El Hundimiento

Comentario de EL HUNDIMIENTO

Hasta hace apenas una década los más destacados autores de la cinematografía germana conocidos por estas tierras se remontaban a genios clásicos como Fritz Lang ("Metrópolis") o Ernest Lubitsch ("Ser o No Ser") y a la famosa corriente del expresionismo alemán de los años 20 ("El Gabinete del Doctor Caligari"). Hubo que esperar, salvo casos aislados, a que llegara la generación de los años 70-80 comandada por Wim Wenders ("El Cielo Sobre Berlín", "Paris, Texas") y Werner Herzog ("Aguirre, la Cólera de Dios") para volver a oír sobre el cine alemán. Afortunadamente a comienzos de este siglo ha llegado una nueva ola de interesantes directores con películas excelentes bajo el brazo: "Good Bye Lenin !", "La Vida de los Otros" y "El Hundimiento" son buenos ejemplos de ello. El realizador de esta última, Oliver Hirschbiegel, ya se había fogueado en la televisión de su país rodando capítulos de la serie canino-policiaca "Rex" (la del pastor alemán detective) para dar posteriormente el salto al cine con "El Experimento", que tuvo una notable aceptación, y el largometraje hoy comentado dedicado a la figura de uno de los mayores villanos surgidos de la raza humana, Adolf Hitler.

Y es que "El Hundimiento" no es más que el sobresaliente y estremecedor relato de la caída a los infiernos del Führer y de todo el aparato del régimen nazi en las postrimerías de la II Guerra Mundial. Situados ya en 1945, con la guerra perdida, Hitler se ha recluido en su gran búnker subterráneo de la Cancillería mientras las tropas rusas se encuentran a las puertas de Berlín. Dentro de su escondite, el líder del Reich entra en una espiral de creciente locura ordenando a sus generales movilizar a ejércitos inexistentes y obligando a resistir el ataque soviético hasta el final, a pesar de que su propia guarida está ya siendo alcanzada por la imparable artillería rusa. Sus colaboradores presienten el abismo al que se acercan mientras asisten estupefactos al desmoronamiento del nacionalsocialismo. Por su parte, al otro lado de los muros de hormigón, la población berlinesa se ve abocada al hambre, el frío y la miseria como simples mortales en el auténtico drama wagneriano que se ha desatado sobre la capital alemana y que toca a su fin.

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Ficha técnica y artística

El Hundimiento (Der Untergang). Alemania, 2004, 155 min.

Dirección: Oliver Hirschbiegel

Intérpretes: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Ulrich Matthes

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Crónica de El Maquinista

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La Ley del Silencio

Comentario de LA LEY DEL SILENCIO

A la hora de evaluar la calidad de la obra de un artista en ocasiones hace su aparición algún notorio pasaje oscuro de su vida que ensombrece y distorsiona la opinión sobre su legado. En el caso del cine un ejemplo claro es el de Elia Kazan, uno de los directores norteamericanos más importantes de la década de los 50 y 60, cuyo recuerdo siempre suele ir unido a su participación en la infausta caza de brujas que sacudió Hollywood a comienzos de los años cincuenta. Dentro de las numerosas personalidades cinematográficas que fueron requeridas a testificar en el Comité de Actividades Antiamericanas a instancias del demencial senador McCarthy, Kazan fue uno de los que dio nombres de profesionales que presuntamente simpatizaban con ideas comunistas. En realidad, una mera y brutal purga que condenó al ostracismo a decenas de guionistas, directores y demás trabajadores de la industria. Sin embargo no se puede defenestrar directamente a Kazan sin conocer exactamente la situación que le llevó a cometer ese fatal error, si él mismo sufrió presiones o amenazas para delatar a compañeros. Lo que sí conviene siempre es mantener al margen de la polémica su producción cinematográfica, llena de títulos clave como sus tres colaboraciones con Marlon Brando: "Un Tranvía llamado Deseo" (1951), "Viva Zapata" (1952) y "La Ley del Silencio" (1954). A estos largometrajes se puede añadir la primera aparición de James Dean en "Al Este del Edén" (1955) o las aplaudidas "Río Salvaje" (1960) y "Esplendor en la Hierba" (1961).

No parece de todas formas casual que el tema principal de "La Ley del Silencio" sea la traición y posterior redención a través del personaje de Brando, un humilde estibador que trabaja en los muelles de Nueva York. El negocio en el puerto está controlado por mafiosos que revisan el cupo de trabajadores, las ganancias y que no dudan en recurrir al chantaje o la violencia para sus fines. Terry Malloy (Brando) actúa como topo de la mafia para salvar su propio pellejo hasta que un día contribuye a liquidar al hermano de Edie (Eva Marie Saint), una muchacha por la que Terry comienza a sentirse atraído a la vez que la culpa y los remordimientos van haciendo mella en su interior. Poco a poco, con la ayuda del párroco del barrio (Karl Malden), Terry decidirá plantar cara a los criminales e iniciar una revuelta laboral contra ellos para barrer del mapa a la infame ley del silencio que impera por doquier.

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Ficha técnica y artística

La Ley del Silencio (On the Waterfront). EEUU, 1954, 108 min.

Director: Elia Kazan

Intérpretes: Marlon Brando, Eva Marie-Saint, Karl Malden

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Crónica de Atticus Finch

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American Beauty

Comentario de AMERICAN BEAUTY

Tras acumular durante años una amplia experiencia como director teatral en los escenarios británicos, Sam Mendes dio el salto a la industria cinematográfica en 1999 con una de las óperas primas más aplaudidas del cine reciente, la sobresaliente "American Beauty". Tras este éxito Mendes volvería a acertar con su segundo trabajo, "Camino a la Perdición" (2002), adaptación de una novela gráfica sobre mafiosos irlandeses en los años 30, que contaría para la ocasión con unos excepcionales Paul Newman y Tom Hanks en los papeles principales. Las siguientes obras del realizador inglés no han tenido sin embargo la misma repercusión, como la fallida cinta bélica "Jarhead" (2005), "Revolutionary Road" (2008) y la reciente "Un Lugar Donde Quedarse" (2009). A pesar de ello Mendes cuenta con las credenciales suficientes como para volver a ofrecer en cualquier momento un nuevo largometraje de gran calidad, aunque lo próximo que vayamos a ver dirigido por él sea la nueva entrega de la saga del espía británico por antonomasia, James Bond.

