El Maquinista de la General

Comentario de EL MAQUINISTA DE LA GENERAL

Hablar de Buster Keaton es hablar de uno de los más importantes cómicos del cine mudo, junto con Charles Chaplin ("La Quimera del Oro", "Tiempos Modernos") y Harold Lloyd ("El Hombre Mosca"). Keaton nació en el seno de una familia dedicada al espectáculo y desde pequeño tuvo contacto con el mundo del vodevil, una de las canteras naturales de buena parte de los cómicos del cine de aquellos años. Sus primeros pasos en el mundo del cine tienen lugar en 1917 de la mano del malogrado Fatty Arbuckle, quien lo incluye en varios de sus cortometrajes. Tras ser llamado a filas el año siguiente y poner rumbo a la Gran Guerra europea, Keaton regresaría a Hollywood a comienzos de la década de los veinte. Así inauguraría su etapa más prolífica en la que gozaría de un control absoluto sobre sus películas. Al igual que Chaplin, Keaton ejercía de autor total, escribiendo, dirigiendo y protagonizando sus largometrajes. Durante los años veinte realizaría sus más importantes trabajos y la que es considerada como su obra maestra, "El Maquinista de la General" (1926), un prodigio cinematográfico en el que se jugaba la vida en multitud de escenas. El nivel de maestría de esta cinta, como en los títulos mayores de Chaplin, radica en que el espectador no se encuentra ante una sucesión de gags cómicos, sino que existe una estructura narrativa sólida y brillantemente ejecutada, en la que el drama y la comedia se entrelazan formando un conjunto redondo. Sin embargo, con la llegada del cine sonoro en los años treinta, Keaton se convertiría en una de tantas estrellas que no pudieron adaptarse al cambio en la industria, viendo cómo su carrera desaparecía en el olvido colectivo. No sería hasta dos décadas más tarde cuando su antiguo camarada Chaplin le llamaría para rodar juntos "Candilejas" (1952) y así el gran público volvió a tener conciencia de una de las figuras más relevantes del cine mudo norteamericano.

"El Maquinista de la General" relata un episodio acaecido durante la Guerra de Secesión en los EEUU. Johnnie Gray (Buster Keaton) trabaja de maquinista en una compañía de ferrocarriles sureña. Al estallar el conflicto su novia Annabelle (Marion Mack) le anima a que se aliste como voluntario en el bando confederado, cosa que no le hace mucha gracia pero a lo que finalmente accede. Para su sorpresa Johnnie se encuentra con que su solicitud es rechazada en la oficina de reclutamiento, ya que dada su menuda complexión física los oficiales lo juzgan más útil como maquinista que como soldado. Al contárselo a Annabelle ésta no le cree y piensa que no ha ido a alistarse por cobardía, así que deja de hablarle. Un año después la joven, todavía enfadada con Johnnie, toma un tren para ir a ver a su padre herido. La locomotora que les lleva no es otra que "La General", el orgullo de Johnnie, que está a sus mandos. En mitad del trayecto son atacados por un destacamento de soldados de la Unión, los cuales pretenden hacerse con "La General" pero además se llevan por azares del destino a Annabelle. De un plumazo a Johnnie le arrebatan lo que más quiere en el mundo, su chica y su locomotora. Armándose de valor decide ir tras ellos y rescatarlas de las manos de los nordistas para llevarlas de nuevo a casa, aunque no sabe muy bien cómo.

**************************************************

Ficha técnica y artística

El Maquinista de la General (The General). EEUU, 1926, 74 min.

Dirección: Buster Keaton

Intérpretes: Buster Keaton, Marion Mack, Glen Cavender

**************************************************

Crónica de Atticus Finch

Pulsa en la pantalla para ver una escena de "El Maquinista de la General"

