Chinatown

Comentario de CHINATOWN

La carrera cinematográfica de Roman Polanski se ha visto fuertemente condicionada a lo largo de los años por algunos acontecimientos de su vida personal. Tras debutar en 1962 con la producción polaca "El Cuchillo en el Agua", la buena acogida internacional de la cinta le permite cruzar el Telón de Acero y realizar en Gran Bretaña sus siguientes trabajos durante la década de los 60: "Repulsión", "Callejón sin Salida" y "El Baile de los Vampiros". En 1968 desembarca en EEUU con la gran obra de suspense "La Semilla del Diablo", largometraje clave en su trayectoria pero rodeado también de una aureola de leyenda negra debido al crimen perpetrado poco después por el clan Manson y que conllevó la pérdida de su mujer e hijo. Tras el duro golpe Polanski vuelve a ponerse detrás de las cámaras y en 1974 filma el clásico contemporáneo de cine negro "Chinatown", protagonizado por Jack Nicholson y Faye Dunaway. Sin embargo a los pocos años se ve envuelto en un proceso judicial por abuso de una menor y huye ilegalmente de EEUU, país que no ha vuelto a pisar desde entonces. Las últimas cuatro décadas de su filmografía se han desarrollado así pues en Europa, donde ha realizado importantes largometrajes como la maravillosa "Tess", "La Muerte y la Doncella" o "El Pianista", con la cual volvió a resurgir a comienzos de la presente década.

"Chinatown" relata el misterioso caso en que se ve envuelto el detective privado de Los Ángeles Jake Gittes, en 1937. Tras ser contratado para espiar a un ingeniero del servicio de aguas de la ciudad, pronto se verá inmerso en una trampa en la que están involucrados intereses urbanísticos, corrupción y crímenes sin respuesta aparente. Perseguido por poderosos enemigos, Jake habrá de llegar hasta el final de su investigación para resolver el rompecabezas y poner a salvo su vida.

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Ficha técnica y artística

Chinatown. EEUU, 1974, 131 min.

Dirección: Roman Polanski

Intérpretes: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston

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Crónica de El Maquinista

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Único Testigo

Comentario de ÚNICO TESTIGO

El director australiano Peter Weir se dio a conocer internacionalmente en 1981 con "Gallipoli", el emotivo relato de uno de los mayores desastres bélicos de las tropas del continente austral durante la I Guerra Mundial. Esta cinta supondría de igual modo un excelente trampolín para la carrera de un por aquél entonces jovencísimo Mel Gibson. Ambos volverían a unirse dos años después para filmar la también exitosa "El Año que Vivimos Peligrosamente", lo que abrió definitivamente a Weir las puertas de la industria cinematográfica norteamericana. Ya asentado en los EEUU, dirigiría a lo largo de esa década dos importantes títulos que conjugaron gran calidad y satisfactoria acogida de público: "Único Testigo" y "El Club de los Poetas Muertos". Reconocido ya como uno de los realizadores contemporáneos más importantes del Hemisferio Sur, Weir filmó en los noventa la excelente "El Show de Truman", devastadora crítica contra los programas de telerrealidad, y ya en el nuevo milenio la monumental "Master & Commander", puro cine de aventuras naval.

El largometraje hoy comentado sigue los pasos del detective de Filadelfia John Book (Harrison Ford), al que le ha sido asignada la protección de un niño testigo de un crimen en la ciudad. El pequeño y su madre, ambos pertenecientes a la agrupación cristiana de los amish, comienzan a ser perseguidos por los asesinos con el objetivo de ser liquidados. Ante la desesperada situación, Book decide que ambos se reintegren en su comunidad religiosa, situada en una pequeña aldea de Pennsylvania, a la vez que él mismo se infiltra entre los amish para poder vigilar mejor a sus protegidos. De un día para otro el detective sufrirá el enorme choque cultural que supone convivir con unas personas instaladas en un modo de vida anclado en el siglo XVII y encerrados por completo en su propio universo.

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Ficha técnica y artística

Único Testigo (Witness). EEUU, 1985, 112 min.

Dirección: Peter Weir

Intérpretes: Harrison Ford, Kelly McGillis, Danny Glover

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Crónica de Atticus Finch

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Toy Story 3

Comentario de TOY STORY 3

Hace quince años los estudios de animación Pixar estrenaron la primera película realizada íntegramente por ordenador, "Toy Story". Aclamada por crítica y público, el largometraje sentó las bases de la nueva animación digital en un mundo en el que reinaba la tradicional técnica de dos dimensiones, pero además demostró que su éxito no se supeditaba únicamente a su alto nivel tecnológico, sino también a una excelente historia protagonizada por unos personajes entrañables. A partir de entonces, Pixar fue estrenando cintas cada vez más ambiciosas y con mayor frecuencia, hasta conseguir lanzar actualmente una por año. Así han llegado a la gran pantalla obras como "Monstruos S.A.", "Toy Story 2", "Wall-E" o "Up". En este periodo de tiempo la animación clásica ha desaparecido prácticamente de la oferta cinematográfica occidental, quedando como último bastión el anime japonés con los estudios Ghibli de Hayao Miyazaki en cabeza ("La Princesa Mononoke", "El Viaje de Chihiro"). A pesar de que hoy en día existen numerosas productoras dedicadas a la animación por ordenador, ninguna ha conseguido todavía igualar la calidad de las cintas elaboradas por Pixar, la cual sigue como referente indiscutible del sector.