"American Beauty" supone un viaje al corazón de las tinieblas del sueño americano a través de los ojos de Lester (Kevin Spacey), un frustrado padre de familia que ve toda su vida como una monótona y gris representación de marionetas oxidadas. Junto a su mujer (Annete Bening) y su hija adolescente (Thora Birch) forman una familia más en el típico barrio residencial de clase media en el que viven, un auténtico microcosmos repleto de apariencias y convencionalismos que intentan tapar las realidades que se esconden en el interior de cada casa. La cámara de Mendes se abre paso a través de toda esa maraña para husmear en las glorias y miserias de estas personas mientras el insatisfecho Lester intenta desesperadamente dar un cambio a su rutina para volver a sentirse vivo. Una película en definitiva excelente, desde la dirección al guión pasando por un elenco interpretativo de primera.

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Ficha técnica y artística

American Beauty. EEUU, 1999, 122 min.

Dirección: Sam Mendes

Intérpretes: Kevin Spacey, Annete Bening, Thora Birch

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Crónica de El Maquinista

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Escenas para Recordar

Comentario de ESCENAS PARA RECORDAR

Sin que sirva de precedente hoy este humilde cronista sale a la palestra para dedicar una entrada a una serie de escenas en respuesta a un amistoso desafío cinematográfico que me ha propuesto mi colega bloguero Piru (Cine: bélico, western, negro). El juego consiste en elegir una serie de escenas de películas para las diferentes categorías que me ha planteado. Mis elecciones no las considero ni mucho menos las mejores, primero porque no creo que se deba utilizar este adjetivo en el mundo del cine (ni en casi nada) y en segundo lugar porque hay tantos títulos a elegir que es imposible hacer una lista justa. Sin embargo los largometrajes que menciono sí que me parecen excelentes en sus categorías, así que allá vamos y espero que os gusten.

- Escena más graciosa: El humor que inunda "EL GRAN LEBOWSKI" (Hermanos Coen, 1998) es sin duda un humor negro y especial, lleno de un buen puñado de escenas kafkianas y delirantes, como es aquella en la que El Nota (Jeff Bridges) y su amigo Walter (John Goodman) improvisan en el coche un plan para cambiar el dinero del rescate que deben entregar por la ropa sucia de éste último. Surrealista.

- Escena más alegre: Aunque la película sea melancólica y aventurera, hay en "DOS HOMBRES Y UN DESTINO" (George Roy Hill, 1969) una preciosa escena en la que Paul Newman y Katharine Ross van juntos en bicicleta al ritmo de "Raindrops Keep Fallin' on My Head" que es sencillamente alegría pura de vivir.

- Escena más triste: La soledad más absoluta en un pueblo perdido de Tejas se refleja de forma demoledora pero impecable en el momento en el que el joven interpretado por Timothy Bottoms pierde a su amigo atropellado por un camión en la obra maestra de Peter Bogdanovich "LA ÚLTIMA PELÍCULA" (1971).

- Escena más agridulce: A medio camino entre la tragedia y la comedia se sitúa el dilema de Nino Manfredi de presentarse a las oposiciones a verdugo empujado por la necesidad y la presión de su suegro Pepe Isbert. Es la España mísera pero digna radiografiada con virtuosismo por Luis García Berlanga en "EL VERDUGO" (1963).

- Escena más rara: Las hay todavía más confusas, pero "MULHOLLAND DRIVE" (David Lynch, 2001) es un perfecto exponente de casi todo el cine de Lynch, raro en sí mismo.

- Escena más perturbadora: Cuando Bruce Willis descubre al final de "DOCE MONOS" (Terry Gilliam, 1995) que sus sueños en el presente antes de viajar en el tiempo son recuerdos de su pasado y que sus acciones están desencadenando los acontecimientos futuros que en teoría tenía que evitar, entonces todo tiene un perfecto y perturbador sentido. Casi tanto como el monolito de Stanley Kubrick y su odisea espacial.

- Escena de más suspense: El primer encuentro entre Jodie Foster y Anthony Hopkins en "EL SILENCIO DE LOS CORDEROS" (Jonathan Demme, 1991) en un oscuro pasillo de la prisión de máxima seguridad pone en vilo incluso a los ladrillos de las paredes.

- Escena más aterradora: Al pequeño hijo de Jack Nicholson en "EL RESPLANDOR" (Stanley Kubrick, 1980) le gusta recorrer las desiertas e inquietantes salas del hotel en su triciclo mientras la cámara le sigue a sus espaldas, por lo que nunca se sabe quién o qué puede aparecer al doblar la siguiente esquina.

- Escena más romántica: Aunque para los más ortodoxos no sea romántica al uso, la deliciosa escena de patinaje entre Natalie Portman y Thimothy Hutton en "BEAUTIFUL GIRLS" (Ted Demme, 1996) es el perfecto ejemplo del amor platónico e inalcanzable.

- Escena con mejor diálogo: No me entusiasma mucho "PULP FICTION" (Quentin Tarantino, 1994), pero he de reconocer que la conversación en la cafetería entre John Travolta y Samuel L. Jackson sobre los huevos con bacon y los animales poco higiénicos es una proeza de ingenio.

- Mejor escena sin diálogo: En "EL ESPÍRITU DE LA COLMENA" (Víctor Erice, 1973), una pequeña Ana Torrent desayuna junto a su padre Fernando Fernán Gómez mientras este observa en silencio su reloj, el cual ha aparecido en el bolsillo de un fugitivo abatido la noche anterior por la Guardia Civil. El cómo llegó allí lo empieza a entender cuando su mirada se cruza con la de su hija, sin que una sola palabra salga de sus bocas.

- Escena con mejor pelea: La lucha a espadas entre el maestro Chow Yun-Fat y la aprendiz Zhang Ziyi encaramados a las copas de los árboles de un bosque de bambú en la sobresaliente aventura que es "TIGRE Y DRAGÓN" (Ang Lee, 2000). Épica y lirismo fundidos en el mismo combate.

- Mejor escena musical: No soy un gran aficionado al género musical, así que mi margen de maniobra no es muy amplio. Elijo a Gene Kelly aguantando el chaparrón paraguas en mano en "CANTANDO BAJO LA LLUVIA" (Stanley Donen & Gene Kelly, 1952). Por cierto que según tengo entendido después de filmar la escena agarró un constipado impresionante, lo que le hace ganar puntos.

- Mejor escena de baile: Aunque a los puristas pueda no gustarles me quedo con el precioso y entrañable baile español entre Buzz Lightyear y Jesse al final de la excepcional "TOY STORY 3" (Lee Unkrich, 2010), al ritmo de "Hay un amigo en mi" cantado por los Gipsy Kings.

- Mejor discurso: Cuando Gregory Peck se levanta para hablar en el juicio en defensa del campesino negro acusado asistimos a una clase magistral de humanismo, coherencia y razón. Es su personaje clave, el paradigma del hombre bueno llamado Atticus Finch, en la obra maestra de Robert Mulligan "MATAR A UN RUISEÑOR" (1962).

