo que le habían permitido rodar a Buñuel. Se dio así la esperpéntica situación de que una película nacional dirigida por un español no pudiese ser vista en su propio país. Buñuel volvería de esta de manera al exilio artístico a Méjico y posteriormente a Francia, para encarar su etapa más prolífica con títulos como "El Ángel Exterminador" (1962), "Belle de Jour" (1967) o "El Discreto Encanto de la Burguesía" (1972). Con la excepción de "Tristana" (1970), todas rodadas en el extranjero.

"Viridiana" es una perturbadora historia que radiografía el sustrato moral de la España negra y cómo éste moldea a las personas. Viridiana (Silvia Pinal) es una joven novicia a punto de tomar sus votos que recibe una invitación de su tío don Jaime (Fernando Rey) para visitarle en su finca. A pesar de que ha tenido escaso contacto con él su tío es el único pariente cercano que queda con vida, así que finalmente abandona el convento para ir a verle. Una vez juntos, don Jaime queda profundamente perturbado al comprobar el enorme parecido entre su sobrina y su difunta esposa, que murió al poco tiempo de la boda. Preso de un estado de semilocura, don Jaime droga a Viridiana para que se quede en la casa y después le confiesa su intención de casarse con ella, lo que aterroriza a la joven haciendo que huya. Poco después las autoridades le informan de que su tío se ha quitado la vida y que ahora es ella la propietaria de la finca, junto con el hijo ilegítimo de don Jaime (Francisco Rabal). Viridiana regresará a la casa y junto a su primo iniciarán los arreglos de la destartalada propiedad, pero una serie de acontecimientos cambiarán por completo la vida de la joven.

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Ficha técnica y artística

Viridiana. España, 1961, 90 min.

Dirección: Luis Buñuel

Intérpretes: Silvia Pinal, Francisco Rabal, Fernando Rey

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Crónica de El Maquinista

El clip de video que iba a poner ha sido bloqueado para la inserción por gentiliza de sabe Dios qué infracción de derechos audiovisuales. Para verlo ir directamente aquí: http://www.youtube.com/watch?v=y2kab6WnSPw Vale la pena

Django Desencadenado

Comentario de DJANGO DESENCADENADO

Conociendo el pasado de dependiente de videoclub de Quentin Tarantino no resulta difícil imaginárselo hace veinticinco años recomendando películas a los clientes, ordenando meticulosamente cintas de VHS en los estantes y visionando una y otra vez toda clase de subgéneros cinematográficos, muchos de ellos próximos a la serie B. El spaguetti-western es uno de estos casos, ya que a excepción de los trabajos de Sergio Leone el resto de obras adscritas a este género son bastante cutres, pero a pesar de esto han ejercido una notable influencia en la carrera de Tarantino como director. Era cuestión de tiempo que éste se animase a rendirle un tributo explícito y así ha llegado a nuestras pantallas la genial "Django Desencadenado", la que es para este cronista la mejor cinta del director junto con "Pulp Fiction". Inspirándose lejanamente en una película italiana con protagonista de mismo nombre, Tarantino ha rodado un magnífico western con su inconfundible sello personal basado en buenos personajes, diálogos ingeniosos, cuidadísima banda sonora y mucho humor negro. Todo ello al servicio de un relato que husmea en la esclavitud sureña para contar una violenta historia de emancipación y venganza, donde el actor Christoph Waltz vuelve a regalar otro papel para el recuerdo.

"Django Desencadenado" sigue el destino de un esclavo negro llamado Django (Jamie Foxx) que pocos años antes del estallido de la guerra civil es conducido como mercancia para ser subastado. Su camino se entrecruza en Tejas con el del doctor Schultz, un dentista alemán que ejerce la profesión de cazarrecompensas en tierras estadounidenses. Schultz libera a Django con el objetivo de que éste le proporcione una valiosa información para poder reconocer a tres prófugos a los que anda siguiendo la pista. Tras el éxito de la misión ambos acuerdan forjar una alianza y asociarse durante un tiempo, hasta que Django decide ir a buscar a su mujer, otra esclava de la que desconoce su paradero actual. Schultz, en honor a la amistad que les une, le acompañará en su búsqueda por tierras sureñas hasta dar con el brutal propietario de una plantación algodonera en Mississippi (Leonardo DiCaprio), quien parece ser el nuevo dueño de la añorada mujer de Django.