"Toy Story 3" supone el más reciente trabajo de este carismático estudio y el broche de oro para la trilogía protagonizada por los juguetes Woody, Buzz Lightyear y compañía. Tras vivir innumerables aventuras y ratos de felicidad en la casa de su dueño, el pequeño Andy, el tiempo parece haber pasado para ellos. Andy se ha hecho mayor y, con diecisiete años cumplidos, pronto marchará a la universidad dejando atrás a unos juguetes que llevan demasiado tiempo guardados en una caja de cartón, frustrados y con la incertidumbre de cual será su destino. Debido a un fatal malentendido todos irán a parar a una guardería de la que tratarán finalmente de escapar para volver a casa. La grandeza de este largometraje, al igual que la de las dos entregas anteriores de la saga, es la capacidad de sentir empatía y ternura por unos seres de trapo, plástico o metal, pero con alma y vida dentro de ellos. Los valores que proclama de amistad, unidad y lealtad son los cimientos sobre los que se teje esta historia que enseña que aunque el tiempo avance inexorablemente, los buenos recuerdos perduran por siempre.

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Ficha técnica y artística

Toy Story 3. EEUU, 2010, 103 min.

Dirección: Lee Unkrich

Intérpretes (voz): Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack

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Crónica de Kodama

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La Milla Verde

Comentario de LA MILLA VERDE

Tras iniciarse como guionista en la televisión, Frank Darabont debutó en la dirección en 1994 adaptando para la gran pantalla un relato de Stephen King en la obra maestra "Cadena Perpetua". Obtenido ya el reconocimiento tanto de la crítica como del público, el realizador norteamericano tardaría cinco años en ponerse de nuevo detrás de las cámaras para rodar su segundo largometraje, "La Milla Verde". De nuevo la historia se desarrolla en una penitenciaría, aunque en este caso existe un fuerte componente sobrenatural a lo largo de todo el metraje de la cinta. Darabont continuaría posteriormente su filmografía con "The Majestic", retrato de la caza de brujas de Hollywood en la década de los 50, y "La Niebla", basada en otra obra de su escritor fetiche Stephen King.

"La Milla Verde" relata la reclusión del preso negro John Coffey (Michael Clarke Duncan) en el corredor de la muerte de una cárcel norteamericana en los años 30. Condenado a la silla eléctrica por un brutal crimen, John se descubre como una persona totalmente fuera de lo común, lo que llama profundamente la atención de su carcelero (Tom Hanks). A partir de entonces comienzan a ocurrir sucesos inexplicables que están más allá de la comprensión humana, pero cuyo origen parece ser el tímido y gigantesco John. A pesar de su larga duración, la película cuenta con un sólido argumento y la labor de los actores resulta soberbia, incluidos los estupendos secundarios (David Morse, Barry Pepper, Bonnie Hunt, etc). Esto, junto a la labor de Darabont en el guión y la dirección dan como resultado un largometraje sobresaliente, incluida su banda sonora.

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Ficha técnica y artística

La Milla Verde (The Green Mile). EEUU, 1999, 189 min.

Dirección: Frank Darabont

Intérpretes: Tom Hanks, Michael Clarke Duncan, David Morse

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Crónica de El Maquinista

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La Huida

Comentario de LA HUIDA

El nombre de Sam Peckinpah está inequívocamente unido a dos factores clave presentes a lo largo de sus veinticinco años de carrera cinematográfica: el western y la violencia. El primero fue su género fetiche, con el que se consolidó como director durante los años 60 ("Duelo en Alta Sierra", "Mayor Dundee") hasta llegar al punto de inflexión de 1969 con el estreno de la devastadora "Grupo Salvaje", icono del western crepuscular más descarnado. En este largometraje Peckinpah dio rienda suelta a su concepción de la violencia como algo intrínsecamente ligado al hombre, siempre latente en el interior de unos personajes acorralados, completos antihéroes que recurren a sus instintos más primarios para sobrevivir (o no). Todas estas características se consolidaron durante la década siguiente en otras obras mayores, como "Perros de Paja", "La Huida" o "Pat Garret y Billy The Kid". Peckinpah siguió manteniendo en ellas su sello de autor, las poderosas cámaras lentas en los momentos álgidos, el extraño lirismo de los combates y la profunda melancolía de sus protagonistas. Hoy está considerado como uno de los directores norteamericanos más importantes de aquellos años y pieza clave en la perspectiva revisionista del western que perdura hasta nuestros tiempos.

"La Huida" supuso la segunda colaboración entre Sam Peckinpah y el actor Steve McQueen, quien contaba ya por entonces con una sólida filmografía ("Bullitt", "La Gran Evasión", "Los Siete Magníficos"). Al reparto se uniría Ali MacGraw, lanzada al estrellato dos años antes gracias a la exitosa "Love Story". Ambos intérpretes se conjugaron a la perfección para dar vida a una pareja de atracadores de bancos envueltos en una violenta huida a lo largo del estado de Texas tras cometer un asalto a una pequeña sucursal local. Perseguidos tanto por las fuerzas de seguridad como por sus socios criminales, los dos comienzan un viaje contra-reloj rumbo a la frontera mexicana a través de parajes inhóspitos y ásperos, siempre recurrentes en el cine de Peckinpah.

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Ficha técnica y artística

La Huida (The Getaway). EEUU, 1972, 122 min.

Dirección: Sam Peckinpah

Intérpretes: Steve McQueen, Ali MacGraw, Ben Johnson

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Crónica de Atticus Finch

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La Batalla de Argel

Comentario de LA BATALLA DE ARGEL

Durante las décadas de los 60 y 70 surgió con fuerza en Occidente un género de películas que acabó conociéndose como cine político, debido a las temáticas que trataba y su fuerte carga de denuncia social. Hija de su tiempo, esta cinematografía no era sino el reflejo de las duras batallas ideológicas que se libraban en Europa y el resto del mundo, siendo el griego Costa-Gavras y el italiano Gillo Pontecorvo dos de los más reconocidos directores de este género. A pesar de que algunas de sus obras hayan quedado hoy en día obsoletas a causa de su parcialidad hacia ciertos movimientos políticos (generalmente de extrema izquierda) o incluso terroristas, lo cierto es que un puñado de sus largometrajes resisten el paso del tiempo gracias a su enorme calidad cinematográfica y a un discurso narrativo plenamente coherente. Tal es el caso de "Desaparecido" y "Z", de Costa-Gavras. La primera relata la dramática búsqueda de un joven norteamericano apresado durante los primeros días del golpe militar chileno de 1973 perpetrado por Augusto Pinochet, mientras que la segunda muestra la persecución a la que se ve sometida la oposición política en una titubeante democracia europea.

