Amigos del Cine

2046

2012-01-28T15:44:00.005+01:00

Comentario de 2046

Debido a las visicitudes históricas y políticas que ha vivido China en el último siglo su cine se ha visto forzosamente dividido en tres corrientes principales. La primera corresponde a la China continental, donde el partido comunista lleva gobernando desde hace seis décadas y cuya cinematografía emepezó a asomar la cabeza internacionalmente a finales de los años ochenta de la mano de realizadores como Zhang Yimou. La segunda se circunscribe a la isla de Taiwan, otrora último bastión de las fuerzas del Kuomintang tras la guerra civil que libraron contra los comunistas de Mao Zedong. Este territorio independiente de facto ha sido mucho más permeable a influencias occidentales y gracias a ello se han podido abordar temáticas censuradas en el continente, siendo Ang Lee una de sus más importantes figuras. Por último se encuentra el enclave de Hong Kong, cuyo periodo de colonia británica y su posterior estatus de zona especial dentro de la República Popular de China la han convertido en una inclasificable mezcla entre Oriente y Occidente. Su potente industria audivisual se ha especializado desde hace mucho en productos de acción y artes marciales que exportaba a toda Asia, aunque el éxito en todo el globo llegaría en los 70 con las cintas protagonizadas por Bruce Lee y posteriores derivados. Sin embargo durante la década de los 90 comenzaría a surgir una nueva ola de directores más serios que han ido cambiando poco a poco la imagen del cine hongkonés, como es el caso de Won Kar Wai.

Y es que en "2046" el realizador chino emprende una onírica continuación de su reconocida predecesora "In The Mood for Love", siguiendo las peripecias vitales del periodista y escritor protagonista (Tony Leung) en el Hong Kong de los años 60. La melancolía que le ha dejado su relación con Su Lizhen (Maggie Cheung) en la ya mencionada película da paso a otras amistades y reflexiones. Paralelamente la cámara se interna por los relatos futuristas salidos de su imaginación que no son sino sus propios sentimientos proyectados a un tiempo lejano, allá en 2046.

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Ficha técnica y artística

2046. China-Hong Kong, 2004, 120 min.

Dirección: Won Kar Wai

Intérpretes: Tony Leung, Zhang Ziyi, Gong Li

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Crónica de Atticus Finch

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Desaparecido

2012-01-22T18:55:00.008+01:00

Comentario de DESAPARECIDO

Hace un tiempo este cronista realizó una entrada comentando "La Batalla de Argel" de Gillo Pontecorvo, lo que dio pie a hablar un poco sobre el llamado cine político tan en boga durante los años 60 y 70. En Europa el mayor exponente de este género es probablemente el realizador griego Costa-Gavras, quien lleva abordando temas comprometidos desde hace más de cuarenta años. Este tipo de cine es sin embargo muy susceptible de envejecer mal y resultar completamente anacrónico, cayendo muchas veces en tópicos, perspectivas sesgadas y falta de rigor histórico. Afortunadamente la filmografía de Costa-Gavras cuenta con un buen puñado de obras que resisten bien el paso del tiempo gracias al tratamiento de historias con multitud de ángulos y aristas. Su cámara acompaña a personajes frente a situaciones límite: la investigación judicial del asesinato de un opositor político en "Z" (1969), las purgas comunistas de "La Confesión" (1970) o los intereses ocultos tras los golpes de estado sudamericanos en "Estado de Sitio" (1973). Además Gavras sabe también aproximarse a los dramas familiares que pueden desencadenarse en estas situaciones como en "Desaparecido" (1982) o "La Caja de Música" (1989).

"Desaparecido" se sitúa en Santiago de Chile en 1973 al poco tiempo del golpe de estado perpetrado por un grupo de mandos militares encabezados por Augusto Pinochet. Hasta allí llega Ed Horman (Jack Lemmon) tras habérsele comunicado que su hijo Charles ha desaparecido sin dejar rastro. Pronto se reúne con su nuera Beth (Sissy Spacek) quien ya lleva buscando a Charlie desde hace días. Ambos llevaban un tiempo viviendo juntos en Santiago cuando les sorpendió el golpe militar. Ed tiene miedo de que las ideas izquierdistas de su hijo le puedan haber llevado a ser secuestrado por algún tipo de escuadrón parapolicial, pero mantiene la total convicción de encontrarlo sano y salvo gracias a su condición de ciudadano estadounidense. Tras pedir colaboración en la embajada de los EEUU iniciará junto a Beth un kafkiano peregrinaje por comisarías, cuarteles y centros de detención en busca del paradero de Charlie. Poco a poco va saliendo de su inicial distanciamiento ante lo que está ocurriendo en el país al encontrarse con una maquinaria perfectamente organizada para hacer desaparecer a todas las personas consideradas potencialmente subversivas por el nuevo régimen militar. Mientras el abatimiento y la incredulidad se apoderan de él, en su interior comienza a cobrar fuerza la idea de que quizás no pueda encontrar a su hijo, independientemente de que esté vivo o muerto.

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Ficha técnica y artística

Desaparecido (Missing). EEUU, 1982, 122 min.

Dirección: Costa-Gavras

Intérpretes: Jack Lemmon, Sissy Spacek, Melanie Mayron

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Crónica de Atticus Finch

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Mulholland Drive

2012-01-15T11:14:00.004+01:00

Comentario de MULHOLLAND DRIVE

A mediados de los años 80 David Lynch consolidó las bases de su estilo tan peculiar con "Terciopelo Azul" (1986), después de haber pasado por diversos tratamientos visuales en sus tres cintas anteriores, "Cabeza Borradora", "El Hombre Elefante" y "Dune". Desde entonces sus trabajos han contado casi siempre con los elementos recurrentes de su universo: secuencias oníricas, tramas complejas, personajes bizarros y multitud de habitaciones con cortinas rojas. La única excepción la constituye la excelente "Una Historia Verdadera" (1999), alejada completamente del resto de su filmografía. Tras recibir gran éxito con esta película Lynch comenzó a trabajar en un proyecto con el que retornaría al mundo televisivo que ya le diera fama con "Twin Peaks", para lo cual inició la escritura de una ambiciosa serie de calidad cinematográfica llamada "Mulholland Drive". Finalmente la idea de la serie se paró y el proyecto acabó siendo un largometraje hipnótico que funciona a modo de rompecabezas, en el que su director camina por el estrecho borde que separa la coherencia narrativa y el delirio puramente lynchiano. Como regalo la cinta supondría el descubrimiento de la gran actriz australiana Naomi Watts.

La película cuenta (más o menos) la historia de Betty Elms (Naomi Watts), una actriz que se traslada a Los Angeles para intentar probar suerte en la industria del cine. Un día se encuentra en su casa a una mujer amnésica (Laura Harring) que no recuerda quién es ni como ha llegado allí. Juntas inician la búsqueda de su identidad a través de la gran ciudad mientras van apareciendo más preguntas que respuestas. Paralelamente un joven director de Hollywood (Justin Theroux) está siendo chantajeado por oscuros personajes para elegir a una determinada actriz como protagonista de su próximo trabajo mientras es acosado diariamente por desconocidos. La calle Mulholland Drive juega un papel decisivo en sus historias respectivas.

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Ficha técnica y artística

Mulholland Drive. EEUU-Francia, 2001, 147 min.

Dirección: David Lynch

Intérpretes: Naomi Watts, Laura Harring, Justin Theroux

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Crónica de El Maquinista

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De Repente, el Último Verano

2012-01-08T15:37:00.009+01:00

Comentario de DE REPENTE, EL ÚLTIMO VERANO

De entre el gran número de géneros y subgéneros cinematográficos existen algunos muy vinculados a un determinado país o que directamente son patrimonio exclusivo de un solo territorio; este es el caso del llamado drama sureño. Las películas englobadas bajo esta etiqueta son cintas dramáticas cuyas tramas se ubican en el Sur histórico de los Estados Unidos tanto en el siglo XIX como en el XX. Suelen recurrir a elementos muy vinculados al imaginario de la región, como la cultura agraria, la Guerra de Secesión, su profundo espíritu conservador o el fantasma de la esclavitud, entre otros. Estos ingredientes resultan idóneos para crear atmósferas opresivas y decadentes, muy utilizadas por ejemplo en largometrajes basados en obras teatrales de Tennessee Williams: "Un Tranvía llamado Deseo", "La Gata sobre el Tejado de Zinc", "De Repente el Último Verano" o "La Noche de la Iguana". El abanico de estilos es amplio pero siempre impregnado de ese inconfundible toque propio de lugares como Lousiana, Alabama o Georgia, también presente en otras grandes películas: "Lo Que el Viento se Llevó", "La Jauría Humana", "En el Calor de la Noche" y un largo etcétera de buenos títulos.

"De Repente, el Último Verano" se sitúa en 1937 en Nueva Orleans, donde el doctor Cukrowicz (Montgomery Clift) ejerce como neurocirujano en un centro hospitalario. Un día es contactado por una acaudalada dama de la ciudad (Katharine Hepburn) que pasa por una complicada etapa tras la muerte de su hijo adulto, Sebastian, durante unas vacaciones en Europa el verano pasado. Ésta le ofrece una importante donación de dinero para mejorar las instalaciones del hospital a cambio de que realice una lobotomía a su sobrina Catherine (Elizabeth Taylor), quien acompañó a Sebastian en esas fatídicas últimas vacaciones. Tras su muerte Catherine ha estado profundamente perturbada y recluída en un sanatorio mental, presa de recuerdos insoportables que no consigue relatar. Cukrowicz decide ir a visitarla para hacer su propio diagnóstico psiquiátrico antes de realizar la peligrosa operación, lo que le lleva a encontrarse un caso más enrevesado de lo que parecía. La muerte de Sebastian y los acontecimientos que le precedieron no están claros y las versiones de Catherine y su tía son diferentes, por lo que finalmente Cukrovicz decide ayudar a la joven a superar su trauma para sanarla y que toda la verdad salga a flote.

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Ficha técnica y artística

De Repente, el Último Verano (Suddenly, the Last Summer). EEUU, 1959, 114 min.

Dirección: Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Katharine Hepburn

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Crónica de Atticus Finch

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Enemigo a las Puertas

2012-01-01T13:37:00.005+01:00

Comentario de ENEMIGO A LAS PUERTAS

Las películas sobre la II Guerra Mundial ocupan desde hace muchos años un puesto de gran importancia dentro del género de cine bélico y se han centrado casi siempre, por razones obvias, en avatares ocurridos a las tropas de los países aliados. De las tres grandes potencias que componían este bando, Estados Unidos, Reino Unido y Unión Soviética, es sin duda ésta última la que ha contado de lejos con la menor atención en las pantallas. Algo lógico ya que hubiese resultado extraño que el cine occidental se ocupara de las hazañas bélicas del que sería su enemigo más acérrimo durante las cuatro décadas posteriores a la guerra. Una de las pocas excepciones es "Enemigo a las Puertas", superproducción europea que se adentra en la decisiva batalla de Stalingrado donde el general invierno y la extraordinaria perseverancia del Ejército Rojo consiguieron frenar a las tropas alemanas en su intento de invadir Rusia. A cargo de la realización se encuentra el director francés Jean-Jacques Annaud, conocido principalmente por otros títulos como "El Nombre de la Rosa" (1986) y "El Oso" (1988).

La película se sitúa en la crucial batalla de Stalingrado que se desarrolló a lo largo de varios meses de 1942 en esta ciudad del sur de Rusia a orillas del Volga. Hasta esos momentos la guerra aún permanecía inclinada del bando alemán, ya que el Reich controlaba toda Europa, Gran Bretaña estaba acorralada y los EEUU aún acababan de unirse a la contienda. Hitler decidiría en la primavera del 42 romper su pacto de no agresión con Stalin para intentar la hazaña de conquistar la gigantesca URSS, movimiento que pilló por sorpresa a Moscú y que conllevaría el avance imparable de las tropas nazis a lo largo de un frente de miles de kilómetros hasta llegar a las mismas afueras de la capital rusa. Sin embargo la batalla de Stalingrado permanece muy igualada, ambos bandos se sumergen en una guerra urbana mientras los alemanes cada vez reciben menos suministros del oeste y el ejército soviético no para de enviar sin descanso a miles de soldados al frente. Entre ellos se encuentra el joven campesino de los Urales Vasili Zaitsev (Jude Law), cuya gran destreza como tirador de élite le convierte poco a poco en una leyenda entre los suyos. Con la ciudad en ruinas éste se especializa en cazar soldados alemanes agazapado en los más diversos lugares gracias a su extraordinaria puntería. Su talento pronto intenta ser utilizado como propaganda por un comisario político (Joseph Fiennes) a la vez que Vasili conoce a una voluntaria del ejército por la que se siente fuertemente atraído (Rachel Weisz). Los nazis por su parte deciden traer desde Alemania a un reputado oficial y experto francotirador (Ed Harris) para que acabe de una vez por todas con él y la moral vuelva así a sus mermadas tropas. De esta manera ambos hombres comienzan a librar una lucha sin cuartel entre los escombros mientras la batalla sigue su imparable curso.

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Ficha técnica y artística

Enemigo a las Puertas (Enemy at the Gates). Francia-Reino Unido, 2001, 126 min.

Dirección: Jean-Jacques Annaud

Intérpretes: Jude Law, Joseph Fiennes, Rachel Weiz, Ed Harris

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Crónica de El Maquinista

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El Resplandor

2011-12-24T14:14:00.005+01:00

Comentario de EL RESPLANDOR

Pocos directores de prestigio pueden presumir de tener una filmografía tan rica como la de Stanley Kubrick, quien durante casi medio siglo de carrera tocó una gran variedad de géneros distintos. Drama ("Lolita"), bélico ("Senderos de Gloria", "La Chaqueta Metálica"), épico ("Espartaco"), ciencia-ficción ("2001, Odisea del Espacio"), comedia negra ("Teléfono Rojo"), terror ("El Resplandor"), futuro distópico ("La Naranja Mecánica") o incluso cine histórico ("Barry Lyndon"). A pesar de abordar temáticas tan diferentes el realizador británico saldría airoso de todos estos proyectos independientemente de que el resultado final fuese mejor o peor en cada caso. Sus películas no son planas o anodinas, tienen personalidad y en general le gustan mucho a este cronista, salvo las más discretas "Barry Lyndon" y "Teléfono Rojo". Es probablemente a finales de los años 60 y principios de los 70 cuando Kubrick alcanza plenamente su estatus de director consagrado, tras haber sido capaz de poner en pie con éxito dos proyectos tan arriegados como "2001, Odisea del Espacio" (1968) y "La Naranja Mecánica" (1971). A partir de entonces sus trabajos van a ir espaciándose más en el tiempo y así es como en 1980 decide adaptar a la gran pantalla la novela de terror "El Resplandor", del escritor canadiense Stephen King. El rodaje, como era habitual con él, resultaría una experiencia agotadora para el equipo tras soportar el perfeccionismo extremo y las continuas exigencias del realizador. Kubrick podía ser un genio de cine, pero para los actores trabajar con él solía ser peor que un dolor de muelas.

La película narra la llegada del escritor Jack Torrance (Jack Nicholson) a un apartado hotel de las Montañas Rocosas que se prepara para cerrar la temporada de visitantes por el comienzo del invierno. Torrance ha sido contratado para vigilar el complejo mientras dura el cierre invernal, tiempo durante el cual estará completamente aislado por la nieve. Su idea es aprovechar la situación para concentrarse en escribir su próxima novela lejos de cualquier distracción, aunque finalmente se ha llevado con él a su mujer y a su pequeño hijo de siete años. Una vez se quedan solos en el hotel los días van pasando uno tras otro mientras se va creando una atmósfera irreal en torno a ellos y que poco a poco va inundándolo todo. Puede que sea fruto del aislamiento total al que están sometidos o debido a alguna influencia extraña que emana del lugar. El caso es que comienzan a suceder fenómenos sin explicación y Jack es arrastrado por ellos a una espiral de locura que lo trastorna por completo, a la vez que su hijo experimenta unas habilidades sobrenaturales pero innatas en él, conocidas como el resplandor.

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Ficha técnica y artística

El Resplandor (The Shining). EEUU, 1980, 146 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd

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Crónica de Atticus Finch

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El Ocaso del Samurái

2011-12-17T11:40:00.005+01:00

Comentario de EL OCASO DEL SAMURÁI

El género de cine histórico centrado en el mundo de los samuráis ha tenido un largo recorrido en la cinematografía japonesa desde la implantación del cine en ese país, debido sin duda a la gran influencia que ha ejercido durante siglos en todos los ámbitos de su cultura. No obstante el género samurái alcanzaría pleno reconocimiento artístico y difusión internacional en los años 50, cuando importantes directores abordaron la temática con un tratamiento más sólido en las historias. A la cabeza se encuentra Akira Kurosawa, quien durante varias décadas filmó un buen número de cintas famosas casi siempre acompañado por el actor Toshiro Mifune: "Rashomon", "Los Siete Samuráis", "Yojimbo" o "Ran" son buenos ejemplos que tratan diferentes perspectivas de este universo. El cine samurái puede ubicarse a lo largo de varios siglos, desde los albores del medievo hasta finales del siglo XIX, cuando la Restauración Meiji emprendida por el emperador barrería la era de los shogun y con ellos al sistema feudal, samuráis incluidos. Sus historias pueden hablar de temas tan interesantes como el camino del guerrero (el bushido), la reprimida sociedad japonesa, los samuráis errantes sin señor al que servir (los míticos ronin) o la traumática desaparición de su mundo, cuando les arrebataron las katanas definitivamente. Aunque su casta fuera abolida formalmenete, su filosofía de vida ha seguido impregnando a todas la generaciones japonesas, incluyendo a otros cineastas aparte de Kurosawa como Masaki Kobayashi ("Harakiri", "Samurai Rebellion") o incluso al contemporáneo Takeshi Kitano ("Zatoichi"). Uno de los más bellos acercamientos al género ha sido llevado a cabo recientemente por el director Yoji Yamada, quien lanza una mirada desmitificadora y profundamente humana en su trilogía dedicada al tema: "El Ocaso del Samurai" (2002), "La Espada Oculta" (2004) y "Love & Honor" (2006). En ellas sus personajes huyen de los tópicos y se muestran como samuráis cercanos, ajenos al mito de la espada y el sacrificio inútil, tan solo deseosos de vivir el día a día lo mejor posible.

La acción de "El Ocaso del Samurái" transcurre a mediados del siglo XIX poco antes de la Restauración Meiji, en una era en la que la mayoría de los samuráis hace ya tiempo que han abandonado la guerra para dedicarse a tareas administrativas, aunque sigan portando sus katanas como seña de identidad. Su protagonista es Seibei Iguchi, un samurái viudo de bajo rango que trabaja como funcionario en el almacén de provisiones de uno de los castillos de su señor. El salario que recibe le llega a duras penas para mantener a sus hijas pequeñas y a su anciana madre, ya medio senil, por lo que tiene que dedicarse también a otros trabajos complementarios. De naturaleza sencilla y tranquila, la máxima aspiración de Seibei es vivir en paz y ver crecer a sus hijas sanas e independientes. Sin embargo la llegada al pueblo de una antigua amiga de la infancia y una peligrosa misión encargada por el clan al que pertenece van a trastocar por completo su rutina diaria.

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Ficha técnica y artística

El Ocaso del Samurai (The Twilight Samurai). Japón, 2002, 129 min.

Dirección: Yoji Yamada

Intérpretes: Hiroyuki Sanada, Rie Miyazawa, Nenji Kobayashi

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Crónica de El Maquinista

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Río Salvaje

2011-12-10T11:26:00.005+01:00

Comentario de RÍO SALVAJE

El director norteamericano Elia Kazan comenzó la década de los 60 de forma sobresaliente con la película "Río Salvaje", un drama que se adentraba en las profundidades del Sur estadounidense para retratar las relaciones personales y el arraigo a la tierra. Para ello contaría con dos grandes intérpretes protagonistas, Montgomery Clift y Lee Remick, actores que no son tan recordados por el gran público como otras grandes estrellas de primera fila pero que cuentan con un buen puñado de importantes largometrajes en los que siempre llevaron a cabo trabajos excelentes. Clift es probablemente uno de los actores más atormentados que hayan pasado nunca por la gran pantalla y una persona que poco a poco fue sumergiéndose en una espiral autodestructiva que finalmente acabaría con su vida. Para la posteridad quedan sus papeles en obras como "De Aquí a la Eternidad", "Yo confieso", "De Repente, el Último Verano" o "Vidas Rebeldes". Por su parte, la imagen de Lee Remick no puede ser más diferente, ya que sus personajes transmiten veracidad y ternura, ya sea en películas tan diferentes como "Días de Vino y Rosas", "Anatomía de un Asesinato" o la propia "Río Salvaje".

La cinta hoy comentada narra la llegada de un funcionario de la Administración llamado Chuck Glover (Montgomery Clift) a las inmediaciones de un pequeño pueblo sureño a orillas del río Tennessee a comienzos de los años 30. La zona lleva años sufriendo frecuentes inundaciones por las crecidas del río y el gobierno federal ha decidido evacuar definitivamente todo el valle y llevar a cabo la construcción de una presa hidroeléctrica en las cercanías de la localidad. Todas las tierras ribereñas quedarán anegadas en pocas semanas una vez se ponga en marcha la presa, por lo que durante los meses anteriores se ha procedido a la expropiación de los terrenos en la región. Chuck ha sido enviado a supervisar los últimos trámites y a intentar convencer a la propietaria de la última parcela sin desalojar de vender su terreno y trasladarse a vivir a una nueva casa en el pueblo. La mujer es una obcecada anciana, Ella Garth (Jo Van Fllet), que se niega a abandonar su casa y la tierra de sus antepasados, mientras sigue con su vida junto a su familia y un reducido número de trabajadores negros que continúan realizando las labores de cosecha en la pequeña finca. Tras varios intentos infructuosos de convencerla, un día conoce a su nieta Carol (Lee Reemick), una joven viuda que no tiene muy claro si debe emprender su vida en otro lugar o permanecer en la casa familiar. Poco a poco comenzarán a aflorar sentimientos entre ambos mientras el tiempo antes de las inundaciones se acaba.

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Ficha técnica y artística

Río Salvaje (Wild River). EEUU, 1960, 109 min.

Dirección: Elia Kazan

Intérpretes: Montgomery Clift, Lee Remick, Jo Van Fleet

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Crónica de Atticus Finch

El Hijo de la Novia

2011-12-04T19:04:00.004+01:00

Comentario de EL HIJO DE LA NOVIA

A finales de los años 90 comenzaron a llegar a las pantallas españolas un creciente número de películas latinoamericanas que anunciaban una década de trabajos muy interesantes dentro de esta cinematografía. El estreno en poco tiempo de "Nueve Reinas" (Fabián Bielinsky, 2000) y "El Hijo de la Novia" (Juan Jósé Campanella, 2001) consolidarían al cine argentino como el puntal de lanza de esta nueva era de largometrajes sudamericanos y a Ricardo Darín como su rostro más conocido, sin contar a intérpretes ya consagrados en España como Héctor Alterio, Cecilia Roth o Federico Luppi. De esta manera han seguido llegando con los años cintas estupendas, sobre todo de Méjico, Argentina y Brasil, países que son los que exportan con mayor frecuencia sus largometrajes a Europa. Buenos ejemplos son autores argentinos como Marcelo Piñeyro ("Kamchatka"), Adolfo Aristaráin ("Lugares Comunes") o el propio Campanella ("El Mismo Amor, la Misma Lluvia"); el trío mejicano formado por Iñárritu, Del Toro y Cuarón, propensos también a trabajar en los EEUU, así como el emergente cine brasileño de Ricardo Meirelles ("Ciudad de Dios"), Walter Salles ("Diarios de Motocicleta") y José Padinha ("Tropa de Élite"), de una factura técnica envidiable. Todos juntos forman un grupo versátil capaz de firmar películas sobresalientes, uno de cuyos últimos y mejores exponentes es la obra maestra de Campanella, "El Secreto de sus Ojos", cinta que de haber sido anglosajona ya estaría subida a los altares cinematográficos de medio mundo. Por ello es necesario y de lógica aplastante fomentar el intercambio de películas entre los países de habla española y por extensión portuguesa, a fin de crear un sólido espacio cinematográfico en toda la comunidad iberoamericana, de Europa a Sudámerica.

"El Hijo de la Novia" es la radiografía vital de Rafael (Ricardo Darín), un estresado dueño de un restaurante bonaerense cuya obsesión por el trabajo le está carcomiendo la salud y haciéndole perder contacto con las cosas verdaderamente importantes. En medio de su ahogada existencia entra su padre (Héctor Alterio) para pedirle su apoyo en una idea que al hijo se le antoja disparatada, casarse de nuevo con su madre enferma de alzheimer (Norma Aleandro) pero esta vez por la Iglesia, una vieja ilusión que ella mantenía antes de caer presa de la enfermedad que le ha robado la mayor parte de sus recuerdos. La organización del plan le servirá a Rafael para darse una nueva oportunidad y devolver algo de ilusión a los que le rodean.

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Ficha técnica y artística

El Hijo de la Novia. Argentina-España, 2001, 124 min.