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Ficha técnica y artística

Django Desencadenado (Django Unchained). EEUU, 2012, 165 min.

Dirección: Quentin Tarantino

Intérpretes: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio

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Crónica de Atticus Finch

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Sleepy Hollow

Comentario de SLEEPY HOLLOW

En el panorama cinematográfico norteamericano pulula desde hace dos décadas el peculiar director Tim Burton, al que si bien se le puede discutir el adjetivo de autor también hay que reconocer que posee un estilo propio muy marcado. Su preferencia por las historias fantásticas con ecos góticos y tenebrosos es manifiesta, aunque normalmente están también impregnadas de un cierto sentido del humor, aunque sea negro. Burton ha sabido moverse sabiamente estos años entre el cine puramente comercial y los pequeños caprichos personales que se regala de vez en cuando, sobre todo en el campo de la animación. No obstante el realizador estadounidense cuenta con películas monumentales como "Ed Wood" (1994) y "Big Fish" (2003) y otras piezas notables como "Sleepy Hollow" (1999) o "Eduardo Manostijeras" (1992), además de un buen número de cintas entretenidas. La colaboración con su actor fetiche Johnny Depp, con el que ha rodado más de siete títulos, es sin duda una de las relaciones artísticas más fructíferas que ha dado la industria en estos últimos años. En la cinta que hoy nos ocupa, Depp ofrece un espléndido registro para el protagonista de "Sleepy Hollow", una cinta con una puesta en escena y una atmósfera fantasmagórica digna de todos los elogios posibles. Sin duda, una de las joyas de la cinematografía de Burton.

"Sleepy Hollow" se basa en el relato homónimo de Washington Irving, donde se relata la leyenda de un fantasmal jinete sin cabeza que aterroriza a los habitantes de un pequeño pueblo en el corazón de Nueva Inglaterra, Sleepy Hollow. En 1799, el detective neoyorkino Ichabod Crane (Depp) es enviado por sus superiores a esta aldea al norte del estado para investigar una serie de asesinatos cuya particularidad es que las víctimas han sido decapitadas. Cuando Crane llega al pueblo se encuentra con una comunidad convencida de que todo es obra de un espíritu de ultratumba cuya maldición ha caído sobre ellos. El detective, hombre de ciencia, observa con escepticismo los temores de los aldeanos y comienza su investigación con el objetivo de desenmascarar a un asesino de carne y hueso. Sus pesquisas son no obstante bloqueadas por el miedo que reina en el lugar y por una ley del silencio que oculta inconfesables secretos de la comunidad. Su único apoyo será un muchacho cuyo padre ha sido víctima del jinete y la enigmática Katrina (Christina Ricci), la hija de uno de los hombres más poderosos de la aldea.

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Ficha técnica y artística

Sleepy Hollow. EEUU, 1999, 105 min.

Dirección: Tim Burton

Intérpretes: Johnny Depp, Chritina Ricci, Miranda Richardson

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Crónica de El Maquinista

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Dos Mulas y Una Mujer

Comentario de DOS MULAS Y UNA MUJER



Al comenzar la década de los setenta Clint Eastwood estaba despuntando como estrella en los Estados Unidos. La magistral Trilogía del Dólar que había rodado en España a las órdenes de Sergio Leone (1964-1966) le permitió hacerse un hueco en unas cuantas buenas películas durante los años siguientes: "La Leyenda de la Ciudad Sin Nombre" (1969), "Los Violentos de Kelly" (1970) hasta que en 1971 se produjo el punto de inflexión de la mano de Don Siegel con "Harry el Sucio" (1971). Eastwood mantendría una fructífera relación con Siegel rodando "El Seductor" (1971) y "Fuga de Alcatraz" (1979) pero ambos ya se habían encontrado anteriormente en la estupenda "Dos Mulas y Una Mujer" (1970), donde Eastwood hace una especie de derivación de su personaje de pistolero de las cintas de Leone. Si en éstas su registro actoral se basaba en una dureza de granito, en la que hoy nos ocupa nos encontramos con algo más parecido a la piedra pómez. El cambio lo produce básicamente la interacción con la encantadora Shirley MacLaine y la ausencia del mítico poncho que Eastwood llevó en "Por Un Puñado de Dólares", "La Muerte Tenía un Precio" y "El Bueno, el Feo y el Malo". El mencionado poncho, objeto de culto para muchos de nosotros, lo compró el propio actor en Madrid y no lo lavó en ninguno de los tres rodajes en Almería. Suponemos que en esos tres años la mugre que pudo acumular el poncho es indescriptible, lo cual nos hace pensar que la señorita MacLane presionó para que Eastwood lo dejara esta vez guardado en el baúl.