En cuanto a Pontecorvo, "La Batalla de Argel" representa sin duda su obra magna, con una impecable dirección realista adelantada a su época. Este largometraje nos sitúa en la Argelia colonial a finales de los años 50, donde se libra una feroz lucha soterrada entre el gobierno francés y los independentistas argelinos. Francia está por estas fechas sumida en el caos, viendo cómo se derrumba su imperio colonial tras la pérdida de Indochina y con sucesivos intentos de golpe de estado a la IV República nacida tras la II Guerra Mundial. Los regímenes coloniales europeos representan ya un anacronismo insostenible, lo que provoca graves conflictos sociales y políticos. Ante esta situación, el legendario presidente francés Charles de Gaulle refunda el Estado proclamando la V República y decidiendo utilizar todos los recursos necesarios para mantener a Argelia bajo dominio francés. Así, la tropa de élite de los paracaidistas del ejército es enviada a Argel dando comienzo a una encarnizada guerra urbana sembrada de actos terroristas indiscriminados. La Casbah, el barrio viejo de la capital y feudo de las milicias argelinas, se convierte con su intrincado laberinto de callejuelas en el escenario de una batalla sin precedentes cuyos contendientes no están dispuestos a perder, cueste lo que cueste.

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Ficha técnica y artística

La Batalla de Argel (La Battaglia di Algeri). Italia, 1966, 121 min.

Dirección: Gillo Pontecorvo

Intérpretes: Jean Martin, Brahim Hadjadj, Ugo Paletti

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Crónica de El Maquinista

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Pozos de Ambición

Comentario de POZOS DE AMBICIÓN

Tras debutar como director con "Sidney", Paul Thomas Anderson mostró todo su potencial cinematográfico con la estupenda "Boogie Nights", un relato sobre el lado oscuro de la industria de cine para adultos durante los años 70 y 80. Tras este reconocido trabajo, Anderson se embarcó en la coral y premiada "Magnolia", una densa red de historias personales entrelazadas que seguía el esquema narrativo ya utilizado en "Vidas Cruzadas" por Robert Altman. Después llegarían la personal "Punch-Drunk Love" y el largometraje que hoy nos ocupa, "Pozos de Ambición", un intenso viaje al fondo de la codicia y la destrucción. Al igual que en el resto de su filmografía, Anderson se ocupa aquí tanto de la labor de escritura del guión como de la dirección de la cinta, lo que le sitúa así dentro del pequeño grupo de cineastas actuales de renombre que dedican esfuerzos a ambas tareas (como Woody Allen, los Hermanos Coen o Terrence Malick). Sin embargo, "Pozos de Ambición" no sería lo que es sin la portentosa interpretación de Daniel Day-Lewis, un actor tremendamente selectivo con sus películas que lleva veinte años dando muestra de su talento ("En el Nombre del Padre", "The Boxer", "Gangs of New York").

El largometraje sigue los pasos del emprendedor Daniel Pleinview (Day-Lewis) en la industria del petróleo norteamericana a comienzos del siglo XX. Tras unos duros comienzos buscando y excavando yacimientos prácticamente en solitario, Pleinview se va consolidando como un exitoso empresario a la caza de pozos en el suroeste de EEUU. Sin embargo, la explotación de un prometedor yacimiento en una desolada región californiana le llevará a tomar el sendero de la autodestrucción personal. Enfrentado a un joven predicador local, su espíritu irá envenenándose de odio y rencor hasta convertirlo en un ser totalmente carcomido por la ambición, rebosante de dólares pero también de infinita amargura.

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Ficha técnica y artística

Pozos de Ambición (There Will Be Blood). EEUU, 2007, 158 min.

Dirección: Paul Thomas Anderson

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier

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Crónica de Atticus Finch

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Muerte entre las Flores

Comentario de MUERTE ENTRE LAS FLORES

Tras iniciar con buen pie su andadura cinematográfica a mediados de los años 80, los hermanos Joel y Ethan Coen se consolidaron de forma importante con su tercer largometraje, "Muerte entre las Flores". La película supone un notable ejercicio de cine negro que contiene señales claras del particular estilo que los Coen desarrollarían en posteriores obras como "Fargo" o "No es País para Viejos". Así, este tándem creativo se ha convertido en referente del cine independiente norteamericano, con auténticas películas de culto como la magnífica "El Gran Lebowsky". Sin embargo, en ocasiones han realizado algún que otro trabajo más claramente comercial donde se echa de menos su sello de autor, el humor negro y sus personajes tan pintorescos como verídicos.

"Muerte entre las Flores" se centra en un grupo de personajes relacionados con el crimen organizado durante los años veinte del siglo pasado. Entre ellos se producen choques tanto por causas sentimentales como por la lucha de poder entre dos facciones mafiosas, una irlandesa y otra italiana. El reparto coral, encabezado por Albert Finney, Gabriel Byrne, John Polito y Marcia Gay Harden, forma un sólido conjunto interpretativo en un filme de impecable factura, donde la lealtad, las traiciones y los planes ocultos confluyen en la encrucijada donde todos ellos se encuentran.