Dirección: Juan José Campanella

Intérpretes: Ricardo Darín, Héctor Alterio, Norma Aleandro

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Crónica de El Maquinista

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Ciudadano Kane

2011-11-26T17:46:00.004+01:00

Comentario de CIUDADANO KANE

Tras conseguir gran éxito en obras teatrales y sobre todo con su adaptación radiofónica de "La Guerra de los Mundos", a Orson Welles se le presentó la oportunidad de entrar en el mundo del cine cuando en 1939 la productora RKO le ofreció dirigir tres películas con total libertad, algo inaudito en esa época y bastante raro aún en nuestros días. Finalmente la colaboración se reduciría a tan solo un largometraje, "Ciudadano Kane" (1941), pero éste supondría un nuevo pilar de la cinematografía moderna gracias a todas sus innovaciones técnicas. Con un guión coescrito por él mismo y reservándose además el papel protagonista, Welles se basó libremente en la vida del magnate de la prensa William Randolph Hearst para crear una portentosa historia sobre la ambición, el poder y la soledad. Tras la cámara llevaría a cabo un trabajo impresionante con la puesta en escena, el uso de la fotografía, la profundidad de campo, los encuadres y un sin fin de recursos novedosos, aportando la mirada personal del realizador. Incluso la estructura narrativa sería manejada con nuevos códigos, fragmentando la historia y empezando la película por el final, recurriendo a flash-backs para tejer el relato. De esta manera Welles hizo una gran aportación al desarrollo del lenguaje cinematográfico tal como se entiende en la actualidad, en la senda de pioneros como Sergei Eisenstein ("El Acorazado Potemkin") o David Griffith ("El Nacimiento de una Nación"). Paradojas de la historia, Welles no lo tendría nada fácil para poner en pie la mayor parte de sus siguientes proyectos, dejando una filmografía bastante deslavazada pero con otros largometrajes reconocidos como "La Dama de Shanghai" (1947) o "Sed de Mal" (1958). Varios de sus trabajos quedarían inconclusos por falta de financiación, llegaría a abandonar los EEUU por Europa para luego volver y participaría regularmente como intérprete en varias cintas ("Moby Dick", "Un Hombre para la Eternidad") para costear sus rodajes. A pesar de todo, nadie puede discutirle su estatus como pieza clave del cine del siglo XX.

La cinta comienza con la muerte del magnate Charles Foster Kane (Orson Welles) en su mansión de Xanadú, una megalómana construcción llena de obras de arte y cientos de objetos de gran valor. Poco antes de expirar pronuncia una enigmática palabra, "Rosebud", mientras sostiene en su mano una bola de cristal con nieve en el interior. Tras el suceso un periodista empieza a investigar el significado de "Rosebud" entrevistando a viejos amigos y colaboradores de Kane, buceando poco a poco en la misteriosa vida del personaje. A través de los relatos de todas esas personas que le conocieron, el espectador es testigo de su vida: los recuerdos de infancia, la gran herencia recibida y sus primeros pasos llenos de idealismo en el mundo del periodismo. Pero con el tiempo asoma el lado oscuro de su personalidad, la ambición y el camino que emprende por conseguir poder a través de los negocios y su frustrada carrera política. Kane va perdiendo los valores que le inspiraron y a sus amistades más fieles hasta acabar rodeado de riquezas, pero sabedor de haberse traicionado a sí mismo.

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Ficha técnica y artística

Ciudadano Kane (Citizen Kane). EEUU, 1941, 119 min.

Dirección: Orson Welles

Intérpretes: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane

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Crónica de Atticus Finch

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Promesas del Este

2011-11-19T10:45:00.006+01:00

Comentario de PROMESAS DEL ESTE

Desde finales de los años 70 hasta bien entrada la década de los 90 el director canadiense David Cronenberg se especializó en un tipo de cine bastante grotesco y de dudoso gusto muy dado a husmear en los asuntos más turbios del ser humano. Sus temáticas y el tratamiento de todas esas historias raras le hicieron entrar rápidamente en mi lista negra de realizadores proscritos, junto a otros señores como Michael Haneke. Hay bastantes directores que me resultan molestos, unos por ejemplo debido a su cargante pirotecnia visual (Michael Bay, Roland Emmerich), otros por el soporífero ritmo que imprimen a sus películas, lo que hace que su visionado resulte tan estimulante como ver secarse una capa de pintura (Rohmer, Kiarostami e iraníes varios). Pero el número de realizadores a los que realmente tenga aversión se puede reducir a un puñado escaso, normalmente por culpa de su afición a las historias malsanas. Cronenberg parece que finalmente vio la luz a comienzos del siglo XXI, ya que en 2005 se reinventó firmando la excelente cinta "Una Historia de Violencia", inicando así una colaboración muy fructífera con el actor Viggo Mortensen que seguiría en "Promesas del Este" (2007) y la cercana a estrenarse "Un Método Peligroso", donde Mortensen se mete en la piel del insigne doctor Freud. Aunque no pueda tachar a Cronenberg de mi lista negra por todo lo que perpetró durante veinticinco años al menos le tendré en cuenta su nueva etapa en venideros juicios a su filmografía.

"Promesas del Este" es un original acercamiento a los clanes mafiosos rusos que sigilosamente se han asentado en Europa occidental. Estas organizaciones criminales no han tenido mucha atención en la gran pantalla, donde normalmente se suelen ver a las más tradicionales mafias italianas e irlandesas, pero su pericia en la actividad delictiva no tiene nada que envidiar a estas últimas. La cinta narra básicamente el lío monumental en el que se ve envuelta una voluntariosa enfermera londinense llamada Anna (Naomi Watts), tras hacerse cargo del diario personal y el bebé recién nacido de una chica rusa que fallece en su hospital al dar a luz. En un intento por encontrar a algún familiar de la muchacha, Anna decide iniciar la traducción del diario donde ésta cuenta la tortuosa historia de cómo llegó a Londres desde su Rusia natal. La enfermera poco a poco va tirando del hilo hasta llamar sin saberlo a las puertas de un clan mafioso eslavo, el cual es dirigido desde un conocido restaurante de la capital que hace de tapadera. Esto le llevará a conocer al brutal hijo del capo (Vincent Cassel) y a su hombre de confianza (Viggo Mortensen), un misterioso hombre que lucha por escalar peldaños en la organización pero que a la vez trata de alejarla del peligro lo máximo posible.

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Ficha técnica y artísitca

Promesas del Este (Eastern Promises). Reino Unido, 2007, 99 min.

Dirección: David Cronenberg

Intérpretes: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel

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Crónica de El Maquinista

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A Quemarropa

2011-11-12T13:16:00.005+01:00

Comentario de A QUEMARROPA

El director británico John Boorman se inició en el mundo del largometraje en 1965 con una película documental a mayor gloria de la banda de pop The Dave Clark Five, en un ejercicio bastante de moda en aquellos tiempos que seguía el patrón marcado por Richard Lester para su conocida colaboración con los Beatles en "¡Qué Noche la de Aquél Día!". Para su primer trabajo serio de ficción Boorman cruzaría el charco dos años después para rodar en EEUU y tener al frente de las cámaras a un actor de la talla de Lee Marvin en la fascinante obra de cine negro que supone "A Quemarropa", de la que incomprensiblemente no se suele hablar demasiado. La carrera de Boorman ha continuado hasta nuestros días con otras largometrajes conocidos pero probablemente sus dos hitos más importantes lo forman "Deliverance" (1972) y "Excalibur" (1981). La primera supone el viaje al corazón de las tinieblas que emprenden cuatro amigos de Atlanta cuando deciden ir a pasar un fin de semana al río Cahulawassee en las montañas del estado de Georgia. La naturaleza salvaje y los aldeanos del lugar les llevarán a luchar por su propia supervivencia en una cinta cuyas imágenes icónicas son el descenso del río en canoa y a John Voight emupuñando su arco de tiro olímpico para defenderse mientras Burt Reynolds cree haberse convertido en el último guerrero americano vivo. Por su parte, "Excalibur" es probablemente la mejor película realizada sobre las leyendas del rey Arturo y sus caballeros. A pesar de que existen varias perspectivas diferentes desde las que abordar la historia, Boorman apostó en esta ocasión por la vertiente más legendaria y con abundancia de elementos sobrenaturales, consiguiendo una poderosa obra asociada ya para siempre a los coros del Carmina Burana de Carl Orff.

"A Quemarropa" supone un caso bastante insólito dentro del cine negro, ya que tiene la factura de película de autor europeo con un estilo narrativo absorbente lleno de elipsis, metáforas, recuerdos y estructura fragmentada. Walker (Lee Marvin) es un ladrón de grandes sumas de dinero que un día es traicionado por uno de sus mejores amigos en el transcurso de un golpe en la cárcel abandonada de Alcatraz. Tras sobrevivir a múltiples heridas y dado por muerto, años después se le presenta la ocasión de seguir su rastro para vengarse y recuperar parte de aquél botín. Walker es un hombre imperturbable que probablemente se dejó mucho más de lo que parece en esa fría isla, y su caza no parece motivada solo por el dinero o los sentimientos, sino por la inercia misma de toda su vida. Su antiguo compañero pertenece ahora a una opaca organización criminal en la cual Walker consigue internarse gracias a información privilegiada que le suministra un topo de la misma, pero en su misión va a arrasar con todo lo que se le ponga por delante llegando incluso a destruir los mismo pilares del grupo. Esto se resume en que lucha él solo contro todo y contra todos, sin importarle las consecuencias.

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Ficha técnica y artística

A Quemarropa (Point Blank). EEUU, 1967, 92 min.

Dirección: John Boorman

Intérpretes: Lee Marvin, Angie Dickinson, Keenan Wynn

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Crónica de El Maquinista

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Fuga de Alcatraz

2011-10-30T19:01:00.004+01:00

Comentario de FUGA DE ALCATRAZ

La carrera cinematográfica de Clint Eastwood es probablemente una de las más fascinantes de la época contemporánea, ya que ha evolucionado durante cinco décadas a través de un buen número de registros y estilos diferentes tanto en su vertiente de intérprete como de director. Personalmente me gusta dividirla en tres etapas distintas: la primera comprende los inicios del joven Eastwood en los años 60 con la trilogía western de Sergio Leone y otros trabajos que le brindarían su imagen icónica de hombre imperturbable tan ligada al cine del Oeste. La segunda etapa arranca a comienzos de los 70 cuando Eastwood por fin alcanza el estrellato en EEUU gracias a "Harry el Sucio" (1971), inaugurando quince años en los que explota su perfil de anti-héroe políticamente incorrecto y duro a lo largo de varias películas policiacas o de acción con un calidad irregular. Y finalmente la tercera nace a finales de la década de los 80 cuando Eastwood se revela definitivamente en su faceta de realizador ("El Jinete Pálido", "Bird") consiguiendo el pleno reconocimiento de la crítica con "Sin Perdón", punto de inflexión a partir del cual se convertirá en uno de los autores norteamericanos más relevantes de la actualidad. Sus largometrajes ganan en profundidad, las tramas son más complejas y abordan aspectos nada sencillos, en ocasiones con fuertes críticas a la sociedad estadounidense. Eastwood, en ocasiones menospreciado y tachado erroneamente de conservador reaccionario (como si eso por otra parte impidiese rodar buenas cintas) no es sino un hombre que sigue su propio camino, lo que en Norteamérica llamarían un outsider o maverick, alguien que no está adscrito a la ortodoxia de unas posiciones fijas y que va por libre manteniendo su coherencia y valores. Algo que muchos le agradecemos enormemente.

"Fuga de Alcatraz" supone la quinta y última colaboración de Clint Eastwood y el director Don Siegel, quien le había convertido en su actor fetiche tras protagonizar "Dos Mulas y Una Mujer" y "Harry el Sucio", entre otras. En esta ocasión la trama lleva al espectador a la antigua prisión de Alcatraz, auténtica fortaleza enclavada en un islote en la bahía de San Francisco. Hasta allí es enviado el convicto Frank Morris (Eastwood), un hombre de gran fortaleza pero con una larga condena por delante. Su llegada a la cárcel le sumerge en un universo hostil en el que su tendencia a no dejarse intimidar le llevará a enfrentarse con el despiadado alcaide de la prisión y a buena parte de los reclusos. Junto a un reducido número de compañeros decide finalmente trazar un plan de evasión considerado hasta hora imposible: atravesar los muros de la celda, internarse por los conductos de ventilación y salir a nado de la isla a través de sus heladas aguas. La cuenta atrás para el éxito o fracaso de la fuga acaba de empezar.

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Ficha técnica y artística

Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz). EEUU, 1979, 112 min.

Dirección: Don Siegel

Intérpretes: Clint Eastwood, Patrick McGoohan, Fred Ward

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Crónica de Atticus Finch

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Tiempos de Gloria

2011-10-23T11:19:00.007+02:00

Comentario de TIEMPOS DE GLORIA

En la filmografía del director Edward Zwick no abundan películas muy reseñables con la excepción de su debut "Tiempos de Gloria" (1989), "Leyendas de Pasión" (1994) o "El Último Samurai" (2003). Desde hace bastantes años se ha convertido en un eficaz realizador de productos comerciales con unos buenos niveles de calidad, pero es quizás en su vertiente como productor donde ha conseguido mayores éxitos ("Shakespeare in Love", "Traffic"). Sin embargo su ópera prima está a un nivel muy superior al del resto de sus trabajos gracias a un poderoso retrato de la guerra civil estadounidense (1861-1865), una contienda de gran trascendencia histórica que no ha contado con muchas adaptaciones a la gran pantalla, con notables excepciones como "Lo que el Viento se Llevó" o "El Nacimiento de una Nación". Este complejo conflicto tampoco ha sido abordado normalmente de forma seria, dejando que los temas más superficiales fueran los protagonistas. Las profundas diferencias sociales, económicas y políticas entre los estados del Norte y el Sur tendrían una importancia determinante en el desencadenamiento de la guerra, al igual que el choque entre dos modelos de crecimiento opuestos: el industrial y proteccionista del Norte frente al agrario y de libre comercio sureño.

"Tiempos de Gloria" es el relato de la formación del primer regimiento de soldados negros del ejército de la Unión. A pesar de que la esclavitud estaba abolida en los estados del Norte los hombres de raza negra seguían siendo considerados como ciudadanos de segunda clase. Así, tanto las tropas unionistas como confederadas estaban enteramente formadas por blancos, pero a mitad del conflicto el presidente Lincoln aprobaría un decreto para la incorporación efectiva de soldados afroamericanos al ejército norteño. La misión de seleccionar, adiestrar y dirigir en combate a estos nuevos reclutas es encomendada al teniente del regimiento 54 de Massachusetts Robert G. Shaw (Matthew Broderick), un joven oficial de gran eficacia y obediencia pero al que la guerra está destruyendo moralmente por dentro. Ante él se presenta un multitudinario grupo de voluntarios, desde antiguos esclavos (Morgan Freeman) como a huidos procedentes del Sur (Denzel Washington), todos ellos con un enorme deseo de luchar por su dignidad como hombres libres. Su involucración en los campos de batalla les mostrará la cara más oscura de su ya por sí difícil vida pero también el camino de la esperanza.

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Ficha técnica y artística

Tiempos de Gloria (Glory). EEUU, 1989, 122 min.

Dirección: Edward Zwick

Intérpretes: Matthew Broderick, Denzel Washington, Morgan Freeman

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Crónica de El Maquinista

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El Tren

2011-10-15T17:11:00.009+02:00

Comentario de EL TREN

A lo largo de la historia del cine ha habido numerosos casos en los que la relación profesional entre un director y su actor fetiche ha alcanzado tal número de colaboraciones importantes que las carreras de ambos han quedado marcadas por ella. Buenos ejemplos son los proyectos que compartieron Akira Kurosawa y Toshiro Mifune, Woody Allen y Mia Farrow o Martin Scorsese y Robert De Niro. Otro caso menos intenso pero no por ello desestimable fue la fructífera asociación que el realizador John Frankenheimer estableció con Burt Lancaster a comienzos de los años 60 dando como resultado "Los Jóvenes Salvajes" (1961), "El Hombre de Alcatraz" (1962), "Siete Días de Mayo" y "El Tren", ambas en 1964. Bajo el nada original título de ésta última se esconde muy probablemente la obra maestra de Frankenheimer, un auténtico tesoro con brillante pulso narrativo marca de la casa y sensacional puesta en escena. Para ello el director norteamericano se apoyaría en dos actores enormes que libran su propia batalla personal a lo largo del metraje, Burt Lancaster y el genial pero no muy conocido Paul Scofield, quien es recordado sobre todo por su premiada interpretación de Tomás Moro en el clásico de Fred Zinnemann "Un Hombre para la Eternidad" (1966).

"El Tren" sitúa al espectador en la Francia ocupada de la II Guerra Mundial, la cual está siendo abandonada precipitadamente por los nazis debido a la ofensiva aliada tras el desembarco de Normandía. París será previsiblemente liberada en pocas semanas y hay que quemar documentos y saquear todo lo posible hasta entonces. El oficial alemán Von Waldheim (Paul Scofield) ha sido durante los últimos meses el director de uno de los museos de arte más importantes de la capital, el cual alberga obras maestras de Monet, Picasso, Van Gogh, Cézanne y otros grandes pintores. Tras serle comunicado que debe partir inmediatamente de vuelta a Alemania decide llevarse por todos los medios los cuadros de la galería tanto por su significado cultural, que aprecia sumamente, como por el valor incalculable que suponen. Tras complicadas gestiones finalmente consigue disponer de tropas para realizar el cometido y de un tren que llevará todo el material a Berlín. Paralelamente miembros de la resistencia clandestina en París han conocido sus intenciones y deciden activar un plan de sabotaje para que el tren nunca cruce la frontera y las obras de arte permanezcan en suelo francés. En la misión se ve involucrado contra su voluntad una destacada figura de la resistencia, el ferroviario Labiche (Burt Lancaster), quien no aprueba que se arriesguen tantas vidas por un cargamento de cuadros dada la complejidad logística y todos los riesgos que supone. Empujado por las circunstancias finalmente se convertirá en el cabecilla de un operativo contrarreloj que tendrá que detener al astuto Von Waldheim y a su tren.

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Ficha técnica y artística

El Tren (The Train). EEUU, 1964, 133 min.

Dirección: John Frankenheimer

Intérpretes: Burt Lancaster, Paul Scofield, Jeanne Moreau

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Crónica de Atticus Finch

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Valor de Ley

2011-10-09T13:02:00.004+02:00

Comentario de VALOR DE LEY

En la heterogénea filmografía de los hermanos Joel y Ethan Coen aparece un variado abanico de géneros incluyendo dramas, cine negro, policiaco o comedia. Aunque bien es cierto que en la mayor parte de sus obras, sea de la temática que sea, los Coen suelen mantener unas claves estilísticas propias con las que han definido la forma de abordar sus historias. Con su último trabajo, "Valor de Ley", han decidido introducirse en el difícil mundo del western, un género que habitualmente duerme en segundo plano desde hace décadas pero que cada cierto tiempo reaparece con esplendor gracias a directores como Clint Eastwood ("El Jinete Pálido", "Sin Perdón") o Kevin Costner ("Bailando con Lobos", "Open Range"). Sin embargo el cine del Oeste no es algo completamente ajeno para los Coen, ya que al fin y al cabo unas cuantas películas suyas utilizan los mismos códigos y se pueden considerar como westerns contemporáneos , tal es el caso de "Fargo" (1996) y "No es País para Viejos" (2007). Para esta ocasión se basarían en una cinta ya existente dirigida por Henry Hathaway en 1967 y que estuvo protagonizada por John Wayne en uno de sus últimos papeles. Gracias a su interpretación del alguacil Cogburn, con parche en el ojo incluído, Wayne conseguiría un Oscar que probablemente suponía un reconocimiento más amplio a la trayectoria de este actor tan ligado al western.

"Valor de Ley" narra la venganza que emprende una valiente joven de catorce años (Hailee Steinfeld) para encontrar y capturar al asesino de su padre, un forajido llamado Tom Chaney. Para ello decide contratar los servicios de un veterano pistolero tuerto pero de excelentes habilidades, el alguacil Rooster Cogburn (Jeff Bridges). Este acepta a regañadientes la oferta para conseguir algo de dinero, aunque no puede evitar que la muchacha le acompañe en busca de Chaney. A ellos se les une un pomposo ranger de Tejas (Matt Damon) que lleva persiguiendo al forajido durante meses por delitos cometidos en otros territorios, pero que hasta ahora ha sido incapaz de atraparlo. Juntos iniciarán su periplo atravesando peligrosas tierras donde la naturaleza no tiene clemencia con los hombres y en las que solo cabe recurrir al fusil para sobrevivir. Su particular caza no ha hecho más que comenzar.

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Ficha técnica y artística

Valor de Ley (True Grit). EEUU, 2010, 110 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Jeff Bridges, Matt Damon, Hailee Steinfeld

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Crónica de Atticus Finch

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Network

2011-10-02T13:51:00.007+02:00

Comentario de NETWORK

Para cualquier persona que debute en el cine con una obra excepcional del calibre de "Doce Hombres sin Piedad" (1957) el resto de su filmografía puede hacerse muy cuesta arriba. Afortunadamente no ha sido el caso de Sidney Lumet, quien en sus cinco décadas detrás de las cámaras consiguió dejar para la posteridad un buen puñado de títulos sobresalientes. Durante su etapa de mayor apogeo, los años 60 y 70, Lumet se convirtió en uno de los directores norteamericanos más combativos, abordando con frecuencia temas de hondo calado social, político y moral. Junto a otros compañeros de profesión como John Frankenheimer radiografió sin concesiones el lado oscuro de la sociedad, estrenando obras como "La Colina" (1965), "Serpico" (1973) o "Network" (1976). A pesar de que en los 80 comenzó su declive aún seguiría ofreciendo periódicamente estupendos largometrajes: "Veredicto Final" (1982), "La Noche cae sobre Manhattan" (1996) o su último trabajo "Antes que el Diablo sepa que has Muerto" (2007), portentoso thriller que Lumet dirigió siendo ya octogenario.

La historia de "Network" lleva al espectador a las alcantarillas del mundo televisivo, donde moran oscuros personajes que solo se rigen por los beneficios económicos y la cuota de pantalla. El veterano presentador de noticias Howard Beale (Peter Finch) sufre los efectos de esa política al serle comunicado que su programa será cancelado en una semana debido a su bajo índice de audiencia, a pesar de todos los esfuerzos realizados por el jefe de informativos Max Schumacher (William Holden) para contener a los directivos de la cadena. Incapaz de asumirlo, Beale anuncia durante su penúltimo programa que se despedirá en su último informativo volándose los sesos delante de las cámaras. Espantado al ver que su amigo está perdiendo la cabeza, Schumacher intenta convencerlo de que abandone ya y se tome un tiempo de descanso para recuperarse. Sin embargo los directivos del canal ven un filón en el presentador al comprobar el interés sensacionalista que sus declaraciones han causado entre el público. De este modo consiguen que no lleve a cabo su amenaza y le conceden más protagonismo con un espacio televisivo propio donde pronunciar sus incendiarias y alocadas reflexiones. Schumacher se niega a participar en la demencial estrategia y es sustituído por una jefa de contenidos sin escrúpulos (Faye Dunaway), cuya intención es exprimir al desequilibrado Beale hasta conseguir los mejores índices de audiencia de la historia de la cadena. Así, hundiéndose cada vez más en la inmundicia moral, acaban de encender la mecha de una bomba de relojería a punto de estallar.

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Ficha técnica y artística

Network. EEUU, 1976, 121 min.

Dirección: Sidney Lumet

Intérpretes: Peter Finch, William Holden, Faye Dunaway

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Crónica de El Maquinista

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La Lista de Schindler

2011-09-24T11:05:00.003+02:00

Comentario de LA LISTA DE SCHINDLER

Al comenzar la década de los ochenta Steven Spielberg culminaba siete años prodigiosos que le habían convertido en el nuevo rey Midas del entretenimiento de calidad: "Tiburón" (1975), "Encuentros en la Tercera Fase" (1977), "En Busca del Arca Perdida" (1981) y "E.T." (1982). Estos cuatro títulos marcan de forma clara la primera etapa del director norteamericano, quien a partir de entonces empezará a abordar temas más serios en películas como "El Color Púrpura" (1985) o "El Imperio del Sol" (1987), aunque su nivel no alcance el de las obras anteriormente mencionadas. Este proceso de maduración probablemente tiene su punto de inflexión en 1993, año en el que Spielberg consigue pleno reconocimiento académico con "La Lista de Schindler". Paralelamente no deja de lado su compromiso con las cintas de aventuras, llegando a estrenar ese mismo año "Parque Jurásico" o, poco antes, la tercera entrega de la saga de Indiana Jones, "La Última Cruzada". A partir de entonces esta dualidad temática seguirá presente en su filmografía hasta nuestros días, con grandes piezas dramáticas ("Munich", "Salvar al Soldado Ryan") y buenos largometrajes de entretenimiento ("Minority Report").

"La Lista de Schindler" sumerge al espectador en la persecución de los judíos por parte del nazismo durante la II Guerra Mundial, desde la reclusión en los guetos hasta las terribles consecuencias de la llamada solución final, los campos de exterminio. Allí las personas son aniquiladas en masa como en una cadena de producción industrial salida de las mentes más retorcidas. En medio de esta pesadilla se mueve un empresario ajeno a todo ese sufrimiento, Oskar Schindler (Liam Neeson), quien decide aprovecharse del conflicto bélico para conseguir dinero fácil con sus fábricas. Para ello los alemanes le proporcionan mano de obra judía procedente de los campos, lo que le llevará a conocer a su eficiente contable Itzhak Stern (Ben Kingsley) y a las decenas de personas que trabajarán para él. Quizás sea por el contacto directo con ellos, quizás por pasar de verlos como anónimas figuras a ponerles cara y nombre, el caso es que Schindler empieza a verlos con otros ojos. Cada vez le cuesta más asistir impasible a las brutalidades del jefe de campo (Ralph Fiennes), hasta que poco a poco le van haciendo mella y rompen su dura coraza. Oskar pasa entonces de proteger judíos en beneficio propio a una conversión gradual pero decidida, una carrera por contratar más trabajadores a quienes salvar de un final próximo. Junto a su contable Stern elabora listas llenas de nombres, personas a las que localizar y sacar de los campos, a la vez que inteta sortear las suspicacias de los oficales.