"Dos Mulas y Una Mujer", elocuente título donde los haya, relata el viaje que emprenden por Méjico un mercenario yankee llamado Hogan (Eastwood) y la hermana Sara (MacLane). Ambos se conocen en mitad del desierto cuando Hogan acaba con unos bandidos que estaban atacando a la monja. Son tiempos de guerra civil entre los milicianos juaristas y las tropas francesas que apoyan al emperador Maximiliano (uno de los episodios históricos más kafkianos del país). La hermana Sara está colaborando clandestinamente con los sublevados mejicanos y pide al pistolero que la acompañe hasta su destino. Para desgracia de sus oponentes, Hogan acepta a regañadientes aunque secretamente fascinado por la belleza y personalidad de la monja. Como nota personal decir que en esta película Eastwood utiliza la dinamita a diestro y siniestro de una manera parecida a la de los pajes que reparten caramelos en la cabalgata de Reyes. Un disfrute asegurado.

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Ficha técnica y artística

Dos Mulas y Una Mujer (Two Mules for Sister Sara). EEUU, 1970, 105 min.

Dirección: Don Siegel

Intérpretes: Clint Eastwood, Shirley MacLane, Manolo Fábregas

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Crónica de Atticus Finch

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El Padrino, Parte III

Comentario de EL PADRINO, PARTE III

Como bien describe Peter Biskind en su estupendo libro "Moteros Tranquilos, Toros Salvajes", la generación del Nuevo Hollywood que puso patas arriba el panorama cinematográfico de los años 70 tuvo como líder indiscutible a un señor barbudo llamado Francis Ford Coppola. Efectivamente, la pandilla de nuevos directores formada por Lucas, Scorsese, Bogdanovich, Friedkin y compañía tenía en el bueno de Francis a su guía espiritual en su cruzada contra los grandes estudios por conseguir la tan anhelada libertad creativa. Coppola ejerció su papel de apuesto y carismático líder con sumo gusto y además de ser el principal impulsor de las iniciativas del Nuevo Hollywood consiguió también encadenar una serie de trabajos excepcionales en el apartado artístico. De hecho, su nombre está hoy escrito en la historia del cine básicamente por las tres obras maestras que dirigió en esa década prodigiosa:  "El Padrino" (1972), "El Padrino II" (1974) y "Apocalypse Now" (1979). A éstas se le debe añadir "La Conversación" (1974), una apuesta arriesgada con Gene Hackman en el papel de experto en escuchas que a la crítica le gusta mucho pero que a un servidor no le entusiasmó demasiado. Tras estos años deslumbrantes apena ver el declive del cineasta que se arruinó económicamente con el desastre de "Corazonada" (1982) y que de paso se llevó por delante prácticamente toda la infraestructura de producción independiente que el Nuevo Hollywood había intentado poner en pie durante diez años. Comenzaban así los años 80, donde el cine de autor norteamericano se extinguiría y una generación entera se truncaba, dejando hasta nuestros días solo a algunos supervivientes como Scorsese o Spielberg. La era de las hombreras y los sintetizadores había llegado.