- Mejor comienzo: La cámara de Orson Welles va adentrando magistralmente al espectador desde la siniestra puerta de entrada a la mansión Xanadú hasta la habitación donde los labios de Charles Foster Kane emiten el enigmático Rosebud en "CIUDADANO KANE" (Orson Welles, 1941).

- Mejor muerte: La llegada de la muerte nunca se puede considerar algo bueno en sí mismo, pero sí la forma de filmarlo. Elijo la melancólica y emocionante muerte de James Caviezel en la batalla de Guadalcanal cuando se ve rodeado de soldados japoneses que le gritan que se rinda. Primer plano del hombre que libra su propia guerra, intento de levantar el fusil y tiro que le atraviesa, fundido a negro y vuelta al paraíso de las aguas claras nadando entre niños. Es la obra maestra de Terrence Malick "LA DELGADA LÍNEA ROJA" (1998).

- Mejor clímax: El final del duelo a espadas láser entre Darth Vader y Luke Skywalker en "EL IMPERIO CONTRAATACA" (Irvin Keshner, 1980), con unos diálogos demoledores y certeros. La lucha de los dos lados de la Fuerza, el bien contra el mal, hecha cine.

- Mejor final: Cuando Humphrey Bogart ve finalmete despegar el avión de su querida Ingrid Bergman descubre que en el fondo es un sentimental y que ese puede ser el comienzo de una gran amistad con Claude Rains, en "CASABLANCA" (Michael Curtiz, 1942).

-Escena que nunca debió ser filmada: Podría haber elegido unas cuantas de David Cronenberg cuando al director canadiense le gustaba hacer productos dignos de serie Z, pero creo que lo mejor es que las escenas que no debieron ser rodadas se queden olvidadas en el pozo y no las mencionemos. Ese será su castigo.

- Mejor escena: Cuando Clint Eastwood empuña su viejo fusil y entra al saloon en busca de venganza acompañado por el sonido del trueno en "SIN PERDÓN" (Clint Eastwood, 1992), vemos en todo su esplendor las luces y las sombras del ser humano, los recovecos y las cicatrices que forjan la personalidad de un héroe y un villano. Para quitarse el sombrero, nunca mejor dicho.

Estas han sido mis elecciones, espero que os haya gustado la entrada y que hagáis todos los comentarios que se os ocurran. Me ha llevado bastante tiempo y trabajo escribir estas líneas. El próximo fin de semana volveremos al formato habitual con el comentario de una nueva y estupenda película. Hasta entonces.

Meditado por El Bueno de Cuttlas

Un Hombre para la Eternidad

Comentario de UN HOMBRE PARA LA ETERNIDAD

El cine histórico ha encontrado desde hace muchas décadas una inagotable fuente de inspiración en los reinados de varios monarcas de Europa Occidental, los cuales ofrecen fascinantes historias llenas de épica, romance y traición, según los casos (y a veces todo junto). Dentro de las cinematografías anglosajonas lo más habitual ha sido recurrir a los avatares regios de Inglaterra y Escocia, relegando a españoles y franceses a un segundo plano o directamente en el papel de villanos. No obstante, existen numerosos y excelentes largometrajes que se centran únicamente en el interior de la corte inglesa, husmeando en sus propias grandezas y miserias. Dejando a un lado la abundante producción basada en obras literarias de Shakespeare, sin duda uno de los reinados que con más regularidad ha sido llevado a la gran pantalla es el de Enrique VIII, famoso por sus turbulentos acontecimientos políticos y religiosos. Uno de estos casos lo constituye la sobresaliente película "Un Hombre para la Eternidad", dirigida en 1966 por Fred Zinnemann, autor de importantes títulos como "Solo ante el Peligro" (1952), "De Aquí a la Eternidad" (1953) o "Chacal" (1973).

La cinta de Zinnemann narra el ascenso y caída de uno de los personajes más relevantes del reinado de Enrique VIII, el humanista Tomás Moro, autor de la célebre "Utopía". Moro, interpretado formidablemente por Paul Scofield, es un reputado hombre de leyes que gracias a su habilidad política y su buen hacer ha escalado puestos en la corte del monarca hasta alcanzar el puesto supremo de Lord Canciller, lo que supone ser el brazo derecho del rey. Sin embargo todo empieza a resquebrajarse cuando Enrique pretende obtener del Papa la anulación de su matrimonio con la reina Catalina de Aragón para así poder desposarse con la ambiciosa Ana Bolena. Ante la negativa de la máxima autoridad de la Iglesia católica, el monarca amenaza con romper la obediencia a Roma proclamándose él mismo líder religioso del país, lo que convertiría a Inglaterra en un país protestante. Toda la corte claudica ante el temerario propósito de Enrique salvo Moro, a quien sus profundas convicciones espirituales le impiden aceptar el plan del rey, además de considerarlo contrario a la Ley del reino. Esto provocará su caída política y una incansable persecución legal instada por el monarca para que el Parlamento lo declare culpable de alta traición.

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Ficha técnica y artística

Un Hombre para la Eternidad (A Man for All Seasons). EEUU, 1966, 120 min.

Dirección: Fred Zinnemann

Intérpretes: Paul Scofield, Vanessa Redgrave, Robert Shaw

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Crónica de Atticus Finch

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La Huella

Comentario de LA HUELLA

Tras el duro golpe que supuso el batacazo económico de "Cleopatra" (1963), el director Joseph Mankiewicz tardaría unos años en volver a ponerse detrás de las cámaras. Sin embargo, sus dos últimos largometrajes, "El Día de los Tramposos" (1970) y "La Huella" (1972), suponen unos títulos excelentes con los que el reputado autor norteamericano se despediría del cine. Anteriormente, a lo largo de la década de los 50, ya se había consolidado con cintas ampliamente reconocidas como "Eva al Desnudo" (1950), "Julio César" (1953) o "De repente, el Último Verano" (1959); películas todas ellas en las que la labor interpretativa de sus actores jugaba un papel determinante. Esto también ocurre con especial énfasis en "La Huella", ya que ésta se basa en una obra teatral y Mankiewicz dispone únicamente de dos personajes encerrados en una decadente mansión, encarnados por los formidables Lawrence Olivier y Michael Caine. A través de un meticuloso guión, el director va desarrollando una atmósfera cada vez más opresiva con una puesta en escena perfectamente estudiada a la vez que ambos actores mantienen un duelo interpretativo de altura.