Belle de Jour

Comentario de BELLE DE JOUR

Quien lleve siguiendo este blog el tiempo suficiente se habrá dado cuenta de la variedad de títulos comentados, con una alternancia constante de géneros cinematográficos, de épocas y de países de producción. A pesar de que esta bitácora se escribe desde España la verdad es que no suelo incluir muchas películas nacionales, de hecho creo que se pueden contar con los dedos de una mano. Si la memoria no me falla hay dos de Víctor Erice ("El Espíritu de la Colmena" y "El Sur"), una de Luis García Berlanga ("El Verdugo") y poco más. Hoy añadimos a la lista a uno de nuestros directores más internacionales del siglo XX, Luis Buñuel, un autor que por causas de fuerza mayor tuvo que realizar prácticamente toda su obra fuera de su patria natal. Buñuel, desde sus tiempos en la Residencia de Estudiantes de Madrid, ya empezó a interesarse por el séptimo arte, acercándose en sus primeros años al movimiento surrealista con "Un Perro Andaluz" (1929) o al género documental con "Las Hurdes, Tierra sin Pan" (1933). Su segunda etapa cinematográfica la inicia en Méjico a finales de los años 40, a donde se exilió tras la Guerra Civil y la instauración de la dictadura militar franquista. Allí rodaría "Los Olvidados" (1950) y otras cintas que suelen reflejar historias de seres marginales, de injusticia social. En 1961 vuelve a España para rodar "Viridiana", uno de sus grandes títulos que concentra los temas recurrentes a los que volvería durante las siguientes dos décadas: los deseos reprimidos, la moral, los trapos sucios de la burguesía. A pesar de ser un gran éxito de crítica en el extranjero la película no podría verse en los cines españoles debido a la censura de las autoridades. Buñuel volvía a estar en la lista negra del régimen y habría de partir de nuevo, esta vez a medio camino entre Méjico y Francia. En la década de los sesenta llegarían "El Ángel Exterminador" (1962) y "Belle de Jour" (1967), cintas con las que el director ya es reconocido como uno de los grandes cineastas europeos. A partir de entonces sus estrenos se convierten en auténticos acontecimientos culturales, sobre todo en tierras francesas: "Tristana" (1970), "El Discreto Encanto de la Burguesía" (1972) o "Ese Oscuro Objeto del Deseo" (1977) completan una filmografía profundamente personal que en mi opinión solo podía haber salido de un hombre nacido y criado en un país como España.

"Belle de Jour" narra la turbulenta experiencia de Séverine (Catherine Deneuve), una joven burguesa de la clase alta parisina casada con un cirujano de prestigio, el doctor Pierre Serizy. En principio ésta tiene todo lo que se puede desear: un marido al que quiere, ropa, dinero y toda clase de comodidades. Sin embargo Séverine siente una gran frustración interior difícil de explicar, es incapaz de intimar con Pierre y suele tener fantasías eróticas en las que es humillada, azotada y obligada a hacer todo tipo de cosas para ella impensables. Su moral se ve horrorizada ante los deseos reprimidos que guarda y que no se atreve a confesar a nadie. En realidad la joven es digna de un estudio freudiano, ya que debido a traumas infantiles en ella vive una mujer masoquista con tendencias voyeuristas. A raíz de una conversación con un amigo de Pierre, Séverine descubre una casa de citas donde todas sus fantasías pueden hacerse realidad. Tras muchas dudas finalmente decide entrar a trabajar alli por las mañanas, en secreto, bajo el nombre de Belle de Jour, Bella de Día.

**************************************************

Ficha técnica y artística

Belle de Jour. Francia, 1967, 100 min.

Dirección: Luis Buñuel

Intérpretes: Catherine Deneuve, Jean Sorel, Michel Piccoli

**************************************************

Crónica de Atticus Finch

Pulsa en la pantalla para ver una escena de "Belle de Jour"

Ghost Dog

Comentario de GHOST DOG

"Ghost Dog" es probablemente la película de samuráis más original que he visto nunca, seguramente porque no lo es más que en espíritu. La cinta está dirigida por Jim Jarmusch, el cineasta independiente estadounidense considerado como de culto (peligrosa palabra, desde luego). Personalmente he visto tres trabajos de Jarmusch y ninguno me ha defraudado: el documental sobre Neil Young "Year of the Horse" (entretenida), el viaje tragicómico protagonizado por Bill Murray en "Flores Rotas" (interesante) y la cinta que hoy nos ocupa. Y es que "Ghost Dog" pertenece a esa clase de largometrajes que para mi se sitúan entre el aprobado y el notable pero que gracias a su originalidad y fuerza propia consiguen dejar huella en el espectador. De esta manera uno no las olvida y al pasar el tiempo se las recuerda incluso con afecto. En principio el argumento del largometraje puede espantar a más de uno, ya que la historia trata de un asesino profesional negro que se considera una especie de samurái contemporáneo en la Nueva Jersey de los años 90. Lo que suena algo extravagante sobre el papel resulta funcionar bastante bien en el celuloide (la magia del cine, ya se sabe). Ghost Dog (Perro Fantasma) es el nombre con el que se autodenomina el protagonista, un hombre que creció en las calles y ha terminado por ser asesino a sueldo de la Mafia. Como cualquier otra persona Ghost Dog ha sentido la necesidad de aferrarse a unas creencias, unos valores, para recorrer su azaroso periplo vital. Y él las ha encontrado en la filosofía de vida samurái, el bushido. Además de regirse por este código de conducta el buen hombre se ejercita asiduamente en el arte de la espada, pero además de la katana también tiene un amplio conocimiento en el manejo de toda clase de armas automáticas (algo muy útil para ejecutar sus encargos a cierta distancia de la víctima de turno).