Para pagar sus deudas, Coppola se involucraría desde entonces en numerosos proyectos de encargo, algo que por otro lado no ha impedido que de vez en cuando ruede propuestas innovadoras como "La Ley de la Calle" o su particular visión de "Drácula" (1992). Probablemente su mayor intento por volver a ser aquél cineasta mítico tuvo lugar en 1990, cuando decide llevar a la gran pantalla la tercera parte de la saga de "El Padrino". Junto a Mario Puzo escribe un guión que relata el crepúsculo de Michael Corleone y consigue crear una película que sin llegar al nivel de sus predecesoras es desde luego una cinta sobresaliente. No obstante, desde el cambio de siglo parece que el señor Coppola ha abandonado la idea de decir algo más en el cine y se concentra más en sus viñedos del valle californiano de Napa. De todas formas gracias por todo maestro.

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Ficha técnica y artística

El Padrino, Parte III. The Godfather, Part III. EEUU, 1990, 165 min.

Dirección: Francis Ford Coppola

Intérpretes: Al Pacino, Andy Garcia, Diane Keaton

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Crónica de El Maquinista

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Teléfono Rojo

Comentario de TELÉFONO ROJO





En otoño de 1962 tuvo lugar la Crisis de los Misiles de Cuba, el que es considerado como el incidente directo más grave entre los Estados Unidos y la Unión Soviética durante la época de la Guerra Fría. Aunque los dirigentes de ambas superpotencias, John Kennedy y Nikita Kruschev, maniobraron desde un primer momento para alejar el fantasma de la declaración de guerra, la amenaza de un enfrentamiento con arsenal atómico planeó durante las dos semanas que duró la crisis. Que se sepa públicamente es lo más cerca que ha estado el mundo de una guerra nuclear a gran escala que hubiera arrasado con seguridad el planeta. El profundo impacto que causó este suceso en la sociedad occidental hizo que a lo largo de la década de los 60 se tomara una mayor consciencia del riesgo que suponía para la raza humana la existencia de miles de cabezas nucleares aguardando pacientemente a ser utilizadas llegado el caso. Menos de dos años depués, en 1964, se estrenaron dos míticas películas inspiradas en la reciente amenaza de la guerra atómica, aunque ambas no puedan ser más diferentes en fondo y forma. Por un lado el maestro Sidney Lumet ("Doce Hombres sin Piedad", "Network") estrenaría "Punto Límite", un drama de estilo casi documental que enfrentaba al presidente de los EEUU (Henry Fonda) a un enfrentamiento nuclear inminente contra la URSS. Por el otro lado el gran Stanley Kubrick, que pese a su juventud ya había rodado dos obras maestras ("Senderos de Gloria" y "Espartaco") llevaría a la gran pantalla una de las comedias negras más corrosivas de todos los tiempos con "Teléfono Rojo (Volamos Hacia Moscú)", la crónica de cómo se puede desencadenar una catástrofe universal por culpa de un puñado de chiflados.

"Teléfono Rojo" cuenta la amenaza del desencadenamiento de una guerra nuclear entre los Estados Unidos y la Unión Soviética. El paranoico general Ripper de las fuerzas áreas norteamericanas cree haber descubierto una conspiración comunista para fluorizar el agua del país, contaminando de esta manera los hogares estadounidenses. Por ello decide ordenar a su escuadra de combate que despegue y ataque la URSS con bombas atómicas, a pesar de que no cuenta con la necesaria aprobación del presidente Muffley (Peter Sellers). Cuando el gobierno de Washington descubre el demencial plan de Ripper decide aislarse en un búnquer subterráneo y contactar con los rusos para intentar evitar la catástrofe. La URSS posée un dispositivo de misiles llamado Juicio Final que se activaría automáticamente en caso de que su territorio fuera atacado, asegurando así la destrucción de la Humanidad. El ejército estadounidense ataca la base área de Ripper para capturarlo mientras idea a la vez un plan para localizar y derribar a sus aviones de combate que vuelan hacia la URSS con las bombas. Mientras, la cúpula del gobierno es asesorada por el belicoso general Turgidson (George C. Scott) y el ex-científico nazi Dr. Strangelove (Peter Sellers de nuevo) sobre las estrategias a seguir si el holocausto nuclear se hace inevitable.