El largometraje narra la batalla psicológica que entablan Andrew Wyke (Olivier), afamado escritor de novelas de misterio, y el próspero empresario Milo Tindle (Caine), dueño de una cadena de peluquerías. Ambos se reúnen en la mansión campestre del primero para discutir ciertos asuntos personales, ya que la mujer del escritor está manteniendo un romance no muy secreto con el joven Milo. A Wyke poco parece importarle la aventura de su esposa, aunque en el fondo siente como un golpe a su orgullo el ver a un advenedizo peluquero ocupar su lugar. Con la excusa de resolver algunos aspectos económicos que podrían ser beneficiosos para ambos, el escritor le propone a Milo participar en un ingenioso plan que poco a poco irá convirtiéndose en una desquiciada espiral de destrucción mutua.

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Ficha técnica y artística

La Huella (Sleuth). EEUU-Reino Unido, 1972, 138 min.

Dirección: Joseph Mankiewicz

Intérpretes: Lawrence Olivier, Michael caine, Alec Cawthorne

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Crónica de El Maquinista

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Regreso al Futuro

Comentario de REGRESO AL FUTURO

Los viajes en el tiempo han sido un recurso narrativo utilizado con frecuencia en cintas de diversos géneros cinematográficos, pero con especial relevancia en el campo de la ciencia-ficción. La aproximación al tema también ha contado con multitud de enfoques diferentes, desde la adaptación de la clásica máquina del tiempo de H. G. Wells ("El Tiempo en sus Manos", 1960) hasta los enigmáticos pasadizos espacio-temporales a través del Universo ("El Planeta de los Simios", 1968). Si bien en varios largometrajes el viaje en el tiempo sólo actúa como mera excusa para el desarrollo de la acción, en otros su repercusión condiciona todo el tejido narrativo de la historia, creando fascinantes paradojas como en "Terminator" (James Cameron, 1984) o especialmente en "Doce Monos" (Terry Gilliam, 1995), una de las obras más brillantes que se hayan realizado sobre esta temática. Por otro lado, la versión más abiertamente aventurera y cómica está presente en la película "Regreso al Futuro", que fue puesta en marcha por un joven Robert Zemeckis apadrinado por Steven Spielberg allá por la década de los años 80.

La cinta, ubicada en 1985, sigue la azarosa peripecia en que se verá envuelto Marty McFly (Michael J. Fox), un típico adolescente norteamericano de clase media que viste vaqueros, deportivas blancas y chalecos con hombreras. Su sueño consiste básicamente en ahorrar para comprarse una ranchera y graduarse en el instituto, pero afortunadamente Marty se distingue del resto del rebaño gracias a su amistad con un peculiar científico, el eminente Dr. Emmett Brown (Christopher Lloyd). Éste ha conseguido construir una máquina del tiempo con un automóvil DeLorean y un poderoso invento, el condensador de fluzo, que funciona con plutonio robado a los libios. Sin embargo, durante un experimento con la máquina, se produce un grave accidente y Marty es teletransportado en solitario treinta años atás en el tiempo, a 1955. Sin saber cómo volver a su época, el joven McFly tendrá que encontrar al profesor Brown de entonces, convencerlo de que procede del futuro y que lo ayude a regresar a casa.

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Ficha técnica y artística

Regreso al Futuro (Back to the Future). EEUU, 1985, 116 min.

Dirección: Robert Zemeckis

Intérpretes: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson

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Crónica de HAL-9000

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Million Dollar Baby

Comentario de MILLION DOLLAR BABY

La carrera artística de Clint Eastwood supone un muy interesante ejemplo de cómo un actor popular ha conseguido a través de los años derribar los muros de los prejuicios y reivindicarse como un autor de primera fila, probablemente una de las mayores leyendas vivas del cine norteamericano. El éxito comenzó, paradojas del destino, en el sureste de España a mediados de los años 60, lugar donde Eastwood rodaría bajo las órdenes de Sergio Leone la excelente trilogía western compuesta por "El Bueno, el Feo y el Malo", "La Muerte Tenía un Precio" y "Por un Puñado de Dólares". Convertido en icono gracias a su poncho y su mirada de granito, el bueno de Clint se consagraría como el paradigma del hombre duro tras el estreno en EEUU de "Harry el Sucio" (Don Siegel, 1971) y sus posteriores secuelas. Durante la década de los 70 llegarían las estupendas "El Fuera de la Ley" (dirigida por él mismo) o "Fuga de Alcatraz", pero no es hasta finales de los 80 cuando Eastwood da el paso definitivo en su apuesta por la dirección, a partir de la sobresaliente "El Jinete Pálido" (1985). La confirmación definitiva, tanto de público como de crítica, llegaría siete años más tarde con "Sin Perdón", obra capital del autor y una de las cumbres del western crepuscular. Ya plenamente reconocido, Eastwood ha seguido añadiendo a lo largo de los últimos veinte años importantes títulos a su filmografía de actor/director, como "Los Puentes de Madison", "Mystic River", "Cartas desde Iwo Jima" o "Million Dollar Baby".

Este último largometraje recorre la historia del atormentado entrenador de boxeo Frankie Dunn (Eastwood) y la de la pupila que toma a su cargo (Hillary Swank), una joven que desea huir de su dura vida a través de las peleas en el cuadrilátero. Escoltado por su antiguo amigo de combates (Morgan Freeman), Frankie comienza a entrenar a su boxeadora para ascender peldaños deportivos a la vez que desarrolla poco a poco un profundo afecto por ella, viendo en su figura a la hija que no ve desde hace años.

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Ficha técnica y artística

Million Dollar Baby. EEUU, 2004, 132 min.

Dirección: Clint Eastwood

Intérpretes: Clint Eastwood, Hillary Swank, Morgan Freeman

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Crónica de El Maquinista

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Vivir

Comentario de VIVIR

El cine asiático aterrizó formalmente en Occidente cuando en 1950 el director japonés Akira Kurosawa recibe el León de Oro en el festival de Venecia y el Oscar a la mejor película extranjera por "Rashomon", la historia de un crimen narrada desde cuatro puntos de vista diferentes. Aunque el realizador nipón había comenzado su carrera cinematográfica hacía ya veinte años, fue a partir de este hecho cuando entra en una prolífica época creativa en la que rodaría importantes cintas reconocidas internacionalmente, como "Vivir", "Los Siete Samuráis" o "Yojimbo". Su obra pivotaría casi siempre sobre dos temáticas muy definidas: historias cotidianas de la sociedad japonesa contemporánea y los relatos de aventuras samuráis de la época feudal. A su vez, la mayor parte de los largometrajes estarían protagonizados por su mítico actor fetiche, Toshiro Mifune. A partir del estreno de "Barbarroja" en 1965, Kurosawa pasaría a una etapa de madurez en la que, ya consagrado, rodaría una película cada lustro. De este modo aún ofrecería obras monumentales como "Dersu Uzala" (1975) o "Ran" (1985), portentosas cintas que cierran la trayectoria del que es considerado como uno de los directores asiáticos más sobresalientes del siglo XX.