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Ficha técnica y artística

La Lista de Schindler (The Schindler´s List). EEUU, 1993, 195 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes

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Crónica de Atticus Finch

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Terciopelo Azul

2011-09-17T13:17:00.005+02:00

Comentario de TERCIOPELO AZUL

Corría el año de 1986 cuando el director David Lynch consiguió uno de los mayores éxitos de su carrera con "Terciopelo Azul", una hipnotizadora obra que iba a poner los cimientos del estilo que haría famoso a su autor en los años venideros. Lynch ya había recibido buenas críticas con uno de sus más tempranos trabajos, "El Hombre Elefante" (1980), aunque su siguiente película resultó ser la fallida "Dune" (1984), un difícil intento de llevar a la pantalla la excelente pero compleja novela de ciencia-ficción de Frank Herbert (que recomiendo encarecidamente). En esas estaba el realizador norteamericano cuando su trayectoria sufriría un punto de inflexión gracias a "Terciopelo Azul", cuyo tratamiento de la historia va a revelar las claves por las que es bien identificable hoy en día su autor: pasajes oníricos, narración hipnótica, personajes enigmáticos... En el cine de Lynch muchas veces importa más el cómo se cuentan las cosas en vez del por qué de ellas mismas. Un estilo propio con tantos admiradores como detractores y que personalmente me satura en ocasiones. Lynch lo ha seguido desarrollando durante los años tanto en el cine ("Mulholland Drive", "Carretera Perdida") como en la televisión ("Twin Peaks"), salvo ocasionales paréntesis estilísticos como el de la maravillosa "Una Historia Verdadera" (1999), de largo mi cinta preferida de este inclasificable director.

"Terciopelo Azul" arranca en una idílica comunidad residencial estadounidense, con casas unifamiliares y jardín, donde el joven universitario Jeffrey (Kyle MacLachlan) vuelve a casa a ver a su padre. La bucólica estampa del lugar se rompe el día que Jeffrey descubre por casualidad una oreja humana en mitad de un césped. El muchacho decide envolverla cuidadosamente en un pañuelo y llevarla a la oficina de la policía local, donde ponen cara de no saber muy bien qué hacer con ella. Finalmente una investigación se pone en marcha y Jeffrey no puede evitar sentirse profundamente atraído por el caso, sobre todo tras conocer a una vecina que resulta ser la hija del jefe policial (Laura Dern). Gracias a ella conocerá detalles sobre la trama y decidirá implicarse en el asunto por su cuenta y riesgo. Las pistas le llevarán a sumergirse en los bajos fondos de la ciudad y cruzarse en el camino con una enigmática cantante de un club nocturno (Isabella Rossellini), quien está siendo aparentemente chantajeada por un sádico criminal (Dennis Hopper).

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Ficha técnica y artística

Terciopelo Azul (Blue Velvet). EEUU, 1986, 120 min.

Dirección: David Lynch

Intérpretes: Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper

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Crónica de El Maquinista

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Esplendor en la Hierba

2011-09-10T19:35:00.005+02:00

Comentario de ESPLENDOR EN LA HIERBA

Al finalizar los años 50 el director Elia Kazan había completado una década llena de éxitos cinematográficos pero parcialmente ensombrecida por sus testificaciones en el Comité de Actividades Antiamericanas que sacudirían los cimientos de la industria. Desde un punto de vista estrictamente profesional Kazan se encontraba en la cima gracias a títulos como "Viva Zapata", "Un Tranvía llamado Deseo" (que personalmente me aburre bastante) y la estupenda "La Ley del Silencio". Había apadrinado a jóvenes talentos emergentes como Marlon Brando, James Dean o Montgomery Clift, actores no solamente carismáticos sino además excelentes intérpretes. Su labor como realizador la complementaba con su implicación en el Actors Studio y la literatura, convirtiéndolo en una personalidad artística de lo más completa. Los años 60 verían declinar su estrella a partir de 1968 pero hasta entonces aún firmaría títulos tan buenos como "Río Salvaje" o "Esplendor en la Hierba", un verdadero monumento protagonizado por Natalie Wood y un entonces debutante Warren Beatty. Resulta curioso observar en el cine de Kazan ciertas temáticas o acercamientos totalmente avanzados para su época en materia de discriminación racial o sobre los valores morales de la sociedad, una actitud que resulta contradictoria teniendo en cuenta su etapa más oscura durante la Caza de Brujas. Un personaje controvertido pero de talento indiscutible.

"Esplendor en la Hierba" es un relato sobre los sentimientos de las personas y su evolución a través del tiempo y las experiencias, debido a circunstancias mundanas tanto como a puras coincidencias. También es el de un amor convertido en obsesión, el que siente la joven Dennie (impecable Natalie Wood) por el apuesto Bud (Warren Beatty). La acción se sitúa en una pequeña localidad estadounidense a finales de los años 20, pocos meses antes del hundimiento de la bolsa de Nueva York. Las clases medias gozan de una creciente prosperidad y la dulce Dennie es feliz durante los ratos que pasa con Bud al salir del instituto, profesandose ambos un fuerte cariño mutuo. El muchacho sin embargo sufre una creciente frustración interior en parte debida a la aplastante figura de su padre, un empresario de éxito que no deja respirar a su hijo planificándole cada detalle de su vida. La relación entre ambos jóvenes sufre un resquebrajamiento tan abrupto como carente de sentido, lo que provocará sendas crisis para cada uno de ellos con destinos bien dispares. Nada volverá a ser lo mismo.

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Ficha técnica y artística

Esplendor en la Hierba (Splendor in the Grass). EEUU, 1961, 124 min.

Dirección: Elia Kazan

Intérpretes: Natalie Wood, Warren Beatty, Pat Hingle

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Crónica de Atticus Finch

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Uno de los Nuestros

2011-09-03T11:43:00.005+02:00

Comentario de UNO DE LOS NUESTROS

"Que yo recuerde, desde que tuve uso de razón siempre quise ser un gángster". Con esta sincera declaración de principios arranca la película de Martin Scorsese hoy comentada. El que la pronuncia no es otro que Henry Hill (Ray Liotta), el protagonista de este viaje a lo largo de tres décadas de la historia de la mafia. El sueño del joven Henry a mediados de los años 50 es como bien dice convertirse en gángster italoamericano, con la misma ilusión con la que otros muchachos de su edad desean ser profesor de literatura o bombero. De esta manera empezará su andadura como chico de los recados en el negocio mafioso que hay en la acera de enfrente de su casa, llegando a ganar sumas astronómicas de dinero con los primeros trabajos de vendetta, robo y extorsión. Junto a su mentor James Conway (Robert De Niro) y el brutal Tommy DeVito (Joe Pesci) formarán con el tiempo un triángulo criminal de gran éxito con sonados golpes y un estilo de vida al margen de todo sistema.

Con "Uno de los Nuestros" arrancó Scorsese de forma inmejorable la década de los 90, tras unos vacilantes años 80 donde ya era sin embargo una referencia cinematográfica gracias a "Taxi Driver" (1976) y "Toro Salvaje" (1980). Y es que el director norteamericano se ha convertido en todo un experto en retratar los ambientes mafiosos de varias épocas, como bien atestiguan otros títulos de su filmografía: "Casino", "Gangs of New York", "Infiltrados"..., aunque sigan siendo sus colaboraciones con Robert De Niro las que le han situado en el pedestal. "Uno de los Nuestros" no es la excepción, ya que Scorsese relata con gran virtuosismo esta fascinante historia que cuenta con un trío protagonista sencillamente magistral y un casting italoamericano tan creíble como deslumbrante. Imprescindible.

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Ficha técnica y artística

Uno de los Nuestros (Goodfellas). EEUU, 1990, 148 min.

Dirección: Martin Scorsese

Intérpretes: Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Lorraine Bracco

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Crónica de El Maquinista

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El Hombre de MacKintosh

2011-08-27T11:24:00.006+02:00

Comentario de EL HOMBRE DE MACKINTOSH

Al comenzar los años 70 el director John Huston llevaba ya dos décadas afianzado entre los puestos más importantes del cine norteamericano, con una prolífica trayectoria llena de obras recordadas ("Vidas Rebeldes", "Moby Dick", "La Jungla de Asfalto"...). Pero lejos de acomodarse en su estatus, Huston va a seguir manteniendo un asombroso ritmo de trabajo que no abandonará hasta sus últimos días, llegando a dirigir "Dublineses" (1987), su última película, en silla de ruedas. El realizador comenzaría así los 70 con largometrajes como "Fat City", una descarnada mirada al lado más sombrío del boxeo, para pasar a continuación al género de suspense con "El Hombre de MacKintosh" (1973). Sólo tres años más tarde llegaría la obra maestra del cine de aventuras "El Hombre que Pudo Reinar", obra capital de su filmografía, y ya en los 80 "El Honor de los Prizzi". Toda una muestra del buen nivel que Huston mantuvo a lo largo de cuatro décadas en la cumbre.

"El Hombre de MacKintosh" es un soberbio thriller de espionaje protagonizado por Paul Newman en el papel del agente de la inteligencia británica Joseph Rearden, con la Guerra Fría como telón de fondo. Su superior es el enigmático MacKintosh, el cual le da órdenes en Londres para una nueva misión cuyo objetivo es descubrir una célula de espionaje soviético oculta en el país. Rearden deberá involucrarse así en un importante robo de diamantes y ser condenado a prisión como tapadera para entrar en contacto con potenciales miembros de la organización clandestina. Una vez desencadenada la misión todos los contendientes se encontrarán prácticamente solos librando una dura batalla al margen del sistema, con un resultado del todo incierto.

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Ficha técnica y artística

El Hombre de MacKintosh (The MacKintosh Man). EEUU-Reino Unido, 1973, 98 min.

Dirección: John Huston

Intérpretes: Paul Newman, Dominique Sanda, James Mason

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Crónica de HAL-9000

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In the Mood for Love

2011-08-20T17:52:00.008+02:00

Comentario de IN THE MOOD FOR LOVE

En el panorama cinematográfico chino de los últimos tiempos destacan tres importantes directores, aunque cada uno con un estilo y un entorno profesional muy diferente: Zhang Yimou, Ang Lee y Wong Kar-wai. El primero lleva dos décadas siendo el mascarón de proa del cine chino, bien con sus relatos históricos y rurales ("La Linterna Roja", "El Camino a Casa") o con sus incursiones en el género épico ("Hero"). Sin embargo su carrera la ha llevado a cabo en la China continental bajo la amenaza de la censura del régimen comunista, lo que le ha acarreado represalias e incluso la inhabilitación para dirigir durante dos años. Las circunstancias de Ang Lee son bastante distintas, ya que ha vivido y rodado en la isla de Taiwan, el único territorio chino que ha quedado libre de la dictadura de Pekín. Gracias a ello Lee ha podido contar con mayores ventajas a la hora de rodar sus historias, como "El Banquete de Boda", "Comer, Beber, Amar" o "Tigre y Dragón". Por último tenemos a Wong Kar-wai, que se ha movido en un lugar completamente diferente, la ciudad de Hong-Kong. Este pequeño rincón asiático, que ha pasado de ser colonia inglesa a territorio chino con administración especial, es una mezcla inclasificable de Oriente y Occidente en la que se apretujan millones de personas en un reducido espacio, creando un entorno social y cultural único. Esto ha permitido que allí floreciera el cine chino más rompedor y cosmopolita, de lo que es un buen exponente este director.

Wong Kar-wai inició su carrera a comienzos de los años 90 y pronto cosechó éxitos con "Chungking Express" (1994) y "Happy Together" (1997), aunque el reconocimiento definitivo llegaría en el cambio de siglo con "In the Mood for Love" (2000) y su fascinante continuación llamada "2046" (2004). Para la película hoy reseñada contaría con dos pesos pesados de la interpretación china en los papeles protagonistas, Tony Leung y Maggie Cheung. La cinta narra el bello romance, entre real y platónico, de un periodista y una secretaria que viven en la misma planta de un edificio en el Hong-Kong de los años 60. El ambiente y la paleta de colores se convierten en un sello inconfundible de Wong Kar-wai, el cual imprime al largometraje una estética hipnotizadora acompañada de unas piezas musicales de gran poder melancólico y evocador.

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Ficha técnica y artística

In the Mood for Love. Hong-Kong, 2000, 98 min.

Dirección: Wong Kar-wai

Intérpretes: Tony Leung, Maggie Cheung, Rebecca Pan

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Crónica de El Maquinista

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Los Profesionales

2011-08-14T20:49:00.009+02:00

Comentario de LOS PROFESIONALES

Hoy le toca el turno al director Richard Brooks, autor cuyo nombre no se suele mencionar demasiado hoy en día pero que dejó para la posteridad un puñado de películas muy recordadas. Aunque su carrera había comenzado en los años 40 no fue hasta finales de la década siguiente cuando lograría sus mayores éxitos, como sus dos adaptaciones de obras de Tennessee Williams en "La Gata sobre el Tejado de Zinc" (1958) y "Dulce Pájaro de Juventud" (1962), ambas protagonizadas por Paul Newman. Entre medias también firmó una gran colaboración con Burt Lancaster en "El Fuego y la Palabra" (1960), con la que el actor alcanzaría el oscar al mejor intérprete con su papel de falso predicador evangélico. En 1966 Brooks decide internarse en los dominios del western para rodar un relato maduro y sin concesiones a la galería, "Los Profesionales", para el que reclutó a dos hombres perfectos para la historia, Lee Marvin y el propio Burt Lancaster. En este caso sería probablemente más acertado hablar de un post-western, ya que la acción se desarrolla a comienzos de los años 20, en los estertores de la Revolución Mejicana. Los caballos están siendo reemplazados por automóviles, los pastos de ganado por campos petrolíferos y el salvaje Oeste poco a poco se pacifica gracias a la llegada de colonos y la civilización. Los territorios sin ley se han ido trasladando a las zonas fronterizas con Méjico, sobre todo a raíz del caos provocado por la guerra civil que libran Zapata, Villa y otros insurgentes contra las tropas federales.

La cinta narra la peligrosa misión encomendada a cuatro profesionales por un poderoso terrateniente de Tejas. El objetivo es internarse en territorio mejicano con el fin de rescatar a su joven esposa, raptada por un antiguo combatiente revolucionario llamado Raza, que ahora se dedica al pillaje y que cuenta con un pequeño ejército particular. Su nombre no les resulta extraño a los líderes del grupo (Marvin y Lancaster), ya que ambos lucharon años atrás junto a él en la guerra mejicana, uno por idealismo y otro por dinero. Una vez crucen de nuevo la frontera a lomos de sus caballos, los recuerdos comenzarán a brotar mientras se dirigen a su destino.

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Ficha técnica y artística

Los Profesionales (The Professionals). EEUU, 1966, 117 min.

Dirección: Richard Brooks

Intérpretes: Lee Marvin, Burt Lancaster, Robert Ryan

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Crónica de Atticus Finch

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Gallipoli

2011-08-07T13:25:00.005+02:00

Comentario de GALLIPOLI

Dentro de los géneros bélico y drámatico resulta curioso observar la relativa escasez de cintas de renombre enfocadas sobre la Primera Guerra Mundial, dadas las gigantescas proporciones del conflicto y las no menos importantes consecuencias políticas y sociales que desencadenaría. Una posible causa de su marginación es el papel secundario que desempeñaron los Estados Unidos en la contienda, ya que al fin y al cabo la mayor parte de la producción cinematográfica occidental proviene de este país. De este modo son lógicamente la II Guerra Mundial y la de Vietnam las que han copado la mayor atención, al ser probablemente los conflictos bélicos del siglo XX más relevantes para los norteamericanos. Aún así podemos encontrar aclamados largometrajes sobre la Gran Guerra en obras como "Senderos de Gloria" (Stanley Kubrick, 1957) o "La Gran Ilusión" (Jean Renoir, 1937). Un trabajo también muy notable es "Gallipoli", la cinta con la que el director australiano Peter Weir ("Único Testigo", "Master & Commander") se daría a conocer fuera de su país natal. En Europa la I Guerra Mundial es sinónimo de interminables combates de trincheras sobre los campos de batalla centroeuropeos. Sin embargo esta película proporciona una perspectiva diferente y muy interesante de la contienda, aunque las conclusiones terminen por ser irremediablemente las mismas.

En 1915 Archy (Mark Lee) es un prometedor joven de Australia Occidental cuya mayor afición es el incipiente atletismo y las carreras de cien metros. En una de estas pruebas deportivas conoce a Frank (Mel Gibson) y la amistad pronto nace entre ellos. Por distintos motivos ambos acabarán enrolándose en el ejécito para combatir en la Gran Guerra que lleva desencadenándose desde el año anterior por todo el mundo. A pesar de que Australia ha obtenido a comienzos de siglo la categoría de estado soberano, su pertenencia a la Commonwealth y los estrechos lazos que mantiene con la antigua metrópoli la llevan a ayudar decididamente al Reino Unido en el conflicto. De esta manera ambos muchachos parten desde la ciudad de Perth junto a miles de compatriotas rumbo al otro rincón de la tierra, el norte de África. En Egipto iniciarán un adiestramiento militar que desembocará en el enfrentamiento con las tropas turcas del Imperio Otomano en la remota península de Gallipoli, a orillas del Mar Egeo. Allí, entre la arena de las trincheras y las balas, con la muerte acechando detrás de cada piedra, comenzarán a pensar qué demonios hacen en ese maldito lugar perdido de la mano de Dios. Pero ya es demasiado tarde y, como si fueran animales salvajes, tan solo les queda luchar y correr como el viento para intentar sobrevivir.

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Ficha técnica y artística

Gallipoli. Australia, 1981, 110 min.

Dirección: Peter Weir

Intérpretes: Mark Lee, Mel Gibson, Bill Kerr

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Crónica de Atticus Finch

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Camino a la Perdición

2011-07-30T11:04:00.004+02:00

Comentario de CAMINO A LA PERDICIÓN

Tras debutar en la dirección de forma inmejorable con "American Beauty" (1999), el británico Sam Mendes se enfrentó al desafío de preparar su segundo trabajo con las expectativas muy altas. Para ello decidió llevar a la pantalla una historia de cine negro de corte clásico basada en la novela gráfica "Road to Perdition", un relato cuyo motor principal es el sentimiento de venganza y protección. Mendes conseguiría reunir para la ocasión un elenco de primera categoría encabezado por Tom Hanks y Paul Newman (en su último papel cinematográfico) muy bien escoltados por Jude Law y Daniel Craig en los roles secundarios. El resultado supuso igualar e incluso superar a su ópera prima, ya que "Camino a la Perdición" (2002) se revela como un largometraje monumental que tras una línea argumental principal, la vendetta, esconde tres ejes de relaciones personales muy interesantes basadas en los lazos paterno-filiales. La más importante la conforma el profundo vínculo afectivo entre los personajes de Hanks y Newman, al que se unen los que ambos mantienen con sus respectivos hijos, lo que hace que la película gane muchos enteros en intensidad dramática.

La cinta sitúa al espectador en el interior de un clan mafioso irlandés del norte de los Estados Unidos en la época de la Gran Depresíón de los años 30. Michael Sullivan (Hanks) trabaja como sicario de élite de la organización y es uno de los hombres de confianza del poderoso jefe John Rooney (Newman), quien le aprecia como a un hijo. Gracias a Rooney, que le cuidó cuando era pequeño, Michael ha podido salir de la miseria y construir una familia, lo que le hace sentir un gran afecto y lealtad hacia su patrón. Sin embargo todo sufre un terrible giro cuando el hijo mayor de Michael, que desconoce el oficio de su padre, es testigo involuntario de un crimen perpetrado por el clan, lo que hará que la organización trate de aniquilar a toda la familia para no dejar testigos. Michael consigue escapar con su hijo y decide iniciar una venganza en solitario contra sus antiguos compañeros y garantizar la supervivencia de su primogénito. Perseguidos por un implacable asesino a sueldo (Law), ambos lucharán por esconderse y llevar a cabo la dolorosa vendetta recorriendo un camino que parece llevarles inexorablemente a las tinieblas.

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Ficha técnica y artística

Camino a la Perdición (Road to Perdition). EEUU, 2002, 117 min.

Dirección: Sam Mendes

Intérpretes: Tom Hanks, Paul Newman, Jude Law

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Crónica de El Maquinista

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Patton

2011-07-23T13:28:00.005+02:00

Comentario de PATTON

Hace dos semanas hablábamos de un miembro destacado del grupo de importantes directores poco recordados, el estupendo John Frankenheimer, autor de la comentada "Siete Días de Mayo". Hoy esta crónica gira entorno a otro realizador que perfectamente podría encajar en el mismo grupo, el estadounidense Franklin J. Schaffner. Tras foguearse en la televisión, Schaffner debutó en el cine a mediados de la década de los 60 y a los pocos años, en 1968, alcanzó gran éxito con la sobresaliente película de ciencia-ficción "El Planeta de los Simios", protagonizada por el gran Charlton Heston. La consagración académica del director llegaría en 1970 con su siguiente trabajo, la arrolladora incursión en el cine bélico de la mano de "Patton", galardonada con multitud de premios y reconocimientos. Posteriormente, durante los años 70, Schaffner aún llevaría a la pantalla obras notables como el drama carcelario "Papillon" (1973), en el que Steve McQueen y Dustin Hoffman luchan por sobrevivir en un penal de la Guayana francesa, o "Los Niños del Brasil" (1978), sobre la vida oculta del criminal nazi Joseph Mengele escondido en las profundidades de Sudamérica tras la caída de Hitler.

"Patton" es el apabullante retrato de una de las figuras más significativas del ejécito estadounidense de la II Guerra Mundial en el frente europeo, el controvertido general George Patton (interpretado de forma magistral por George C. Scott). En su persona convergen multitud de adjetivos: temerario, consumado estratega militar, impetuoso, políticamente incorrecto, genio y loco en una misma pieza. La cámara sigue sus pasos por los campos de batalla del norte de África en su feroz lucha contra las tropas alemanas y el posterior e implacable avance a través de Sicilia y la Italia peninsular. También su destierro militar a Inglaterra y la posterior reincorporación al frente de los carros de combate que cruzarán la frontera germana. Entre medias se asiste a su atronadora personalidad, la de un hombre de acero venido de otra época, capaz de buscar el emplazamiento de la legendaria batalla de Zama en Túnez para rendir honores, dos mil años después, al guerrero cartaginés Aníbal.

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Ficha técnica y artística

Patton. EEUU, 1970, 169 min.

Dirección: Franklin J. Schaffner

Intérpretes: George C. Scott, Karl Malden, Stephen Young

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Crónica de Atticus Finch

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Brokeback Mountain

2011-07-16T10:52:00.006+02:00

Comentario de BROKEBACK MOUNTAIN

Entre los realizadores asiáticos más renombrados del panorama actual nos encontramos con hombres como Zhang Yimou ("El Camino a Casa"), Takeshi Kitano ("Zatoichi") o Wong Kar-Wai ("In the Mood for Love"), autores que en su mayor o total parte han desarrollado su carrera cinematográfica en sus respectivos países de origen. Caso aparte merece Ang Lee, probablemente el cineasta más occidental del extremo Oriente, ya que su trayectoria se ha consolidado sobre todo en los Estados Unidos. Tras iniciar sus pasos a comienzos de los años 90 dirigiendo exitosas películas en su Taiwan natal, como "El Banquete de Bodas" y "Comer, Beber, Amar", Lee pronto atrajo la atención y terminó desembarcando en Norteamérica para dirigir el sobresaliente drama de época "Sentido y Sensibilidad" (1995) y la notable radiografía de la sociedad estadounidense de la década de los 70 en "La Tormenta de Hielo" (1997). Consolidado de forma importante, volvería a China en el 2000 para filmar uno de los mayores portentos del cine de aventuras contemporáneo, la extraordinaria "Tigre y Dragón", que supondría un punto de inflexión en su carrera gracias al enorme éxito académico y popular de la cinta. Así Hollywood le encargaría en 2003 un proyecto tremendamente arriesgado, la adaptación del personaje de comic Hulk, tarea que Lee superaría con nota al conseguir firmar uno de los largometrajes de superhéroes más interesantes que se han visto, con el mérito añadido de que justamente la profundidad dramática del musculoso hombre verde no es precisamente proporcional a su tamaño corporal. Desde entonces Lee sigue compaginando proyectos a caballo entre Asia y América, donde en 2005 rodaría uno de sus más bellos y complicados trabajos, el drama "Brokeback Mountain".

Esta película narra la difícil relación entre dos hombres, Ennis (Heath Ledger) y Jack (Jake Gyllenhaal), desde los años 60 hasta la década de los 80. Ambos se conocen durante una temporada de trabajo en 1963 en las montañas de Wyoming conduciendo rebaños de ovejas a través de los pastos. La amistad que nace entre ellos se va tornando algo más profundo cuando la homosexualidad escondida en su interior va saliendo poco a poco a flote hasta formar un lazo que los atará de por vida. Debido a los prejuicios sociales y el miedo ambos intentarán construir una existencia más convencional cada uno por su cuenta, casándose y teniendo hijos con mujeres a las que quieren (interpretadas respectivamente por Michelle Williams y Anne Hethaway) pero que no terminan de llenarles por completo. De este modo volverán a verse cada cierto tiempo aprovechando las excursiones al lugar donde se conocieron, Brokeback Mountain, lo cual terminará afectando finalmente a todo su entorno.

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Ficha técnica y artística

Brokeback Mountain. EEUU, 2005, 134 min.