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Ficha técnica y artística

Teléfono Rojo (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love de Bomb). Reino Unido, 1964, 93 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden

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Crónica de Atticus Finch

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Beginners

Comentario de BEGINNERS

 

 

 

 

Las relaciones familiares y en especial la relación paterno-filial es un tema de gran profundidad emocional dado el papel vital que desempeña en la vida del ser humano y en la de buena parte de otras especies de la Tierra. Los vínculos establecidos entre padres e hijos son tan inexplicables como nuestra propia existencia en el Cosmos. El cine, como reflejo de la vida de los hombres, ha trasladado a la pantalla en numerosas ocasiones este vínculo universal desde ángulos tan diferentes como los existentes en la propia condición humana: el padre como guía y referente moral ("Matar a un Ruiseñor", 1962), la incomprensión mutua ("Al Este del Edén", 1955), el redescubrimiento de la figura paterna ("Big Fish", 2003) o la fascinación por su pasado ("El Sur", 1983). Otras muchas obras, sin tenerlo como eje central del relato, sí que están entroncadas fuertemente con el tema: "El Padrino" (la lealtad familiar a ultranza), "El Imperio Contraataca" (la redención del padre a través del hijo), "Ran" (la traición de la descendencia), etc. Tan solo hay que buscar un enfoque y ahí aguardará un título dispuesto a ser visionado.

"Beginners" narra el pulso vital de un joven profesional de Los Angeles llamado Oliver (Ewan McGregor) a través de la relación con su padre Hal (Christopher Plummer) y con Anna (Mélanie Laurent), una chica francesa de la que se enamora. La cinta está estructurada en dos tiempos narrativos que se entrelazan para mostrar la repercusión de una relación sobre la otra. Oliver conoce a Anna en una fiesta de disfraces algunos meses después de la muerte de su padre. Éste le había confesado poco tiempo atrás, tras quedar viudo, que era homosexual. El impacto de esa revelación y la nueva faceta vital de su padre harían que Oliver se replanteara y asimilara el papel que su madre y él mismo habían desempeñado en la anterior vida de su progenitor. Y comenzaría así una relación más sincera entre ambos que se intensificaría cuando Oliver ha de cuidar de él tras detectársele una enfermedad terminal. Tras la muerte de su padre la huella de todas esas emociones han llevado a Oliver a un estado de confusión del que Anna parece que puede sacarle, pero para ello hará falta un camino de descubrimiento mutuo y la aceptación de un buen número de sentimientos que permanecen soterrados.

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Ficha técnica y artística

Beginners. EEUU, 2010, 105 min.

Dirección: Mike Mills

Intérpretes: Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent

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Crónica de El Maquinista

 

 

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En el Nombre del Padre

Comentario de EN EL NOMBRE DEL PADRE

El llamado conflicto de Irlanda del Norte es un tipo de fenómeno único en Europa occidental que ha contado con un buen número de películas centradas en su problemática. Más allá del enfrentamiento entre dos comunidades separadas por un abismo de identidad nacional (británica o irlandesa) y religiosa (protestante o católica), el cine ha solido centrarse en las consecuencias de la violencia desencadenada por los grupos terroristas que allí operan, básicamente el IRA y algunos grupúsculos unionistas. A ello se le une el estado de excepción en que vivió esta zona del Reino Unido a partir de los años 70, cuando los atentados del IRA sacaron al ejército británico a las calles de Belfast y los abusos policiales contra la población elevaron la tensión a cotas insostenibles. Esta situación explosiva ha dejado ejemplos cinematográficos sobre la devastación causada por el terrorismo ("Omagh", 2005), la lucha en las alcantarillas del Estado ("Agenda Oculta", 1990) o la redención del criminal ("The Boxer", 1998). Probablemente uno de los mejores trabajos sobre el tema norirlandés llegó de la mano de Jim Sheridan con "En el Nombre del Padre" (1995), cinta que en este caso se ocupa de uno de los mayores errores judiciales ocurridos en Gran Bretaña en la lucha contra el IRA. Para ello el realizador irlandés contaría con un trío protagonista de altura encabezado por el gran Daniel Day-Lewis, quien firmaría uno de sus papeles más recordados hasta la fecha (junto a "Mi Pie Izquierdo", "El Último Mohicano", "Gangs of New York", "Pozos de Ambición", "Lincoln", etc).