"Vivir" narra la historia de Kanji Watanabe, un gris funcionario japonés que ha consagrado los últimos treinta años de su existencia a sus pesadas tareas administrativas en el ayuntamiento de su ciudad. Convertido en una momia viviente, Kanji pasa sus monótonos días de trabajo tramitando formularios e informes inútiles, dejando que su antigua capacidad de iniciativa haya sido completamente sepultada por la incompetencia del monstruoso y kafkiano entramado burocrático. Un día su rutina se ve brutalmente sacudida al conocer que padece una grave enfermedad en un estado tan avanzado que la hace incurable y que acabará con su vida en el plazo de pocos meses. Ante la perspectiva de un final tan próximo, Kanji se ahoga en el miedo hacia la muerte y el dolor de pensar que ha pasado por el mundo como un fantasma, intentando recordar cómo perdió la ilusión y la vitalidad de su juventud. Con todos estos pensamientos vibrando en su interior empieza a trazar un plan de redención para volver a sentirse vivo y encontrar el espíritu de aquél hombre que fue en su día, antes de que el tiempo se le acabe del todo.

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Ficha técnica y artística

Vivir (Ikiru). Japón, 1952, 137 min.

Dirección: Akira Kurosawa

Intérpretes: Takashi Shimura, Nobuo Kaneko, Kyôko Seki

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Crónica de Atticus Finch

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Bonnie & Clyde

Comentario de BONNIE & CLYDE

La década de los años 60 supuso un punto de inflexión en la historia contemporánea de muchas naciones occidentales, a lo cual no estuvo ajeno de ningún modo Estados Unidos. El país vivió una época de importantes cambios sociales y políticos (derechos civiles, guerra de Vietnam, movimientos contraculturales) que afectaron de manera lógica a las producciones cinematográficas, incluyendo el nacimiento del llamado cine independiente norteamericano. Las temáticas de los largometrajes empezaron a abrirse a campos antes vetados por la censura o la correción política, a la vez que el tratamiento que se hacía de ellos también evolucionaba. Al mismo tiempo, varios realizadores procedentes del mundo de la televisión dieron el salto a la gran pantalla, como es el caso de Arthur Penn. Éste había obtenido ya un notable éxito en 1958 con su primera película, "El Zurdo", donde Paul Newman daba vida al legendario forajido Billy El Niño. Durante la década siguiente se convertiría en uno de los directores estadounidenses más relevantes al encadenar títulos tan reconocidos como "El Milagro de Anna Sullivan", "Pequeño Gran Hombre " y sobre todo las obras maestras "La Jauría Humana" y "Bonnie & Clyde".

Esta última cinta narra la accidentada vida de los atracadores de bancos Bonnie Parker y Clyde Barrows (Faye Dunaway y Warren Beatty, respectivamente), que sembraron el caos en el sur de los EEUU durante la época de la Gran Depresión. Con el trasfondo de un país devastado por la crisis económica de los años 30, ambos emprenden una constante huida adelante tras cada atraco a la vez que su rastro de violencia va aumentando de forma dramática. Convertidos en unos de los mayores enemigos públicos para las fuerzas de seguridad, los fugitivos cuentan sin embargo con la simpatía de parte de la población rural, aquellos a los que la crisis ha convertido en parias y que sienten un odio profundo hacia los bancos y el sistema que ha permitido la hecatombe social. No obstante, nada de ello evitará que la pareja tenga que enfrentarse desde Tejas a Missouri a la continua caza por parte de unos agentes de la ley que no buscan detenerlos, sino matarlos y acabar con ellos para siempre.

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Ficha técnica y artística

Bonnie & Clyde. EEUU, 1967, 111 min.

Director: Arthur Penn

Intérpretes: Warren Beatty, Faye Dunaway, Gene Hackman

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Crónica de El Maquinista

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Desmontando a Harry

Comentario de DESMONTANDO A HARRY

Woody Allen inició su trayectoria cinematográfica como guionista y director a comienzos de la década de los 70 con una serie de simpáticas comedias hasta que en 1977 obtuvo el reconocimiento unánime con la premiada "Annie Hall", primer punto de inflexión importante en su carrera. A partir de entonces encadenaría quince años de plenitud creativa con sus actrices fetiche (Diane Keaton y Mia Farrow) en títulos clave como "Manhattan", "La Rosa Púrpura del Cairo", "Hanna y sus Hermanas" o "Delitos y Faltas". A mediados de los 90 empezaría a dar muestras de cierto estancamiento creativo a pesar de estrenar excelentes cintas ("Misterioso Asesinato en Manhattan", "Desmontando a Harry"). Este hecho es debido probablemente a la excesiva producción del cineasta, el cual lleva treinta y cinco años realizando una película cada año, la mayoría sobre los mismos temas tan recurrentes del universo Allen: relaciones personales, Nueva York, intelectuales, judaísmo o psicoanálisis. El cambio de siglo ha visto definitivamente un declive en la calidad de sus obras, aunque también ha proporcionado alguna agradable sorpresa, como "Match Point", donde el director maneja de forma precisa los códigos del suspense.

"Desmontando a Harry" disecciona la frustrada vida de Harry Block, un exitoso escritor de novelas que se inspira en sus propias experiencias personales para escribir sus historias. Este hecho hace que varios de sus familiares y amistades se sientan molestos con él al ver reflejados detalles de su intimidad en los libros. Un día Harry recibe una invitación de su antigua universidad, de la que fue expulsado, para realizarle un homenaje por su fructífera carrera literaria. Ante la perspectiva de tener que acudir en solitario al acto, Harry comienza a buscar desesperadamente a alguien que le acompañe. A lo largo de su disparatado desafío se tropieza con sus creaciones literarias reencarnadas en la realidad, a la vez que él mismo viaja al universo de sus propios relatos. Todo esto le llevará a comprender que su personalidad sencillamente no encaja en el mundo real.

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Ficha técnica y artística

Desmontando a Harry (Deconstructing Harry). EEUU, 1997, 96 min.

Dirección: Woody Allen

Intérpretes: Woody Allen, Elisabeth Sue, Billy Crystal

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Crónica de Atticus Finch

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El Curioso Caso de Benjamin Button

Comentario de EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

David Fincher debutó en el mundo de la realización hace casi dos décadas con el encargo de rodar la tercera parte de la saga "Alien", la oscura aventura de ciencia-ficción que catapultó a la fama a Ridley Scott en 1979. Sin embargo el gran éxito le llegaría a Fincher con su siguiente trabajo, "Seven", la cinta que probablemente más ha influido en el thriller policiaco contemporáneo junto con el "Silencio de los Corderos". El director norteamericano continuaría después su carrera con interesantes trabajos de suspense ("The Game", "La Habitación del Pánico") e incluso perpetraría algún que otro despropósito como "El Club de la Lucha", infame película que suele generar opiniones extremas a favor o en contra (en el caso de este cronista obviamente es esto último). Ya entrados en el nuevo siglo, Fincher parece haber decidido abrir el abanico de sus temáticas habituales con "Zodiac", "La Red Social" y la excelente "El Curioso Caso de Benjamin Button", largometraje que hoy nos ocupa.