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Ficha técnica y artística

Muerte entre las Flores (Miller's Crossing). EEUU, 1990, 115 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Albert Finney, Gabriel Byrne, Marcia Gay Harden

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Crónica de El Maquinista

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La Naranja Mecánica

Comentario de LA NARANJA MECÁNICA

El año de 1968 marca probablemente un decisivo punto de inflexión en la carrera del director Stanley Kubrick, gracias al exitoso estreno de "2001, Una Odisea del Espacio". Con este largometraje Kubrick revolucionaba el género de ciencia-ficción tanto a nivel de efectos especiales como por la perspectiva adulta y compleja de su épico relato espacial. Su impacto fue tal que consagró definitivamente al realizador británico, el cual llevaba ya casi veinte años construyendo un sólida trayectoria cinematográfica con títulos tan importantes como "Senderos de Gloria" o "Espartaco". Aprovechando su nuevo estatus, Kubrick tendría la posibilidad de llevar a la gran pantalla historias tan perturbadoras y originales como la de su siguiente cinta, "La Naranja Mecánica" (1971), un trabajo que despertó grandes polémicas debido al tratamiento explícito de ciertas temáticas. A partir de este título la filmografía del director entraría en un periodo de producción más escasa, llegando a filmar sólo cinco películas más en las siguientes tres décadas: "Barry Lyndon" (1975), "El Resplandor" (1980), "La Chaqueta Metálica" (1986) y "Eyes Wide Shut" (1999).

"La Naranja Mecánica" sitúa al espectador en una Inglaterra distópica donde la sociedad ha entrado en un gran estado de decadencia moral. Alex es un joven que lidera una banda de drugos, un grupo de malas bestias cuyas diversiones consisten en practicar la llamada ultraviolencia con aquél que se cruce en su camino, asaltar viviendas y abusar sin descanso de las mujeres que encuentren en el lugar de sus fechorías. Un día, sin embargo, Alex es finalmente detenido por la policía y encarcelado. Ya en prisión es seleccionado como cobaya humana para un programa experimental del gobierno cuyo fin es acabar con los instintos violentos del ser humano a través de la Técnica Ludovico. Tras el brutal tratamiento basado en la sugestión y el condicionamiento de la propia personalidad, Alex es puesto en libertad para comprobar la eficacia del método, lo cual desencadenará una serie de acontecimientos extremos en la nueva vieja vida del muchacho.

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Ficha técnica y artística

La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange). Reino Unido-EEUU, 1971, 136 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates

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Crónica de HAL-9000

Forrest Gump

Comentario de FORREST GUMP

Durante la década de los 80 el director Robert Zemeckis se consolidó como un eficiente realizador de buenas películas de entretenimiento bajo el apadrinamiento de Steven Spielberg ("Regreso al Futuro", "¿Quién Engañó a Roger Rabbit?"). En 1994 se adentró con enorme éxito en un territorio más adulto y complejo al dirigir la premiada "Forrest Gump", un maravilloso relato encabezado por Tom Hanks, Robin Wright y Sally Field. Su metraje abarca cuatro décadas de la historia contemporánea de EEUU, incluyendo acontecimientos y personajes clave de ese país durante aquellos años. Zemeckis intentaría proseguir su carrera en los 90 con cintas de calidad ("Contact", "Naúfrago") hasta que decidió dedicarse por entero a proyectos de animación en 3D, en los que lleva invertidos casi una década.

"Forrest Gump" sigue las peripecias vitales de un joven con leve deficiencia mental (Hanks) que da nombre a la película. Desde su niñez en un pequeño pueblo de Alabama, Forrest va creciendo y pasando por distintos lugares (la universidad, el ejército, Vietnam) mientras conoce a diversos personajes y forma parte, muchas veces de forma involuntaria, de hechos clave de la memoria colectiva norteamericana. A través de los años mantiene una especial relación con su muy mejor amiga Jenny (Robin Wright) a pesar de que sus caminos transiten en su mayor parte por direcciones diferentes. La estupenda banda sonora original del largometraje (de Alan Silvestri) se ve complementada con una gran recopilación de temas pertenecientes a aquellos años, formando una auténtica música vital de un tiempo y un país: Elvis Presley, Bob Dylan, Buffalo Springfield o The Byrds.

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Ficha técnica y artística

Forrest Gump. EEUU, 1994, 142 min.

Dirección: Robert Zemeckis

Intérpretes: Tom Hanks, Robin Wright, Sally Field, Gary Sinise

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Crónica de Atticus Finch

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La Dolce Vita

Comentario de LA DOLCE VITA

El director italiano Federico Fellini edificó durante más de tres décadas una sólida carrera como cineasta que le ha valido para ser recordado como uno de los realizadores europeos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su andadura cinematográfica comienza a finales de los años 40 en una Italia que intentaba recuperarse de las heridas causadas durante la II Guerra Mundial. Por aquél entonces surge con fuerza en este país un estilo de cine bautizado como Neorrealismo, con directores tan emblemáticos como Vittorio De Sica ("El Ladrón de Bicicletas") o Roberto Rosellini ("Roma, Ciudad Abierta"). Fellini se une a esta corriente y colabora con Rosellini en el título antes mencionado, probablemente el más significativo de este movimiento cinematográfico. A comienzos de la década de los 50 Fellini consigue dirigir ya sus propios largometrajes dentro de la órbita neorrealista, como "La Strada" o "Las Noches de Cabiria", ambas protagonizadas por la actriz Giulietta Masina. En esta época también conoce al compositor Nino Rota, con quien desarrollaría una extensa colaboración. En 1960 cambia de registro al rodar "La Dolce Vita", lo que le llevará a desarrollar un nuevo estilo mucho más personal que mantendrá en el resto de sus trabajos, como en "Fellini 8 y 1/2" (1963) o "Amarcord" (1973). Los años 60 están también marcados por los papeles que concede en sus obras al actor Marcello Mastroiani, quien ejerce en ocasiones como un alter ego del propio director.