El protagonista de nuestra historia, interpretado por Forest Whitaker ("Bird", "El Último Rey de Escocia"), vive en una pequeña cabaña construida en la azotea de un edificio, a modo de palomar. En este sitio descansa y encuentra la paz espiritual junto a un montón de palomas (unos bichejos asquerosos, por cierto), las cuales usa como mensajeras para comunicarse con el hombre que le encarga las ejecuciones, Louie (John Tormey). Para Ghost Dog Louie es el amo al que pertenece, ya que siente que está en deuda con él después de que éste le salvara de joven en una lucha callejera. Louie forma parte de un clan mafioso italiano de Nueva Jersey y después de varios años ha llegado a asumir la extraña relación que mantiene con su mejor asesino a sueldo, alguien que se mueve como un verdadero fantasma de la noche. La familia criminal de Louie está formada por italoamericanos, unas personas bastante horteras que visten con chándal y cadenas de oro, suelen ser calvos y tener bastante sobrepeso (como la vida misma, si no ver "Los Soprano"). El caso es que Ghost Dog recibe un día el encargo de liquidar a un gángster que se está viendo con la hija del gran jefe, asunto que es ejecutado con su profesionalidad habitual. Sin embargo los jefes de la familia deciden acabar también con Ghost Dog para intentar no verse conectados con el asesinato, algo que podría provocar una guerra entre los clanes de la ciudad. El neo-samurái se da finalmente cuenta de la traición y decide vengarse acabando con toda la familia, pero esto le supone una duda existencial: ¿qué hacer con Louie?

**************************************************

Ficha técnica y artística

Ghost Dog. EEUU, 1999, 115 min.

Dirección: Jim Jarmusch

Intérpretes: Forest Whitaker, John Tormey, Cliff Gorman

**************************************************

Crónica de El Maquinista

Pulsa en la pantalla para ver el tráiler de "Ghost Dog"

Los Duelistas

Comentario de LOS DUELISTAS

El pasado 19 de agosto un hombre se encaramó a lo alto de un puente en el puerto de Los Angeles y se arrojó al vacío poniendo fin a su vida de forma contundente. Ese hombre se llamaba Tony Scott y además de ser un director de gran éxito comercial también era el hermano pequeño del realizador británico Ridley Scott. Al leer la noticia pensé en escribir alguna entrada sobre una película de Tony, pero me encontré con el problema de que no había visto ningún título suyo. La verdad es que nunca me había sentido muy atraído por su filmografía, bastante proclive a la pirotecnia visual y a planos no más largos de un segundo. Y eso que algunos de sus trabajos son tan conocidos como "Top Gun", "Amor a Quemarropa", "Marea Roja" o "El Fuego de la Venganza". El caso es que me decidí por su primer largometraje, "El Ansia" (1983), aquella cinta en la que Catherine Deneuve y David Bowie interpretan a dos vampiros burgueses viviendo en el Nueva York de los años 80. Como esta película tampoco me ha entusiasmado me he decantado por poner en el blog la ópera prima de su hermano Ridley, así que todo queda en familia. Y es que los cinco primeros años de la carrera del mayor de los Scott fue para quitarse el sombrero al rodar tres cintas estupendas: "Los Duelistas" (1977), "Alien, el Octavo Pasajero" (1979) y "Blade Runner" (1982), una de las joyas de la ciencia-ficción contemporánea. A partir de este largometraje Ridley estuvo un poco perdido en la irregularidad durante quince años, con alguna salvedad como "Thelma y Louise" (1991). Fue al entrar en el nuevo milenio cuando reapareció con fuerza gracias a su moderna revisión del péplum con "Gladiator" (2000) y desde entonces nos ha venido ofreciendo trabajos medianamente interesantes. Eso sí, su obra magna que retome la senda de "Blade Runner" está todavía esperándose. Por cierto, que la tierra te sea leve Tony, como decían los antiguos romanos. 