La cinta narra la compleja vida de Benjamin (Brad Pitt), un hombre que nace en extrañas circunstancias en la Nueva Orleans de 1918. Su cuerpo de recién nacido poseé las arrugas y salud de un anciano octogenario y, tras superar una delicada infancia, continúa creciendo a la inversa: mientras más años cumple y crece su cuerpo, más joven se encuentra. Este inusual hecho condena al protagonista a una existencia completamente diferente a la de los demás, lo cual es finalmente aceptado por Benjamin como una particularidad de su propio ser. Sabedor de que tendrá que afrontar en solitario multitud de desafíos, decide vivir sin miedos ni complejos su vida, toda una aventura en sí misma donde una mujer será su principal conexión con el avance temporal del mundo. Daisy (Cate Blanchett), a la que conoce desde pequeño, crecerá con él durante los años, pero cada uno en inevitables direcciones opuestas.

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Ficha técnica y artística

El Curioso Caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button). EEUU, 2008, 167 min.

Dirección: David Fincher

Intérpretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Tilda Swinton

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Crónica de El Maquinista

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Taxi Driver

Comentario de TAXI DRIVER

A comienzos de la década de los 70 del siglo pasado una nueva generación de jóvenes cineastas norteamericanos empezaron a tomar las riendas de la cinematografía de su país con películas de gran calidad. Algunos ejemplos bien conocidos son Peter Bogdanovich ("La Última Película", 1971), Francis Ford Coppola ("El Padrino", 1972), George Lucas ("American Graffiti", 1973) o Steven Spielberg ("Tiburón", 1975). A estos se une por méritos propios Martin Scorsese, que logró despuntar con sus primeros largometrajes ("Alicia ya no vive aquí", "Malas Calles") para confirmarse de manera definitiva al estrenar "Taxi Driver" en 1976. Esta cinta consolidaría también su fructífera colaboración profesional con el actor Robert De Niro, con quien desarrollaría en los siguientes años otras obras clave para ambos ("Toro Salvaje", "Uno de los Nuestros", "Casino"). Desde hace casi una década Leonardo DiCaprio ha tomado el relevo de De Niro como intérprete fetiche del realizador italo-americano, participando en películas notables como "El Aviador" o "Infiltrados".

"Taxi Driver" supone un viaje al corazón de las tinieblas de la ciudad de Nueva York a través de los ojos de Travis Bickle (De Niro), un veterano de la guerra de Vietnam que trabaja como taxista en el turno de noche para combatir su insomnio crónico. Durante las interminables horas que pasa al volante Travis observa asqueado el lado oscuro de la metrópoli, los seres que ocupan sus calles al abrigo de la oscuridad y los males que surgen por doquier: pandillas, tráfico de drogas, prostitución... Su rabia se acentúa semana tras semana al mismo tiempo que se ve cada vez más atrapado en su solitaria y sórdida rutina de vida. El punto de no retorno lo marca el día que conoce por casualidad a una joven de trece años (Jodie Foster) atrapada en una red de proxenetas. El taxista decidirá entonces pasar a la acción y limpiar él mismo las calles, para lo cual empieza un exhaustivo plan de entrenamiento físico y manejo de armas. Convertido así en un ángel exterminador cegado por sus propias frustraciones, Travis no se detendrá hasta poner en marcha una brutal cadena de acontecimientos que sacudirán su vida por completo.

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Ficha técnica y artística

Taxi Driver. EEUU, 1976, 113 min.

Dirección: Martin Scorsese

Intérpretes: Robert De Niro, Jodie Foster, Cybill Shepherd

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Crónica de HAL-9000

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El Piano

Comentario de EL PIANO

La cinematografía de Oceanía carecía prácticamente de presencia en las pantallas occidentales hasta que a comienzos de los años 80 los directores australianos Peter Weir y George Miller se abrieron paso internacionalmente con "Gallipoli" y "Mad Max", respectivamente. A partir de entonces el flujo de artistas procedentes del continente austral se fue incrementando notablemente sobre todo en el apartado interpretativo, con ejemplos como Mel Gibson, Nicole Kidman, Cate Blanchet o Russell Crowe. Nueva Zelanda ha permanecido en cambio más en la sombra, contando únicamente con Peter Jackson y Jane Campion como realizadores medianamente conocidos fuera de sus fronteras. Esta última inició su irregular carrera cinematográfica en su país natal a comienzos de la década de los 90, consiguiendo un grán exito con su tercer largometraje, la excelente "El Piano". Campion también firma el guión de esta gran película que contó con un reparto de gran nivel (Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill y una jovencísima Anna Paquin) al igual que una banda sonora inolvidable a cargo del compositor Michael Nyman.

La cinta relata la historia de Ada, una joven escocesa muda que acaba de enviudar y a quien su padre envía a Nueva Zelanda para un matrimonio concertado con un colono local. La mujer parte así hacia las antípodas acompañada por su pequeña hija y su querido piano, un instrumento que toca con gran virtuosismo y que le sirve como forma de expresar sus sentimientos a través de la música. Una vez en tierras neozelandesas Ada y su hija son recibidas por el nuevo cabeza de familia, quien se niega a transportar hasta su casa el pesado piano, el cual queda abandonado en la playa hasta que es rescatado por un vecino de la zona. Este hombre, un antiguo marinero que ha adoptado costumbres maoríes, establece un pacto con Ada: ella podrá acudir a su cabaña a tocar el piano a cambio de que también le de clases, lo cual desembocará poco a poco en una relación especial entre ambos.

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Ficha técnica y artística

El Piano (The Piano). Nueva Zelanda, 1993, 121 min.