Dirección: Ang Lee

Intérpretes: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams

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Crónica de El Maquinista

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Siete Días de Mayo

2011-07-09T11:41:00.007+02:00

Comentario de SIETE DÍAS DE MAYO

John Frankenheimer pertenece a ese grupo de directores no demasiado conocidos por el gran público pero que cuenta con un buen puñado de obras notables y alguna sobresaliente, marcadas con un sello personal que tuvo su mayor esplendor durante los años 60 del pasado siglo. Durante esta década Franhenheimer se convierte en una pieza muy destacable del panorama cinematográfico norteamericano tras iniciar su carrera con "Los Jóvenes Salvajes" (1961) y "El Mensajero del Miedo" (1962), relatos que husmean en el interior de unos personajes densos y complejos. En la primera de ellas iniciaría una fructífera relación profesional con Burt Lancaster, su actor fetiche, al que dirigiría posteriormente en "El Hombre de Alcatraz", "El Tren" y "Siete Días de Mayo". Frankenheimer continuaría realizando largometrajes hasta tiempos recientes aunque sin volver a alcanzar el nivel de su primera época, salvo puntuales excepciones como "Ronin" (1998), paradigma del buen cine de acción.

"Siete Días de Mayo" es un thriller político que relata la cuenta atrás en el intento por desactivar un golpe de estado inminente en los Estados Unidos. Ambientada a comienzos de los años 60, el presidente norteamericano Jordan Lyman (Fredric March) ha decidido poner freno a la carrera armamentística que lleva desarrollándose en el país desde el final de la II Guerra Mundial en el contexto del titánico pulso entre los EEUU y la Unión Soviética por el control del mundo. En plena Guerra Fría y con el fantasma de un posible conflicto nuclear entre ambas potencias, el presidente ha firmado con los rusos un importante tratado de reducción de arsenales con el objetivo de iniciar una nueva etapa menos belicista que pueda abrir las puertas a una coexistencia pacífica. Sin embargo numerosos sectores militares y civiles en Washington consideran el tratado un fallo estratégico incalculable que pone en peligro la propia supervivencia del país, temerosos de que la URSS no respete lo firmado y consiga con el tiempo una superioridad militar invencible. Una de estas personas es el jefe del Estado Mayor James Scott (Burt Lancaster), quien lleva meses presionando al Congreso para torpedear el acuerdo, ayudado por su secretario el coronel Casey (Kirk Douglas). Lo que parece un asunto de dura confrontación política alcanza proporciones inverosímiles cuando Casey descubre poco a poco indicios de que su superior ha traspasado los límites constitucionales al llevar preparando durante semanas un plan oculto para derrocar al presidente en connivencia con destacados jefes militares y altos cargos públicos. Una vez confirmadas sus sospechas decide ponerse en contacto con el presidente Lyman para alertar del peligro inminente y formar un reducido gabinete de crisis que desmantele en secreto la conspiración en un plazo máximo de siete días, fecha para la cual está previsto el fatídico golpe de estado.

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Ficha técnica y artística

Siete Días de Mayo (Seven Days in May). EEUU, 1964, 118 min.

Dirección: John Frankenheimer

Intérpretes: Kirk Douglas, Burt Lancaster, Fredric March

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Crónica de Atticus Finch

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Las Normas de la Casa de la Sidra

2011-07-03T10:41:00.004+02:00

Comentario de LAS NORMAS DE LA CASA DE LA SIDRA

Tras alcanzar notable éxito con "Mi Vida como un Perro" (1985) y "¿A Quién Ama Gilbert Grape? (1993), el director sueco Lasse Hallström decidió quedarse definitivamente en tierras norteamericanas para realizar sus siguientes proyectos, al igual que muchos otros cineastas europeos actuales. A pesar de la irregularidad de su trayectoria profesional, algunos de sus largometrajes poseen una gran calidad, caso de "Chocolat" (2000) y sobre todo "Las Normas de la Casa de la Sidra" (1999), excelente cinta que muy probablemente será lo más recordado del autor escandinavo. La película está basada en una novela del reconocido escritor estadounidense John Irving y cuenta con un reparto de intérpretes consagrados (Michael Caine) así como de jóvenes promesas de aquél entonces (Tobey Maguire antes de enfundarse el traje de hombre araña y Charlize Theron demostrando sus buenas dotes como actriz). El resultado se convierte en un profundo y melancólico relato sobre el viaje iniciático del protagonista, no por casualidad llamado Homero, el cual deberá empezar a recorrer su propio camino a través de los senderos de la vida.

El largometraje se sitúa en un apartado orfanato de Maine en los años cuarenta, donde el incansable doctor Wilbur Larch (Caine) y sus ayudantes cuidan de varias decenas de pequeños huérfanos. Tras largos años de estancia en el lugar, Wilbur se considera el tutor de todos ellos pero padre de ninguno, ya que la mayoría de los niños abandonan pronto el orfanato gracias a las visitas de personas que acuden con intención de adoptar. Sin embargo el doctor tiene especial cariño por el mayor de los chicos, Homer (Maguire), un inteligente muchacho cuyo tiempo de adopción ya ha pasado debido a su edad. Wilbur lo considera como un hijo y le instruye en la práctica de la medicina con la esperanza de que algún día pueda tomar el relevo al frente de la institución. Homer, por su parte, a pesar de sentir un profundo afecto hacia sus cuidadores, desea tener la oportunidad de explorar el mundo y cruzar las barreras del orfanato al menos durante un tiempo. Un día decide finalmente hacer las maletas coincidiendo con la visita de una joven pareja para emprender un nuevo camino e intentar conocerse a sí mismo, para así poder decidir si desea volver al único hogar que conoce o si ha de labrarse su propio destino lejos de allí.

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Ficha técnica y artística

Las Normas de la Casa de la Sidra (The Cider House Rules). EEUU, 1999, 126 min.

Dirección: Lasse Hallström

Intérpretes: Tobey Maguire, Charlize Theron, Michael Caine

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Crónica de Atticus Finch

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Ser y Tener

2011-06-25T13:38:00.010+02:00

Comentario de SER Y TENER

A pesar de contar con muchas décadas de vigencia cinematográfica, el género documental ha vivido una reciente eclosión a nivel comercial y de reconocimiento por parte del público. El inicio de esta nueva etapa, al menos en España, puede situarse hace unos diez años gracias al éxito de la cinta "Bowling for Columbine", de Michael Moore, un brillante estudio sobre el papel de las armas de fuego en la sociedad estadounidense actual. Su repercusión animaría al autor norteamericano a firmar posteriormente otro controvertido trabajo, "Fahrenheit 9/11", sobre los oscuros mecanismos detrás de la guerra contra el terrorismo internacional emprendida por el presidente Bush. A pesar de caer en una cierta tendencia a acaparar él mismo la pantalla, Moore abriría un importante filón para un género al que cada año se le prestaría mayor atención, estrenándose reconocidos largometrajes de otros autores como "Capturing the Friedmans" o "Una Verdad Incómoda", alegato ecologista del político Al Gore. Reputados directores han hecho también su incursión en este campo, como el alemán Warner Herzog con su "Grizzly Man", la increíble historia del joven que convivía con los peligrosos osos grizzlies en un parque natural de Alaska. En el plano europeo es sin duda Francia la que cuenta con una mayor trayectoria documentalista, tanto de vertiente naturalista ("La Marcha del Emperador", "Océanos") como de ámbito social. Uno de los mejores trabajos realizados en este país al respecto es "Ser y Tener", entrañable y brillante mirada al mundo de la docencia.

La película muestra el trabajo diario de un maestro rural francés hijo de emigrantes españoles, George López, en una pequeña escuela situada en el Macizo Central francés. Su clase está compuesta por niños de cuatro a once años, a los que enseña y transmite sus conocimientos mediante un talento desbordante. Su cercanía, autoridad moral y preocupación por el alumnado lo convierten en una figura respetada de la comunidad, mostrando la esencia y la importancia de la labor docente en la formación académica y personal de sus pequeños alumnos.

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Ficha técnica y artística

Ser y Tener (Être et Avoir). Francia, 2002, 104 min.

Dirección: Nicholas Philibert

Intérpretes: documental

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Crónica de El Maquinista

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Los que no Perdonan

2011-06-18T10:29:00.007+02:00

Comentario de LOS QUE NO PERDONAN

La década de los 60 del siglo pasado supuso para el western un punto de inflexión determinante que trazaría una nueva forma de abordar este género desde entonces. Hasta dicha época, durante los años 40 y 50, el western vivió su periodo clásico con heroicos y valientes vaqueros encarnados por grandes mitos del cine (Gary Cooper, John Wayne, James Stewart...), en un esquema narrativo bastante simple con la excepción de algunos largometrajes (por ejemplo "Solo ante el Peligro"). Sin embargo a finales de los 50 el maestro John Ford ya empezó a tratar sus historias desde una óptica más compleja, como en "Centauros del Desierto" (1956), para confirmar su evolución definitiva con "El Hombre que Mató a Liberty Valance" (1962). Por su parte, esta nueva década contempló el surgimiento del director Sam Peckinpah, figura clave en la concepción revisionista del western a través de sus relatos desmitificadores o descarnadamente violentos y oscuros. Esta constante se aprecia a lo largo de su filmografía en títulos como "Duelo en Alta Sierra" (1962), "Grupo Salvaje" (1969) y "Pat Garrett y Billy the Kid" (1973). Su estela la retomaría otro referente del género, Clint Eastwood, para elaborar su propia obra con "El Fuera de la Ley" (1976), "El Jinete Pálido" (1985) y por encima de ellas "Sin Perdón" (1992), cúspide del western crepuscular. Es por tanto a caballo entre estas dos grandes épocas, la clásica y la contemporánea, cuando el consagrado realizador John Huston estrena en 1960 "Los que no Perdonan", una cinta en la que asoman las temáticas más profundas que habrían de cambiar para siempre el maravilloso cine del Oeste.

La película narra la progresiva fractura de una familia de colonos tejanos, los Zachary, dedicados a la ganadería y anclados a la tierra a través de la determinación del hijo mayor (Burt Lancaster). Debido a un oscuro suceso del pasado, su hermana pequeña (Audrey Hepburn) comienza a ser acechada por un extraño jinete que dice buscar venganza y revelar devastadoras verdades. Todo ello comenzará a hacer aflorar los resentimientos, el racismo soterrado y la hipocresía social en la cerrada comunidad donde habitan los Zachary.

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Ficha técnica y artística

Los que no Perdonan (The Unforgiven). EEUU, 1960, 125 min.

Dirección: John Huston

Intérpretes: Burt Lancaster, Audrey Hepburn, John Saxon

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Crónica de Atticus Finch

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El Silencio de los Corderos

2011-06-11T12:27:00.004+02:00

Comentario de EL SILENCIO DE LOS CORDEROS

Salvo sorpresas mayúsculas que pueda deparar el futuro podemos afirmar que el director Jonathan Demme será recordado en el universo cinematográfico gracias al sobresaliente trabajo que firmó hace ahora dos décadas, "El Silencio de los Corderos". Y es que en la irregular trayectoria del realizador norteamericano no destacan especialmente más títulos a excepción de la exitosa "Philadelphia" (1993) o algún largometraje reciente de corte independiente. Sin embargo, el personaje de Hannibal Lecter ya contaba con una primera adaptación a la gran pantalla llevada a cabo por un joven Michael Mann en "Manhunter" (1986), aunque sin duda fue la cinta de Demme la que dio reconocimiento mundial al abyecto criminal interpretado con maestría por Anthony Hopkins. Junto al intérprete británico también destacaban en el poderoso reparto unos soberbios Jodie Foster y Scott Glenn encabezando una película que refundaría los códigos del thriller policiaco con la introducción de una carga dramática y tenebrosa desconocida hasta la fecha. Desde entonces se han estrenado multitud de títulos que siguen su patrón, incluyendo las propias (e inferiores) secuelas de la historia rodadas por Ridley Scott ("Hannibal", 2001) y Brett Ratner ("El Dragón Rojo", 2002).

El largometraje narra la investigación sobre un brutal asesino en serie, apodado Buffalo Bill, encargada a la joven agente del FBI Clarice Starling (Foster), brillante licenciada universitaria y experta en conductas psicópatas. Para intentar penetrar en la mente del criminal los superiores de Clarice deciden que acuda a interrogar a uno de los presos más peligrosos del país, el doctor Hannibal Lecter (Hopkins), refinado pero salvaje asesino encerrado en una prisión de máxima seguridad desde hace años. A través de sus sucesivos encuentros se irá tejiendo entre ambos una extraña relación maestro-aprendiz que poco a poco conseguirá proporcionar a Starling las pistas necesarias para ir cercando al implacable Buffalo Bill, que no cesa de actúar.

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Ficha técnica y artística

El Silencio de los Corderos (The Silence of the Lambs). EEUU, 1991, 118 min.

Dirección: Jonathan Demme

Intérpretes: Jodie Foster, Anthony Hopkins, Scott Glenn

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Crónica de El Maquinista

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Robin y Marian

2011-06-05T10:35:00.006+02:00

Comentario de ROBIN Y MARIAN

Las leyendas relativas a la figura del mítico guerrero inglés Robin Hood han contado con un buen número de adaptaciones cinematográficas a lo largo de casi cien años. Probablemente los dos referentes que sentaron las bases de la idea colectiva que se tiene del arquero de Sherwood son las dos versiones de "Robin de los Bosques" (1922 y 1938), la primera protagonizada por la estrella del cine mudo Douglas Fairbanks y la segunda por Errol Flynn. Éste último ha dejado para la posteridad la imagen clásica del héroe, la del caballero que tras ver como Juan Sin Tierra usurpa el trono de Inglaterra en ausencia del rey decide luchar contra él desde su bastión inexpugnable del bosque. Sin embargo también han llegado a las pantallas otros largometrajes que abordan la historia desde perspectivas diferentes o con matices, como el estupendo "Príncipe de los Ladrones" de comienzos de los noventa con Kevin Costner en el papel principal o la reciente refundación del personaje (concepto muy de moda hoy en día) llevada a cabo por Ridley Scott en "Robin Hood" (2010). Entre medias de estas dos grandes etapas tenemos la gran obra de Richard Lester "Robin y Marian" (1976), que se centra en una visión totalmente crepuscular del mito y en la relación sentimental entre el arquero y Lady Marian.

Así pues nos encontramos veinte años después de los acontecimientos que se suelen narrar en la mayoría de las películas. Robin Hood (Sean Connery) lideró en su día la rebelión con Juan Sin Tierra y ayudó a Ricardo Corazón de León a recuperar el trono, instaurando de nuevo la paz. Pero en lugar de quedarse en tierras inglesas con Marian (Audrey Hepburn) decidió seguir a su señor a las Cruzadas en una demencial guerra sin fin. Tras dos largas décadas de combates por Europa Oriental y Palestina, Robin no aguanta más la crueldad de su rey y emprende el retorno a su patria. Una vez de vuelta encontrará con asombro las mismas injusticias a las que creía haber derrotado años atrás y a Marian viviendo en un convento. El tiempo ha pasado para todos y su nombre legendario tan solo lo recuerdan los más viejos del lugar, pero a pesar de ello decidirá refugiarse en el bosque y combatir de nuevo al sheriff de Nottingham junto a sus antiguos seguidores, portando el arco y la flecha hasta el último aliento.

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Ficha técnica y artística

Robin y Marian (Robin and Marian). EEUU, 1976, 106 min.

Dirección: Richard Lester

Intérpretes: Sean Connery, Audrey Hepburn, Robert Shaw

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Crónica de Kodama

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El Hundimiento

2011-05-29T11:52:00.006+02:00

Comentario de EL HUNDIMIENTO

Hasta hace apenas una década los más destacados autores de la cinematografía germana conocidos por estas tierras se remontaban a genios clásicos como Fritz Lang ("Metrópolis") o Ernest Lubitsch ("Ser o No Ser") y a la famosa corriente del expresionismo alemán de los años 20 ("El Gabinete del Doctor Caligari"). Hubo que esperar, salvo casos aislados, a que llegara la generación de los años 70-80 comandada por Wim Wenders ("El Cielo Sobre Berlín", "Paris, Texas") y Werner Herzog ("Aguirre, la Cólera de Dios") para volver a oír sobre el cine alemán. Afortunadamente a comienzos de este siglo ha llegado una nueva ola de interesantes directores con películas excelentes bajo el brazo: "Good Bye Lenin !", "La Vida de los Otros" y "El Hundimiento" son buenos ejemplos de ello. El realizador de esta última, Oliver Hirschbiegel, ya se había fogueado en la televisión de su país rodando capítulos de la serie canino-policiaca "Rex" (la del pastor alemán detective) para dar posteriormente el salto al cine con "El Experimento", que tuvo una notable aceptación, y el largometraje hoy comentado dedicado a la figura de uno de los mayores villanos surgidos de la raza humana, Adolf Hitler.

Y es que "El Hundimiento" no es más que el sobresaliente y estremecedor relato de la caída a los infiernos del Führer y de todo el aparato del régimen nazi en las postrimerías de la II Guerra Mundial. Situados ya en 1945, con la guerra perdida, Hitler se ha recluido en su gran búnker subterráneo de la Cancillería mientras las tropas rusas se encuentran a las puertas de Berlín. Dentro de su escondite, el líder del Reich entra en una espiral de creciente locura ordenando a sus generales movilizar a ejércitos inexistentes y obligando a resistir el ataque soviético hasta el final, a pesar de que su propia guarida está ya siendo alcanzada por la imparable artillería rusa. Sus colaboradores presienten el abismo al que se acercan mientras asisten estupefactos al desmoronamiento del nacionalsocialismo. Por su parte, al otro lado de los muros de hormigón, la población berlinesa se ve abocada al hambre, el frío y la miseria como simples mortales en el auténtico drama wagneriano que se ha desatado sobre la capital alemana y que toca a su fin.

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Ficha técnica y artística

El Hundimiento (Der Untergang). Alemania, 2004, 155 min.

Dirección: Oliver Hirschbiegel

Intérpretes: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Ulrich Matthes

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Crónica de El Maquinista

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La Ley del Silencio

2011-05-21T17:10:00.005+02:00

Comentario de LA LEY DEL SILENCIO

A la hora de evaluar la calidad de la obra de un artista en ocasiones hace su aparición algún notorio pasaje oscuro de su vida que ensombrece y distorsiona la opinión sobre su legado. En el caso del cine un ejemplo claro es el de Elia Kazan, uno de los directores norteamericanos más importantes de la década de los 50 y 60, cuyo recuerdo siempre suele ir unido a su participación en la infausta caza de brujas que sacudió Hollywood a comienzos de los años cincuenta. Dentro de las numerosas personalidades cinematográficas que fueron requeridas a testificar en el Comité de Actividades Antiamericanas a instancias del demencial senador McCarthy, Kazan fue uno de los que dio nombres de profesionales que presuntamente simpatizaban con ideas comunistas. En realidad, una mera y brutal purga que condenó al ostracismo a decenas de guionistas, directores y demás trabajadores de la industria. Sin embargo no se puede defenestrar directamente a Kazan sin conocer exactamente la situación que le llevó a cometer ese fatal error, si él mismo sufrió presiones o amenazas para delatar a compañeros. Lo que sí conviene siempre es mantener al margen de la polémica su producción cinematográfica, llena de títulos clave como sus tres colaboraciones con Marlon Brando: "Un Tranvía llamado Deseo" (1951), "Viva Zapata" (1952) y "La Ley del Silencio" (1954). A estos largometrajes se puede añadir la primera aparición de James Dean en "Al Este del Edén" (1955) o las aplaudidas "Río Salvaje" (1960) y "Esplendor en la Hierba" (1961).

No parece de todas formas casual que el tema principal de "La Ley del Silencio" sea la traición y posterior redención a través del personaje de Brando, un humilde estibador que trabaja en los muelles de Nueva York. El negocio en el puerto está controlado por mafiosos que revisan el cupo de trabajadores, las ganancias y que no dudan en recurrir al chantaje o la violencia para sus fines. Terry Malloy (Brando) actúa como topo de la mafia para salvar su propio pellejo hasta que un día contribuye a liquidar al hermano de Edie (Eva Marie Saint), una muchacha por la que Terry comienza a sentirse atraído a la vez que la culpa y los remordimientos van haciendo mella en su interior. Poco a poco, con la ayuda del párroco del barrio (Karl Malden), Terry decidirá plantar cara a los criminales e iniciar una revuelta laboral contra ellos para barrer del mapa a la infame ley del silencio que impera por doquier.

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Ficha técnica y artística

La Ley del Silencio (On the Waterfront). EEUU, 1954, 108 min.

Director: Elia Kazan

Intérpretes: Marlon Brando, Eva Marie-Saint, Karl Malden

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Crónica de Atticus Finch

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American Beauty

2011-05-14T17:45:00.004+02:00

Comentario de AMERICAN BEAUTY

Tras acumular durante años una amplia experiencia como director teatral en los escenarios británicos, Sam Mendes dio el salto a la industria cinematográfica en 1999 con una de las óperas primas más aplaudidas del cine reciente, la sobresaliente "American Beauty". Tras este éxito Mendes volvería a acertar con su segundo trabajo, "Camino a la Perdición" (2002), adaptación de una novela gráfica sobre mafiosos irlandeses en los años 30, que contaría para la ocasión con unos excepcionales Paul Newman y Tom Hanks en los papeles principales. Las siguientes obras del realizador inglés no han tenido sin embargo la misma repercusión, como la fallida cinta bélica "Jarhead" (2005), "Revolutionary Road" (2008) y la reciente "Un Lugar Donde Quedarse" (2009). A pesar de ello Mendes cuenta con las credenciales suficientes como para volver a ofrecer en cualquier momento un nuevo largometraje de gran calidad, aunque lo próximo que vayamos a ver dirigido por él sea la nueva entrega de la saga del espía británico por antonomasia, James Bond.

"American Beauty" supone un viaje al corazón de las tinieblas del sueño americano a través de los ojos de Lester (Kevin Spacey), un frustrado padre de familia que ve toda su vida como una monótona y gris representación de marionetas oxidadas. Junto a su mujer (Annete Bening) y su hija adolescente (Thora Birch) forman una familia más en el típico barrio residencial de clase media en el que viven, un auténtico microcosmos repleto de apariencias y convencionalismos que intentan tapar las realidades que se esconden en el interior de cada casa. La cámara de Mendes se abre paso a través de toda esa maraña para husmear en las glorias y miserias de estas personas mientras el insatisfecho Lester intenta desesperadamente dar un cambio a su rutina para volver a sentirse vivo. Una película en definitiva excelente, desde la dirección al guión pasando por un elenco interpretativo de primera.

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Ficha técnica y artística

American Beauty. EEUU, 1999, 122 min.

Dirección: Sam Mendes

Intérpretes: Kevin Spacey, Annete Bening, Thora Birch

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Crónica de El Maquinista

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Escenas para Recordar

2011-05-06T19:58:00.012+02:00

Comentario de ESCENAS PARA RECORDAR

Sin que sirva de precedente hoy este humilde cronista sale a la palestra para dedicar una entrada a una serie de escenas en respuesta a un amistoso desafío cinematográfico que me ha propuesto mi colega bloguero Piru (Cine: bélico, western, negro). El juego consiste en elegir una serie de escenas de películas para las diferentes categorías que me ha planteado. Mis elecciones no las considero ni mucho menos las mejores, primero porque no creo que se deba utilizar este adjetivo en el mundo del cine (ni en casi nada) y en segundo lugar porque hay tantos títulos a elegir que es imposible hacer una lista justa. Sin embargo los largometrajes que menciono sí que me parecen excelentes en sus categorías, así que allá vamos y espero que os gusten.

- Escena más graciosa: El humor que inunda "EL GRAN LEBOWSKI" (Hermanos Coen, 1998) es sin duda un humor negro y especial, lleno de un buen puñado de escenas kafkianas y delirantes, como es aquella en la que El Nota (Jeff Bridges) y su amigo Walter (John Goodman) improvisan en el coche un plan para cambiar el dinero del rescate que deben entregar por la ropa sucia de éste último. Surrealista.

- Escena más alegre: Aunque la película sea melancólica y aventurera, hay en "DOS HOMBRES Y UN DESTINO" (George Roy Hill, 1969) una preciosa escena en la que Paul Newman y Katharine Ross van juntos en bicicleta al ritmo de "Raindrops Keep Fallin' on My Head" que es sencillamente alegría pura de vivir.

- Escena más triste: La soledad más absoluta en un pueblo perdido de Tejas se refleja de forma demoledora pero impecable en el momento en el que el joven interpretado por Timothy Bottoms pierde a su amigo atropellado por un camión en la obra maestra de Peter Bogdanovich "LA ÚLTIMA PELÍCULA" (1971).

- Escena más agridulce: A medio camino entre la tragedia y la comedia se sitúa el dilema de Nino Manfredi de presentarse a las oposiciones a verdugo empujado por la necesidad y la presión de su suegro Pepe Isbert. Es la España mísera pero digna radiografiada con virtuosismo por Luis García Berlanga en "EL VERDUGO" (1963).

- Escena más rara: Las hay todavía más confusas, pero "MULHOLLAND DRIVE" (David Lynch, 2001) es un perfecto exponente de casi todo el cine de Lynch, raro en sí mismo.

- Escena más perturbadora: Cuando Bruce Willis descubre al final de "DOCE MONOS" (Terry Gilliam, 1995) que sus sueños en el presente antes de viajar en el tiempo son recuerdos de su pasado y que sus acciones están desencadenando los acontecimientos futuros que en teoría tenía que evitar, entonces todo tiene un perfecto y perturbador sentido. Casi tanto como el monolito de Stanley Kubrick y su odisea espacial.

- Escena de más suspense: El primer encuentro entre Jodie Foster y Anthony Hopkins en "EL SILENCIO DE LOS CORDEROS" (Jonathan Demme, 1991) en un oscuro pasillo de la prisión de máxima seguridad pone en vilo incluso a los ladrillos de las paredes.

- Escena más aterradora: Al pequeño hijo de Jack Nicholson en "EL RESPLANDOR" (Stanley Kubrick, 1980) le gusta recorrer las desiertas e inquietantes salas del hotel en su triciclo mientras la cámara le sigue a sus espaldas, por lo que nunca se sabe quién o qué puede aparecer al doblar la siguiente esquina.