"La Dolce Vita" sigue los pasos de Marcello (Mastroiani), un joven periodista con ínfulas de escritor que se sumerge en la vida nocturna romana en búsqueda de noticias. Siguiendo a diferentes personajes, desde estrellas de cine a ricos burgueses decadentes, Marcello se ve atrapado en una vacía existencia de divertimento fácil y pasajero mientras en su interior van tomando forma dudas y preguntas acerca de su futuro.

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Ficha técnica y artística

La Dolce Vita. Italia, 1960, 175 min.

Dirección: Federico Fellini

Intérpretes: Marcello Mastroiani, Anita Ekberg, Anouk Aimée

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Crónica de El Maquinista

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Hijos de los Hombres

Comentario de HIJOS DE LOS HOMBRES

Durante los últimos años ha surgido con fuerza un nutrido grupo de realizadores latinoamericanos que han conseguido importantes reconocimientos en el panorama cinematográfico mundial. Tal es el caso de los mejicanos Guillermo Arriaga, Alejandro Iñárritu, Guillermo del Toro o Alfonso Cuarón. Este último obtuvo un notable éxito en 2001 con "Y tu Mamá También", lo que le abriría las puertas de las grandes producciones norteamericanas. Así filmaría al poco tiempo la monumental película que es "Hijos de los Hombres", un apasionante relato de un futuro distópico rodado con gran virtuosismo por el director mejicano. Una de las mayores virtudes de este largometraje de ciencia-ficción es su ubicación temporal en un futuro tan cercano y verídico que parece acechar a la vuelta de la esquina. A esto se añade el indispensable componente de ficción que en este caso supone la persistente infertilidad de las mujeres, lo que ha ocasionado una catástrofe demográfica y la consecuente inexistencia de niños en el mundo. Tras veinte años sin nuevos nacimientos la raza humana se ve abocada inexorablemente a la extinción en un plazo de cinco o seis décadas, mientras los países se derrumban y el caos se apodera de la sociedad. Esta clase de largometrajes suelen basarse en relatos que recurren a algún tipo de factor desestabilizador para poder situar a la humanidad al borde del abismo: las epidemias en "Doce Monos", la superpoblación de "Cuando el Destino nos Alcance" o la prohibición de los libros en "Fahrenheit 451" son buenos ejemplos de ello.

"Hijos de los Hombres" ubica al espectador en una decadente Inglaterra en el año 2027 donde no existen personas menores de dieciocho años debido a una inexplicable infertilidad global de las mujeres. La sociedad se desmorona en un país estructurado como un estado semi policial donde surgen por doquier nuevos movimientos radicales, terroristas o mesianico-religiosos. Theo (Clive Owen) es un descreído funcionario londinense que asiste con resignación al progresivo colapso de la civilización. Uno de sus pocos placeres consiste en visitar a su amigo Jasper (Michael Caine), un antiguo caricaturista que vive apartado en una casa en medio del bosque. Sin mebargo, un día Theo es secuestrado por una organización insurgente comandada por su mujer (Julianne Moore), a la que hace veinte años que no veía. Esta le pide su ayuda para obtener un permiso de viaje para una joven muchacha inmigrante que guarda un enigmático secreto, con lo que Theo se verá involucrado en un proyecto que desencadenará unas consecuencias inimaginables.

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Ficha técnica y artística

Hijos de los Hombres (Children of Men). EEUU-Reino Unido, 2006, 109 min.

Dirección: Alfonso Cuarón

Intérpretes: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine

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Crónica de HAL-9000

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Dos en la Carretera

Comentario de DOS EN LA CARRETERA

El director Stanley Donen inició su carrera cinematográfica a comienzos de la década de los 50 centrándose básicamente en el género musical, un tipo de películas que con la llegada del technicolor vivía una época dorada. Así, codirigió con gran éxito junto a Gene Kelly las famosas "Cantando Bajo la Lluvia" y "Un Día en Nueva York", para proseguir después en solitario con "Siete Novias para Siete Hermanos". En los siguientes años Donen comenzó a diversificar la temática de sus cintas e inició una fructífera colaboración profesional con Audrey Hepburn a lo largo de tres películas: "Una Cara con Ángel", "Charada" y la hoy comentada "Dos en la Carretera" (1967), una maravillosa obra de arte rebosante de ternura, veracidad y melancolía. Por aquél entonces Hepburn llevaba ya casi dos décadas en lo más alto de la cinematografía mundial. Tras iniciar brillantemente su carrera interpretativa en los 50 ("Vacaciones en Roma", "Sabrina", "Ariane"), los 60 supusieron una total consagración con largometrajes como "Desayuno con Diamantes", "La Calumnia" o "My Fair Lady". Sin embargo 1967 marca un punto y aparte en su trayectoria, ya que tras rodar ese año "Dos en la Carretera" y "Sola en la Oscuridad" Audrey se retiraría del cine por un largo periodo de nueve años, reapareciendo con una radiante madurez en 1976 en la crepuscular "Robin y Marian", junto a Sean Connery. Su dulce rostro, la calidad de sus interpretaciones y una innata elegancia la han consagrado como una de las actrices más importantes del siglo XX.

"Dos en la Carretera" relata la relación entre Joanna (Hepburn) y Mark (Albert Finney) a lo largo de doce años. Ambos se conocen de vacaciones en el norte de Francia. Mark es un estudiante de arquitectura que recorre mochila al hombro varias ciudades en busca de monumentos, mientras que Joanna viaja de excursión con un grupo de amigas de una agrupación coral. La cinta esta narrada de forma no lineal, por lo que los segmentos temporales se alternan sucesivamente a lo largo del metraje mostrando diferentes fases de su historia en común, del presente al pasado y viceversa. Todo ello relatado de manera hermosa y excepcional por un inspirado Stanley Donen detrás de la cámara.