"En el Nombre del Padre" arranca en los turbulentos comienzos de la década de los 70 en Irlanda del Norte. Son años de dura confrontación entre las dos comunidades de la región y las acciones terroristas del IRA golpean todo el Reino Unido. La ciudad de Belfast está literalmente dividida en sectores y tomada militarmente por el ejército británico ante las luchas entre católicos y protestantes. En ese ambiente crispado vive Gerry Conlon (Day-Lewis), un atolondrado joven sin oficio ni beneficio que un día da comienzo a un fuerte altercado entre vecinos y fuerzas policiales tras ser sorprendido robando chatarra. Su resignado padre (Pete Postlethwaite) le pide que marche a Inglaterra a buscar trabajo, por lo que Gerry viaja a Londres donde reside parte de la familia. Durante su estancia en la capital el IRA comete un brutal atentado en un pub de una ciudad cercana, Guildford, causando la muerte de varias personas y decenas de heridos. La policía sigue una serie de pistas erróneas y acaba deteniendo a Gerry, quien es completamente ajeno al acto terrorista. En comisaría, bajo presión de un alto mando policial sin escrúpulos, es obligado a firmar una declaración incriminatoria que le llevará a ser condenado junto a varios miembros de su familia, incluido su padre, todos bajo la acusación de pertenencia al IRA. Una vez entre rejas, padre e hijo empezarán una nueva etapa en su difícil relación mientras una abogada inglesa (Emma Thompson) comienza a investigar las irregularidades de su proceso judicial.

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Ficha técnica y artística 

En el Nombre del Padre (In the Name of the Father). Irlanda, 1993, 135 min. 

Dirección: Jim Sheridan 

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Pete Postlethwaite, Emma Thompson

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Crónica de Atticus Finch

 
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Días de Vino y Rosas

Comentario de DÍAS DE VINO Y ROSAS

El cine, como todo tipo de actividad artística, ha estado sujeto siempre a diversos reglamentos morales que determinan los contenidos juzgados como adecuados para ser mostrados en pantalla. Estas reglas del juego han ido variando con el tiempo pero se puede considerar que a comienzos de los años sesenta se terminaron de romper la mayoría de los tabúes que rodeaban temas delicados, como la violencia, la sexualidad o las adicciones. En relación a éstas últimas la película de Otto Preminger "El Hombre del Brazo de Oro" (1955) supuso uno de los primeros acercamientos al drama de la adicción a las drogas (la heroína en este caso), mientras que el director Blake Edwards haría lo propio pocos años después con el tema del alcoholismo, en la gran película "Días de Vino y Rosas" (1962). Gracias a ella y a "Desayuno con Diamantes" (1961) Edwards demostraría su valía para abordar temáticas más serias y no encasillarse como realizador de comedia (la saga de "La Pantera Rosa" o "El Guateque"). Para esta ocasión tendría la suerte de contar con dos actores absolutamente magistrales, Jack Lemmon y la nunca suficientemente reivindicada Lee Remick ("Anatomía de un Asesinato", "Río Salvaje").

"Días de Vino y Rosas" narra el viaje al abismo que emprende un joven matrimonio de clase media a causa de su adicción al alcohol y las consecuencias vitales que eso conlleva. Joe Clay (Lemmon) es un eficiente trabajador dedicado a las relaciones públicas, por lo que está habituado a ser un bebedor social. Un día conoce a una joven secretaria llamada Kirsten (Remick) y ambos congenian rápidamente. Al tiempo deciden casarse e incluso tener una hija, la convivencia es buena pero poco a poco Joe se aficiona de manera peligrosa a la bebida. Kirsten es abstemia pero termina por probar el alcohol junto a su marido, en parte para aliviar los problemas que la propia bebida les ha ido creando. Una vez que ambos han caído en sus garras ya no tienen referencia alguna para salir del agujero ellos solos. Los trabajos se pierden, su hija es llevada con los padres de ella y los dos entran en una espiral de destrucción. En sus momentos de lucidez Joe no puede soportar la culpa de haber arruinado su vida y haber arrastrado además a Kirsten consigo. Los dos intentarán rehabilitarse de diversas maneras, a veces juntos, a veces solos, pero su lucha contra el monstruo del alcoholismo no será fácil en modo alguno.