- Escena más romántica: Aunque para los más ortodoxos no sea romántica al uso, la deliciosa escena de patinaje entre Natalie Portman y Thimothy Hutton en "BEAUTIFUL GIRLS" (Ted Demme, 1996) es el perfecto ejemplo del amor platónico e inalcanzable.

- Escena con mejor diálogo: No me entusiasma mucho "PULP FICTION" (Quentin Tarantino, 1994), pero he de reconocer que la conversación en la cafetería entre John Travolta y Samuel L. Jackson sobre los huevos con bacon y los animales poco higiénicos es una proeza de ingenio.

- Mejor escena sin diálogo: En "EL ESPÍRITU DE LA COLMENA" (Víctor Erice, 1973), una pequeña Ana Torrent desayuna junto a su padre Fernando Fernán Gómez mientras este observa en silencio su reloj, el cual ha aparecido en el bolsillo de un fugitivo abatido la noche anterior por la Guardia Civil. El cómo llegó allí lo empieza a entender cuando su mirada se cruza con la de su hija, sin que una sola palabra salga de sus bocas.

- Escena con mejor pelea: La lucha a espadas entre el maestro Chow Yun-Fat y la aprendiz Zhang Ziyi encaramados a las copas de los árboles de un bosque de bambú en la sobresaliente aventura que es "TIGRE Y DRAGÓN" (Ang Lee, 2000). Épica y lirismo fundidos en el mismo combate.

- Mejor escena musical: No soy un gran aficionado al género musical, así que mi margen de maniobra no es muy amplio. Elijo a Gene Kelly aguantando el chaparrón paraguas en mano en "CANTANDO BAJO LA LLUVIA" (Stanley Donen & Gene Kelly, 1952). Por cierto que según tengo entendido después de filmar la escena agarró un constipado impresionante, lo que le hace ganar puntos.

- Mejor escena de baile: Aunque a los puristas pueda no gustarles me quedo con el precioso y entrañable baile español entre Buzz Lightyear y Jesse al final de la excepcional "TOY STORY 3" (Lee Unkrich, 2010), al ritmo de "Hay un amigo en mi" cantado por los Gipsy Kings.

- Mejor discurso: Cuando Gregory Peck se levanta para hablar en el juicio en defensa del campesino negro acusado asistimos a una clase magistral de humanismo, coherencia y razón. Es su personaje clave, el paradigma del hombre bueno llamado Atticus Finch, en la obra maestra de Robert Mulligan "MATAR A UN RUISEÑOR" (1962).

- Mejor comienzo: La cámara de Orson Welles va adentrando magistralmente al espectador desde la siniestra puerta de entrada a la mansión Xanadú hasta la habitación donde los labios de Charles Foster Kane emiten el enigmático Rosebud en "CIUDADANO KANE" (Orson Welles, 1941).

- Mejor muerte: La llegada de la muerte nunca se puede considerar algo bueno en sí mismo, pero sí la forma de filmarlo. Elijo la melancólica y emocionante muerte de James Caviezel en la batalla de Guadalcanal cuando se ve rodeado de soldados japoneses que le gritan que se rinda. Primer plano del hombre que libra su propia guerra, intento de levantar el fusil y tiro que le atraviesa, fundido a negro y vuelta al paraíso de las aguas claras nadando entre niños. Es la obra maestra de Terrence Malick "LA DELGADA LÍNEA ROJA" (1998).

- Mejor clímax: El final del duelo a espadas láser entre Darth Vader y Luke Skywalker en "EL IMPERIO CONTRAATACA" (Irvin Keshner, 1980), con unos diálogos demoledores y certeros. La lucha de los dos lados de la Fuerza, el bien contra el mal, hecha cine.

- Mejor final: Cuando Humphrey Bogart ve finalmete despegar el avión de su querida Ingrid Bergman descubre que en el fondo es un sentimental y que ese puede ser el comienzo de una gran amistad con Claude Rains, en "CASABLANCA" (Michael Curtiz, 1942).

-Escena que nunca debió ser filmada: Podría haber elegido unas cuantas de David Cronenberg cuando al director canadiense le gustaba hacer productos dignos de serie Z, pero creo que lo mejor es que las escenas que no debieron ser rodadas se queden olvidadas en el pozo y no las mencionemos. Ese será su castigo.

- Mejor escena: Cuando Clint Eastwood empuña su viejo fusil y entra al saloon en busca de venganza acompañado por el sonido del trueno en "SIN PERDÓN" (Clint Eastwood, 1992), vemos en todo su esplendor las luces y las sombras del ser humano, los recovecos y las cicatrices que forjan la personalidad de un héroe y un villano. Para quitarse el sombrero, nunca mejor dicho.

Estas han sido mis elecciones, espero que os haya gustado la entrada y que hagáis todos los comentarios que se os ocurran. Me ha llevado bastante tiempo y trabajo escribir estas líneas. El próximo fin de semana volveremos al formato habitual con el comentario de una nueva y estupenda película. Hasta entonces.

Meditado por El Bueno de Cuttlas

Un Hombre para la Eternidad

2011-04-30T11:50:00.003+02:00

Comentario de UN HOMBRE PARA LA ETERNIDAD

El cine histórico ha encontrado desde hace muchas décadas una inagotable fuente de inspiración en los reinados de varios monarcas de Europa Occidental, los cuales ofrecen fascinantes historias llenas de épica, romance y traición, según los casos (y a veces todo junto). Dentro de las cinematografías anglosajonas lo más habitual ha sido recurrir a los avatares regios de Inglaterra y Escocia, relegando a españoles y franceses a un segundo plano o directamente en el papel de villanos. No obstante, existen numerosos y excelentes largometrajes que se centran únicamente en el interior de la corte inglesa, husmeando en sus propias grandezas y miserias. Dejando a un lado la abundante producción basada en obras literarias de Shakespeare, sin duda uno de los reinados que con más regularidad ha sido llevado a la gran pantalla es el de Enrique VIII, famoso por sus turbulentos acontecimientos políticos y religiosos. Uno de estos casos lo constituye la sobresaliente película "Un Hombre para la Eternidad", dirigida en 1966 por Fred Zinnemann, autor de importantes títulos como "Solo ante el Peligro" (1952), "De Aquí a la Eternidad" (1953) o "Chacal" (1973).

La cinta de Zinnemann narra el ascenso y caída de uno de los personajes más relevantes del reinado de Enrique VIII, el humanista Tomás Moro, autor de la célebre "Utopía". Moro, interpretado formidablemente por Paul Scofield, es un reputado hombre de leyes que gracias a su habilidad política y su buen hacer ha escalado puestos en la corte del monarca hasta alcanzar el puesto supremo de Lord Canciller, lo que supone ser el brazo derecho del rey. Sin embargo todo empieza a resquebrajarse cuando Enrique pretende obtener del Papa la anulación de su matrimonio con la reina Catalina de Aragón para así poder desposarse con la ambiciosa Ana Bolena. Ante la negativa de la máxima autoridad de la Iglesia católica, el monarca amenaza con romper la obediencia a Roma proclamándose él mismo líder religioso del país, lo que convertiría a Inglaterra en un país protestante. Toda la corte claudica ante el temerario propósito de Enrique salvo Moro, a quien sus profundas convicciones espirituales le impiden aceptar el plan del rey, además de considerarlo contrario a la Ley del reino. Esto provocará su caída política y una incansable persecución legal instada por el monarca para que el Parlamento lo declare culpable de alta traición.

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Ficha técnica y artística

Un Hombre para la Eternidad (A Man for All Seasons). EEUU, 1966, 120 min.

Dirección: Fred Zinnemann

Intérpretes: Paul Scofield, Vanessa Redgrave, Robert Shaw

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Crónica de Atticus Finch

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La Huella

2011-04-23T13:45:00.003+02:00

Comentario de LA HUELLA

Tras el duro golpe que supuso el batacazo económico de "Cleopatra" (1963), el director Joseph Mankiewicz tardaría unos años en volver a ponerse detrás de las cámaras. Sin embargo, sus dos últimos largometrajes, "El Día de los Tramposos" (1970) y "La Huella" (1972), suponen unos títulos excelentes con los que el reputado autor norteamericano se despediría del cine. Anteriormente, a lo largo de la década de los 50, ya se había consolidado con cintas ampliamente reconocidas como "Eva al Desnudo" (1950), "Julio César" (1953) o "De repente, el Último Verano" (1959); películas todas ellas en las que la labor interpretativa de sus actores jugaba un papel determinante. Esto también ocurre con especial énfasis en "La Huella", ya que ésta se basa en una obra teatral y Mankiewicz dispone únicamente de dos personajes encerrados en una decadente mansión, encarnados por los formidables Lawrence Olivier y Michael Caine. A través de un meticuloso guión, el director va desarrollando una atmósfera cada vez más opresiva con una puesta en escena perfectamente estudiada a la vez que ambos actores mantienen un duelo interpretativo de altura.

El largometraje narra la batalla psicológica que entablan Andrew Wyke (Olivier), afamado escritor de novelas de misterio, y el próspero empresario Milo Tindle (Caine), dueño de una cadena de peluquerías. Ambos se reúnen en la mansión campestre del primero para discutir ciertos asuntos personales, ya que la mujer del escritor está manteniendo un romance no muy secreto con el joven Milo. A Wyke poco parece importarle la aventura de su esposa, aunque en el fondo siente como un golpe a su orgullo el ver a un advenedizo peluquero ocupar su lugar. Con la excusa de resolver algunos aspectos económicos que podrían ser beneficiosos para ambos, el escritor le propone a Milo participar en un ingenioso plan que poco a poco irá convirtiéndose en una desquiciada espiral de destrucción mutua.

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Ficha técnica y artística

La Huella (Sleuth). EEUU-Reino Unido, 1972, 138 min.

Dirección: Joseph Mankiewicz

Intérpretes: Lawrence Olivier, Michael caine, Alec Cawthorne

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Crónica de El Maquinista

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Regreso al Futuro

2011-04-17T18:21:00.004+02:00

Comentario de REGRESO AL FUTURO

Los viajes en el tiempo han sido un recurso narrativo utilizado con frecuencia en cintas de diversos géneros cinematográficos, pero con especial relevancia en el campo de la ciencia-ficción. La aproximación al tema también ha contado con multitud de enfoques diferentes, desde la adaptación de la clásica máquina del tiempo de H. G. Wells ("El Tiempo en sus Manos", 1960) hasta los enigmáticos pasadizos espacio-temporales a través del Universo ("El Planeta de los Simios", 1968). Si bien en varios largometrajes el viaje en el tiempo sólo actúa como mera excusa para el desarrollo de la acción, en otros su repercusión condiciona todo el tejido narrativo de la historia, creando fascinantes paradojas como en "Terminator" (James Cameron, 1984) o especialmente en "Doce Monos" (Terry Gilliam, 1995), una de las obras más brillantes que se hayan realizado sobre esta temática. Por otro lado, la versión más abiertamente aventurera y cómica está presente en la película "Regreso al Futuro", que fue puesta en marcha por un joven Robert Zemeckis apadrinado por Steven Spielberg allá por la década de los años 80.

La cinta, ubicada en 1985, sigue la azarosa peripecia en que se verá envuelto Marty McFly (Michael J. Fox), un típico adolescente norteamericano de clase media que viste vaqueros, deportivas blancas y chalecos con hombreras. Su sueño consiste básicamente en ahorrar para comprarse una ranchera y graduarse en el instituto, pero afortunadamente Marty se distingue del resto del rebaño gracias a su amistad con un peculiar científico, el eminente Dr. Emmett Brown (Christopher Lloyd). Éste ha conseguido construir una máquina del tiempo con un automóvil DeLorean y un poderoso invento, el condensador de fluzo, que funciona con plutonio robado a los libios. Sin embargo, durante un experimento con la máquina, se produce un grave accidente y Marty es teletransportado en solitario treinta años atás en el tiempo, a 1955. Sin saber cómo volver a su época, el joven McFly tendrá que encontrar al profesor Brown de entonces, convencerlo de que procede del futuro y que lo ayude a regresar a casa.

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Ficha técnica y artística

Regreso al Futuro (Back to the Future). EEUU, 1985, 116 min.

Dirección: Robert Zemeckis

Intérpretes: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson

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Crónica de HAL-9000

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Million Dollar Baby

2011-04-09T19:04:00.004+02:00

Comentario de MILLION DOLLAR BABY

La carrera artística de Clint Eastwood supone un muy interesante ejemplo de cómo un actor popular ha conseguido a través de los años derribar los muros de los prejuicios y reivindicarse como un autor de primera fila, probablemente una de las mayores leyendas vivas del cine norteamericano. El éxito comenzó, paradojas del destino, en el sureste de España a mediados de los años 60, lugar donde Eastwood rodaría bajo las órdenes de Sergio Leone la excelente trilogía western compuesta por "El Bueno, el Feo y el Malo", "La Muerte Tenía un Precio" y "Por un Puñado de Dólares". Convertido en icono gracias a su poncho y su mirada de granito, el bueno de Clint se consagraría como el paradigma del hombre duro tras el estreno en EEUU de "Harry el Sucio" (Don Siegel, 1971) y sus posteriores secuelas. Durante la década de los 70 llegarían las estupendas "El Fuera de la Ley" (dirigida por él mismo) o "Fuga de Alcatraz", pero no es hasta finales de los 80 cuando Eastwood da el paso definitivo en su apuesta por la dirección, a partir de la sobresaliente "El Jinete Pálido" (1985). La confirmación definitiva, tanto de público como de crítica, llegaría siete años más tarde con "Sin Perdón", obra capital del autor y una de las cumbres del western crepuscular. Ya plenamente reconocido, Eastwood ha seguido añadiendo a lo largo de los últimos veinte años importantes títulos a su filmografía de actor/director, como "Los Puentes de Madison", "Mystic River", "Cartas desde Iwo Jima" o "Million Dollar Baby".

Este último largometraje recorre la historia del atormentado entrenador de boxeo Frankie Dunn (Eastwood) y la de la pupila que toma a su cargo (Hillary Swank), una joven que desea huir de su dura vida a través de las peleas en el cuadrilátero. Escoltado por su antiguo amigo de combates (Morgan Freeman), Frankie comienza a entrenar a su boxeadora para ascender peldaños deportivos a la vez que desarrolla poco a poco un profundo afecto por ella, viendo en su figura a la hija que no ve desde hace años.

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Ficha técnica y artística

Million Dollar Baby. EEUU, 2004, 132 min.

Dirección: Clint Eastwood

Intérpretes: Clint Eastwood, Hillary Swank, Morgan Freeman

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Crónica de El Maquinista

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Vivir

2011-04-02T18:40:00.009+02:00

Comentario de VIVIR

El cine asiático aterrizó formalmente en Occidente cuando en 1950 el director japonés Akira Kurosawa recibe el León de Oro en el festival de Venecia y el Oscar a la mejor película extranjera por "Rashomon", la historia de un crimen narrada desde cuatro puntos de vista diferentes. Aunque el realizador nipón había comenzado su carrera cinematográfica hacía ya veinte años, fue a partir de este hecho cuando entra en una prolífica época creativa en la que rodaría importantes cintas reconocidas internacionalmente, como "Vivir", "Los Siete Samuráis" o "Yojimbo". Su obra pivotaría casi siempre sobre dos temáticas muy definidas: historias cotidianas de la sociedad japonesa contemporánea y los relatos de aventuras samuráis de la época feudal. A su vez, la mayor parte de los largometrajes estarían protagonizados por su mítico actor fetiche, Toshiro Mifune. A partir del estreno de "Barbarroja" en 1965, Kurosawa pasaría a una etapa de madurez en la que, ya consagrado, rodaría una película cada lustro. De este modo aún ofrecería obras monumentales como "Dersu Uzala" (1975) o "Ran" (1985), portentosas cintas que cierran la trayectoria del que es considerado como uno de los directores asiáticos más sobresalientes del siglo XX.

"Vivir" narra la historia de Kanji Watanabe, un gris funcionario japonés que ha consagrado los últimos treinta años de su existencia a sus pesadas tareas administrativas en el ayuntamiento de su ciudad. Convertido en una momia viviente, Kanji pasa sus monótonos días de trabajo tramitando formularios e informes inútiles, dejando que su antigua capacidad de iniciativa haya sido completamente sepultada por la incompetencia del monstruoso y kafkiano entramado burocrático. Un día su rutina se ve brutalmente sacudida al conocer que padece una grave enfermedad en un estado tan avanzado que la hace incurable y que acabará con su vida en el plazo de pocos meses. Ante la perspectiva de un final tan próximo, Kanji se ahoga en el miedo hacia la muerte y el dolor de pensar que ha pasado por el mundo como un fantasma, intentando recordar cómo perdió la ilusión y la vitalidad de su juventud. Con todos estos pensamientos vibrando en su interior empieza a trazar un plan de redención para volver a sentirse vivo y encontrar el espíritu de aquél hombre que fue en su día, antes de que el tiempo se le acabe del todo.

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Ficha técnica y artística

Vivir (Ikiru). Japón, 1952, 137 min.

Dirección: Akira Kurosawa

Intérpretes: Takashi Shimura, Nobuo Kaneko, Kyôko Seki

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Crónica de Atticus Finch

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Bonnie & Clyde

2011-03-26T11:21:00.004+01:00

Comentario de BONNIE & CLYDE

La década de los años 60 supuso un punto de inflexión en la historia contemporánea de muchas naciones occidentales, a lo cual no estuvo ajeno de ningún modo Estados Unidos. El país vivió una época de importantes cambios sociales y políticos (derechos civiles, guerra de Vietnam, movimientos contraculturales) que afectaron de manera lógica a las producciones cinematográficas, incluyendo el nacimiento del llamado cine independiente norteamericano. Las temáticas de los largometrajes empezaron a abrirse a campos antes vetados por la censura o la correción política, a la vez que el tratamiento que se hacía de ellos también evolucionaba. Al mismo tiempo, varios realizadores procedentes del mundo de la televisión dieron el salto a la gran pantalla, como es el caso de Arthur Penn. Éste había obtenido ya un notable éxito en 1958 con su primera película, "El Zurdo", donde Paul Newman daba vida al legendario forajido Billy El Niño. Durante la década siguiente se convertiría en uno de los directores estadounidenses más relevantes al encadenar títulos tan reconocidos como "El Milagro de Anna Sullivan", "Pequeño Gran Hombre " y sobre todo las obras maestras "La Jauría Humana" y "Bonnie & Clyde".

Esta última cinta narra la accidentada vida de los atracadores de bancos Bonnie Parker y Clyde Barrows (Faye Dunaway y Warren Beatty, respectivamente), que sembraron el caos en el sur de los EEUU durante la época de la Gran Depresión. Con el trasfondo de un país devastado por la crisis económica de los años 30, ambos emprenden una constante huida adelante tras cada atraco a la vez que su rastro de violencia va aumentando de forma dramática. Convertidos en unos de los mayores enemigos públicos para las fuerzas de seguridad, los fugitivos cuentan sin embargo con la simpatía de parte de la población rural, aquellos a los que la crisis ha convertido en parias y que sienten un odio profundo hacia los bancos y el sistema que ha permitido la hecatombe social. No obstante, nada de ello evitará que la pareja tenga que enfrentarse desde Tejas a Missouri a la continua caza por parte de unos agentes de la ley que no buscan detenerlos, sino matarlos y acabar con ellos para siempre.

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Ficha técnica y artística

Bonnie & Clyde. EEUU, 1967, 111 min.

Director: Arthur Penn

Intérpretes: Warren Beatty, Faye Dunaway, Gene Hackman

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Crónica de El Maquinista

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Desmontando a Harry

2011-03-19T19:11:00.005+01:00

Comentario de DESMONTANDO A HARRY

Woody Allen inició su trayectoria cinematográfica como guionista y director a comienzos de la década de los 70 con una serie de simpáticas comedias hasta que en 1977 obtuvo el reconocimiento unánime con la premiada "Annie Hall", primer punto de inflexión importante en su carrera. A partir de entonces encadenaría quince años de plenitud creativa con sus actrices fetiche (Diane Keaton y Mia Farrow) en títulos clave como "Manhattan", "La Rosa Púrpura del Cairo", "Hanna y sus Hermanas" o "Delitos y Faltas". A mediados de los 90 empezaría a dar muestras de cierto estancamiento creativo a pesar de estrenar excelentes cintas ("Misterioso Asesinato en Manhattan", "Desmontando a Harry"). Este hecho es debido probablemente a la excesiva producción del cineasta, el cual lleva treinta y cinco años realizando una película cada año, la mayoría sobre los mismos temas tan recurrentes del universo Allen: relaciones personales, Nueva York, intelectuales, judaísmo o psicoanálisis. El cambio de siglo ha visto definitivamente un declive en la calidad de sus obras, aunque también ha proporcionado alguna agradable sorpresa, como "Match Point", donde el director maneja de forma precisa los códigos del suspense.

"Desmontando a Harry" disecciona la frustrada vida de Harry Block, un exitoso escritor de novelas que se inspira en sus propias experiencias personales para escribir sus historias. Este hecho hace que varios de sus familiares y amistades se sientan molestos con él al ver reflejados detalles de su intimidad en los libros. Un día Harry recibe una invitación de su antigua universidad, de la que fue expulsado, para realizarle un homenaje por su fructífera carrera literaria. Ante la perspectiva de tener que acudir en solitario al acto, Harry comienza a buscar desesperadamente a alguien que le acompañe. A lo largo de su disparatado desafío se tropieza con sus creaciones literarias reencarnadas en la realidad, a la vez que él mismo viaja al universo de sus propios relatos. Todo esto le llevará a comprender que su personalidad sencillamente no encaja en el mundo real.

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Ficha técnica y artística

Desmontando a Harry (Deconstructing Harry). EEUU, 1997, 96 min.

Dirección: Woody Allen

Intérpretes: Woody Allen, Elisabeth Sue, Billy Crystal

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Crónica de Atticus Finch

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El Curioso Caso de Benjamin Button

2011-03-12T13:55:00.004+01:00

Comentario de EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

David Fincher debutó en el mundo de la realización hace casi dos décadas con el encargo de rodar la tercera parte de la saga "Alien", la oscura aventura de ciencia-ficción que catapultó a la fama a Ridley Scott en 1979. Sin embargo el gran éxito le llegaría a Fincher con su siguiente trabajo, "Seven", la cinta que probablemente más ha influido en el thriller policiaco contemporáneo junto con el "Silencio de los Corderos". El director norteamericano continuaría después su carrera con interesantes trabajos de suspense ("The Game", "La Habitación del Pánico") e incluso perpetraría algún que otro despropósito como "El Club de la Lucha", infame película que suele generar opiniones extremas a favor o en contra (en el caso de este cronista obviamente es esto último). Ya entrados en el nuevo siglo, Fincher parece haber decidido abrir el abanico de sus temáticas habituales con "Zodiac", "La Red Social" y la excelente "El Curioso Caso de Benjamin Button", largometraje que hoy nos ocupa.

La cinta narra la compleja vida de Benjamin (Brad Pitt), un hombre que nace en extrañas circunstancias en la Nueva Orleans de 1918. Su cuerpo de recién nacido poseé las arrugas y salud de un anciano octogenario y, tras superar una delicada infancia, continúa creciendo a la inversa: mientras más años cumple y crece su cuerpo, más joven se encuentra. Este inusual hecho condena al protagonista a una existencia completamente diferente a la de los demás, lo cual es finalmente aceptado por Benjamin como una particularidad de su propio ser. Sabedor de que tendrá que afrontar en solitario multitud de desafíos, decide vivir sin miedos ni complejos su vida, toda una aventura en sí misma donde una mujer será su principal conexión con el avance temporal del mundo. Daisy (Cate Blanchett), a la que conoce desde pequeño, crecerá con él durante los años, pero cada uno en inevitables direcciones opuestas.

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Ficha técnica y artística

El Curioso Caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button). EEUU, 2008, 167 min.

Dirección: David Fincher

Intérpretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Tilda Swinton

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Crónica de El Maquinista

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Taxi Driver

2011-03-05T10:34:00.003+01:00

Comentario de TAXI DRIVER

A comienzos de la década de los 70 del siglo pasado una nueva generación de jóvenes cineastas norteamericanos empezaron a tomar las riendas de la cinematografía de su país con películas de gran calidad. Algunos ejemplos bien conocidos son Peter Bogdanovich ("La Última Película", 1971), Francis Ford Coppola ("El Padrino", 1972), George Lucas ("American Graffiti", 1973) o Steven Spielberg ("Tiburón", 1975). A estos se une por méritos propios Martin Scorsese, que logró despuntar con sus primeros largometrajes ("Alicia ya no vive aquí", "Malas Calles") para confirmarse de manera definitiva al estrenar "Taxi Driver" en 1976. Esta cinta consolidaría también su fructífera colaboración profesional con el actor Robert De Niro, con quien desarrollaría en los siguientes años otras obras clave para ambos ("Toro Salvaje", "Uno de los Nuestros", "Casino"). Desde hace casi una década Leonardo DiCaprio ha tomado el relevo de De Niro como intérprete fetiche del realizador italo-americano, participando en películas notables como "El Aviador" o "Infiltrados".