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Ficha técnica y artística

Dos en la Carretera (Two for the Road). Reino Unido, 1967, 111 min.

Dirección: Stanley Donen

Intérpretes: Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleanor Bron

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Crónica de Atticus Finch

El Retorno del Jedi

Comentario de EL RETORNO DEL JEDI

En 1983 George Lucas pone punto y final a su trilogía galáctica con "El Retorno del Jedi", convirtiéndose globalmente en el sexto acto de la épica saga. Precedida por dos películas monumentales como son "La Guerra de las Galaxias" (1977) y "El Imperio Contraataca" (1980), esta última entrega en el sentido cronológico de la historia se queda en un nivel de calidad ostensiblemente inferior al de sus mencionadas antecesoras. La madurez y la profundidad del relato logrados en el Episodio V se ven dolorosamente diluidos en un proceso de infantilización preocupante que afecta a gran parte del metraje de la cinta. De hecho supone una antesala del estilo que los espectadores se encontrarían en el Episodio I dirigido por Lucas dieciséis años después, en 1999. Pero a pesar de esa pueril simplificación de la trama, de los irritantes ewoks y de la excesiva abundancia de muñecos-peluche, este largometraje conserva los cimientos que han hecho inolvidable a esta saga cinematográfica: la plenitud total del cine de aventuras, la identificación interna con los personajes y el viaje iniciático del héroe mitológico. De la juventud a la madurez, de aprendiz a maestro. Todo ello condensado en el personaje de Luke Skywalker (Mark Hamill), la última esperanza del renacer de la orden Jedi en la galaxia y pieza clave en el verdadero eje narrativo del largometraje: la redención.

Así pues nos encontramos en una galaxia muy lejana dos años depués de los acontecimientos narrados en el Episodio V. Luke Skywalker (Hamill) y la Princesa Leia (Carrie Fisher), tras rescatar a Han Solo (Harrison Ford), se preparan para jugarse el todo por el todo contra el Imperio en una batalla decisiva. Sobre Skywalker recae además la responsabilidad de hacer renacer de sus cenizas a los caballeros Jedi y enfrentarse a su padre, Darth Vader. Una sinopsis que escrita sobre el papel provoca extrañeza, pero que trasladada al celuloide cobra vida y sentido. Mitología contemporánea que sigue los ancestrales pasos ya marcados por "La Iliada", "La Eneida" o "La Odisea".

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Ficha técnica y artística

El Retorno del Jedi (Return of the Jedi). EEUU, 1983, 134 min.

Dirección: Richard Marquand

Intérpretes: Mark Hamill, Carrie Fisher, Harrison Ford

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Crónica de El Maquinista

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L.A. Confidential

Comentario de L.A. CONFIDENTIAL

La carrera cinematográfica del director Curtis Hanson ha seguido una trayectoria irregular ("La Mano que Mece la Cuna", "Jóvenes Prodigiosos") y muy probablemente será recordado en el futuro por el magnífico largometraje policiaco que representa "L.A. Confidential", una de las obras mayores de este género en el cine contemporáneo. Tomando como base la novela homónima de James Ellroy, Hanson recrea con maestría la sociedad y la atmósfera de la ciudad de Los Angeles a comienzos de los años 50. Un lugar en ebullición, próspero y lleno de oportunidades, pero también con un reverso oscuro y sórdido. El género de cine negro o policiaco por antonomasia pertenece a esa época (décadas de los 30, 40 y 50), donde reinaban los detectives de sombrero y gabardina, las mujeres fatales y los policías sin escrúpulos. El cine actual ha tratado de trasladar los códigos del género a un entorno moderno con resultados desiguales, pero rara vez se aventura a recrear la época originaria de este tipo de cine. Algunas excepciones sobresalientes a esto son "Chinatown", de Roman Polansky, "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" (el remake de Bob Rafelson) o la película hoy comentada.

Sin duda uno de los mayores atractivos del film reside en el magnífico retrato de los personajes centrales del relato, cada uno con múltiples facetas y lejos de estereotipos, lo que consigue construir personalidades sólidas y creíbles. Los tres policías al frente de la historia son un buen ejemplo: el veterano descreído y oportunista encarnado por Kevin Spacey, el eficiente y brutal agente al que da vida Russell Crowe (en su primer papel importante) y el idealista pero ambicioso recién llegado al cuerpo (Guy Pearce). Juntos se verán embarcados en un crimen que esconde mucho más de lo que parece y que se interna en las cloacas de Los Angeles: políticos corruptos, policías inoperantes, prostitución de lujo y prensa sensacionalista. Todo relatado sobre un absorbente guión filmado con un trepidante ritmo lleno de energía, y en el que también brillan con luz propia Kim Basinger, James Cromwell y Danny DeVito.

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Ficha técnica y artística

L.A. Confidential. EEUU, 1997, 138 min.

Dirección: Curtis Hanson

Intérpretes: Guy Pearce, Russell Crowe, Kevin Spacey, Kim Basinger

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Crónica de HAL-9000

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El Hombre que Mató a Liberty Valance

Comentario de EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE

En 1962 el maestro John Ford no tenía que demostrar nada a nadie. A lo largo de más de veinticinco años de carrera ya había rodado la mayoría de sus obras cumbres, como "La Diligencia", "El Hombre Tranquilo" o "Centauros del Desierto". Sin embargo el realizador estadounidense filmó ese año la película monumental que supone "El Hombre que Mató a Liberty Valance", un nuevo punto de inflexión en el maravilloso género del western. Ford decidió recurrir a su eterno actor fetiche, John Wayne, para que formara junto al bueno de James Stewart una pareja de hombres capaz de doblegar al Mal encarnado en el personaje de Liberty Valance. Debido al tratamiento que se realiza de la historia, este largometraje abre las puertas al llamado western crepuscular, ya que ofrece una mirada desmitificadora, áspera y nostálgica de ese mundo. Una corriente que se desarrollaría completamente a finales de la década de los 60 y hasta nuestros días, con Sam Peckinpah ("Grupo Salvaje", "Pat Garret y Billy the Kid") y el Clint Eastwood maduro ("Sin Perdón", "El Jinete Pálido") como grandes exponentes.