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Ficha técnica y artística

Días de Vino y Rosas (Days of Wine and Roses). EEUU, 1962, 117 min.

Dirección: Blake Edwards

Intérpretes: Jack Lemmon, Lee Remick, Charles Bickford

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Crónica de Atticus Finch

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Searching for Sugar Man

Comentario de SEARCHING FOR SUGAR MAN





 

 

 

 

 

 

 

 

 

Conviene que abran bien los ojos, agudicen los oídos y presten atención a la obra que hoy nos ocupa. Porque nos encontramos con seguridad ante una de las mejores películas del pasado año con el añadido de que además pertenece a un género que no goza de la repercusión mediática habitual: el cine documental. Asistan pues a la increíble pero verdadera historia de Sixto Rodríguez, alias Sugar Man, un hombre destinado a decir muchas cosas en el panorama musical de los años 70 pero cuya carrera se truncó rápidamente en los EEUU mientras era adorado sin saberlo en la otra punta del mundo. Desde que Michael Moore estrenara "Bowling for Columbine" hace ya más de una década, el género documental ha experimentado un reconocimiento popular sin precedentes y cada año nos llegan trabajos de un valor cinematográfico enorme, como "Ser y Tener" (2002), "Man on Wire" (2008) o este "Searching for Sugar Man" (2012). Avalada por un reguero de premios internacionales (Sundance, Bafta, Oscar...) esta búsqueda de Sugar Man nos presenta una historia fascinante relatada con brillantez por su director, el sueco Malik Bendjelloul. Si la ven no solo disfrutarán de una gran película, sino que además descubrirán a un artista genuino.

"Searching for Sugar Man" relata la historia del misterioso músico Sixto Rodríguez, un norteamericano de Detroit que a comienzos de los años 70 grabó dos discos que un puñado de críticos calificaron de maravillosos pero que fueron un completo fracaso comercial. Y Rodríguez, aquél  cantautor con una carrera prometedora truncada, desapareció. Por azares del destino, para demostrar que la realidad supera siempre a la ficción, una copia de su disco llegó a Sudáfrica poco después, cuando el país se encontraba aislado internacionalmente por su sistema de segregación racial. Y allí Rodríguez se convirtió en un auténtico fenómeno cultural que sirvió de banda sonora vital para varias generaciones de la comunidad blanca progresista, los afrikáner que se oponían al sistema político de su país basado en el apartheid. Mientras que para cientos de miles de sudafricanos Rodríguez era equiparable a Bob Dylan, Simon & Garfunkel o los Beatles, el músico de Detroit vivía ajeno a todo ello. Sus seguidores de la otra punta del mundo tampoco sabían nada de uno de sus artistas de cabecera, ni siquiera si estaba vivo o muerto. ¿Quién era Rodríguez? ¿Un hombre, un músico o un mito?

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Ficha técnica y artística

Searching for Sugar Man. Suecia, 2012, 85 min.

Dirección: Malik Bendjelloul

Intérpretes: documental

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Crónica de El Maquinista

 

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Antes del Atardecer

Comentario de ANTES DEL ATARDECER





El género romántico es una región sinuosa en el mundo del cine, un lugar en el que surgen algunos de los sentimientos más profundos del ser humano. Normalmente podemos distinguir películas románticas que se decantan hacia la comedia o bien hacia el drama, siendo éste último un terreno delicado donde abundan los tratamientos superficiales, empalagosos y de lágrima fácil. Pero cuando una cinta posee la fuerza narrativa necesaria y un buen director detrás de las cámaras, entonces estas obras pueden llegar a tener un poder de emoción monumental. Se crean películas imperecederas como "Casablanca", "Esplendor en la Hierba" o "Memorias de África". Clásicos modernos del empaque de "El Camino a Casa", "Los Puentes de Madison" u "Olvídate de Mi". Y joyas recientes como "500 Días Juntos", "Blue Valentine" y "Ruby Sparks", que llenan de sensaciones intensas al espectador: emoción, melancolía, nostalgia. A mediados de los años 90 el director Richard Linklater rodó esa maravilla conocida como "Antes del Amanecer" (1995), película de culto en la que Ethan Hawke y Julie Delpy daban vida a dos jóvenes veinteañeros que se conocían en un tren camino de Viena. Durante las pocas horas que pasaban juntos en la capital austriaca la conexión entre ellos inundaba la pantalla y ponía un punto y seguido que tendría su continuación en 2004, en "Antes del Atardecer".