"Taxi Driver" supone un viaje al corazón de las tinieblas de la ciudad de Nueva York a través de los ojos de Travis Bickle (De Niro), un veterano de la guerra de Vietnam que trabaja como taxista en el turno de noche para combatir su insomnio crónico. Durante las interminables horas que pasa al volante Travis observa asqueado el lado oscuro de la metrópoli, los seres que ocupan sus calles al abrigo de la oscuridad y los males que surgen por doquier: pandillas, tráfico de drogas, prostitución... Su rabia se acentúa semana tras semana al mismo tiempo que se ve cada vez más atrapado en su solitaria y sórdida rutina de vida. El punto de no retorno lo marca el día que conoce por casualidad a una joven de trece años (Jodie Foster) atrapada en una red de proxenetas. El taxista decidirá entonces pasar a la acción y limpiar él mismo las calles, para lo cual empieza un exhaustivo plan de entrenamiento físico y manejo de armas. Convertido así en un ángel exterminador cegado por sus propias frustraciones, Travis no se detendrá hasta poner en marcha una brutal cadena de acontecimientos que sacudirán su vida por completo.

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Ficha técnica y artística

Taxi Driver. EEUU, 1976, 113 min.

Dirección: Martin Scorsese

Intérpretes: Robert De Niro, Jodie Foster, Cybill Shepherd

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Crónica de HAL-9000

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El Piano

2011-02-26T20:38:00.005+01:00

Comentario de EL PIANO

La cinematografía de Oceanía carecía prácticamente de presencia en las pantallas occidentales hasta que a comienzos de los años 80 los directores australianos Peter Weir y George Miller se abrieron paso internacionalmente con "Gallipoli" y "Mad Max", respectivamente. A partir de entonces el flujo de artistas procedentes del continente austral se fue incrementando notablemente sobre todo en el apartado interpretativo, con ejemplos como Mel Gibson, Nicole Kidman, Cate Blanchet o Russell Crowe. Nueva Zelanda ha permanecido en cambio más en la sombra, contando únicamente con Peter Jackson y Jane Campion como realizadores medianamente conocidos fuera de sus fronteras. Esta última inició su irregular carrera cinematográfica en su país natal a comienzos de la década de los 90, consiguiendo un grán exito con su tercer largometraje, la excelente "El Piano". Campion también firma el guión de esta gran película que contó con un reparto de gran nivel (Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill y una jovencísima Anna Paquin) al igual que una banda sonora inolvidable a cargo del compositor Michael Nyman.

La cinta relata la historia de Ada, una joven escocesa muda que acaba de enviudar y a quien su padre envía a Nueva Zelanda para un matrimonio concertado con un colono local. La mujer parte así hacia las antípodas acompañada por su pequeña hija y su querido piano, un instrumento que toca con gran virtuosismo y que le sirve como forma de expresar sus sentimientos a través de la música. Una vez en tierras neozelandesas Ada y su hija son recibidas por el nuevo cabeza de familia, quien se niega a transportar hasta su casa el pesado piano, el cual queda abandonado en la playa hasta que es rescatado por un vecino de la zona. Este hombre, un antiguo marinero que ha adoptado costumbres maoríes, establece un pacto con Ada: ella podrá acudir a su cabaña a tocar el piano a cambio de que también le de clases, lo cual desembocará poco a poco en una relación especial entre ambos.

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Ficha técnica y artística

El Piano (The Piano). Nueva Zelanda, 1993, 121 min.

Dirección: Jane Campion

Intérpretes: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill

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Crónica de El Maquinista

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La Calumnia

2011-02-19T11:02:00.004+01:00

Comentario de LA CALUMNIA

William Wyler se erige por méritos propios como uno de los directores norteamericanos más importantes del siglo pasado, autor de un buen número de grandes obras a lo largo de más de cuarenta años de carrera profesional. Tras debutar a comienzos de los años 30, Wyler se consolida durante esta década y la siguiente con títulos clave como "Desengaño", "Cumbres Borrascosas", "El Forastero" o "Los Mejores Años de Nuestra Vida". Como tantos otros importantes cineastas de su generación, este director tiene sus orígenes familiares en Centroeuropa, lugar de donde proceden un buen puñado de los realizadores que forjaron la edad de oro de los estudios de Hollywood. Durante los años 50 Wyler se consagra con cintas ampliamente respaldadas por crítica y público y que pertenecen al imaginario colectivo del cine: "Vacaciones en Roma", "Horizontes de Grandeza" y "Ben-Hur". Ya en la madurez, aún tendría tiempo para filmar en los 60 obras magistrales como "El Coleccionista" o "La Calumnia", largometraje que hoy nos ocupa.

"La Calumnia" está protagonizada por unas espléndidas Audrey Hepburn y Shirley MacLaine, quienes dan vida a dos jóvenes amigas (Karen y Martha) que tras graduarse en la universidad han abierto una pequeña residencia para niñas donde las cuidan y dan clase. Tras años de esfuerzo la institución comienza a ser rentable y ambas esperan un futuro próspero, especialmente Karen, que está a punto de comprometerse con el médico de la localidad (interpretado por James Garner). Sin embargo un día todo comienza a desmoronarse a partir de una diabólica mentira nacida de los labios de una de sus alumnas, una niña rencorosa en la que la maldad se ha hecho carne. Esta insinúa a su abuela que Karen y Martha mantienen una relación que va más allá de la amistad. Tras una serie de fatales coincidencias y testimonios bajo presión , el fantasma de la homosexualidad se extiende entre los padres del resto del alumnado, lo que desencadena el abandono en masa de la residencia y la acusación sin pruebas a ambas mujeres. Estas se verán rechazadas socialmente y condenadas al ostracismo por culpa de una burda calumnia alimentada por los prejuicios e ignorancia de la comunidad a la que pertenecen.

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Ficha técnica y artística

La Calumnia (The Children's Hour). EEUU, 1961, 107 min.

Dirección: William Wyler

Intérpretes: Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, James Garner

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Crónica de Atticus Finch

Origen

2011-02-12T13:28:00.008+01:00

Comentario de ORIGEN

Christopher Nolan se dio a conocer hace once años con su segundo largometraje, la independiente "Memento", un enigmático thriller psicológico cuya estructura narrativa constitutía un rompecabezas temporal en el que su protagonista perdía la memoria continuamente. Este trabajo permitió al director británico contar con mayores recursos para su siguiente película, "Insomnia", ya respaldada por los grandes estudios. Otro punto de inflexión en la carrera de Nolan supondría el encargarse a continuación de la nueva adaptación para la gran pantalla de Batman, el famoso personaje de comic que ya contaba con cuatro largometrajes realizados en las últimas dos décadas a cargo de Tim Burton y Joel Schumacher. Sin embargo, el acercamiento a esta mítica figura que propuso Nolan pretendía refundar la saga del hombre murciélago mediante una perspectiva más adulta y sombría, dando como resultado las notables "Batman Begins" y "El Caballero Oscuro". Convertido en uno de los jóvenes directores más respetados de la industria, Nolan es hoy considerado un hábil realizador y guionista capaz de filmar grandes éxitos de taquilla con una calidad cinematográfica incuestionable, como su más reciente trabajo, la excelente "Origen".

Esta película sigue los pasos de Dom Cobb (Leonardo DiCaprio), un hombre que lidera un equipo especializado en penetrar en el subconsciente de otras personas a través de los sueños para robar secretos industriales que luego venden a la competencia. Debido a su profesión al margen de la ley, Cobb es perseguido en multitud de países y no puede entrar en territorio estadounidense, donde viven sus pequeños hijos. Un día un empresario japonés le ofrece la posibilidad de ver retirados los cargos contra él en Norteamérica si realiza un trabajo especial. La misión ya no es extraer un secreto de la mente de otro, sino de algo mucho más complejo, implantar una nueva idea, lo que se conoce con el nombre en clave de origen. Aceptado el desafío, Cobb y sus hombres se sumergirán en las profundidades del subconsciente del objetivo, el joven heredero de una gran corporación, explorando sueños dentro de los propios sueños donde el tiempo se dilata y las leyes de la física pueden saltar en pedazos. Con la amenza de quedar atrapado en los dominios de ese mundo onírico y no volver a despertarse, Cobb deberá luchar también contra sus propios miedos y recuerdos que le asaltan en los sueños, consecuencia de un pasado trágico y secreto.

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Ficha técnica y artística

Origen (Inception). EEUU, 2010, 148 min.

Dirección: Christopher Nolan

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard

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Crónica de HAL-9000

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Salvar al Soldado Ryan

2011-02-05T10:21:00.005+01:00

Comentario de SALVAR AL SOLDADO RYAN

El año de 1998 marcó un punto de inflexión en el cine bélico, un género que por aquél entonces llevaba una década en el dique seco. En esta fecha se estrenaron dos obras clave, completamente diferentes en fondo y forma, que revitalizarían de manera decisiva el género. Por un lado el director Terrence Malick, que había rodado dos cintas de culto en la década de los 70 ("Malas Tierras" y "Días del Cielo"), se puso detrás de las cámaras veinte años después para relatar un viaje poético y brutal al corazón de los hombres convertidos en soldados por el destino. El resultado, una obra maestra llamada "La Delgada Línea Roja", cuyo escenario se sitúa en la batalla de Guadalcanal, en el frente del Pacífico de la II Guerra Mundial, donde miles de estadounidenses y japoneses se enfrentaron en una pequeña isla convertida en un verdadero infierno. Por otro lado el prolífico Steven Spielberg estrenó otra gran película, "Salvar al Soldado Ryan", ubicada en el norte de Francia tras el desembarco de Normandía de 1944. Sus primeros treinta minutos, que muestran el propio desembarco de las fuerzas norteamericanas en la playa Omaha, sentaron cátedra sobre cómo habrían de rodarse posteriormente las escenas de combate hiperrealistas.

Este largometraje sigue los pasos del capitán John Miller (Tom Hanks) y de un pequeño grupo de hombres a los que se les asigna la misión de encontrar en el frente al soldado James Ryan, el cual acaba de perder a sus tres hermanos en la guerra y ha recibido el billete de vuelta a casa. Con este difícil cometido parten hacia el interior de Normandía tan solo un paso por detrás de la primera línea de combate, siempre acechados por el enemigo alemán. Atravesando pueblos devastados y en ruinas, todos mascullan en silencio el dilema que se les presenta, arriesgar las vidas de ocho hombres para salvar a alguien del que únicamente conocen su nombre, Ryan.

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Ficha técnica y artística

Salvar al Soldado Ryan (Saving Private Ryan). EEUU, 1998, 169 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Tom Hanks, Edward Burns, Tom Sizemore

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Crónica de Atticus Finch

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Chinatown

2011-01-29T21:09:00.005+01:00

Comentario de CHINATOWN

La carrera cinematográfica de Roman Polanski se ha visto fuertemente condicionada a lo largo de los años por algunos acontecimientos de su vida personal. Tras debutar en 1962 con la producción polaca "El Cuchillo en el Agua", la buena acogida internacional de la cinta le permite cruzar el Telón de Acero y realizar en Gran Bretaña sus siguientes trabajos durante la década de los 60: "Repulsión", "Callejón sin Salida" y "El Baile de los Vampiros". En 1968 desembarca en EEUU con la gran obra de suspense "La Semilla del Diablo", largometraje clave en su trayectoria pero rodeado también de una aureola de leyenda negra debido al crimen perpetrado poco después por el clan Manson y que conllevó la pérdida de su mujer e hijo. Tras el duro golpe Polanski vuelve a ponerse detrás de las cámaras y en 1974 filma el clásico contemporáneo de cine negro "Chinatown", protagonizado por Jack Nicholson y Faye Dunaway. Sin embargo a los pocos años se ve envuelto en un proceso judicial por abuso de una menor y huye ilegalmente de EEUU, país que no ha vuelto a pisar desde entonces. Las últimas cuatro décadas de su filmografía se han desarrollado así pues en Europa, donde ha realizado importantes largometrajes como la maravillosa "Tess", "La Muerte y la Doncella" o "El Pianista", con la cual volvió a resurgir a comienzos de la presente década.

"Chinatown" relata el misterioso caso en que se ve envuelto el detective privado de Los Ángeles Jake Gittes, en 1937. Tras ser contratado para espiar a un ingeniero del servicio de aguas de la ciudad, pronto se verá inmerso en una trampa en la que están involucrados intereses urbanísticos, corrupción y crímenes sin respuesta aparente. Perseguido por poderosos enemigos, Jake habrá de llegar hasta el final de su investigación para resolver el rompecabezas y poner a salvo su vida.

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Ficha técnica y artística

Chinatown. EEUU, 1974, 131 min.

Dirección: Roman Polanski

Intérpretes: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston

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Crónica de El Maquinista

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Único Testigo

2011-01-22T14:47:00.004+01:00

Comentario de ÚNICO TESTIGO

El director australiano Peter Weir se dio a conocer internacionalmente en 1981 con "Gallipoli", el emotivo relato de uno de los mayores desastres bélicos de las tropas del continente austral durante la I Guerra Mundial. Esta cinta supondría de igual modo un excelente trampolín para la carrera de un por aquél entonces jovencísimo Mel Gibson. Ambos volverían a unirse dos años después para filmar la también exitosa "El Año que Vivimos Peligrosamente", lo que abrió definitivamente a Weir las puertas de la industria cinematográfica norteamericana. Ya asentado en los EEUU, dirigiría a lo largo de esa década dos importantes títulos que conjugaron gran calidad y satisfactoria acogida de público: "Único Testigo" y "El Club de los Poetas Muertos". Reconocido ya como uno de los realizadores contemporáneos más importantes del Hemisferio Sur, Weir filmó en los noventa la excelente "El Show de Truman", devastadora crítica contra los programas de telerrealidad, y ya en el nuevo milenio la monumental "Master & Commander", puro cine de aventuras naval.

El largometraje hoy comentado sigue los pasos del detective de Filadelfia John Book (Harrison Ford), al que le ha sido asignada la protección de un niño testigo de un crimen en la ciudad. El pequeño y su madre, ambos pertenecientes a la agrupación cristiana de los amish, comienzan a ser perseguidos por los asesinos con el objetivo de ser liquidados. Ante la desesperada situación, Book decide que ambos se reintegren en su comunidad religiosa, situada en una pequeña aldea de Pennsylvania, a la vez que él mismo se infiltra entre los amish para poder vigilar mejor a sus protegidos. De un día para otro el detective sufrirá el enorme choque cultural que supone convivir con unas personas instaladas en un modo de vida anclado en el siglo XVII y encerrados por completo en su propio universo.

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Ficha técnica y artística

Único Testigo (Witness). EEUU, 1985, 112 min.

Dirección: Peter Weir

Intérpretes: Harrison Ford, Kelly McGillis, Danny Glover

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Crónica de Atticus Finch

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Toy Story 3

2011-01-15T11:01:00.004+01:00

Comentario de TOY STORY 3

Hace quince años los estudios de animación Pixar estrenaron la primera película realizada íntegramente por ordenador, "Toy Story". Aclamada por crítica y público, el largometraje sentó las bases de la nueva animación digital en un mundo en el que reinaba la tradicional técnica de dos dimensiones, pero además demostró que su éxito no se supeditaba únicamente a su alto nivel tecnológico, sino también a una excelente historia protagonizada por unos personajes entrañables. A partir de entonces, Pixar fue estrenando cintas cada vez más ambiciosas y con mayor frecuencia, hasta conseguir lanzar actualmente una por año. Así han llegado a la gran pantalla obras como "Monstruos S.A.", "Toy Story 2", "Wall-E" o "Up". En este periodo de tiempo la animación clásica ha desaparecido prácticamente de la oferta cinematográfica occidental, quedando como último bastión el anime japonés con los estudios Ghibli de Hayao Miyazaki en cabeza ("La Princesa Mononoke", "El Viaje de Chihiro"). A pesar de que hoy en día existen numerosas productoras dedicadas a la animación por ordenador, ninguna ha conseguido todavía igualar la calidad de las cintas elaboradas por Pixar, la cual sigue como referente indiscutible del sector.

"Toy Story 3" supone el más reciente trabajo de este carismático estudio y el broche de oro para la trilogía protagonizada por los juguetes Woody, Buzz Lightyear y compañía. Tras vivir innumerables aventuras y ratos de felicidad en la casa de su dueño, el pequeño Andy, el tiempo parece haber pasado para ellos. Andy se ha hecho mayor y, con diecisiete años cumplidos, pronto marchará a la universidad dejando atrás a unos juguetes que llevan demasiado tiempo guardados en una caja de cartón, frustrados y con la incertidumbre de cual será su destino. Debido a un fatal malentendido todos irán a parar a una guardería de la que tratarán finalmente de escapar para volver a casa. La grandeza de este largometraje, al igual que la de las dos entregas anteriores de la saga, es la capacidad de sentir empatía y ternura por unos seres de trapo, plástico o metal, pero con alma y vida dentro de ellos. Los valores que proclama de amistad, unidad y lealtad son los cimientos sobre los que se teje esta historia que enseña que aunque el tiempo avance inexorablemente, los buenos recuerdos perduran por siempre.

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Ficha técnica y artística

Toy Story 3. EEUU, 2010, 103 min.

Dirección: Lee Unkrich

Intérpretes (voz): Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack

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Crónica de Kodama

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La Milla Verde

2011-01-08T20:43:00.004+01:00

Comentario de LA MILLA VERDE

Tras iniciarse como guionista en la televisión, Frank Darabont debutó en la dirección en 1994 adaptando para la gran pantalla un relato de Stephen King en la obra maestra "Cadena Perpetua". Obtenido ya el reconocimiento tanto de la crítica como del público, el realizador norteamericano tardaría cinco años en ponerse de nuevo detrás de las cámaras para rodar su segundo largometraje, "La Milla Verde". De nuevo la historia se desarrolla en una penitenciaría, aunque en este caso existe un fuerte componente sobrenatural a lo largo de todo el metraje de la cinta. Darabont continuaría posteriormente su filmografía con "The Majestic", retrato de la caza de brujas de Hollywood en la década de los 50, y "La Niebla", basada en otra obra de su escritor fetiche Stephen King.

"La Milla Verde" relata la reclusión del preso negro John Coffey (Michael Clarke Duncan) en el corredor de la muerte de una cárcel norteamericana en los años 30. Condenado a la silla eléctrica por un brutal crimen, John se descubre como una persona totalmente fuera de lo común, lo que llama profundamente la atención de su carcelero (Tom Hanks). A partir de entonces comienzan a ocurrir sucesos inexplicables que están más allá de la comprensión humana, pero cuyo origen parece ser el tímido y gigantesco John. A pesar de su larga duración, la película cuenta con un sólido argumento y la labor de los actores resulta soberbia, incluidos los estupendos secundarios (David Morse, Barry Pepper, Bonnie Hunt, etc). Esto, junto a la labor de Darabont en el guión y la dirección dan como resultado un largometraje sobresaliente, incluida su banda sonora.

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Ficha técnica y artística

La Milla Verde (The Green Mile). EEUU, 1999, 189 min.

Dirección: Frank Darabont

Intérpretes: Tom Hanks, Michael Clarke Duncan, David Morse

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Crónica de El Maquinista

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La Huida

2011-01-01T14:28:00.006+01:00

Comentario de LA HUIDA

El nombre de Sam Peckinpah está inequívocamente unido a dos factores clave presentes a lo largo de sus veinticinco años de carrera cinematográfica: el western y la violencia. El primero fue su género fetiche, con el que se consolidó como director durante los años 60 ("Duelo en Alta Sierra", "Mayor Dundee") hasta llegar al punto de inflexión de 1969 con el estreno de la devastadora "Grupo Salvaje", icono del western crepuscular más descarnado. En este largometraje Peckinpah dio rienda suelta a su concepción de la violencia como algo intrínsecamente ligado al hombre, siempre latente en el interior de unos personajes acorralados, completos antihéroes que recurren a sus instintos más primarios para sobrevivir (o no). Todas estas características se consolidaron durante la década siguiente en otras obras mayores, como "Perros de Paja", "La Huida" o "Pat Garret y Billy The Kid". Peckinpah siguió manteniendo en ellas su sello de autor, las poderosas cámaras lentas en los momentos álgidos, el extraño lirismo de los combates y la profunda melancolía de sus protagonistas. Hoy está considerado como uno de los directores norteamericanos más importantes de aquellos años y pieza clave en la perspectiva revisionista del western que perdura hasta nuestros tiempos.

"La Huida" supuso la segunda colaboración entre Sam Peckinpah y el actor Steve McQueen, quien contaba ya por entonces con una sólida filmografía ("Bullitt", "La Gran Evasión", "Los Siete Magníficos"). Al reparto se uniría Ali MacGraw, lanzada al estrellato dos años antes gracias a la exitosa "Love Story". Ambos intérpretes se conjugaron a la perfección para dar vida a una pareja de atracadores de bancos envueltos en una violenta huida a lo largo del estado de Texas tras cometer un asalto a una pequeña sucursal local. Perseguidos tanto por las fuerzas de seguridad como por sus socios criminales, los dos comienzan un viaje contra-reloj rumbo a la frontera mexicana a través de parajes inhóspitos y ásperos, siempre recurrentes en el cine de Peckinpah.

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Ficha técnica y artística

La Huida (The Getaway). EEUU, 1972, 122 min.

Dirección: Sam Peckinpah

Intérpretes: Steve McQueen, Ali MacGraw, Ben Johnson

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Crónica de Atticus Finch

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La Batalla de Argel

2010-12-25T13:29:00.005+01:00

Comentario de LA BATALLA DE ARGEL

Durante las décadas de los 60 y 70 surgió con fuerza en Occidente un género de películas que acabó conociéndose como cine político, debido a las temáticas que trataba y su fuerte carga de denuncia social. Hija de su tiempo, esta cinematografía no era sino el reflejo de las duras batallas ideológicas que se libraban en Europa y el resto del mundo, siendo el griego Costa-Gavras y el italiano Gillo Pontecorvo dos de los más reconocidos directores de este género. A pesar de que algunas de sus obras hayan quedado hoy en día obsoletas a causa de su parcialidad hacia ciertos movimientos políticos (generalmente de extrema izquierda) o incluso terroristas, lo cierto es que un puñado de sus largometrajes resisten el paso del tiempo gracias a su enorme calidad cinematográfica y a un discurso narrativo plenamente coherente. Tal es el caso de "Desaparecido" y "Z", de Costa-Gavras. La primera relata la dramática búsqueda de un joven norteamericano apresado durante los primeros días del golpe militar chileno de 1973 perpetrado por Augusto Pinochet, mientras que la segunda muestra la persecución a la que se ve sometida la oposición política en una titubeante democracia europea.

En cuanto a Pontecorvo, "La Batalla de Argel" representa sin duda su obra magna, con una impecable dirección realista adelantada a su época. Este largometraje nos sitúa en la Argelia colonial a finales de los años 50, donde se libra una feroz lucha soterrada entre el gobierno francés y los independentistas argelinos. Francia está por estas fechas sumida en el caos, viendo cómo se derrumba su imperio colonial tras la pérdida de Indochina y con sucesivos intentos de golpe de estado a la IV República nacida tras la II Guerra Mundial. Los regímenes coloniales europeos representan ya un anacronismo insostenible, lo que provoca graves conflictos sociales y políticos. Ante esta situación, el legendario presidente francés Charles de Gaulle refunda el Estado proclamando la V República y decidiendo utilizar todos los recursos necesarios para mantener a Argelia bajo dominio francés. Así, la tropa de élite de los paracaidistas del ejército es enviada a Argel dando comienzo a una encarnizada guerra urbana sembrada de actos terroristas indiscriminados. La Casbah, el barrio viejo de la capital y feudo de las milicias argelinas, se convierte con su intrincado laberinto de callejuelas en el escenario de una batalla sin precedentes cuyos contendientes no están dispuestos a perder, cueste lo que cueste.

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Ficha técnica y artística

La Batalla de Argel (La Battaglia di Algeri). Italia, 1966, 121 min.

Dirección: Gillo Pontecorvo

Intérpretes: Jean Martin, Brahim Hadjadj, Ugo Paletti

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Crónica de El Maquinista

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Pozos de Ambición

2010-12-18T11:48:00.006+01:00

Comentario de POZOS DE AMBICIÓN

Tras debutar como director con "Sidney", Paul Thomas Anderson mostró todo su potencial cinematográfico con la estupenda "Boogie Nights", un relato sobre el lado oscuro de la industria de cine para adultos durante los años 70 y 80. Tras este reconocido trabajo, Anderson se embarcó en la coral y premiada "Magnolia", una densa red de historias personales entrelazadas que seguía el esquema narrativo ya utilizado en "Vidas Cruzadas" por Robert Altman. Después llegarían la personal "Punch-Drunk Love" y el largometraje que hoy nos ocupa, "Pozos de Ambición", un intenso viaje al fondo de la codicia y la destrucción. Al igual que en el resto de su filmografía, Anderson se ocupa aquí tanto de la labor de escritura del guión como de la dirección de la cinta, lo que le sitúa así dentro del pequeño grupo de cineastas actuales de renombre que dedican esfuerzos a ambas tareas (como Woody Allen, los Hermanos Coen o Terrence Malick). Sin embargo, "Pozos de Ambición" no sería lo que es sin la portentosa interpretación de Daniel Day-Lewis, un actor tremendamente selectivo con sus películas que lleva veinte años dando muestra de su talento ("En el Nombre del Padre", "The Boxer", "Gangs of New York").

El largometraje sigue los pasos del emprendedor Daniel Pleinview (Day-Lewis) en la industria del petróleo norteamericana a comienzos del siglo XX. Tras unos duros comienzos buscando y excavando yacimientos prácticamente en solitario, Pleinview se va consolidando como un exitoso empresario a la caza de pozos en el suroeste de EEUU. Sin embargo, la explotación de un prometedor yacimiento en una desolada región californiana le llevará a tomar el sendero de la autodestrucción personal. Enfrentado a un joven predicador local, su espíritu irá envenenándose de odio y rencor hasta convertirlo en un ser totalmente carcomido por la ambición, rebosante de dólares pero también de infinita amargura.

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Ficha técnica y artística

Pozos de Ambición (There Will Be Blood). EEUU, 2007, 158 min.