De este modo la película nos sitúa en un remoto lugar del salvaje Oeste americano, donde el joven abogado Ransom Stoddard (Stewart) ha llegado en busca de fortuna. Sin embargo, es atracado en un camino y recibe una brutal paliza por parte del sádico cuatrero local Liberty Valance (interpretado de forma magistral por Lee Marvin). Una vez recuperado, Stoddard decide luchar contra Valance, quien se pasea impune por el pueblo, mediante el uso de la Ley. Con el mismo propósito de acabar con Valance se encuentra Tom Doniphon (Wayne), solo que éste apuesta decididamente por el uso de las armas, único medio aparentemente útil en esas tierras. Los tres forman un triángulo de personalidades opuestas en un ambiente crepuscular, situado entre lo salvaje y lo civilizado y en constante búsqueda de mitos: "En el Oeste, cuando la leyenda se convierte en realidad, escribimos la leyenda".

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Ficha técnica y artística

El Hombre que Mató a Liberty Valance (The Man who Shot Liberty Valance). EEUU, 1962, 123 min.

Dirección: John Ford

Intérpretes: James Stewart, John Wayne, Lee Marvin, Vera Miles

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Crónica de Atticus Finch

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Una Historia de Violencia

Comentario de UNA HISTORIA DE VIOLENCIA

En el mundo del cine pululan algunos directores que, debido a su estilo o a la temática de sus largometrajes, le producen a este cronista una profunda aversión. Entre los más conocidos que pertenecen a este grupo se encuentran por ejemplo el austriaco Michael Haneke y el canadiense David Cronenberg. El primero es considerado como uno de los directores europeos más prominentes ("Funny Games", "Caché", "La Cinta Blanca"), pero al que esto suscribe le exaspera su mirada estoica y la fascinación que muestra por los relatos malsanos. Respecto a Cronenberg, su caso es digno de estudio, ya que su extravagante trayectoria como cineasta durante treinta años le ha granjeado un buen número de seguidores (hay gente para todo). Este director se ha movido tradicionalmente por un terreno plagado de freaks e historias raras: "Videodrome", "La Mosca" o "Inseparables" son buena muestra. Sin embargo, para satisfacción general, Cronenberg cambió de rumbo hace un lustro al filmar la gran obra que es "Una Historia de Violencia", lo cual se vería confirmado poco después con la no menos estupenda "Promesas del Este". Ambas están protagonizadas por Viggo Mortensen y parecen mostrar el camino por el que continuará este realizador durante los próximos años, definitivamente alejado de su anterior universo underground.

Así, "Una Historia de Violencia" deja meridianamente claro su argumento con un título directo y sin miramientos, tal y como el relato es filmado. Tom Stall (Mortensen) es un pacífico dueño de una cafetería en una tranquila localidad de Indiana, en Estados Unidos. Pero una noche la violencia más primitiva se hace presente en su local en forma de un brutal atraco. A partir de ese hecho Tom adquiere reconocimiento gracias a los informativos y recibe la inesperada visita de unas enigmáticas personas que afirman conocerle. Según ellos Tom no es quien dice ser, sino un hombre mucho más oscuro y con un pasado turbulento. Poco a poco la tensión comienza a corroer a Tom, su familia y a toda la comunidad, a la espera de que se desate la tormenta. Siguiendo la estela del maestro Sam Peckinpah en "Perros de Paja", Cronenberg muestra los resortes de la violencia innata del hombre y cómo se desencadenan los instintos más primarios cuando uno se encuentra acorralado.

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Ficha técnica y artística

Una Historia de Violencia (A History of Violence). EEUU, 2005, 97 min.

Dirección: David Cronenberg

Intérpretes: Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris

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Crónica de Atticus Finch

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El Padrino, parte II

Comentario de EL PADRINO, PARTE II

Durante la década de los años 70 el director Francis Ford Coppola parecía encaminado a dejar una profunda huella en la historia del cine. En un periodo de tiempo inferior a diez años realizó cuatro películas consideradas obras mayores de la cinematografía contemporánea: "El Padrino" (1972), "La Conversación" (1974), "El Padrino, parte II" (1974) y "Apocalypse Now" (1979). Sin embargo la calidad de sus largometrajes se fue diluyendo a lo largo de la siguiente década hasta su práctica inactividad actual. No se sabe si el enorme esfuerzo de esos años mágicos le han pasado factura o simplemente no ha vuelto a encontrar el toque que diferencia a los buenos realizadores de los maestros. Conviene eso sí recordar que tras la devacle financiera que para él supuso "Corazonada" (1982), se vio obligado a dirigir durante años varias películas de encargo de una calidad inferior. A pesar de ello su talento siguió brillando ocasionalmente en filmes como "La Ley de la Calle", "Drácula de Bram Stocker" o "El Padrino, parte III", y nadie podrá arrebatarle nunca su estatus de figura clave del cine contemporáneo.

"El Padrino II" es probablemente, junto con "El Imperio Contraataca", uno de los excepcionales casos donde la secuela es tan buena o más que la película original. La estructura narrativa se vuelve ahora mucho más compleja, ya que alterna dos líneas argumentales. Por un lado asistimos a la llegada del joven Vito Corleone a América, la lucha de éste por sobrevivir y su progresiva ascensión en el crimen organizado hasta alcanzar el puesto de Padrino. Por otra parte se retoma la historia donde acabó la primera entrega, con Michael Corleone tomando las riendas de la Familia y precipitándose a un abismo de autodestrucción moral y personal. Ambos relatos se complementan perfectamente al ritmo de la excepcional banda sonora de Nino Rota.