"Los Duelistas" es una película de línea argumental bastante particular centrada en los duelos que han de librar dos húsares franceses a lo largo de quince años en el marco de las Guerras Napoleónicas. La acción comienza en Estrasburgo en 1800 cuando el impetuoso oficial Gabriel Feraud (Harvey Keitel) casi mata al sobrino del alcalde en un duelo a espadas. En represalia las autoridades presionan para que Feraud sea arrestado, tarea que le es encomendada a otro húsar, Armand d´Hubert (Keith Carradine). Éste procede a detenerlo en la casa de una dama importante de la ciudad, lo que Feraud se toma como una terrible humillación. El blanco de sus iras

pasa a ser d´Hubert, por lo que en cuestión de minutos el asunto ya es un conflicto personal entre los dos hombres. Feraud, arrastrado siempre por su orgullo, le reta en duelo, a lo que el otro ha de aceptar a regañadientes. Tras varios enfrentamientos inconclusos la guerra obliga a detener su lucha particular hasta que por coincidencias del destino se encuentran a lo largo de los años en diferentes lugares de Europa, ocasiones que Feraud siempre aprovecha para intentar enfrentarse de nuevo y poner fin a su eterno duelo de honor.

**************************************************

Ficha técnica y artística

Los Duelistas (The Duellists). Reino Unido, 1977, 100 min.

Dirección: Ridley Scott

Intérpretes: Harvey Keitel, Keith Carradine, Edward Fox

**************************************************

Crónica de Atticus Finch

Pulsa en la pantalla para ver el tráiler de "Los Duelistas"

Toro Salvaje

Comentario de TORO SALVAJE

Tras estrenar "Taxi Driver" en 1976 Martin Scorsese empezó a caer en una espiral destructiva debido al consumo masivo de todo tipo de sustancias y un ritmo de vida caótico. La salud del cineasta se resintió de tal manera que su vida llegó a correr serio peligro y tuvo que ser ingresado en un hospital de Nueva York con graves síntomas. Cuenta Peter Biskind en su estupendo libro "Moteros Tranquilos, Toros Salvajes" que cuando Scorsese estaba postrado en la cama recuperándose Robert De Niro entró en su habitación a leerle la cartilla. En un momento dado salió a colación el guión de un proyecto que el actor llevaba tiempo comentándole, "Toro Salvaje", la historia del boxeador Jake La Motta. En el libro Biskind relata el acaecido de la siguiente manera: "(...) De Niro terminó preguntándole si iban a hacer la película, a lo que Scorsese, tumbado en la camilla, respondió "Sí". Finalmente había encontrado algo que podía engancharlo al personaje: la autodestrucción, el daño gratuito a la gente que lo rodeaba. Y pensó: Jake La Motta soy yo". La puesta en marcha del proyecto supondría un punto de inflexión para que el director neoyorkino empezara su recuperación anímica y terminaría además por convertirse en uno de los largometrajes clave de su filmografía. 

"Toro Salvaje" es la crónica vital de Jake La Motta, un boxeador de naturaleza violenta, posesiva y brutal. El joven La Motta (Robert De Niro) inicia su carrera en los pesos medios durante los años 40 y lucha por hacerse un hueco en este negocio algo sórdido escoltado por su hermano Joey (Joe Pesci). A través de los años su carácter problemático va agrietando poco a poco las relaciones con su familia y llega a amenazar su propio futuro como púgil. Sin embargo a fuerza de ganar duros combates La Motta consigue finalmente títulos, fama y dinero. Pero lo que en principio es una recompensa a sus esfuerzos termina por ser la puntilla que desestabiliza su precario equilibrio emocional. Su comportamiento termina por destruir los lazos con todo su entorno y veinte años después se encuentra apartado de los cuadriláteros con la obligación de volver a empezar de nuevo. La Motta venció a formidables rivales en el ring con la fuerza de los puños, pero tardó largo tiempo en comprender que el combate de su vida lo tenía que librar consigo mismo.

**************************************************

Ficha técnica y artística

Toro Salvaje (Raging Bull). EEUU, 1980, 129 min.

Dirección: Martin Scorsese

Intérpretes: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci

**************************************************

Crónica de Atticus Finch

Pulsa en la pantalla para ver una escena de "Toro Salvaje"