Dirección: Paul Thomas Anderson

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier

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Crónica de Atticus Finch

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Muerte entre las Flores

2010-12-12T19:29:00.004+01:00

Comentario de MUERTE ENTRE LAS FLORES

Tras iniciar con buen pie su andadura cinematográfica a mediados de los años 80, los hermanos Joel y Ethan Coen se consolidaron de forma importante con su tercer largometraje, "Muerte entre las Flores". La película supone un notable ejercicio de cine negro que contiene señales claras del particular estilo que los Coen desarrollarían en posteriores obras como "Fargo" o "No es País para Viejos". Así, este tándem creativo se ha convertido en referente del cine independiente norteamericano, con auténticas películas de culto como la magnífica "El Gran Lebowsky". Sin embargo, en ocasiones han realizado algún que otro trabajo más claramente comercial donde se echa de menos su sello de autor, el humor negro y sus personajes tan pintorescos como verídicos.

"Muerte entre las Flores" se centra en un grupo de personajes relacionados con el crimen organizado durante los años veinte del siglo pasado. Entre ellos se producen choques tanto por causas sentimentales como por la lucha de poder entre dos facciones mafiosas, una irlandesa y otra italiana. El reparto coral, encabezado por Albert Finney, Gabriel Byrne, John Polito y Marcia Gay Harden, forma un sólido conjunto interpretativo en un filme de impecable factura, donde la lealtad, las traiciones y los planes ocultos confluyen en la encrucijada donde todos ellos se encuentran.

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Ficha técnica y artística

Muerte entre las Flores (Miller's Crossing). EEUU, 1990, 115 min.

Dirección: Joel y Ethan Coen

Intérpretes: Albert Finney, Gabriel Byrne, Marcia Gay Harden

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Crónica de El Maquinista

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La Naranja Mecánica

2010-12-05T12:01:00.006+01:00

Comentario de LA NARANJA MECÁNICA

El año de 1968 marca probablemente un decisivo punto de inflexión en la carrera del director Stanley Kubrick, gracias al exitoso estreno de "2001, Una Odisea del Espacio". Con este largometraje Kubrick revolucionaba el género de ciencia-ficción tanto a nivel de efectos especiales como por la perspectiva adulta y compleja de su épico relato espacial. Su impacto fue tal que consagró definitivamente al realizador británico, el cual llevaba ya casi veinte años construyendo un sólida trayectoria cinematográfica con títulos tan importantes como "Senderos de Gloria" o "Espartaco". Aprovechando su nuevo estatus, Kubrick tendría la posibilidad de llevar a la gran pantalla historias tan perturbadoras y originales como la de su siguiente cinta, "La Naranja Mecánica" (1971), un trabajo que despertó grandes polémicas debido al tratamiento explícito de ciertas temáticas. A partir de este título la filmografía del director entraría en un periodo de producción más escasa, llegando a filmar sólo cinco películas más en las siguientes tres décadas: "Barry Lyndon" (1975), "El Resplandor" (1980), "La Chaqueta Metálica" (1986) y "Eyes Wide Shut" (1999).

"La Naranja Mecánica" sitúa al espectador en una Inglaterra distópica donde la sociedad ha entrado en un gran estado de decadencia moral. Alex es un joven que lidera una banda de drugos, un grupo de malas bestias cuyas diversiones consisten en practicar la llamada ultraviolencia con aquél que se cruce en su camino, asaltar viviendas y abusar sin descanso de las mujeres que encuentren en el lugar de sus fechorías. Un día, sin embargo, Alex es finalmente detenido por la policía y encarcelado. Ya en prisión es seleccionado como cobaya humana para un programa experimental del gobierno cuyo fin es acabar con los instintos violentos del ser humano a través de la Técnica Ludovico. Tras el brutal tratamiento basado en la sugestión y el condicionamiento de la propia personalidad, Alex es puesto en libertad para comprobar la eficacia del método, lo cual desencadenará una serie de acontecimientos extremos en la nueva vieja vida del muchacho.

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Ficha técnica y artística

La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange). Reino Unido-EEUU, 1971, 136 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates

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Crónica de HAL-9000

Forrest Gump

2010-11-27T20:41:00.003+01:00

Comentario de FORREST GUMP

Durante la década de los 80 el director Robert Zemeckis se consolidó como un eficiente realizador de buenas películas de entretenimiento bajo el apadrinamiento de Steven Spielberg ("Regreso al Futuro", "¿Quién Engañó a Roger Rabbit?"). En 1994 se adentró con enorme éxito en un territorio más adulto y complejo al dirigir la premiada "Forrest Gump", un maravilloso relato encabezado por Tom Hanks, Robin Wright y Sally Field. Su metraje abarca cuatro décadas de la historia contemporánea de EEUU, incluyendo acontecimientos y personajes clave de ese país durante aquellos años. Zemeckis intentaría proseguir su carrera en los 90 con cintas de calidad ("Contact", "Naúfrago") hasta que decidió dedicarse por entero a proyectos de animación en 3D, en los que lleva invertidos casi una década.

"Forrest Gump" sigue las peripecias vitales de un joven con leve deficiencia mental (Hanks) que da nombre a la película. Desde su niñez en un pequeño pueblo de Alabama, Forrest va creciendo y pasando por distintos lugares (la universidad, el ejército, Vietnam) mientras conoce a diversos personajes y forma parte, muchas veces de forma involuntaria, de hechos clave de la memoria colectiva norteamericana. A través de los años mantiene una especial relación con su muy mejor amiga Jenny (Robin Wright) a pesar de que sus caminos transiten en su mayor parte por direcciones diferentes. La estupenda banda sonora original del largometraje (de Alan Silvestri) se ve complementada con una gran recopilación de temas pertenecientes a aquellos años, formando una auténtica música vital de un tiempo y un país: Elvis Presley, Bob Dylan, Buffalo Springfield o The Byrds.

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Ficha técnica y artística

Forrest Gump. EEUU, 1994, 142 min.

Dirección: Robert Zemeckis

Intérpretes: Tom Hanks, Robin Wright, Sally Field, Gary Sinise

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Crónica de Atticus Finch

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La Dolce Vita

2010-11-21T11:38:00.004+01:00

Comentario de LA DOLCE VITA

El director italiano Federico Fellini edificó durante más de tres décadas una sólida carrera como cineasta que le ha valido para ser recordado como uno de los realizadores europeos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su andadura cinematográfica comienza a finales de los años 40 en una Italia que intentaba recuperarse de las heridas causadas durante la II Guerra Mundial. Por aquél entonces surge con fuerza en este país un estilo de cine bautizado como Neorrealismo, con directores tan emblemáticos como Vittorio De Sica ("El Ladrón de Bicicletas") o Roberto Rosellini ("Roma, Ciudad Abierta"). Fellini se une a esta corriente y colabora con Rosellini en el título antes mencionado, probablemente el más significativo de este movimiento cinematográfico. A comienzos de la década de los 50 Fellini consigue dirigir ya sus propios largometrajes dentro de la órbita neorrealista, como "La Strada" o "Las Noches de Cabiria", ambas protagonizadas por la actriz Giulietta Masina. En esta época también conoce al compositor Nino Rota, con quien desarrollaría una extensa colaboración. En 1960 cambia de registro al rodar "La Dolce Vita", lo que le llevará a desarrollar un nuevo estilo mucho más personal que mantendrá en el resto de sus trabajos, como en "Fellini 8 y 1/2" (1963) o "Amarcord" (1973). Los años 60 están también marcados por los papeles que concede en sus obras al actor Marcello Mastroiani, quien ejerce en ocasiones como un alter ego del propio director.

"La Dolce Vita" sigue los pasos de Marcello (Mastroiani), un joven periodista con ínfulas de escritor que se sumerge en la vida nocturna romana en búsqueda de noticias. Siguiendo a diferentes personajes, desde estrellas de cine a ricos burgueses decadentes, Marcello se ve atrapado en una vacía existencia de divertimento fácil y pasajero mientras en su interior van tomando forma dudas y preguntas acerca de su futuro.

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Ficha técnica y artística

La Dolce Vita. Italia, 1960, 175 min.

Dirección: Federico Fellini

Intérpretes: Marcello Mastroiani, Anita Ekberg, Anouk Aimée

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Crónica de El Maquinista

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Hijos de los Hombres

2010-11-14T20:35:00.004+01:00

Comentario de HIJOS DE LOS HOMBRES

Durante los últimos años ha surgido con fuerza un nutrido grupo de realizadores latinoamericanos que han conseguido importantes reconocimientos en el panorama cinematográfico mundial. Tal es el caso de los mejicanos Guillermo Arriaga, Alejandro Iñárritu, Guillermo del Toro o Alfonso Cuarón. Este último obtuvo un notable éxito en 2001 con "Y tu Mamá También", lo que le abriría las puertas de las grandes producciones norteamericanas. Así filmaría al poco tiempo la monumental película que es "Hijos de los Hombres", un apasionante relato de un futuro distópico rodado con gran virtuosismo por el director mejicano. Una de las mayores virtudes de este largometraje de ciencia-ficción es su ubicación temporal en un futuro tan cercano y verídico que parece acechar a la vuelta de la esquina. A esto se añade el indispensable componente de ficción que en este caso supone la persistente infertilidad de las mujeres, lo que ha ocasionado una catástrofe demográfica y la consecuente inexistencia de niños en el mundo. Tras veinte años sin nuevos nacimientos la raza humana se ve abocada inexorablemente a la extinción en un plazo de cinco o seis décadas, mientras los países se derrumban y el caos se apodera de la sociedad. Esta clase de largometrajes suelen basarse en relatos que recurren a algún tipo de factor desestabilizador para poder situar a la humanidad al borde del abismo: las epidemias en "Doce Monos", la superpoblación de "Cuando el Destino nos Alcance" o la prohibición de los libros en "Fahrenheit 451" son buenos ejemplos de ello.

"Hijos de los Hombres" ubica al espectador en una decadente Inglaterra en el año 2027 donde no existen personas menores de dieciocho años debido a una inexplicable infertilidad global de las mujeres. La sociedad se desmorona en un país estructurado como un estado semi policial donde surgen por doquier nuevos movimientos radicales, terroristas o mesianico-religiosos. Theo (Clive Owen) es un descreído funcionario londinense que asiste con resignación al progresivo colapso de la civilización. Uno de sus pocos placeres consiste en visitar a su amigo Jasper (Michael Caine), un antiguo caricaturista que vive apartado en una casa en medio del bosque. Sin mebargo, un día Theo es secuestrado por una organización insurgente comandada por su mujer (Julianne Moore), a la que hace veinte años que no veía. Esta le pide su ayuda para obtener un permiso de viaje para una joven muchacha inmigrante que guarda un enigmático secreto, con lo que Theo se verá involucrado en un proyecto que desencadenará unas consecuencias inimaginables.

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Ficha técnica y artística

Hijos de los Hombres (Children of Men). EEUU-Reino Unido, 2006, 109 min.

Dirección: Alfonso Cuarón

Intérpretes: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine

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Crónica de HAL-9000

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Dos en la Carretera

2010-11-07T14:34:00.004+01:00

Comentario de DOS EN LA CARRETERA

El director Stanley Donen inició su carrera cinematográfica a comienzos de la década de los 50 centrándose básicamente en el género musical, un tipo de películas que con la llegada del technicolor vivía una época dorada. Así, codirigió con gran éxito junto a Gene Kelly las famosas "Cantando Bajo la Lluvia" y "Un Día en Nueva York", para proseguir después en solitario con "Siete Novias para Siete Hermanos". En los siguientes años Donen comenzó a diversificar la temática de sus cintas e inició una fructífera colaboración profesional con Audrey Hepburn a lo largo de tres películas: "Una Cara con Ángel", "Charada" y la hoy comentada "Dos en la Carretera" (1967), una maravillosa obra de arte rebosante de ternura, veracidad y melancolía. Por aquél entonces Hepburn llevaba ya casi dos décadas en lo más alto de la cinematografía mundial. Tras iniciar brillantemente su carrera interpretativa en los 50 ("Vacaciones en Roma", "Sabrina", "Ariane"), los 60 supusieron una total consagración con largometrajes como "Desayuno con Diamantes", "La Calumnia" o "My Fair Lady". Sin embargo 1967 marca un punto y aparte en su trayectoria, ya que tras rodar ese año "Dos en la Carretera" y "Sola en la Oscuridad" Audrey se retiraría del cine por un largo periodo de nueve años, reapareciendo con una radiante madurez en 1976 en la crepuscular "Robin y Marian", junto a Sean Connery. Su dulce rostro, la calidad de sus interpretaciones y una innata elegancia la han consagrado como una de las actrices más importantes del siglo XX.

"Dos en la Carretera" relata la relación entre Joanna (Hepburn) y Mark (Albert Finney) a lo largo de doce años. Ambos se conocen de vacaciones en el norte de Francia. Mark es un estudiante de arquitectura que recorre mochila al hombro varias ciudades en busca de monumentos, mientras que Joanna viaja de excursión con un grupo de amigas de una agrupación coral. La cinta esta narrada de forma no lineal, por lo que los segmentos temporales se alternan sucesivamente a lo largo del metraje mostrando diferentes fases de su historia en común, del presente al pasado y viceversa. Todo ello relatado de manera hermosa y excepcional por un inspirado Stanley Donen detrás de la cámara.

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Ficha técnica y artística

Dos en la Carretera (Two for the Road). Reino Unido, 1967, 111 min.

Dirección: Stanley Donen

Intérpretes: Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleanor Bron

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Crónica de Atticus Finch

El Retorno del Jedi

2010-10-31T20:27:00.005+01:00

Comentario de EL RETORNO DEL JEDI

En 1983 George Lucas pone punto y final a su trilogía galáctica con "El Retorno del Jedi", convirtiéndose globalmente en el sexto acto de la épica saga. Precedida por dos películas monumentales como son "La Guerra de las Galaxias" (1977) y "El Imperio Contraataca" (1980), esta última entrega en el sentido cronológico de la historia se queda en un nivel de calidad ostensiblemente inferior al de sus mencionadas antecesoras. La madurez y la profundidad del relato logrados en el Episodio V se ven dolorosamente diluidos en un proceso de infantilización preocupante que afecta a gran parte del metraje de la cinta. De hecho supone una antesala del estilo que los espectadores se encontrarían en el Episodio I dirigido por Lucas dieciséis años después, en 1999. Pero a pesar de esa pueril simplificación de la trama, de los irritantes ewoks y de la excesiva abundancia de muñecos-peluche, este largometraje conserva los cimientos que han hecho inolvidable a esta saga cinematográfica: la plenitud total del cine de aventuras, la identificación interna con los personajes y el viaje iniciático del héroe mitológico. De la juventud a la madurez, de aprendiz a maestro. Todo ello condensado en el personaje de Luke Skywalker (Mark Hamill), la última esperanza del renacer de la orden Jedi en la galaxia y pieza clave en el verdadero eje narrativo del largometraje: la redención.

Así pues nos encontramos en una galaxia muy lejana dos años depués de los acontecimientos narrados en el Episodio V. Luke Skywalker (Hamill) y la Princesa Leia (Carrie Fisher), tras rescatar a Han Solo (Harrison Ford), se preparan para jugarse el todo por el todo contra el Imperio en una batalla decisiva. Sobre Skywalker recae además la responsabilidad de hacer renacer de sus cenizas a los caballeros Jedi y enfrentarse a su padre, Darth Vader. Una sinopsis que escrita sobre el papel provoca extrañeza, pero que trasladada al celuloide cobra vida y sentido. Mitología contemporánea que sigue los ancestrales pasos ya marcados por "La Iliada", "La Eneida" o "La Odisea".

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Ficha técnica y artística

El Retorno del Jedi (Return of the Jedi). EEUU, 1983, 134 min.

Dirección: Richard Marquand

Intérpretes: Mark Hamill, Carrie Fisher, Harrison Ford

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Crónica de El Maquinista

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L.A. Confidential

2010-10-23T20:43:00.003+02:00

Comentario de L.A. CONFIDENTIAL

La carrera cinematográfica del director Curtis Hanson ha seguido una trayectoria irregular ("La Mano que Mece la Cuna", "Jóvenes Prodigiosos") y muy probablemente será recordado en el futuro por el magnífico largometraje policiaco que representa "L.A. Confidential", una de las obras mayores de este género en el cine contemporáneo. Tomando como base la novela homónima de James Ellroy, Hanson recrea con maestría la sociedad y la atmósfera de la ciudad de Los Angeles a comienzos de los años 50. Un lugar en ebullición, próspero y lleno de oportunidades, pero también con un reverso oscuro y sórdido. El género de cine negro o policiaco por antonomasia pertenece a esa época (décadas de los 30, 40 y 50), donde reinaban los detectives de sombrero y gabardina, las mujeres fatales y los policías sin escrúpulos. El cine actual ha tratado de trasladar los códigos del género a un entorno moderno con resultados desiguales, pero rara vez se aventura a recrear la época originaria de este tipo de cine. Algunas excepciones sobresalientes a esto son "Chinatown", de Roman Polansky, "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" (el remake de Bob Rafelson) o la película hoy comentada.

Sin duda uno de los mayores atractivos del film reside en el magnífico retrato de los personajes centrales del relato, cada uno con múltiples facetas y lejos de estereotipos, lo que consigue construir personalidades sólidas y creíbles. Los tres policías al frente de la historia son un buen ejemplo: el veterano descreído y oportunista encarnado por Kevin Spacey, el eficiente y brutal agente al que da vida Russell Crowe (en su primer papel importante) y el idealista pero ambicioso recién llegado al cuerpo (Guy Pearce). Juntos se verán embarcados en un crimen que esconde mucho más de lo que parece y que se interna en las cloacas de Los Angeles: políticos corruptos, policías inoperantes, prostitución de lujo y prensa sensacionalista. Todo relatado sobre un absorbente guión filmado con un trepidante ritmo lleno de energía, y en el que también brillan con luz propia Kim Basinger, James Cromwell y Danny DeVito.

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Ficha técnica y artística

L.A. Confidential. EEUU, 1997, 138 min.

Dirección: Curtis Hanson

Intérpretes: Guy Pearce, Russell Crowe, Kevin Spacey, Kim Basinger

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Crónica de HAL-9000

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El Hombre que Mató a Liberty Valance

2010-10-17T10:39:00.005+02:00

Comentario de EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE

En 1962 el maestro John Ford no tenía que demostrar nada a nadie. A lo largo de más de veinticinco años de carrera ya había rodado la mayoría de sus obras cumbres, como "La Diligencia", "El Hombre Tranquilo" o "Centauros del Desierto". Sin embargo el realizador estadounidense filmó ese año la película monumental que supone "El Hombre que Mató a Liberty Valance", un nuevo punto de inflexión en el maravilloso género del western. Ford decidió recurrir a su eterno actor fetiche, John Wayne, para que formara junto al bueno de James Stewart una pareja de hombres capaz de doblegar al Mal encarnado en el personaje de Liberty Valance. Debido al tratamiento que se realiza de la historia, este largometraje abre las puertas al llamado western crepuscular, ya que ofrece una mirada desmitificadora, áspera y nostálgica de ese mundo. Una corriente que se desarrollaría completamente a finales de la década de los 60 y hasta nuestros días, con Sam Peckinpah ("Grupo Salvaje", "Pat Garret y Billy the Kid") y el Clint Eastwood maduro ("Sin Perdón", "El Jinete Pálido") como grandes exponentes.

De este modo la película nos sitúa en un remoto lugar del salvaje Oeste americano, donde el joven abogado Ransom Stoddard (Stewart) ha llegado en busca de fortuna. Sin embargo, es atracado en un camino y recibe una brutal paliza por parte del sádico cuatrero local Liberty Valance (interpretado de forma magistral por Lee Marvin). Una vez recuperado, Stoddard decide luchar contra Valance, quien se pasea impune por el pueblo, mediante el uso de la Ley. Con el mismo propósito de acabar con Valance se encuentra Tom Doniphon (Wayne), solo que éste apuesta decididamente por el uso de las armas, único medio aparentemente útil en esas tierras. Los tres forman un triángulo de personalidades opuestas en un ambiente crepuscular, situado entre lo salvaje y lo civilizado y en constante búsqueda de mitos: "En el Oeste, cuando la leyenda se convierte en realidad, escribimos la leyenda".

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Ficha técnica y artística

El Hombre que Mató a Liberty Valance (The Man who Shot Liberty Valance). EEUU, 1962, 123 min.

Dirección: John Ford

Intérpretes: James Stewart, John Wayne, Lee Marvin, Vera Miles

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Crónica de Atticus Finch

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Una Historia de Violencia

2010-10-10T19:08:00.005+02:00

Comentario de UNA HISTORIA DE VIOLENCIA

En el mundo del cine pululan algunos directores que, debido a su estilo o a la temática de sus largometrajes, le producen a este cronista una profunda aversión. Entre los más conocidos que pertenecen a este grupo se encuentran por ejemplo el austriaco Michael Haneke y el canadiense David Cronenberg. El primero es considerado como uno de los directores europeos más prominentes ("Funny Games", "Caché", "La Cinta Blanca"), pero al que esto suscribe le exaspera su mirada estoica y la fascinación que muestra por los relatos malsanos. Respecto a Cronenberg, su caso es digno de estudio, ya que su extravagante trayectoria como cineasta durante treinta años le ha granjeado un buen número de seguidores (hay gente para todo). Este director se ha movido tradicionalmente por un terreno plagado de freaks e historias raras: "Videodrome", "La Mosca" o "Inseparables" son buena muestra. Sin embargo, para satisfacción general, Cronenberg cambió de rumbo hace un lustro al filmar la gran obra que es "Una Historia de Violencia", lo cual se vería confirmado poco después con la no menos estupenda "Promesas del Este". Ambas están protagonizadas por Viggo Mortensen y parecen mostrar el camino por el que continuará este realizador durante los próximos años, definitivamente alejado de su anterior universo underground.

Así, "Una Historia de Violencia" deja meridianamente claro su argumento con un título directo y sin miramientos, tal y como el relato es filmado. Tom Stall (Mortensen) es un pacífico dueño de una cafetería en una tranquila localidad de Indiana, en Estados Unidos. Pero una noche la violencia más primitiva se hace presente en su local en forma de un brutal atraco. A partir de ese hecho Tom adquiere reconocimiento gracias a los informativos y recibe la inesperada visita de unas enigmáticas personas que afirman conocerle. Según ellos Tom no es quien dice ser, sino un hombre mucho más oscuro y con un pasado turbulento. Poco a poco la tensión comienza a corroer a Tom, su familia y a toda la comunidad, a la espera de que se desate la tormenta. Siguiendo la estela del maestro Sam Peckinpah en "Perros de Paja", Cronenberg muestra los resortes de la violencia innata del hombre y cómo se desencadenan los instintos más primarios cuando uno se encuentra acorralado.

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Ficha técnica y artística

Una Historia de Violencia (A History of Violence). EEUU, 2005, 97 min.

Dirección: David Cronenberg

Intérpretes: Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris

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Crónica de Atticus Finch

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El Padrino, parte II

2010-10-03T12:53:00.004+02:00

Comentario de EL PADRINO, PARTE II

Durante la década de los años 70 el director Francis Ford Coppola parecía encaminado a dejar una profunda huella en la historia del cine. En un periodo de tiempo inferior a diez años realizó cuatro películas consideradas obras mayores de la cinematografía contemporánea: "El Padrino" (1972), "La Conversación" (1974), "El Padrino, parte II" (1974) y "Apocalypse Now" (1979). Sin embargo la calidad de sus largometrajes se fue diluyendo a lo largo de la siguiente década hasta su práctica inactividad actual. No se sabe si el enorme esfuerzo de esos años mágicos le han pasado factura o simplemente no ha vuelto a encontrar el toque que diferencia a los buenos realizadores de los maestros. Conviene eso sí recordar que tras la devacle financiera que para él supuso "Corazonada" (1982), se vio obligado a dirigir durante años varias películas de encargo de una calidad inferior. A pesar de ello su talento siguió brillando ocasionalmente en filmes como "La Ley de la Calle", "Drácula de Bram Stocker" o "El Padrino, parte III", y nadie podrá arrebatarle nunca su estatus de figura clave del cine contemporáneo.

"El Padrino II" es probablemente, junto con "El Imperio Contraataca", uno de los excepcionales casos donde la secuela es tan buena o más que la película original. La estructura narrativa se vuelve ahora mucho más compleja, ya que alterna dos líneas argumentales. Por un lado asistimos a la llegada del joven Vito Corleone a América, la lucha de éste por sobrevivir y su progresiva ascensión en el crimen organizado hasta alcanzar el puesto de Padrino. Por otra parte se retoma la historia donde acabó la primera entrega, con Michael Corleone tomando las riendas de la Familia y precipitándose a un abismo de autodestrucción moral y personal. Ambos relatos se complementan perfectamente al ritmo de la excepcional banda sonora de Nino Rota.

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Ficha técnica y artística

El Padrino, parte II (The Godfather, part II). EEUU, 1974, 200 min.

Dirección: Francis Ford Coppola

Intérpretes: Al Pacino, Robert de Niro, Diane Keaton, Robert Duvall

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Crónica de El Maquinista

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La Última Cruzada

2010-09-25T10:58:00.004+02:00

Comentario de LA ÚLTIMA CRUZADA

A finales de 1977 dos jóvenes cineastas se relajaban en una isla de Hawaii tras un año muy productivo para ambos. Uno era George Lucas, que acababa de asombrar al mundo con su aventura de épica espacial "La Guerra de las Galaxias". El otro, nada menos que un Steven Spielberg aclamado por la fantasiosa "Encuentros en la Tercera Fase". Los dos amigos iban a crear durante sus vacaciones hawaiianas un nuevo personaje que marcaría un hito en el cine de aventuras: Indiana Jones. Este héroe moderno, profesor universitario los días laborables e intrépido arqueólogo los fines de semana, supondría la consagración del tándem Spielberg-Lucas. El primero ejercería de director mientras el segundo se encargaba de las labores de producción, roles que se han mantenido durante las cuatro películas de Indiana: "En Busca del Arca Perdida" (1981), "El Templo Maldito" (1984), "La Última Cruzada" (1989) y "El Reino de la Calavera de Cristal" (2008). Son el primer y el tercer título los que suponen auténticas obras de arte cinematográficas y por las que será siempre recordado el personaje encarnado por un extraordinario Harrison Ford.