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Ficha técnica y artística

El Padrino, parte II (The Godfather, part II). EEUU, 1974, 200 min.

Dirección: Francis Ford Coppola

Intérpretes: Al Pacino, Robert de Niro, Diane Keaton, Robert Duvall

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Crónica de El Maquinista

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La Última Cruzada

Comentario de LA ÚLTIMA CRUZADA

A finales de 1977 dos jóvenes cineastas se relajaban en una isla de Hawaii tras un año muy productivo para ambos. Uno era George Lucas, que acababa de asombrar al mundo con su aventura de épica espacial "La Guerra de las Galaxias". El otro, nada menos que un Steven Spielberg aclamado por la fantasiosa "Encuentros en la Tercera Fase". Los dos amigos iban a crear durante sus vacaciones hawaiianas un nuevo personaje que marcaría un hito en el cine de aventuras: Indiana Jones. Este héroe moderno, profesor universitario los días laborables e intrépido arqueólogo los fines de semana, supondría la consagración del tándem Spielberg-Lucas. El primero ejercería de director mientras el segundo se encargaba de las labores de producción, roles que se han mantenido durante las cuatro películas de Indiana: "En Busca del Arca Perdida" (1981), "El Templo Maldito" (1984), "La Última Cruzada" (1989) y "El Reino de la Calavera de Cristal" (2008). Son el primer y el tercer título los que suponen auténticas obras de arte cinematográficas y por las que será siempre recordado el personaje encarnado por un extraordinario Harrison Ford.

Así pues, "La Última Cruzada" nos sitúa junto al doctor Jones en una nueva aventura frente a los nazis. El objetivo esta vez será hacerse con el Santo Grial en tierras de Oriente Próximo antes de que caiga en manos de las huestes hitlerianas. Pero esta vez al héroe del sombrero fedora le acompañará su exquisito y flemático padre, un magnífico Sean Connery. Juntos recorrerán mil peligros de Venecia a Petra pasando por Berlín, en un viaje apoteósico y redentor para la complicada relación paterno-filial de los Jones. Cabe destacar que Indy pertenece a ese puñado de personajes cinematográficos que disfrutan de la total complicidad del espectador, por lo que es capaz de las más inverosímiles hazañas sin que se ponga en duda la veracidad de la escena, en un estatus parecido al de James Bond. Spielberg dirige con maestría este largometraje dejando bien claro que conoce todos los recovecos de la personalidad del protagonista, apoyándose eso sí en un maravilloso guión. La gran banda sonora de John Williams, interiorizada ya como parte esencial de la saga, hace vibrar de emoción en cada visionado. A mencionar también la gran química entre Ford y Connery, perfectos en sus papeles.

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Ficha técnica y artística

La Última Cruzada (The Last Crusade). EEUU, 1989, 127 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Harrison Ford, Sean Connery, Alison Doody

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Crónica de El Maquinista

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Solo ante el Peligro

Comentario de SOLO ANTE EL PELIGRO

A mediados del siglo pasado el director austriaco Fred Zinnemann se consagró con una de las películas más legendarias del séptimo arte, "Solo ante el Peligro". Con el tiempo filmaría otras grandes obras, como "De Aquí a la Eternidad", "El Día del Chacal" o "Un Hombre para la Eternidad". En el largometraje de hoy, Zinnemann nos sitúa en un recóndito pueblo del Oeste americano a las diez y media de la mañana, donde el íntegro sheriff Will Kane (Gary Cooper) acaba de entregar la placa para retirarse a vivir a un rancho con su joven esposa (Grace Kelly). Pero llega un telegrama que va a desatar la alarma en el pueblo: el cuatrero Frank Miller, al que Kane arrestó recientemente, ha sido indultado por un juez y se acerca en el tren de las doce en busca de venganza. Su banda le aguarda en la estación y una vez reunidos piensan encontrar a Kane y matarlo. A pesar de que todo el mundo le apremia para que huya cuanto antes, Kane decide quedarse para hacer frente a Miller y defender las calles. A partir de este momento la película está narrada en tiempo real, mostrando la carrera contrarreloj del sheriff para reclutar voluntarios que le ayuden en el inminente combate. Sin embargo descubre con estupefacción la naturaleza más ruin de la condición humana al encontrarse con que la mayoría del pueblo le da la espalda, bien por indiferencia, miedo o cobardía. Kane está literalmente solo ante el peligro y a las doce del mediodía habrá de enfrentarse a la brutal banda de criminales en completa soledad.

La narración del relato crea una atmósfera de creciente tensión a través de un preciso montaje, obra de Elmo Williams, que muestra multitud de relojes indicando los minutos que faltan para la hora señalada. A su vez, la banda sonora de Dimitri Tiomkin acompaña de forma impecable la historia. El reparto está encabezado por un colosal Gary Cooper y una joven Grace Kelly que debutaba en el cine. Mención aparte merece el magnífico guión de Carl Foreman, ya que todo el relato es una parábola de la caza de brujas del infausto senador McCarthy y de la situación personal del propio Foreman cuando fue llamado a declarar al Comité de Actividades Antiamericanas. Debido a sus supuestas simpatías comunistas fue incluido en las listas negras de Hollywood y sumido en el ostracismo profesional, por lo que no pudo volver a trabajar en su país. Años después firmaría desde Inglaterra y bajo seudónimo el guión de la premiada "El Puente sobre el Río Kwai".

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Ficha técnica y artística

Solo ante el Peligro (High Noon). EEUU, 1952, 84 min.

Dirección: Fred Zinnemann

Intérpretes: Gary Cooper, Grace Kelly, Lon Chaney

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Crónica de Atticus Finch

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