Nueve años después de los acontecimientos relatados en la primera cinta ambos personajes se reencuentran en París, a donde Jesse (Ethan Hawke) ha viajado para presentar una novela inspirada en aquella experiencia que vivió con Celine (Julie Delpy) en Viena. Los años no han pasado en balde y Jesse, convertido ya en escritor, tiene un hijo pequeño en Estados Unidos. Celine por su parte sigue viviendo en París y asiste así a la presentación del libro de Jesse, permitiendo que ambos se vuelvan a ver tras casi una década. Dispondrán de lo que resta de tarde, antes de que despegue el avión de Jesse, para pasear por la ciudad y contarse todo lo que tienen que decirse. Preguntas, respuestas, silencios y la prueba palpable de que la conexión entre ellos sigue en pie. Cine puro, sincero, emocionante.

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Ficha técnica y artística

Antes del Atardecer (Before Sunset). EEUU, 2004, 80 min.

Dirección: Richard Linklater

Intérpretes: Ethan Hawke, Julie Delpy, Vernon Dobtcheff

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Crónica de Atticus Finch

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Pulp Fiction

Comentario de PULP FICTION

Uno de los directores más peculiares del panorama cinematográfico norteamericano es sin duda Quentin Tarantino, un autor que lleva veinte años produciendo cintas cuanto menos poco convencionales. Tarantino era un apasionado del cine desde su juventud y en su formación cinéfila, a parte de los clásicos, abundan varios sub-géneros de serie B tradicionalmente menospreciados por su baja calidad artística pero a los que él ha convertido en fuente de inspiración para sus películas: el spaguetti western (las de Sergio Leone no cuentan), las cintas de artes marciales, el exploitation inspirado en literatura pulp y abundante morralla de serie Z (lo más cutre de entre lo cutre). El bueno de Quentin comenzó a escribir sus primeros guiones mientras trabajaba de dependiente en un videoclub de Los Angeles y allí tuvo la suerte de dar con un productor avispado que vio que "Reservoir Dogs" (1992) podía ser un filón de oro. Gracias al éxito de la película Tarantino vendería un par de guiones más y alcanzaría el reconocimiento masivo con "Pulp Fiction" (1994), contribuyendo de forma decisiva, junto a la distribuidora Miramax, a la popularización que vivió el cine independiente a comienzos de los años 90. En estos dos trabajos el director ya muestra algunas de sus señas de identidad: mucho diálogo, cuidada banda sonora, espíritu desenfadado de serie B y guiños cinéfilos por doquier. Tras el tropiezo de "Jackie Brown" (1997) volvería con fuerza en 2003 con la doble entrega de "Kill Bill", "Death Proof" (2007), "Malditos Bastardos" (2009) y "Django Desencadenado" (2012), donde repite con el genial actor alemán Christopher Waltz. Así pues, una filmografía inclasificable para un autor que colabora escribiendo y actuando para sus amistades y que constituye un fenómeno popular digno de estudio.

"Pulp Fiction" es con seguridad la obra más reconocida de Tarantino. Su narrativa no lineal presenta varias historias entrelazadas en las que sus personajes se ven envueltos en una red de sucesos conectados entre sí. Vincent (John Travolta) y Jules (Samuel L. Jackson) son dos asesinos profesionales al servicio de un jefe mafioso local que han de solucionar un nuevo encargo relacionado con el tráfico de drogas. A Vincent también le encargan la protección de la alocada mujer su jefe (Uma Thurman) y localizar a un boxeador que ha estafado una importante cantidad de dinero (Bruce Willis). Todas las líneas argumentales se tocan para dar forma a un relato inclasificable pero fascinante.

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Ficha técnica y artística

Pulp Fiction. EEUU, 1994, 153 min.

Dirección: Quentin Tarantino

Intérpretes: John Travolta, Samuel l. Jackson, Uma Thurman

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Crónica de El Maquinista

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