Así pues, "La Última Cruzada" nos sitúa junto al doctor Jones en una nueva aventura frente a los nazis. El objetivo esta vez será hacerse con el Santo Grial en tierras de Oriente Próximo antes de que caiga en manos de las huestes hitlerianas. Pero esta vez al héroe del sombrero fedora le acompañará su exquisito y flemático padre, un magnífico Sean Connery. Juntos recorrerán mil peligros de Venecia a Petra pasando por Berlín, en un viaje apoteósico y redentor para la complicada relación paterno-filial de los Jones. Cabe destacar que Indy pertenece a ese puñado de personajes cinematográficos que disfrutan de la total complicidad del espectador, por lo que es capaz de las más inverosímiles hazañas sin que se ponga en duda la veracidad de la escena, en un estatus parecido al de James Bond. Spielberg dirige con maestría este largometraje dejando bien claro que conoce todos los recovecos de la personalidad del protagonista, apoyándose eso sí en un maravilloso guión. La gran banda sonora de John Williams, interiorizada ya como parte esencial de la saga, hace vibrar de emoción en cada visionado. A mencionar también la gran química entre Ford y Connery, perfectos en sus papeles.

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Ficha técnica y artística

La Última Cruzada (The Last Crusade). EEUU, 1989, 127 min.

Dirección: Steven Spielberg

Intérpretes: Harrison Ford, Sean Connery, Alison Doody

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Crónica de El Maquinista

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Solo ante el Peligro

2010-09-18T20:32:00.004+02:00

Comentario de SOLO ANTE EL PELIGRO

A mediados del siglo pasado el director austriaco Fred Zinnemann se consagró con una de las películas más legendarias del séptimo arte, "Solo ante el Peligro". Con el tiempo filmaría otras grandes obras, como "De Aquí a la Eternidad", "El Día del Chacal" o "Un Hombre para la Eternidad". En el largometraje de hoy, Zinnemann nos sitúa en un recóndito pueblo del Oeste americano a las diez y media de la mañana, donde el íntegro sheriff Will Kane (Gary Cooper) acaba de entregar la placa para retirarse a vivir a un rancho con su joven esposa (Grace Kelly). Pero llega un telegrama que va a desatar la alarma en el pueblo: el cuatrero Frank Miller, al que Kane arrestó recientemente, ha sido indultado por un juez y se acerca en el tren de las doce en busca de venganza. Su banda le aguarda en la estación y una vez reunidos piensan encontrar a Kane y matarlo. A pesar de que todo el mundo le apremia para que huya cuanto antes, Kane decide quedarse para hacer frente a Miller y defender las calles. A partir de este momento la película está narrada en tiempo real, mostrando la carrera contrarreloj del sheriff para reclutar voluntarios que le ayuden en el inminente combate. Sin embargo descubre con estupefacción la naturaleza más ruin de la condición humana al encontrarse con que la mayoría del pueblo le da la espalda, bien por indiferencia, miedo o cobardía. Kane está literalmente solo ante el peligro y a las doce del mediodía habrá de enfrentarse a la brutal banda de criminales en completa soledad.

La narración del relato crea una atmósfera de creciente tensión a través de un preciso montaje, obra de Elmo Williams, que muestra multitud de relojes indicando los minutos que faltan para la hora señalada. A su vez, la banda sonora de Dimitri Tiomkin acompaña de forma impecable la historia. El reparto está encabezado por un colosal Gary Cooper y una joven Grace Kelly que debutaba en el cine. Mención aparte merece el magnífico guión de Carl Foreman, ya que todo el relato es una parábola de la caza de brujas del infausto senador McCarthy y de la situación personal del propio Foreman cuando fue llamado a declarar al Comité de Actividades Antiamericanas. Debido a sus supuestas simpatías comunistas fue incluido en las listas negras de Hollywood y sumido en el ostracismo profesional, por lo que no pudo volver a trabajar en su país. Años después firmaría desde Inglaterra y bajo seudónimo el guión de la premiada "El Puente sobre el Río Kwai".

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Ficha técnica y artística

Solo ante el Peligro (High Noon). EEUU, 1952, 84 min.

Dirección: Fred Zinnemann

Intérpretes: Gary Cooper, Grace Kelly, Lon Chaney

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Crónica de Atticus Finch

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El Lector

2010-09-11T10:38:00.006+02:00

Comentario de EL LECTOR

El director británico Stephen Daldry debutó en el mundo de la realización hace una década con la exitosa "Billy Elliot", relato de las inquietudes artísticas de un joven inglés en un desolado pueblo minero. A esta le siguió la producción norteamericana "Las Horas", excelente drama femenino en tres líneas temporales conectadas por la obra de la escritora Virginia Woolf. Su reparto, encabezado por Meryl Streep, Julianne Moore y Nicole Kidman era sencillamente espectacular. De esta manera llegamos al más reciente trabajo de Daldry, la hoy comentada "El Lector".

Este largometraje nos cuenta el romance de un joven estudiante (David Kross) con una misteriosa mujer mayor que él (Kate Winslet) en la Alemania Occidental de los años 50. En otro eje temporal la historia sigue al protagonista masculino en la actualidad (Ralph Fiennes), mientras sus recuerdos van completando el relato hasta que ambas líneas argumentales se encuentran brillantemente al final. La película supone un excelente trabajo cinematográfico, repleto de emociones contenidas y con buen pulso narrativo. Fiennes es todo un experto a la hora de componer personajes dramáticos rodeados de un aura de melancolía, como ha dejado patente en estupendos filmes ("El Paciente Inglés", "El Fin del Romance", "El Jardinero Fiel", etc). Por otra parte, Kate Winslet es sencillamente una actriz de un talento tan inmenso que puede hacer creíble cualquier papel ("Sentido y Sensibilidad", "Olvídate de Mi", "Little Children", "Iris", por mencionar algunos). En definitiva, una película altamente recomendable de un director del que esperamos con ilusión su próximo proyecto.

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Ficha técnica y artística

El Lector (The Reader). EEUU-Alemania, 2009, 124 min.

Dirección: Stephen Daldry

Intérpretes: Kate Winslet, Ralph Fiennes, David Kross

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Crónica de El Maquinista

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Mejor Imposible

2010-09-05T22:04:00.005+02:00

Comentario de MEJOR IMPOSIBLE

Hasta que dirigió la película hoy reseñada, el cineasta James L. Brooks era principalmente conocido por su premiada "La Fuerza del Cariño", donde había reunido con éxito a Jack Nicholson, Shirley MacLaine y Debra Winger. Para "Mejor Imposible" volvió a contar con su actor fetiche, Jack Nicholson, para que diera vida al inolvidable Melvin Udall. Con este novelista de éxito, insoportable, cascarrabias y completamente maniático, Nicholson compuso uno de sus mejores personajes cinematográficos (que son muchos). Su esfuerzo interpretativo se vio recompensado con multitud de premios y le coronó con su tercer Oscar. Por otro lado, la película es una excelente comedia dramática que se unió así al amplio grupo de buenos largometrajes del coloso estadounidense: "Chinatown", "Easy Rider", "Alguien Voló Sobre el Nido del Cuco", "El Resplandor", "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" o "El Honor de los Prizzi", por mencionar algunas.

Nicholson es acompañado en el largometraje por un estupendo reparto en el que sobresalen Helen Hunt, Greg Kinnear y Cuba Gooding Jr. La primera da vida a la camarera de la cafetería donde acude a comer Melvin, mientras que Kinnear encarna al vecino homosexual de éste. Los tres conforman el trío protagonista de este film dirigido con suma pericia por Brooks, el cual alterna con gran habilidad los momentos cómicos y dramáticos que rodean la peculiar vida de este personaje inclasificable.

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Ficha técnica y artística

Mejor Imposible (As Good As It Gets). EEUU, 1997, 138 min.

Dirección: James L. Brooks

Intérpretes: Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear

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Crónica de Atticus Finch

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El León en Invierno

2010-08-28T19:22:00.004+02:00

Comentario de EL LEÓN EN INVIERNO

Basada en la obra teatral homónima de Jerry Goldman, "El León en Invierno" presenta las complicadas relaciones de amor-odio en la familia del rey Enrique II de Inglaterra. El poderoso monarca, próximo ya a la vejez, ha decidido reunir a sus tres hijos en el castillo de Chinon para comunicarles el nombre del sucesor a la corona. También manda traer a su esposa Leonor de Aquitania, a la que ha tenido diez años encerrada en una fortaleza inglesa. Cuando toda la familia está finalmente reunida comienzan las conspiraciones y las traiciones. Ningún hijo se resigna a perder la oportunidad de lograr el trono, aunque sea preciso recurrir al chantaje o alianzas con el enemigo. Enrique ve así peligrar el futuro de su gran reino mientras se pregunta qué errores ha cometido para llegar a esa situación de puro caos.

El largometraje presenta una excelente factura a cargo de su director, Anthony Harvey. Los diálogos están adaptados al cine por el propio Goldman, quien pocos años después escribiría otro estupendo guión para "Robin y Marian", de Richard Lester. Por otra parte, el reparto cuenta con grandes intérpretes. Peter O´Toole y Katharine Hepburn encarnan a Enrique y Leonor, los cuales intercambian fuertes combates dialécticos y complices recuerdos. Un joven Anthony Hopkins se mete en la piel del hijo primogénito, Ricardo (futuro Corazón de León), mientras que Nigel Terry da vida al benjamín Juan Sin Tierra. A destacar también la banda sonora de la película, obra de John Barry.

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Ficha técnica y artística

El León en Invierno (The Lion in Winter). Reino Unido, 1968, 134 min.

Dirección: Anthony Harvey

Intérpretes: Peter O´Toole, Katharine Hepburn, Anthony Hopkins

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Crónica de El Maquinista

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El Secreto de sus Ojos

2010-08-21T11:16:00.004+02:00

Comentario de EL SECRETO DE SUS OJOS

La película hoy comentada supone el trabajo más reciente del director argentino Juan José Campanella. Este autor ya se había situado previamente como uno de los realizadores sudamericanos más interesantes de la actualidad gracias a títulos como "El Mismo Amor, la Misma Lluvia", "El Hijo de la Novia" o "Luna de Avellaneda". Así, la gran obra que es "El Secreto de sus Ojos" no hace sino confirmar las altas expectativas creadas. Para su nuevo largometraje, Campanella recurre a su actor fetiche, Ricardo Darín, al que acompañan Soledad Villamil y Guillermo Francella. Este trío protagonista, más el resto de los actores, componen un reparto de una calidad excepcional.

La estructura narrativa de la película se encuentra dividida en dos partes. La primera nos sitúa en la actualidad, donde Benjamín (Darín), recién jubilado como agente de la justicia federal, trata de escribir el relato sobre un brutal crimen que investigó en 1974. En aquellas fechas también conoció a Irene (Villamil), lo que constituye la segunda línea argumental. Así, las dos tramas principales (policiaca y sentimental) nacen y evolucionan en un periodo temporal de veinticinco años, desde la juventud y los albores de la dictadura militar a la reposada sabiduría de la madurez. Es un hecho muy interesante el tratamiento de ese periodo negro (1976-1983), ya que la dictadura nunca es mencionada explícitamente pero sobrevuela continuamente sobre el relato, en especial en la parte de 1974, donde se palpa un embrutecimiento terrible de la sociedad y los cuerpos de seguridad. Algo semejante ocurría en "Kamchatka" (Marcelo Piñeyro).

El resultado global es un largometraje excepcional que da fe de la buena salud del cine argentino, cinematografía que desde hace más de una década lleva proporcionando obras muy interesantes a cargo de directores como Daniel Burman, Marcelo Piñeyro o el propio Campanella.

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Ficha técnica y artística

El Secreto de sus Ojos. Argentina, 2009, 126 min.

Dirección: Juan José Campanella

Intérpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella

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Crónica de Atticus Finch

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El Día de los Tramposos

2010-08-14T12:58:00.004+02:00

Comentario de EL DÍA DE LOS TRAMPOSOS

En los salvajes territorios del lejano Oeste viven dos hombres antagónicos destinados a encontrarse tarde o temprano. Uno es Paris Pitman, astuto y despiadado criminal que ha cabalgado a lo largo y ancho del país en busca de innumerables botines. Su némesis no es otro que el sheriff Lopeman, persona recta e íntegra, defensora de la ley y de espíritu humanista. Ambos habrán de coincidir en una recóndita prisión perdida en el desierto de Arizona, uno como preso, el otro como alcaide. Pitman buscará sin descanso controlar a los reclusos para planear su fuga del penal, mientras que el idealista Lopeman intentará por todos los medios reformar la insalubre institución a fin de lograr su objetivo: rehabilitar prisioneros para convertirlos en personas.

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Ficha técnica y artística

El Día de los Tramposos (There was a Crooked Man). EEUU, 1970, 126 min.

Dirección: Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes: Kirk Douglas, Henry Fonda, Warren Oates

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Crónica de El Maquinista

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La Caza del Octubre Rojo

2010-08-07T13:46:00.003+02:00

Comentario de LA CAZA DEL OCTUBRE ROJO

Sobre las frías aguas del norte de Rusia ha emergido una de las máquinas más poderosas que el mundo haya conocido, el submarino nuclear soviético Octubre Rojo. De dimensiones colosales, en su interior oculta un devastador arsenal bélico capaz de sembrar la destrucción allá donde se proponga. Su capitán, el veterano Marko Ramius, desobedeciendo órdenes de Moscú, ha decidido cruzar el Atlántico y dirigirse hacia las costas estadounidenses con intenciones desconocidas. Invisible a los sistemas de detección convencionales, el submarino avanza sin descanso a través de las profundidades oceánicas perseguido por toda la flota soviética mientras en Washington comienzan a saltar las alarmas. Las dos superpotencias pueden estar a las puertas de la temida guerra y todo depende del desafío lanzado por un solo hombre. La caza del Octubre Rojo ha comenzado.

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Ficha técnica y artística

La Caza del Octubre Rojo (The Hunt for Red October). EEUU, 1990, 134 min.

Dirección: John McTiernan

Intérpretes: Sean Connery, Alec Baldwin, Sam Neill, Scott Glenn

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Crónica de Atticus Finch

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El Señor de los Anillos

2010-08-01T10:58:00.003+02:00

Comentario de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

Las leyendas de la Tierra Media hablan del señor oscuro Sauron y del anillo maestro que le concedería el poder para esclavizar el mundo entero. Perdido durante siglos, la preciada joya ha llegado finalmente a manos de la criatura menos pensada, un pacífico hobbit de La Comarca. Pero Sauron, emergiendo de entre las sombras, ha comenzado a movilizar a sus tropas para encontrar el anillo y matar a su portador. La oscuridad avanza sin descanso a través de los caminos mientras retumban los tambores de una guerra inevitable. Ante la terrible amenza que se cierne sobre ellos, las razas de los hombres, elfos y enanos deciden unir fuerzas y designar a un grupo de guerreros que acompañe al joven hobbit a los dominios de Sauron, a fin de destruir el anillo allí donde fue forjado. Con los enemigos pisándoles los talones, la heterogénea comunidad habrá de emprender su épico viaje rumbo al corazón de las tinieblas, el único lugar donde poder destruir las raices del Mal que los persigue.

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Ficha técnica y artística

El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings). Nueva Zelanda-EEUU, 2001, 178 min.

Dirección: Peter Jackson

Intérpretes: Ian Mckellen, Viggo Mortensen, Elijah Wood

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Crónica de Kodama

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The French Connection

2010-07-25T22:24:00.003+02:00

Comentario de THE FRENCH CONNECTION

A comienzos de los años 70 la ciudad de Nueva York se hunde lenta pero inexorablemente en el fango del crimen organizado. El sueño americano ha saltado por los aires mientras el tejido social del país se agrieta sin remedio víctima del desconcierto reinante. La situación se ha visto seriamente empeorada con el reciente desembarco en la metrópoli de la mafia marsellesa, un despiadado clan dedicado a toda clase de actividades ilegales que constituye la llamada conexión francesa. Sin embargo, un puñado de agentes del cuerpo de policía se ha conjurado para plantar batalla a estos criminales y limpiar las calles de la ciudad cueste lo que cueste. Frente a ellos se erige así un demoledor desafío plagado de obstáculos y peligros donde habrán de jugarse mucho más que sus placas.

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Ficha técnica y artística

The French Connection. EEUU, 1971, 104 min.

Dirección: William Friedkin

Intérpretes: Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando Rey

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Crónica de El Maquinista

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La Chaqueta Metálica

2010-07-18T18:40:00.009+02:00

Comentario de LA CHAQUETA METÁLICA

Cuando los nuevos reclutas cruzaron el umbral del campamento de instrucción de marines, sin saberlo en ese momento, acababan de penetrar en un universo diferente que se regía por códigos totalmente desconocidos para ellos. Se trataba de un lugar dirigido por mentes desquiciadas donde reinaba el disparate perpetuo y las normas absurdas. El objetivo no consistía en formar buenos soldados, sino fabricar en serie máquinas de matar deshumanizadas, auténticos ministros de la muerte de gatillo fácil. Concebían el fusil como una parte más de la anatomía y la humillación algo consustancial a su propia naturaleza. La guerra se había trivializado hasta límites extremos para presentarla como una experiencia más en la rutina de la juventud norteamericana. Ya no era por tanto tiempo para los libros o el deporte, sino para las balas enfundadas en su brillante chaqueta metálica, listas para ser disparadas por una nueva hornada de muchachos en aquél lejano país llamado Vietnam.

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Ficha técnica y artística

La Chaqueta Metálica (Full Metal Jacket). Reino Unido-EEUU, 1987, 116 min.

Dirección: Stanley Kubrick

Intérpretes: Matthew Modine, Lee Ermey, Vincent d´Onofrio

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Crónica de HAL-9000

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Doce Hombres sin Piedad

2010-07-13T22:43:00.004+02:00

Comentario de DOCE HOMBRES SIN PIEDAD

Son doce ciudadanos anónimos elegidos al azar entre el pueblo, doce desconocidos que jamás se han visto y que probablemente no volverán a cruzar sus caminos. Por delante tienen una maratoniana jornada que pasarán encerrados en la misma habitación debatiendo la razón que les ha traído allí: la gran responsabilidad de decidir el futuro de un hombre como miembros del jurado popular. Tras haber escuchado pacientemente a la acusación, la defensa y los testigos, es hora de reunirse y alcanzar el veredicto final por unanimidad. Lo que en principio parecía un crimen sin escrúpulos se va tornando en un confuso acontecimiento oculto entre las sombras. La duda razonable remuerde la conciencia mientras se lucha contra los prejuicios y las suposiciones baratas. La tensión se palpa, el calor sofoca y la atmósfera se torna irrespirable; los duelos dialécticos se suceden lanzando cargas de profundidad. No hay salida hasta que encuentren en ellos mismos los valores humanos indestructibles: la integridad, la honradez, la coherencia, la razón... , aunque eso suponga a cada uno enfrentarse a sus temidos demonios.

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Ficha técnica y artística

Doce Hombres sin Piedad (Twelve Angry Men). EEUU, 1957, 96 min.

Dirección: Sidney Lumet

Intérpretes: Henry Fonda, E. G. Marshall, Jack Warden

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Crónica de Atticus Finch

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Wyatt Earp

2010-07-06T20:33:00.004+02:00

Comentario de WYATT EARP

Los vastos territorios del Oeste americano eran hace tiempo tierras por descubrir y conquistar, destino de millares de seres dispuestos a trabajar duro para labrarse un futuro mejor. Hectárea a hectárea, casa a casa, los pioneros consiguieron dominar las llanuras salvajes y forjar en ellas verdaderos hogares. Sin embargo pronto sufrieron las embestidas de hombres sin escrúpulos y criminales impunes que asolaron estos parajes convirtiéndolos en lugares sin ley. Wyatt Earp decidió hacerles frente en un recóndito pueblo de Arizona hasta las últimas consecuencias. No se trataba de un héroe homérico surgido de la nada, sino de un hombre de carne y hueso sensible a las balas y el dolor. Un ser de múltiples recovecos pero de fuerte espíritu, capaz de desafíar cara a cara al destino mirándolo a los ojos.

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Ficha técnica y artística

Wyatt Earp. EEUU, 1994, 191 min.

Dirección: Lawrence Kasdan

Intérpretes: Kevin Costner, Dennis Quaid, Gene Hackman

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Crónica de HAL-9000

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La Venganza de los Sith

2010-06-29T20:54:00.005+02:00

Comentario de LA VENGANZA DE LOS SITH

Tras dos años de guerra contra las fuerzas separatistas, la República Galáctica está a punto de derrotar al enemigo. Con ello se pone fin a una contienda bélica de proporciones colosales que ha movilizado a millones de tropas, androides y caballeros Jedi, entre ellos Obi-Wan Kenobi y Anakin Skywalker. Pero una amenaza mucho más terrible se cierne sobre la galaxia procedente de las sombras: los guerreros Sith, tras años de paciente espera, van a hacerse con el poder y exterminar a toda la orden Jedi. Para ello la pieza clave son los miedos del joven Skywalker que harán que éste sucumba al Lado Oscuro y se convierta en un ángel caído mitad máquina y mitad humano. Es por tanto la hora de la decisiva confrontación entre los dos lados de la Fuerza que traerá consigo el fin de una era y el comienzo del tenebroso Imperio. Sin embargo, una pequeña esperanza de renacimiento ha de sobrevivir escondida. Aquella que, llegado el momento adecuado, empuñe la espada láser siguiendo los caminos de la Fuerza y desafíe a las tinieblas, sola ante el Universo.

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Ficha técnica y artística

La Venganza de los Sith (Revenge of the Sith). EEUU, 2005, 140 min.

Dirección: George Lucas

Intérpretes: Ewan McGregor, Natalie Portman, Hayden Christensen

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Crónica de El Maquinista

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El Golpe

2010-06-23T20:22:00.005+02:00

Comentario de EL GOLPE

Tras perder a un buen amigo a manos del jefe mafioso Doyle Lonnegan, el joven Johnny decide vengarse de éste arrebatándole su bien más preciado, el dinero. Consciente de que sus habilidades de ladronzuelo de barrio no son suficientes para semejante tarea, decide buscar ayuda aliándose con unos timadores profesionales especializados en golpes maestros. Juntos trazan un cuidadoso plan para estafar una fortuna al criminal con las apuestas, para lo cual primero deben tomar contacto con él, ganarse su confianza y, finalmente, llevarlo de la mano hasta la trampa. Todo ello constituye un delicado y preciso engranaje en el que cada hombre es una pieza irremplazable y la acción una partida de póker donde se juega con las cartas marcadas. En esta mesa todos los jugadores son tramposos.

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Ficha técnica y artística

El Golpe (The Sting). EEUU, 1973, 129 min.

Dirección: George Roy Hill

Intérpretes: Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw

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Crónica de Atticus Finch

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Lo que Queda del Día

2010-06-12T19:24:00.004+02:00

Comentario de LO QUE QUEDA DEL DÍA

Durante muchos años Stevens ha vivido en un mundo meticulosamente organizado y preciso como jefe del servicio en la casa de Lord Darlington. Sus horarios, costumbres e ideas han permanecido inalterados a lo largo del tiempo como un minucioso engranaje de relojería, creando una burbuja impermeable a su alrededor. La devoción por su trabajo le ha llevado al extremo de convertirse prácticamente en un autómata obligado a reprimir cualquier sentimiento que considere inadecuado para el correcto ejercicio de su labor. Sin embargo, su armadura comienza a agrietarse cuando la señora Kenton entra a formar parte del servicio como ama de llaves, ya que Stevens empieza a experimentar un profundo cariño hacia ella que trata de evitar e ignorar. Así, engullido por un estilo de vida de formas anacrónicas condenado a la desaparición, Stevens decide asistir imperturbable al hundimiento de un microcosmos del que tan sólo quedarán meros restos esparcidos por su memoria.

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Ficha técnica y artística

Lo que Queda del Día (The Remains of the Day). EEUU-Reino Unido, 1993, 134 min.

Dirección: James Ivory

Intérpretes: Anthony Hopkins, Emma Thompson, James Fox

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Crónica de El Maquinista

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El Nombre de la Rosa

2010-06-05T17:51:00.004+02:00

Comentario de EL NOMBRE DE LA ROSA

En un recóndito monasterio medieval perdido entre las montañas ha tenido lugar un terrible crimen. Uno de sus monjes ha perdido la vida en extrañas circunstancias y se sospecha que hay un asesino viviendo debajo de algún hábito. El miedo carcome los cimientos de la abadía tornando su atmósfera irrespirable, por lo que la Iglesia decide enviar allí al franciscano Guillermo de Baskerville para aclarar el misterio. El fraile, hombre sabio portador de luz en tiempos oscuros, comienza su investigación en un ambiente de hostilidad y recelo, intentando desentrañar los secretos ocultos en el laberíntico monasterio. Mientras nuevas muertes sacuden la comunidad, Fray Guillermo se encomienda a su fe y a la razón para poder salir airoso de semejante prueba, consciente de que a veces los caminos del Señor son del todo inescrutables.

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Ficha técnica y artística

El Nombre de la Rosa (The Name of the Rose). Francia-Italia, 1986, 130 min.

Dirección: Jean-Jacques Annaud

Intérpretes: Sean Connery, Christian Slater, Feodor Chaliapin Jr.

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Crónica de Atticus Finch

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