Dirección: Jane Campion

Intérpretes: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill

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Crónica de El Maquinista

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La Calumnia

Comentario de LA CALUMNIA

William Wyler se erige por méritos propios como uno de los directores norteamericanos más importantes del siglo pasado, autor de un buen número de grandes obras a lo largo de más de cuarenta años de carrera profesional. Tras debutar a comienzos de los años 30, Wyler se consolida durante esta década y la siguiente con títulos clave como "Desengaño", "Cumbres Borrascosas", "El Forastero" o "Los Mejores Años de Nuestra Vida". Como tantos otros importantes cineastas de su generación, este director tiene sus orígenes familiares en Centroeuropa, lugar de donde proceden un buen puñado de los realizadores que forjaron la edad de oro de los estudios de Hollywood. Durante los años 50 Wyler se consagra con cintas ampliamente respaldadas por crítica y público y que pertenecen al imaginario colectivo del cine: "Vacaciones en Roma", "Horizontes de Grandeza" y "Ben-Hur". Ya en la madurez, aún tendría tiempo para filmar en los 60 obras magistrales como "El Coleccionista" o "La Calumnia", largometraje que hoy nos ocupa.

"La Calumnia" está protagonizada por unas espléndidas Audrey Hepburn y Shirley MacLaine, quienes dan vida a dos jóvenes amigas (Karen y Martha) que tras graduarse en la universidad han abierto una pequeña residencia para niñas donde las cuidan y dan clase. Tras años de esfuerzo la institución comienza a ser rentable y ambas esperan un futuro próspero, especialmente Karen, que está a punto de comprometerse con el médico de la localidad (interpretado por James Garner). Sin embargo un día todo comienza a desmoronarse a partir de una diabólica mentira nacida de los labios de una de sus alumnas, una niña rencorosa en la que la maldad se ha hecho carne. Esta insinúa a su abuela que Karen y Martha mantienen una relación que va más allá de la amistad. Tras una serie de fatales coincidencias y testimonios bajo presión , el fantasma de la homosexualidad se extiende entre los padres del resto del alumnado, lo que desencadena el abandono en masa de la residencia y la acusación sin pruebas a ambas mujeres. Estas se verán rechazadas socialmente y condenadas al ostracismo por culpa de una burda calumnia alimentada por los prejuicios e ignorancia de la comunidad a la que pertenecen.

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Ficha técnica y artística

La Calumnia (The Children's Hour). EEUU, 1961, 107 min.

Dirección: William Wyler

Intérpretes: Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, James Garner

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Crónica de Atticus Finch

Origen

Comentario de ORIGEN

Christopher Nolan se dio a conocer hace once años con su segundo largometraje, la independiente "Memento", un enigmático thriller psicológico cuya estructura narrativa constitutía un rompecabezas temporal en el que su protagonista perdía la memoria continuamente. Este trabajo permitió al director británico contar con mayores recursos para su siguiente película, "Insomnia", ya respaldada por los grandes estudios. Otro punto de inflexión en la carrera de Nolan supondría el encargarse a continuación de la nueva adaptación para la gran pantalla de Batman, el famoso personaje de comic que ya contaba con cuatro largometrajes realizados en las últimas dos décadas a cargo de Tim Burton y Joel Schumacher. Sin embargo, el acercamiento a esta mítica figura que propuso Nolan pretendía refundar la saga del hombre murciélago mediante una perspectiva más adulta y sombría, dando como resultado las notables "Batman Begins" y "El Caballero Oscuro". Convertido en uno de los jóvenes directores más respetados de la industria, Nolan es hoy considerado un hábil realizador y guionista capaz de filmar grandes éxitos de taquilla con una calidad cinematográfica incuestionable, como su más reciente trabajo, la excelente "Origen".

Esta película sigue los pasos de Dom Cobb (Leonardo DiCaprio), un hombre que lidera un equipo especializado en penetrar en el subconsciente de otras personas a través de los sueños para robar secretos industriales que luego venden a la competencia. Debido a su profesión al margen de la ley, Cobb es perseguido en multitud de países y no puede entrar en territorio estadounidense, donde viven sus pequeños hijos. Un día un empresario japonés le ofrece la posibilidad de ver retirados los cargos contra él en Norteamérica si realiza un trabajo especial. La misión ya no es extraer un secreto de la mente de otro, sino de algo mucho más complejo, implantar una nueva idea, lo que se conoce con el nombre en clave de origen. Aceptado el desafío, Cobb y sus hombres se sumergirán en las profundidades del subconsciente del objetivo, el joven heredero de una gran corporación, explorando sueños dentro de los propios sueños donde el tiempo se dilata y las leyes de la física pueden saltar en pedazos. Con la amenza de quedar atrapado en los dominios de ese mundo onírico y no volver a despertarse, Cobb deberá luchar también contra sus propios miedos y recuerdos que le asaltan en los sueños, consecuencia de un pasado trágico y secreto.

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Ficha técnica y artística

Origen (Inception). EEUU, 2010, 148 min.

Dirección: Christopher Nolan

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard

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Crónica de HAL-9000

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Salvar al Soldado Ryan

Comentario de SALVAR AL SOLDADO RYAN

El año de 1998 marcó un punto de inflexión en el cine bélico, un género que por aquél entonces llevaba una década en el dique seco. En esta fecha se estrenaron dos obras clave, completamente diferentes en fondo y forma, que revitalizarían de manera decisiva el género. Por un lado el director Terrence Malick, que había rodado dos cintas de culto en la década de los 70 ("Malas Tierras" y "Días del Cielo"), se puso detrás de las cámaras veinte años después para relatar un viaje poético y brutal al corazón de los hombres convertidos en soldados por el destino. El resultado, una obra maestra llamada "La Delgada Línea Roja", cuyo escenario se sitúa en la batalla de Guadalcanal, en el frente del Pacífico de la II Guerra Mundial, donde miles de estadounidenses y japoneses se enfrentaron en una pequeña isla convertida en un verdadero infierno. Por otro lado el prolífico Steven Spielberg estrenó otra gran película, "Salvar al Soldado Ryan", ubicada en el norte de Francia tras el desembarco de Normandía de 1944. Sus primeros treinta minutos, que muestran el propio desembarco de las fuerzas norteamericanas en la playa Omaha, sentaron cátedra sobre cómo habrían de rodarse posteriormente las escenas de combate hiperrealistas.

Este largometraje sigue los pasos del capitán John Miller (Tom Hanks) y de un pequeño grupo de hombres a los que se les asigna la misión de encontrar en el frente al soldado James Ryan, el cual acaba de perder a sus tres hermanos en la guerra y ha recibido el billete de vuelta a casa. Con este difícil cometido parten hacia el interior de Normandía tan solo un paso por detrás de la primera línea de combate, siempre acechados por el enemigo alemán. Atravesando pueblos devastados y en ruinas, todos mascullan en silencio el dilema que se les presenta, arriesgar las vidas de ocho hombres para salvar a alguien del que únicamente conocen su nombre, Ryan.

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Ficha técnica y artística

Salvar al Soldado Ryan (Saving Private Ryan). EEUU, 1998, 169 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Tom Hanks, Edward Burns, Tom Sizemore

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Crónica de Atticus Finch

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Chinatown

Comentario de CHINATOWN

La carrera cinematográfica de Roman Polanski se ha visto fuertemente condicionada a lo largo de los años por algunos acontecimientos de su vida personal. Tras debutar en 1962 con la producción polaca "El Cuchillo en el Agua", la buena acogida internacional de la cinta le permite cruzar el Telón de Acero y realizar en Gran Bretaña sus siguientes trabajos durante la década de los 60: "Repulsión", "Callejón sin Salida" y "El Baile de los Vampiros". En 1968 desembarca en EEUU con la gran obra de suspense "La Semilla del Diablo", largometraje clave en su trayectoria pero rodeado también de una aureola de leyenda negra debido al crimen perpetrado poco después por el clan Manson y que conllevó la pérdida de su mujer e hijo. Tras el duro golpe Polanski vuelve a ponerse detrás de las cámaras y en 1974 filma el clásico contemporáneo de cine negro "Chinatown", protagonizado por Jack Nicholson y Faye Dunaway. Sin embargo a los pocos años se ve envuelto en un proceso judicial por abuso de una menor y huye ilegalmente de EEUU, país que no ha vuelto a pisar desde entonces. Las últimas cuatro décadas de su filmografía se han desarrollado así pues en Europa, donde ha realizado importantes largometrajes como la maravillosa "Tess", "La Muerte y la Doncella" o "El Pianista", con la cual volvió a resurgir a comienzos de la presente década.

"Chinatown" relata el misterioso caso en que se ve envuelto el detective privado de Los Ángeles Jake Gittes, en 1937. Tras ser contratado para espiar a un ingeniero del servicio de aguas de la ciudad, pronto se verá inmerso en una trampa en la que están involucrados intereses urbanísticos, corrupción y crímenes sin respuesta aparente. Perseguido por poderosos enemigos, Jake habrá de llegar hasta el final de su investigación para resolver el rompecabezas y poner a salvo su vida.

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Ficha técnica y artística

Chinatown. EEUU, 1974, 131 min.

Dirección: Roman Polanski

Intérpretes: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston

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Crónica de El Maquinista

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Único Testigo

Comentario de ÚNICO TESTIGO

El director australiano Peter Weir se dio a conocer internacionalmente en 1981 con "Gallipoli", el emotivo relato de uno de los mayores desastres bélicos de las tropas del continente austral durante la I Guerra Mundial. Esta cinta supondría de igual modo un excelente trampolín para la carrera de un por aquél entonces jovencísimo Mel Gibson. Ambos volverían a unirse dos años después para filmar la también exitosa "El Año que Vivimos Peligrosamente", lo que abrió definitivamente a Weir las puertas de la industria cinematográfica norteamericana. Ya asentado en los EEUU, dirigiría a lo largo de esa década dos importantes títulos que conjugaron gran calidad y satisfactoria acogida de público: "Único Testigo" y "El Club de los Poetas Muertos". Reconocido ya como uno de los realizadores contemporáneos más importantes del Hemisferio Sur, Weir filmó en los noventa la excelente "El Show de Truman", devastadora crítica contra los programas de telerrealidad, y ya en el nuevo milenio la monumental "Master & Commander", puro cine de aventuras naval.

El largometraje hoy comentado sigue los pasos del detective de Filadelfia John Book (Harrison Ford), al que le ha sido asignada la protección de un niño testigo de un crimen en la ciudad. El pequeño y su madre, ambos pertenecientes a la agrupación cristiana de los amish, comienzan a ser perseguidos por los asesinos con el objetivo de ser liquidados. Ante la desesperada situación, Book decide que ambos se reintegren en su comunidad religiosa, situada en una pequeña aldea de Pennsylvania, a la vez que él mismo se infiltra entre los amish para poder vigilar mejor a sus protegidos. De un día para otro el detective sufrirá el enorme choque cultural que supone convivir con unas personas instaladas en un modo de vida anclado en el siglo XVII y encerrados por completo en su propio universo.

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Ficha técnica y artística

Único Testigo (Witness). EEUU, 1985, 112 min.

Dirección: Peter Weir

Intérpretes: Harrison Ford, Kelly McGillis, Danny Glover

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Crónica de Atticus Finch

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Toy Story 3

Comentario de TOY STORY 3

Hace quince años los estudios de animación Pixar estrenaron la primera película realizada íntegramente por ordenador, "Toy Story". Aclamada por crítica y público, el largometraje sentó las bases de la nueva animación digital en un mundo en el que reinaba la tradicional técnica de dos dimensiones, pero además demostró que su éxito no se supeditaba únicamente a su alto nivel tecnológico, sino también a una excelente historia protagonizada por unos personajes entrañables. A partir de entonces, Pixar fue estrenando cintas cada vez más ambiciosas y con mayor frecuencia, hasta conseguir lanzar actualmente una por año. Así han llegado a la gran pantalla obras como "Monstruos S.A.", "Toy Story 2", "Wall-E" o "Up". En este periodo de tiempo la animación clásica ha desaparecido prácticamente de la oferta cinematográfica occidental, quedando como último bastión el anime japonés con los estudios Ghibli de Hayao Miyazaki en cabeza ("La Princesa Mononoke", "El Viaje de Chihiro"). A pesar de que hoy en día existen numerosas productoras dedicadas a la animación por ordenador, ninguna ha conseguido todavía igualar la calidad de las cintas elaboradas por Pixar, la cual sigue como referente indiscutible del sector.

"Toy Story 3" supone el más reciente trabajo de este carismático estudio y el broche de oro para la trilogía protagonizada por los juguetes Woody, Buzz Lightyear y compañía. Tras vivir innumerables aventuras y ratos de felicidad en la casa de su dueño, el pequeño Andy, el tiempo parece haber pasado para ellos. Andy se ha hecho mayor y, con diecisiete años cumplidos, pronto marchará a la universidad dejando atrás a unos juguetes que llevan demasiado tiempo guardados en una caja de cartón, frustrados y con la incertidumbre de cual será su destino. Debido a un fatal malentendido todos irán a parar a una guardería de la que tratarán finalmente de escapar para volver a casa. La grandeza de este largometraje, al igual que la de las dos entregas anteriores de la saga, es la capacidad de sentir empatía y ternura por unos seres de trapo, plástico o metal, pero con alma y vida dentro de ellos. Los valores que proclama de amistad, unidad y lealtad son los cimientos sobre los que se teje esta historia que enseña que aunque el tiempo avance inexorablemente, los buenos recuerdos perduran por siempre.

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Ficha técnica y artística

Toy Story 3. EEUU, 2010, 103 min.

Dirección: Lee Unkrich

Intérpretes (voz): Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack

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Crónica de Kodama

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